INSTITUTO POLITÉCNICO NACIONAL

“La Técnica al Servicio de la Patria”

TRABAJO DE INVESTIGACIÓN
BARROCO E ILUSTRACIÓN

PROFESOR:
NORALMA TOY GÓMEZ

ARTE, CULTURA Y SOCIEDAD

GRUPO: 1AV12

ALUMNOS:
CASTRO CURTIDOR GISELA
JACOBO CHÁVEZ EDGAR ALEJANDRO
RIVERO SÁNCHEZ JAQUELINE
ZARTILLO MORÓN BRIAN SAHUR
 BARROCO E ILUSTRACIÓN

PERIODO BARROCO
Barroco. Período de la historia en la Cultura Occidental que produjo obras en el campo de la Literatura, la
Escultura, la Pintura, la Arquitectura, la Danza y la Música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750
aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la Iglesia
Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron
una nueva ciencia y una religión discrepante dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante.
La popularidad y éxito de este estilo fueron animados por la Iglesia Católica Apostólica Romana que había
decidido en el momento del Concilio de Trento, en la contestación a la Reforma protestante, que las artes
debían comunicar los temas religiosos en el envolvimiento directo y emocional. La aristocracia también vio el
estilo dramático de arquitectura Barroca y arte como un medio de impresionar a los visitantes y expresar su
poder triunfante y mando. Estéticamente, el Barroco se caracterizó, en líneas generales, por la complicación de
las formas y el predominio del ingenio y el arte sobre la armonía de la naturaleza, que constituía el ideal
renacentista. Las corrientes principales de la poesía del siglo XVII se pueden enmarcar en el culteranismo y el
conceptismo que surgen de la necesidad de algunos poetas por innovar y renovar el lenguaje poético culto del
Renacimiento.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

ORIGEN
El periodo denominado barroco transcurre entre los siglos XVII y XVIII y el vocablo con que se denomina fue
inventado por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes en la época señalada, es decir, los
artistas que generaban dicho estilo.
Según el Diccionario inglés Oxford, la palabra barroco se deriva de la palabra portuguesa "barroco", en español
"barrueco", o francés " baroque" que significan "perla imperfecta o irregular". Barlocco o brillocco, palabras
antiguas y similares son usada en el dialecto romano con el mismo sentido.
También es conocido como barro-coco. Otra interpretación se deriva del sustantivo Baroco, usado en tono
sarcástico y polémico para indicar un modo de razonar artificioso y pedante. En ambos casos el término expresa
el concepto de artificio confuso e impuro, de engaño, de capricho de la naturaleza, de extravagancia del
pensamiento.
Este término se usó inicialmente con un significado derogatorio, subrayar los excesos de su énfasis, a diferencia
de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII). En particular, el término fue usado para
describir su redundancia excéntrica y la abundancia ruidosa de detalles que grandemente contrastaron la
racionalidad clara y sobria del Renacimiento. Este fue un término aplicado primero a la arquitectura, y a la
música. Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Wölfflin, quién identificó
al Barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte "elaborado".

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DESARROLLO
La especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madures en Italia hacia 1630
y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de ese momento se difundió por todas las naciones de
Europa, jugando un papel importante en los conflictos religiosos del período.
Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración,
la Iglesia Católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barrocas. El papado reaccionó
contra la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la
Contrarreforma. La arquitectura, la escultura y la pintura, fueron utilizadas para el prestigio de la autoridad papal
e ilustrar las verdades de la fe. En este sentido se puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la
Contrarreforma.
La realeza utilizó la suntuosidad de este movimiento cultural para hacer propagandas que los beneficias en
tanto en el mundo del arte como en la sociedad. Mientras tanto la burguesía de la época lo utilizó para expresar
sus ideas y trascender más allá de su tiempo.
Una declaración que define a la pintura Barroca la proporciona la serie de pinturas ejecutada por Pedro Pablo
Rubens para Marie de Medici en el Palacio de Luxemburgo en París (en la actualidad Museo del Louvre),
pinturas en las que un pintor católico satisfizo a un patrocinador católico.
La arquitectura y la escultura cobraron características muy favorables en el estilo Barroco. Gian Lorenzo Bernini
fue, indudablemente, el escultor más importante de este estilo.
Esculpió, trabajó como arquitecto, pintó, escribió obras, y organizó los lentes. En el siglo XX, Bernini fue
altamente valorado por su virtuosismo tallando mármol y su habilidad de crear figuras que combinan el físico y
el espiritual en sus esculturas. También era fino escultor de retratos en forma de bustos lo que generaba gran
demanda entre los poderosos. Aunque el Barroco se reemplazó en muchos centros por el llamado estilo
Rococó, que se inició en Francia posterior a 1720, sobre todo para los interiores, pinturas y las artes decorativas,
la arquitectura Barroca seguía siendo un estilo viable hasta el advenimiento de Neoclasicismo en finales del
siglo XVIII.

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ARQUITECTURA BARROCA.
Por Castro Curtidor Viviana Gisela.

1. EL BARROCO EN ITALIA.

• La Fontana di Trevi a cargo del

arquitecto Nicola Salvi. (1697.1751)
Recreo en ella los hallazgos de
Bernini, donde se encontraba
representado a Neptuno (dios que
gobernaba los mares)como figura
principal y a los caballos, tritones y
conchas como secundarios rodeado
de piedras talladas que simulaban a
las reales. Flanqueado por la
escultura de Abundancia la cual lleva
frutas y rocía agua y en el otro lado se ubica la escultura de la Salubridad con una copa donde bebe
una serpiente.
Fue concluida por el arquitecto Giuseppe Pannini. el nombre de Trevi deriva de Tre Vie (tres vías),
haciendo referencia al cruce de tres calles donde se emplaza. Tiene unos 20 metros de alto y 26 de
ancho. El fondo de la fuente es el Palacio Poli, con columnas de capiteles corintios.

• De esta época barroca es también la organización exterior de la plaza de San Pedro, proyectada por
Bernini y realizada bajo su dirección entre 1653 y 1663. La plaza forma un espacio abierto elíptico o
más bien, circular prolongado, ya que está formado por dos arcos de círculos cuyos centros están
separados por un espacio de 50 m.

En medio de la plaza se levanta el Antiguo obelisco egipcio del circo de Nerón.

El pórtico muy amplio de la Basílica levantada con la famosa columnata de Bernini, formada por cuatro
hileras de columnas toscanas, rodea el vasto perímetro; coronadas por un entablamento recto.

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• En Venecia se levanta hacia la mitad del siglo XVII, la

cúpula de la iglesia de Santa María de la Salute, por
Baldassare Longhena, con sus preciosos adornos de volutas
de mármol (ornamento en forma de espiral) que ayudan a
contrarrestar el empuje transversal de la cúpula semi-
esférica y caracteriza su exterior majestuoso.
Esta iglesia domina la entrada del Gran Canal icónica de
Venecia.

• El arquitecto Guarino Guarini realizó La cúpula de La

capilla de la Sábana Santa (en italiano, Cappella della Sacra
Sindone) en la catedral de Turín, la estructura interna de
arcos entrecruzados con una gran abundancia de fuentes
luminosas exteriores. Se logró con ventanas en forma de
trapecio irregular, que se abren en la cúpula de perfil
troncocónico y la multitud de ventanas ovaladas con el borde
alabeado que rodean cada uno de los anillos de radio cada
vez más pequeños que, superpuestos, forman la linterna.

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2. EL BARROCO EN ESPAÑA.

• Sin lugar a duda el término Churrigueresco

denomina por encima de todo el arte creado por una
familia, los Churriguera.
El retablo del convento de San Esteban, en
Salamanca, fue realizado por José de Churriguera
en 1693. Es una pieza magna que resume el
Barroco hispano con su horror a la lógica clásica, el
gusto por el profuso adorno y los dorados, el ritmo
dinámico de las formas curvadas y el expresionismo
a ultranza de la escultura, que se integran a modo
de pintura en relieve.
El retablo fue realizado en madera de pino dorada y
policromada y pese a romper con la
esquematización se puede diferenciar en su seno
seis calles o divisiones que el artista realiza a través
de seis columnas de orden salomónico –columnas
con fuste helicoidal- y gigante cuyo fuste ha sido
adornado con roleos y hojas de acanto.

• La fachada oeste de la catedral de Santiago de Compostela, llamada fachada del Obradoiro, que se
alza dinámica y majestuosa como una escenografía soberbia. El proyecto se debe al arquitecto gallego
Fernando Casas y Novoa, que la construyó entre 1738 y 1750. En el conjunto escultórico, que da a la
piedra esa etérea impresión de calado, trabajaron diversos escultores del país gallego.

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3. EL BARROCO EN FRANCIA E INGLATERRA

• En términos generales se podría decir que el Palacio de Versalles

presenta un estilo bien marcado del Barroco Francés, un estilo que
se puede evidenciar en las más de 800 hectáreas que componen
este mágico y cautivador lugar, incluyendo sus tres palacios y las
zonas de esparcimiento. Para destacar su particular estilo
arquitectónico fue necesario utilizar diversos materiales como
mármol, piedra, bronce, oro y diamantes.
El edificio donde se sitúa este hermoso palacio está conformado por
la fachada con sillares almohadillados (tipo de acabado exterior en
piedra labrada y tallada que potencia el juego de luces y sombras) y
terrazas para romper la monotonía, además de importantes
esculturas que coronan el entablamento. En el interior del Palacio
podemos resaltar un estilo lujoso y de altura, donde destaca el alto
nivel de decoración con el típico estilo barroco.

• La fachada principal de la catedral de San Pablo en Londres, construida por Wren entre 1675 y 1710.
Su cúpula, de corte clásico, es una de las más majestuosas del mundo, la cual está recubierta
exteriormente por otra mucho más alta y apoyada sobre un tambor cilíndrico, con una galería de
columnas. El color gris de la caliza Portland acaba de hacer más inglés el empaque del monumento.

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4.EL BARROCO EN VIENA.

• La iglesia de San Carlos Borromeo, en Viena, es la obra maestra de Johann Bernhard Fischer von
Erlach. Fue comenzada en 1716 y trabajó en ella hasta 1737. La planta es elíptica con un gran eje
perpendicular a la fachada; las dos alas se unen al peristilo mediante sendas superficiales curvas. El
pórtico de entrada está caprichosamente flanqueado por dos columnas romanas con relieves en
espiral y coronadas con linternas abriendo al frontón romanista.

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ARTE BARROCO.
Por Castro Curtidor Viviana Gisela.

• APOLO Y DAFNE, OBRA REALIZADA ENTRE 1622 Y 1625 BERNINI

Se trata de una ilustración del paisaje clásico de Ovidio (Publio Ovidio Nasón fue un poeta romano)
que describe del mito de Dafne quién perseguida por Apolo se salva transformándose en Laurel, Apolo-
caracterizado con el rostro del famoso Apolo del Belvedere - apunto de alcanzar a la joven a la que
mira con intenso deseo ésta lanza un grito de miedo, mientras sus cabellos se transforman en hojas,
en ramas los brazos y crecen raíces de sus pies. Una corteza protectora crece en torno a su ágil cuerpo
desnudo, terso y fino como el de una ninfa sobrenatural. Esta fue la última obra y la mejor que Bernini
realizó para la catedral de Scipione Borghese.

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• Éxtasis de Santa Teresa a la derecha de la capilla Cornaro de Santa María della vittoria Roma, grupo
escultórico realizado en 1646 por Bernini es quizá una de sus obras más famosa y admirada por el
realismo del rostro y el cuerpo “toda agitada en grande amor de Dios “en palabras de LA Santa de
Ávila.” Es la expresión más viva y natural, ¡qué divino arte!, ¡qué voluptuosidad! “escribía Sthendal a
propósito de esta obra.
Y el montaje que la acompaña apostilló: "Es gran pecado que estas estatuas puedan representar
fácilmente la idea de un amor profano".
Elevada en un retablo que es una estructura arquitectónica que normalmente se sitúa detrás de un
altar. Con unas columnas muy llamativas sostiene un frontón triangular. Para destacar más su obra se
colocó iluminaria dentro de la cavidad elíptica generando sombras con tonos claros y oscuros
característica de esta época.

• El santo entierro de Caravaggio que actualmente se encuentra en la pinoteca vaticana, Roma. Pintado
entre 1602 y 1604 por encargo de Francesco Vittrici para la capilla de la iglesia nueva de Roma Santa
María un Vallicela. Rubens, Fragonard, Gericault y Cezanne hicieron copias de este cuadro que marca
el llamado intermedio clásico de Caravaggio. Comparándolo con el Traslado de Cristo por Rafael
(primera pintura), se observa el cambio evolutivo realizado por Caravaggio en muy poco tiempo de
diferencia (segunda pintura) El del maestro renacentista está concebido como una especie de desfile
de formas bellas, mientras que el del pintor tenebrista barroco llega incluso a pintar la deformidad de
los pies de uno de los Apóstoles.

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• La rendición de Breda llamada popularmente" las Lanzas" Velázquez conmemoró el décimo

aniversario de las tropas españolas al mando de Ambrosio de Spínola. El ilustre Caudillo recibe de la
mano sumisa del gobernador de la Plaza, Justin de Nassau, las llaves. Jamás estuvo Velásquez en
los Países Bajos y hubo de basarse en grabados para conseguir ese aire nórdico. Mucho se ha escrito
sobre la profunda reflexión que requirió esta pintura de composición exacta y atmósfera de perfecto
“plein air” impresionista. La figura del extremo derecho se interpreta como un autorretrato.

• Las meninas (Prado) llamada primeramente La familia es quizá la obra más famosa de Velázquez.
Desde Lucas Jordán que la considero como una "teología de la pintura" hasta Picasso, la obra
interesado profundamente a los artistas que ven en ella la esencia del pensamiento de Velázquez. La
infanta Margarita irrumpe con su pequeña corte en el estudio; sus padres, que posan para el pintor, se
vislumbran en el espejo del fondo. La obra es de 1656; 3 años más tarde Velázquez ese añadía la
cruz de caballero de la orden de Santiago sobre el pecho.

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• Con la Venus del espejo (Nacional Gallery Londres), considerado como el más bello desnudo de la
pintura española, Velázquez, "pintor que llegó a ser caballero a pesar de ser pintor", se adelantó en
dos siglos a su época. La cuidada restauración llevada a cabo por los ingleses, desde que en 1914
Mary Richardson que dañó la tela con un hacha como protesta por las vejaciones que sufría el
movimiento feminista, reveló en 1966, cuando fue de nuevo expuesta al público, que la pincelada tenía
la sutil delicadeza de un Renoir. Se sabe que Velázquez pinto otros tres desnudos además de éste,
realizado en Roma.

• La erección o elevación de la Cruz (Catedral de Amberes), una de las primeras obras que pintó Rubens
después de su boda en 1609. La fuerza del color detona la lección aprendida de los maestros
venecianos y tiene la vehemencia de Tintoretto. La composición diagonal, típicamente barroca, se
centra alrededor de la Cruz, el elemento mejor iluminado, pero oculto tras el poderoso modelado de
las figuras que adoptan posiciones retorcidas, heredadas de Miguel Ángel.

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• El rapto de las hijas de Leucipo (Alte PinKothek, Múnich), sin duda una de las telas más felices de la
primera época de Rubens. Podría decirse que recuerda a la vez a Tiziano, Tintoretto y Veronés, pero
con una vitalidad triunfante, absolutamente flamenca. El estremecimiento sensual de estos cuerpos
femeninos, anchos y descompuestos, de carne palpitante, se contrapone hábilmente a la combatividad
cerrada de Cástor y Polux y al gesto malicioso de los "putti". El ritmo dinámico y desde luego el gran
protagonista de esa composición en que la violencia se transforma en amor.

• La famosa lección de anatomía del doctor Tulp (Mauritshuis, la Haya) Rembrandt, con el retrato del
cirujano en el momento de hacer la disección de un ajusticiado; de los siete personajes que le
acompañan, ninguno es médico. Fue realizado en 1632, año en que tuvo lugar este suceso.

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• La Ronda de noche (Rijksmuseum, Ámsterdam), cuya supuesta ambientación nocturna desapareció

en 1946 al liberar la tela de sus diversas capas de barniz amarillento, es una de las obras más célebres
de Rembrandt. Se la encargó una corporación de arcabuceros y parece que provocó descontento
porque no todos los personajes que debían aparecer en ella tenían igual tamaño, como era de precepto
en los retratos de grupo holandeses. Rembrandt dispuso a los arcabuceros integrándolos en una
escena de la vida diaria ciudadana. La tela fue reducida al trasladarla al Palacio Real.

• La Callejuela. La típica y nada fácil unión entre lo cotidiano y lo eterno conseguida por Vermeer da
lugar a cuadros como estos, que transmiten una increíble intimidad, como si estuviéramos espiando
en la Holanda de 1658.Como si de uno de sus interiores se tratara, el maestro barroco pinta esta
vista de una calle de Delft de forma tranquila y sosegada, con cada cual haciendo sus quehaceres
cotidianos. Como siglos después con pintores como Hopper, el silencio y la luz son los verdaderos
protagonistas de la escena. Por cierto, este es uno de los tres cuadros donde Vermeer pinta el cielo.

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• El astrónomo. Se estima que los nazis robaron más de 100.000 obras de arte, y todavía hoy en su
mayor parte no han sido devueltas a sus legítimos dueños. No es el caso de este “Astrónomo”, que
tras la guerra pudo ser devuelta a la familia Rothschild, aunque hoy conserva una esvástica negra en
la parte trasera del lienzo para recordar el espolio. Hitler, pintor frustrado, admiraba apasionadamente
a Vermeer, hasta el punto de querer hacerse con toda su obra para su museo personal. “El astrónomo”
iba a ser uno de los cuadros estrella del III Reich. Lo cierto es que esta pintura es una joya del barroco
holandés. Aquí se retrata al personaje y a su profesión por medio de atributos como ese globo terrestre
o el libro Institutiones Astronomicae Geographicae abierto en el capítulo III, una sección en la que el
astrónomo busca la inspiración de Dios. Y esa luz… Muy pocos artistas comprendieron, trabajaron y
amaron la luz como Vermeer. Sus típicas ventanas a la izquierda del lienzo son como una firma del
artista. Por cierto, “El astrónomo” es una de las únicas tres pinturas de Vermeer firmadas y fechadas.

• La lechera (Rijksmuseum, Ámsterdam) de Vermeer, mereció de Reynolds el calificativo de "uno de los

cuadros holandeses más vigorosos". En una de las obras más realistas del pintor y de aquellas en que
mejor puede apreciarse el proceso lumínico, que oscila entre el cromatismo amarillo y azul. Se fecha
hacia la 1660, época en que, temáticamente, Vermeer se concentra en una figura sola y en que,
técnicamente, inaugura cierto puntillismo. El bodegón que aparece sobre la mesa y colgado en la pared
es en sí una auténtica obra maestra.

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MUSICA BARROCA

La música barroca o música del Barroco es

el estilo musical europeo, relacionado con
la época cultural homónima, que abarca
aproximadamente desde el nacimiento de
la ópera en torno a 1600 hasta la muerte
de Johann Sebastian Bach en 1750. Es
uno de los estilos de la generalmente
llamada música clásica oculta europea,
antecedido por la música del renacimiento
y seguido por la música del Clasicismo.
Caracterizada por la aparición de la
tonalidad y el uso del bajo continuo, la
barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los
músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friederich Händel, Jean-Babptiste Lully,
Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdu, Jean-Philippe Remeau y Henry Purcell. El término Barroco se tomó de
la arquitectura, donde designaba algo "retorcido", una construcción "pesada", "elaborada" "envuelta" (siendo el
término original "barrueco" o "berrueco", un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo
XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se
consideraba "tosco" "extraño" "áspero" y "anticuado". Las principales características comunes de la música
barroca son:
- La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música
a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y del bajo,
abreviándose de escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo: esta textura suele llamarse bipolar o
de monodia acompañada.
- La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras
que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o
varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que
improvisaba los acordes (clave, archilaúd, órgano positivo, guitarra barroca, arpa tiorba...)
- El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la
progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio
frecuente de acorde)
- El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario) muy uniforme, incluso
mecánico.
- El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical
a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio
de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
- La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera el oratorio y la cantata entre las primeras, y
el concierto la sonata y la suite entre las segundas.

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- El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de
ornamentación.
- El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y
orquesta), materializado en la policoralidad y el "estilo concertante", por posición a la uniformidad de texturas y
timbres habitual en el renacimiento.

Estilo surgido en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada en
el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones
(junto algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales.
La música se vuelve indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más
de los que acompañaban a los nobles. Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética
expresiva y teatralizarte: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa
y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros.

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La transmisión de emociones se organizaba través de la teoría de los afectos y la retórica, que transfiere
conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical. En los géneros vocales la música
queda supeditada a la poesía, pues su propósito es el refuerzo en la transmisión del sentido y los sentimientos
ligados a la palabra. El espectáculo de mayor éxito y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será
la ópera, función de poesía, música y teatro. La claridad en la dicción de los textos es por ello condición
fundamental, impuesta tanto en la música religiosa como en la teatral (aparición del estilo recitativo). En la
época barroca se rompió la unidad del estilo musical de la Europa renacentista: convivieron los diversos estilos,
utilizados con plena conciencia por los compositores según el lugar en el que trabajas en y el género musical
practicado. Una primera diferenciación se daba entre el estile antico (stylus gravis), consistente en la
permanencia de la vieja polifonía renacentista (marginal pero vigente por ejemplo durante todo el siglo XVII en
parte de la música religiosa italiana y española), contra el estilo moderno ya plenamente Barroco y generalizado
en la música teatral y de cámara. Así, Monteverdi escribió su Messa da capella como ejemplo del stile moderno,
y Bach dominaba música concertada a sus cantatas de iglesia por contraposición a motetes o corales más
sencillos. Dos estilos nacionales completamente diferenciados dominaron claramente la música europea del
Barroco medio y tardío:
- El estilo francés en la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación y Jean-Baptiste Lully como
referente, es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza: piezas breves (unidas en la suite)
de forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y simétricas, con armonías muy restringidas (aunque
usadas con sutil imaginación) y una completa compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas.

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- El estilo italiano. Gracias a la constante

Innovación estilística generada en las ciudades
italianas (Venecia, Nápoles, Roma y sobre todo,
Bolonia), las invenciones de la música italiana
fueron invitadas en todos los centros musicales
europeos, incluidos los franceses, hasta el punto
de que el estilo italiano se impuso en el siglo
XVIII en todas las contó del continente:
desembarco masivo de discípulos de Corelli en
Londres, querella de los bufones en Francia,
italianización en la corte de Madrid tras la llegada
de los Borbones etc.
El estilo italiano ejemplificado en Vivaldi se
caracterizaba por una tonalidad fuertemente
marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de la armonía, las frecuentes
modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la
improvisación. El resto de las naciones imitaba uno u otro de estos estilos: así, en Alemania los compositores
se adaptaban alternativamente a uno u otro, aplicando al tiempo la fuerte tradición polifónica local: por ejemplo,
Telemann escribió cientos de oberturas y conciertos, mientras Bach ejemplificó sus versiones de uno y otro
estilo en su primera publicación, que incluía el concierto italiano, BWV971 y la obertura francesa BWV831.

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GIAN LORENZO BERNINI

El arte de Bernini era pasión pura pues nadie había logrado trabajar el mármol de una manera que asemejara
la sensación de piel, hacia estremecer al mármol al punto de lograr sensaciones humanas en dicho material,
sus figuras lloran y gritan, sus torsos se contorsionan y corren y se arquean en espasmos de intensa sensación
casi como un alquimista hacia cambiar un material en otro, mármol, en árboles, hojas, cabello y sobre todo
carne. La intención de la escultura clásica era lograr hacer a los humanos menos humanos y hacerlos parecer
inmortales con la pesada suavidad de esta así que muchos parecían serlo, pero carecían de sangre, pero luego
vino Bernini a desafiar las leyes de la gravedad pues sus esculturas parecían elevarse. A sus 8 años fue llevado
hasta la presencia del Papa San Pablo a quien le hizo un bosquejo relámpago de su cabeza y al ver los dones
de aquel niño el papá lo señaló como el próximo
Miguel Ángel. Bernini llega a Roma en 1605 casi al
mismo tiempo que Caravaggio impactaba a la iglesia,
a sus 16 años esculpió a San Lorenzo siendo asado
vivo por sus creencias cristianas en donde intentó
capturar el momento de dolor trascendente, un
método que aplico para conseguir la expresión
correcta de dolor fue el quemarse frente a un espejo
para visualizar dicho rictus de dolor adecuadamente,
un extremista en cuanto al arte, pero tal vez al mismo
tiempo alguien capaz de impulsivos actos de
violencia, un drama tan apasionante que ni Miguel
Ángel llego a explorar por sí mismo, lo que buscaba
en su arte era un parecido hablante pues decía que
uno se muestra a si mismo de forma más
característica justo antes o después de hablar
inmortalizando el busto de Scipione Borghese
(Cardenal). En Roma no era suficiente el dinero para
la aristocracia de la iglesia, también importaba el arte
y en ese momento los Papas y Cardenales apuestan
por el próximo genio quien era Bernini todo lo
contrario a Caravaggio pues Filippo Baldinucci (pintor
mentor, chismoso y crítico de arte) escribió cada paso
que daba Bernini convirtiendo así sus apuntes como la primera biografía verdadera de Bernini. El Apolo y Dafne
se encuentran en una cacería sexual, en donde Apolo busca a la ninfa y se observa que ella no lo quiere en
definitivo y él la persigue hasta que las oraciones de Dafne a los Dioses son escuchadas y es convertida en un
árbol de Laurel y la provocación del drama es la desnudez sedosa que Bernini dispuso para nosotros justo
cuando ella desaparece dentro de la corteza del árbol que la envuelve, un final doloroso. A sus 20 ya estaba
consolidado y casi adorado por los poderosos, Gregorio XV lo nombró caballero conocido desde entonces como
Cavaliere, Urbano VII lo hizo su mejor amigo, Borromini (un arquitecto de la época) jugaría un papel importante
en la vida de Bernini pues se cruzarían al grado de competir por metas cada vez más altas pues ellos
consolidaron la imagen Barroca de Roma en aquella época pero un detalle importante, se odiaban mutuamente
pues ambos era excelentes genios y no había uno en menor escala, rivalizaban uno con el otro por ser el foco
de atención, ambos denotando en sus obras su personalidad, uno siendo sobrio y austero mientras que el otro
extravagante y sexy dicha rivalidad se empezó en 1624 cuando uno de los dos debía ser nombrado como nuevo
arquitecto para San Pedro y tenía que construir el “baldachino” que se postraba por encima de la hermosa
cúpula de Miguel Ángel en la tumba de San Pedro, era la oportunidad perfecta para Borromini pues por su

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educación de arquitecto era el más calificado para el trabajo pero ganó el encanto de Gian Lorenzo Bernini pero
no contaba con problemas mayores a la hora de la construcción por lo que pidió ayuda a Borromini a quien no
le quedó de otra que ayudar pues era por un bien mayor para la iglesia, ya que fue un ejercicio de colaboración
la arquitectura claro que no se le dio el crédito debido a este por ayudarlo con lo que no lo perdonó ni lo olvidó,
Costanza Buearelli una esposa de un ayudante suyo termino por tener un amorío con Bernini a la que amó y lo
demostró en un busto hacia su persona pero históricamente antes de esta escultura los bustos se guardaban
para las tumbas únicamente y el retrato más informal que usaban los Romanos era el Retrato, pero a partir de
este se denotaba el amor con el que fue tallado el mármol con el cincel pues es hasta cierto punto provocador
por el detalle de la blusa caída pues fue todo lo contrario a los parámetros de femineidad para ser salvaje y se
nota que Bernini estaba enganchado a su carácter, pero esto se perdió por un rumor que empezó a correr en
donde se decía que Costanza se acostaba con Luigi Bernini hermano de Gian Luca y para demostrarlo hizo
pensar a la mujer que no estaría en la ciudad un día por lo que espero cerca de la casa para constatar que el
rumor era cierto y este persigue a Luigi hasta San Lorenzo donde hace lo posible por asesinar a Luigi
rompiéndole las costillas con una barra de hierro pero por difícil que parezca no mata a su hermano pero no
para allí, por la tarde envía a un sirviente a casa de Costanza para desfigurar su rostro con un cuchillo, y el
castigo impuesto por el papa al final fue que se casara con la mujer más bella de Roma (vaya castigo) Caterina
Tezio hija de un abogado romano, Luigi es exiliado a Bolonia, y Costanza mandada a prisión por si no fuera
poco el castigo que le impuso Bernini y el busto fue vendido a un comprador Medici ahora situado en el museo
Begello de Florencia. Pero a pesar de salirse con la suya el Caveliere Bernini empezaría a ver las cosas cuesta
arriba pues en San Pedro ya se querían construir los campanarios que faltaban los cuales estaban propuestos
de un solo piso, pero el ego de Bernini los quiso de pisos casi 70 m por arriba de las bases y 6 veces más
pesados de lo que estaban planeados, pero el gran problema es que se debían construir en terreno pantanoso
y el único que sabía del problema que representaba hacer lo que planeaba Bernini era Borromini y en Julio de
se inaugura la primer torre y dos meses después aparecen grietas en ella, pero los problemas se extienden
hasta la fachada de la iglesia con más grietas, pero en 1644 el papa Urbano VIII muere, por lo que hay un
nuevo papa Inocencio X con lo que se deshace de los favoritos de Urbano y trae a su lado a Francisco Borromini
con lo cual llega después de 15 años la tan anhelada venganza de este hacia Bernini y en 1646 el papa en una
reunión decide demoler la torre de Bernini la cual tomo 11 meses y con ello demolieron la reputación de Bernini
para ahora ser un hazmerreir. En 1648 Bernini ya tenía 50 años (considerado un viejo para aquella época)
siguió teniendo encargos de trabajo hasta que llego un milagro por parte del respetable Cardenal Felipe Cornaro
quien quería construir una capilla familiar en la Iglesia de Santa Maria della Vittoria el cual conocía la historia
de Santa María de Ávila, ella había muero en su nativa España en 1582 y había algo que ponía incómoda su
santidad, sus levitaciones. Y Bernini hizo lo esperado una obra de arte digna de su calidad tomando sus
experiencias y transmitiéndoselas a una Santa María joven y bella a comparación de aquella Santa María de
Ávila que ya era de mediana edad y tanto era el deseo de que vieran su obra que la rodeo de una audiencia,
miembros de la familia Cornaro, unos viendo el espectáculo y otros conversando sobre lo expuesto toda una
obra de arte con muchos simbolismos pues quería una capilla que hiciera explotar por dentro de solo verla,
cosa que logró el gran Cavalieri Bernini y
regresaba triunfal después de la gran obra
de arte , siendo que hasta el papa empezó a
llamarlo de nuevo y aunque no logró tener
sus campanarios en San Pedro si logró
hacer el camino de columnatas que lleva
hacia la plaza de San Pedro y abraza la fe de
los creyentes y para el perdón de su
hermano Luigi, Gian Lorenzo creó a la beata
Ludovica Albertoni.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

FRANCESCO BORROMINI
(1599/09/25 - 1667/08/02)

Arquitecto italiano

• Uno de los máximos exponentes de la arquitectura del Barroco.

• Obras: Oratorio de San Felipe Neri, Sant'Andrea della Valle...
• Padres: Giovanni Domenico Castelli y Anastasia Garovo
• Nombre: Francesco Castelli Borromini

Francesco Borromini nació el 25 de septiembre de 1599 en Bissone. Hijo de Anastasia Garovo y de Giovanni
Domenico Castelli. Su auténtico apellido era Castelli, que cambió al llegar a Roma luego por el Borromini.
Hijo de un cantero, continuó con el oficio y participó en la construcción de la basílica de San Pedro, bajo la
dirección de Carlo Maderno que le nombró supervisor de sus obras en el Vaticano y en el Palacio Barberini.
Su vida se encuentra marcada por el constante conflicto con Bernini, al cual asiste hasta 1633, realizando sus
grandes obras desde esta fecha hasta su muerte.
Su primer encargo como arquitecto fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (1638-1641; fachada
concluida en 1667). Construyó Sant'Ivo della Sapienzia entre 1642 y 1660.
Otras de sus obras fueron la nueva fachada de Sant'Agnese (1653-1666) en la Plaza Nabona y la
remodelación de la basílica paleocristiana de San Juan de Letrán (1647-1650). Su último trabajo es la fachada
de San Carlos alle Quatro Fontane, dejada inacabada a su muerte y finalizada por su sobrino.
Su arquitectura fue considerada despectivamente por sus contemporáneos como gótica, de mal gusto y falta
de respeto al lenguaje canónico de las órdenes.
Francesco Borromini se suicidó el 2 de agosto de 1667 en Roma.

Obras destacadas
1622 — Sant'Andrea della Valle, Roma
1629-1631 — Palazzo Barberini, Roma
1631-1633 — Baldaquino de San Pedro, Ciudad del Vaticano
1637 — Oratorio de San Felipe Neri, Roma
1638-1641 — San Carlo alle Quattro Fontane, Roma
1642-1660 — Sant'Ivo alla Sapienza, Roma
1645-1650 — Palazzo Pamphili, Roma
1646-1667 — Colegio de Propaganda Fide, Roma
1647-1650 — San Juan de Letrán (reconstrucción), Roma
1652 — Sant'Agnese in Agone, Roma
1653-1665 — Sant'Andrea delle Fratte, Roma
1659-1661 — Biblioteca Alessandrina en Sant'Ivo della Sapienza, Roma
1662-1664 — Capilla de los Reyes Magos en el Colegio de Propaganda Fide, Roma

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

EL BARROCO TEMPRANO (1580-1630)

Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del Antiguo estilo polifónico renacentista,
caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las novedades principales:
- La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni Gabrieli), consistente en
alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori spezzati,
típicos de la Basílica de San Marcos). Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el
que se contrastan instrumentos contra voces (como en dos concerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto
general.
- La monodia acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. Su acompañamiento
instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo contiguo. La Camerata Florentina (llamada Camerata
Bardi en honor a su promotor El Conde Giovanni de Bardi) fue decisiva en la difusión de esta monodia
acompañada, cuyo objetivo, poner a la música como sierva de la palabra, finalmente cristalizó en la ópera; por
ello les interesaba imitar la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara: Vicenzo Galilei, padre
del astrónomo Galileo, escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título
Diálogo della música Antica e della Moderna. Sus nuevos géneros musicales recitativo, espressivo y
representativo utilizaban además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (Seconda práctica). En ese
contexto artístico aparece la figura de ceremonés Claudio Monteverdi. Maestro del stile antico (aplicado al
polifónico género Madrigal) y del stile moderno (la monodia acompañada), daría forma a esa recién creada
ópera. En paralelo a ella se desarrolló el oratorio, religioso, gracias a la influencia de Felipe Neri.

EL BARROCO MEDIO (1630 - 1680)

El éxito Internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa
(Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodía y del estilo concertante. Mientras tanto en
Italia autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original
para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva opera
pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la
libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres)
comenzó su despegue en la corte de Luis XIV en el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre
desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flauta travesera y de pico...) y en que
se fijaba la Suite instrumental francesa. En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela
boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Autores
como Lagrenzi, Cazzati, Alessandro Stradella o Vitali convierte en la vieja canzona en la nueva sonata de trío,
de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico.

EL BARROCO TARDÍO (1680 - 1730)

El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 Y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las
tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están: La plena adopción de las fórmulas tonales, a
partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal,
progresiones con movimientos de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta. La extensión del
estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes entre tutti y sólo,
bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo, la enorme
influencia de Corelli llevó al estilo italiano a toda Europa

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

En Francia desplazó incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias
(hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos, como Francesco
Germiniani los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel como Bach, Telemann y Händel
estudiaron e imitaron el estilo italiano.
Los compositores barrocos cuya música están actualmente más difundida pertenecen a la generación nacida
en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach y Georg Philipp
Telemann en Alemania, Jean Philippe Rameau en Francia y Domenico Scarlatti español de adopción.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

LA IGLESIA DE SAN CARLO DELLA QUATTRO FONTANE

(SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES).

Conocida también como San Carlino por su pequeño tamaño fue la primera gran obra en solitario de Borromini
quien la consideró un emblema hasta el punto de que decidió cambiar su verdadero apellido Castelli por el de
Borromini en atención al Santo titular de la iglesia San Carlos Borromeo. Francesco Borromini nacido en 1599
y fallecido dramáticamente en 1667, hijo de un cantero llegó a Roma con 19 años y se puso a trabajar como
ayudante de Carlo Maternna en las obras de San Pedro del Vaticano su famosa y agria rivalidad con Gian
Lorenzo Bernini debió de comenzar cuando ambos coincidieron en las obras de San Pedro y del palacio
Berberine está enconada rivalidad vivificó

El Barroco Romano en una época especialmente significativa para la capital del catolicismo. Borromini fue un
artista sumamente original de un concepto de la arquitectura totalmente nuevo puso todo su empeño en
encontrar nuevas formas espaciales aun utilizando la herejía ya más forzada, Borromini utilizó generalmente
materiales más pobres que Bernini como el ladrillo y el estuco debido al menor poder económico de sus clientes
pero también buscando su ductilidad esto le
permitió mayor libertad inventiva, fantasía y
dinamismo en el uso de los elementos
arquitectónicos y decorativos rompiendo con el
clasicismo que dominaba en la obra de Bernini.
Borromini utilizó las plantas y formas decorativas
más inverosímiles en un triunfo de la
contraposición de curvas, contra curvas y rectas
lo que lo llevó a ser el prototipo del arquitecto
Barroco, el estilo de Borromini causó un gran
impacto en su época Tenía muchos más
detractores que defensores, pero por su fama y
su producción no fue tan grande como la de su
antagónico Bernini. actualmente se le considera
uno de los grandes maestros de la historia de la
arquitectura que aplicó todo su arte al servicio de
su imaginación y de su fantasía.
En definitiva los dos grandes arquitectos antagónicos del Barroco italiano Bernini y Borromini encarnan dos
modos muy diferentes de concebir la arquitectura, Bernini se caracterizó por el respeto a las reglas y
proporciones Borromini por la ruptura de las reglas y por su inventiva, Bernini dotó todas sus obras de una
solemne monumentalidad, Borromini jugó con las ondulaciones y los arqueados, Bernini puso de elevados
causales para sus obras, trabajó en grandes proyectos y contó con ricos materiales para ello, Borromini por su
parte tuvo que conformarse con escasos recursos realizando obras más pequeñas y con materiales más
modestos. Bernini fue el arquitecto de los papas mientras que Borromini el de las órdenes religiosas. Sí,
diferentes fueron sus conceptos estéticos y arquitectónicos no menos contrastado serán sus caracteres
anímicos, Bernini era sociable y extrovertido amante del lujo y de la buena vida y Borromini era solitario, huraño
y depresivo hasta el punto de que acabó suicidándose.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

Los frailes españoles de la orden de los trinitarios descalzos

congregación dedicada a la liberación de esclavos cristianos apresados
por los musulmanes encargaron una obra a Borromini en 1634 la
construcción de su nueva sede en Roma, el conjunto está constituido
por tres partes funcional y constructivamente diferenciadas: La iglesia,
el claustro y el convento.
El pequeño complejo se levantó en una antigua zona conventual
situada en la colina del quirinal en el cruce de dos calles llamadas
actualmente Villa del quirinal, estas calles fueron trazadas a finales del
siglo XVI como aparte de la gran ampliación urbanística de Roma
acometida bajo el pontificado de Sixto V por el arquitecto y urbanista
Doménico Fontana, esta renovación urbanística se basó en la
construcción de calles en rectilíneas que conectarán las 7 basílicas
principales de Roma situadas en algunos casos en las áreas periféricas
de la ciudad, con instalación de obeliscos a modo de hitos
emblemáticos y como final de perspectiva de cada uno de los nuevos
ejes de conexión que ilusoriamente acortaban las distancias. el cruce
de las calles en el que está ubicado San Carlino es el punto más alto del Quirinal y se diseñó para que desde
él se viera el obelisco de Santa María la mayor, el de tirita de Monti y el de la Piazza del Quirinal. Se instalaron
a finales del siglo XVI cuatro fuentes de las que
emanaba el agua del viaducto del Aqua Feliche y
que dan nombre a la calle.
Borromini se encontró en dos grandes
inconvenientes para elaborar el proyecto de San
Carlos poco dinero disponible y un terreno reducido
e irregular, esto hizo que tuviera que tirar del
Ingenio para aprovechar el espacio y optimizar los
recursos, su construcción se hizo bajo el
patronazgo del cardenal Francesco Berberini y
sobrino del Papa Urbano VIII. San Carlos de las
cuatro Fuentes se construyó en tres fases en primer
lugar el claustro y las dependencias conventuales
proyectadas en 1634 y terminadas en 1644, en
segundo lugar, la Iglesia comenzada en 1638 y
consagrada en 1646 y en tercer lugar la fachada del
propio templo empezada en 1664 y acabada en
1682 después de la muerte de Borromini por su
sobrino Bernardo Castelli y basándose en el
proyecto del maestro.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

BACH: UNA VIDA APASIONADA

Sigue siendo el estándar de oro en la música, no se sabe mucho respecto a su vida y su imagen está
representada en pinturas y estatuas, aunque por otro lado encontramos su música. Nacido el 23 de marzo de
1685, en Eisenach en el medio de la Alemania moderna, bautizado en la Iglesia de San Jorge, cantó en el coro
de dicha iglesia y poseía una voz inusualmente fina, la música de Bach fue influenciada a través de su educación
y fuertes creencias luteranas. Su tío Johann Christoph pudo haber sido el primer maestro de órgano de
Sebastian pero problemas de la época por su profesión hicieron que muriera en la pobreza sin poder sobresalir.
El tema de la muerte es recurrente en su música, su madre muere apenas tenía 9 años y posteriormente 9
meses después muere su padre, su esposa murió a los 35 años y la tasa de mortalidad en niños era tan alta
en aquella época que sólo la mitad de sus 20 hijos llegaron a ser adultos.
Asus 15 años de edad es becado en canto en Luneberg donde
estuvo de los 15 a los 18 años, al llegar a Weimar se encuentra
con una etapa creativa pues tenemos los principios de sus
piezas importantes para el teclado y las asombrosas cantatas
que comenzó a componer para Weimar, la Capella e
interpretadas en el Himmelsburg, compuso alrededor de 20
sonatas pero se detuvo pues tras el fallecimiento del director
fue nombrado como sucesor el hijo del fallecido y no Bach por
lo que desistió por lo que fue mandado encarcelar y su música
.
Se quemó 70 años después en el Himmelsburg y después de
un mes encarcelado salió en busca del trabajo que deseaba
“Kapelimeister” por lo que se unió al príncipe Leopold (amante
de la música) en el castillo de Köthen no muy lejos de Weimar,
como director de música iniciando así un lapso de composición
de 5 años sin exabruptos pues el príncipe no era Luterano y
pudo componer música no eclesiástica, Bach completó los conciertos de Brandemburgo en Köthen al igual que
una colección de suites para Cello Suite No. 1, una de sus obras más populares, pero pese a su felicidad y ya
instalado con su familia en la ciudad regresa la tragedia a su vida Bach se encontraba viajando hacia Bohemia
con el príncipe (la única vez que salió de Alemania), mueres su esposa María Barbara y fue sepultada antes
que regresara y se le avisara de lo sucedido por lo que representa otro golpe duro en la vida de Sebastian, pero
se casaría con Anna Magdalena año y medio después, cantante profesional 16 años menor que el, quien le
daría 13 hijos más de los cuales 7 murieron en su infancia rompió barreras en el violín pues compuso
colecciones de danzas para el violín y fue reconocido en vida por ser un gran interprete y no compositor (eso
vino post mortum), por lo que llevo a un ascenso en la música de violín pues fue un parteaguas antes y después
de las composiciones de Bach, a sus 38 años se le presenta una oportunidad en Leipzig uno de los grandes
centros culturales de Alemania y una ciudad cosmopolita en la escuela de canto música más importante de
Europa fundado en 1212 Kanto de la Thomasschule, una gran oportunidad pero con inconvenientes pues debía
enseñarles otras materias a los niños como el latín al que se opuso a impartir, en 1723 aceptó el título de
Thomaskantor y Director de Música de la ciudad de Leipzig, en épocas recientes 1950 se revisaron las partituras
de sus obras y los resultados fueron que en un lapso no mayor a 3 años se compusieron sus 200 cantatas, su
música es considerada como un alivio personal que a su vez es un consuelo para quien la escucha, buscó un
nuevo puesto en Dresden en la corte (corte católica por cierto), no logró mudarse pero si obtuvo el título y por
los próximos 15 años, perdemos pista de la misa, en sus obras denotaba el lema familiar en alemán que cada
letra se simbolizaba en cada nota musical pero únicamente en alemán pues la H en inglés no existe. En su
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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

mayor obra “El arte de la fuga” se parte 2 veces con su nombre B-A-C-H, pero no fue terminada pues murió en
medio de la composición de dicha obra, como una esperanza de que en un futuro alguien pudiera concluir su
obra, muere a sus 65 años, en Leipzig, en la Thomasschüle el 28 de Julio de 1750 al parecer acabado por 2
operaciones de ojos realizadas por un curandero, después de fallecido su obra parece haber perdido
importancia hasta que sus obras llegaron a las manos de Haydn, Mozart y Beethoven pues quedaban
maravilladas con ellas, el legado de Bach quedo asegurado pues su música nos ayuda a escuchar la voz de
Dios, pero en forma humana.

JOHANNES VERMEER.
Pintor flamenco nació en 1632 en Holanda donde vivió y
trabajó durante toda su vida no se sabe a ciencia cierta quién
enseñó a Vermeer a pintar. Este pintor sólo creo 45 obras
durante toda su vida de las cuales 35 han llegado hasta
nuestros días, probablemente esto convierte a Vermeer en
el pintor más célebre respecto a una tan escasa aportación
en cuanto al número de obras se refiere a la historia del arte,
sólo trabajó por encargo (no pintaba más de dos o tres obras
al año), de esta manera ganaba lo justo para mantener a su
esposa e hijos con algunas escasas excepciones como
paisajes, escenas de calle o algunos retratos, su producción
consistió fundamentalmente en interiores domésticos llenos
de luz en los que alguna figura está leyendo, escribiendo,
tocando un instrumento musical ó realizando alguna tarea
doméstica. Sus obras recogen los efectos de la luz con una
sutileza y pureza del color únicas, es notable su capacidad
magistral para usar y atrapar la luz en la tela cómo podemos
comprobar en obras como “la lechera” o en “mujer con jarra
de agua”, falleció en 1675.
"La joven de la perla" también conocida como “La mona Lisa holandesa” o “la mona Lisa del norte” es una obra
al óleo de pequeño formato pintada entre los años 1665 y 1667, esta obra no pertenece al género del retrato
sino a un género pictórico propio del Barroco flamenco holandés conocido como “tronie”, qué significa rostro en

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

holandés, caracterizado por representar retratos

normalmente de pequeño tamaño en los que el
protagonista muestra una expresión facial muy
marcada incluso exagerada.
La maestría en la ejecución de esta obra demuestra
que Vermeer era mucho más que un mero pintor de
escenas de la vida cotidiana a pequeña escala, el
artista atrae al espectador hacia el lienzo a través de
la mirada por encima del hombro de la joven, los
labios entreabiertos crean sensualidad y misterio y su
turbante añade exotismo a esta mezcla seductora.
La modelo lleva un vestido amarillo contra el que destaca el blanco del cuello de la blusa y el turbante azul, del
que cae una banda a juego con el vestido amarillo limón sobre los hombros en la oreja luz de una pequeña
perla en forma de gota con reflejos que se convierte en el punto focal del cuadro, breves pinceladas con las que
Vermeer refleja una parte del cuello blanco de la modelo y la otra los destellos derivados del mismo foco de
algún lateral que ilumina el rostro está pintado con cambios suaves tenues tanto de luz como de color a través
de una gama basada en tonos azules, rojos y amarillos. Podemos observar que existe un gran contraste en el
fondo oscuro y el ropaje claro de la joven.
La identidad de la mujer retratada es uno de los aspectos más debatidos sobre la obra existen varias teorías
en ella, hay quienes aseguran que se trata de Maria la hija mayor de Vermeer que tenía aproximadamente la
misma edad de la joven representada en la pintura, por otro lado se especula también con que podría tratarse
de la hija del comisario principal de la ciudad de Vermeer y que también se ajusta a la descripción de la modelo,
por último se dice también que se trata de Griet la propia sirvienta del pintor.
Actualmente el cuadro se haya expuesto en el Museo Mauritshuis.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

LA ILUSTRACIÓN (SIGLO DE LAS LUCES).

La Ilustración, es el movimiento filosófico, político, literario y científico que se desarrolló en Europa y sus
colonias a lo largo del siglo XVIII, dando lugar al Siglo de Las Luces. En este artículo pretendemos dar a conocer
todo lo relativo a La Ilustración-Siglo de las Luces, Características, Representantes, Ideas Fundamentales, etc.,
todo acompañado por un ilustrativo reportaje fotográfico, empecemos cuanto antes.

¿QUÉ ES LA ILUSTRACIÓN Y CÓMO SURGIÓ?

Representó una importante modernización cultural, consecuencia del progreso y de la difusión de las nuevas
«Ideas», de los nuevos conocimientos científicos. Todo esto llevó al intento de transformar las caducas
estructuras del Antiguo Régimen.
El hombre se plantea nuevas interrogantes, bajo el dominio de la razón, desprecia todo lo que tiene que ver
con el pasado, las viejas creencias. El hombre ilustrado es un hombre iluminado que se enfrenta a las doctrinas
inamovibles de la iglesia y se preocupa por buscar conocimientos a través de las nuevas formas de
pensamiento.
Este movimiento de iluminación de la mente de las nuevas formas de pensamiento fue lo que llevó a denominar
a este siglo como «El Siglo de Las Luces».

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

La Ilustración nace en Gran Bretaña, donde algunos de los rasgos fundamentales del movimiento se dieron
antes que, en otro lugar, aunque tuvo mayor repercusión en Francia. La admiración por la cultura y las
tradiciones inglesas, fueron difundidas por Voltaire. Nace un nuevo movimiento ideológico, el enciclopedismo,
sus principales representantes fueron Montesquieu, Diderot, Rousseau, Buffon, etc.
La ilustración poco a poco se extendió hacia otras zonas europeas a lo largo del siglo XVII, llegando a países
como Países Bajos, Italia, España, Polonia, Rusia, Suecia, etc. e incluso llegó a las colonias americanas.
Es la ideología y la cultura elaborada por la burguesía europea, en constante lucha contra el absolutismo y la
nobleza. Una burguesía adinerada, pero sin poder tomar decisiones políticas frente a una monarquía y nobleza
empobrecida.

CARACTERÍSTICAS DE LA ILUSTRACIÓN
La ilustración también puede ser definida como la culminación del racionalismo renacentista. La Ilustración es
la crítica que adopta la burguesía frente al orden ya establecido. Las características de la Ilustración son las
siguientes:

o Racionalismo

o Búsqueda de la felicidad

o Creencia en la bondad natural del hombre

o El Optimismo

o El Laicismo

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

EL RACIONALISMO
El Racionalismo es sin duda la palabra más utilizada en el
siglo XVIII tanto en la literatura, como en la filosofía y en la
ciencia. Gracias a los intelectuales de este siglo también se le
conoce como «El Siglo de las Luces».
Las luces de la razón que ilumina las sombras de la
ignorancia, siendo la luz, la lógica y la inteligencia que debe
iluminar el mundo.

CARACTERÍSTICAS DEL RACIONALISMO ILUSTRADO

Se da enorme importancia a la razón, criterio por el cual, el hombre puede comprenderlo todo a través de su
inteligencia. Sólo es real lo que puede ser entendido por la ciencia. Aquello que no sea racional debe ser
rechazado como falso e inútil.
La razón y el progreso constituyen el camino para alcanzar la felicidad. Sirve de guía frente a la superstición, el
fanatismo religioso y la ignorancia. El autor que criticó con mayor vehemencia la intolerancia y el fanatismo de
la religión de su tiempo fue Voltaire.
Este tratamiento de la razón tuvo sus fuentes de inspiración en la filosofía de Descartes, basada en la «duda
metódica», cuya primera regla del método era «la evidencia indubitable» y en las leyes generales de la Física
de Newton.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD
La felicidad para el hombre ilustrado es un derecho que tiene el individuo, no puede ser un don divino como
recompensa a las buenas acciones o a una conducta recta. La felicidad se debe alcanzar en la Tierra.
“El ciudadano tiene todo el derecho a ser feliz y es una responsabilidad de los gobernantes conseguirlo”.
Se tiene la convicción de que la Naturaleza ha creado al hombre para que sea feliz. Pero de acuerdo con la
mentalidad burguesa, esta felicidad para que sea auténtica, debe
basarse en la propiedad privada, la libertad y la igualdad.
Cuando los ilustrados citan la igualdad, no hacen referencia a la
igualdad económica, sino a la política y legal, es decir, igualdad
ante la ley y la justicia.
La tiranía de los monarcas absolutistas y los señores feudales, la
ignorancia de un pueblo sin educación, y las supersticiones que
dicha ignorancia y la fuerte influencia de la Iglesia provocaban.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

CREENCIA EN “LA BONDAD NATURAL DEL HOMBRE”

El hombre por naturaleza es bueno, todo ser humano nace bueno y libre, sin embargo, todo lo tradicional le
oprime hasta que poco a poco la sociedad termina por corromperlo, destruyendo es naturaleza con la que nace.
Rousseau aboga por la tesis del buen salvaje, por la cual cualquier ser humano en estado primitivo, es cándido
y bueno, pero es la cultura y la sociedad quienes le pervierten, llevándole hacia una vida de vicios, a la
amoralidad y al desorden en todos los sentidos. Una reflexión que concluye con una sentencia sobre la
diferencia de un hombre en estado primitivo como ser con una moralidad superior frente al hombre civilizado.
Esta teoría chocaba con la creencia tradicional que abogaba por que el hombre es malo porque siempre
supeditará su propio bienestar frente al de los demás. El hombre salvaje comete crueldades y hará lo que sea
necesario por su supervivencia, incluidos actos violentos.
Su herencia de pensador radical y revolucionario está probablemente mejor expresada en sus dos frases más
célebres, una contenida en El contrato social, «El hombre nace libre, pero en todas partes está encadenado»,
la otra, presente en su Emilio, o De la educación, «El hombre es bueno por naturaleza», de ahí parte su idea
de la posibilidad de la educación.

EL OPTIMISMO
El hombre del siglo XVIII piensa que la
naturaleza es una especie de máquina
perfecta que lo hace todo bien donde no hay
errores, por lo tanto, existen motivos para
ser optimista. Por otro lado, se considera
que la historia supone la evolución
progresiva de la humanidad, es decir, que el
hombre con el transcurso de los siglos se va
perfeccionando continuamente, ya que va
acumulando historia, por lo que llegará el
momento en que se logrará construir la
sociedad perfecta, una especie de paraíso
en la tierra.

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 BARROCO E ILUSTRACIÓN

EL LAICISMO

La ilustración comienza a mirar con otros ojos a la religión. Aparecen

unas nuevas corrientes entorno a los sentimientos religiosos como
son el deísmo y el ateísmo, donde se pone en alerta el excesivo poder
de la iglesia, la educación estaba en manos de la iglesia, el poder
económico de la iglesia y como ésta se inmiscuía en los asuntos
políticos.
La iglesia vista desde un punto de vista científico y más en un siglo
que se caracteriza por el poder de la razón. Nuevos interrogantes se
plantean, la religión frente a la ciencia, el hombre del siglo de las
luces rechaza las viejas creencias y reclama pruebas empíricas de los
dogmas religiosos.
La religión empieza a considerarse como una cuestión personal, el
hombre tiene un compromiso con Dios, abandonado las imposiciones dogmáticas que la iglesia imponía. La
ilustración abogaba por la pluralidad y la tolerancia ante cualquier tipo de religión o dogma.
Surgen las contradicciones entre la fe y el conocimiento, teniendo a la ética como la meta que todas las
religiones deben tener.
El deísmo aboga por la existencia de Dios, pero rechaza la religión, su creencia dependerá tanto de la
naturaleza como del método científico. Se trata
de conocer a Dios a través de la razón y la observación.
Dios no interviene en los designios del mundo, el mundo
sólo obedece a las leyes naturales.
Enfrentada a esta posición se sitúan las religiones más
tradicionales como el cristianismo, judaísmo, budismo o
el islam, quienes siguen pensando en un Dios que
interviene en los asuntos terrenales, capaz de obrar
milagros.
La Ilustración es la primera cultura laica de la historia de Europa. Una cultura al margen del cristianismo, y en
algunos aspectos anticristiana. Esto tiene su explicación en cierto rechazo por parte de la Iglesia, de la forma
de vida burguesa. La burguesía constituye una clase que, desde su aparición, vive del comercio, del préstamo
con interés y del lucro.
Todavía en el siglo XVIII nos encontramos con teólogos que consideraban al préstamo con interés como
usura, con moralistas que seguían hablando de ganancias ilícitas y con eclesiásticos que predicaban que era
más fácil salvarse a un hombre dedicado al ocio, que no al comerciante.
Las virtudes cristianas son transformadas en virtudes laicas, así los ilustrados nunca hablan de caridad (amor
al prójimo por amor a Dios), sino que emplean la palabra filantropía (amor al hombre por el hombre mismo).
El carácter no religioso de la Ilustración se nota también en las lecturas de la época. En el siglo XVII los libros
que más se editaban eran las vidas de santos y las obras de piedad, en cambio en el siglo XVIII las obras más
editadas son de filosofía, ciencias naturales y apenas libros religiosos.

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FORMAS DE DIFUSIÓN EN LA ILUSTRACIÓN

El problema de la Ilustración es que solo caló entre un sector muy minoritario de la población, pero a pesar de
ello, intentaron difundir y extender sus ideas de muy diversas formas:
o Las sociedades científicas, literarias o artísticas y las academias, apoyadas por los poderes públicos.
o Las sociedades de amigos del país, establecidas normalmente en las principales ciudades y capitales
de provincia.
o Los Salones. Tertulias, cafés o reuniones de ilustrados para tratar sobre los más diversos temas.
o La Enciclopedia. Se elabora un diccionario ilustrado que recogía todo el
conocimiento de la humanidad hasta ese momento.
Para la elaboración de la Enciclopedia se siguieron criterios
estrictamente científicos, lo que le acarreó la oposición de los sectores más
reaccionarios de la sociedad y por supuesto, la persecución eclesiástica,
entrando a formar parte de los libros prohibidos por la iglesia.

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EL PENSAMIENTO ILUSTRADO

No se entendería sin antes poner en antecedentes de la situación en Inglaterra y Holanda durante el siglo XVII.
Las evidencias se encuentran en Newton desde el punto de vista científico, «Física Moderna» y en la Revolución
inglesa de 1688 en sus aspectos políticos. Esta última implantó el parlamentarismo, que tanta influencia
ejercería en Voltaire y en Montesquieu.

PENSAMIENTO POLÍTICO
Montesquieu: Teorizó sobre la división de poderes (Ejecutivo, Judicial y Legislativo). Siguiendo las teorías de
Locke, considera que el hombre debe buscar la Libertad y para alcanzarla, es necesario limitar el poder de los
príncipes absolutistas.
Voltaire: Indagó en la libertad de pensamiento y abogó por una nueva religión (deísmo) que sustituyese a las
reveladas (cristianismo, judaísmo, islamismo, etc.). Repudió el excesivo poder del clero y propugnó una religión
basada en la razón y el respeto, alejada del fanatismo y la intolerancia. Fue partidario de un
sistema parlamentario que limitase el poder del monarca, así como de un profundo cambio en los valores de la
sociedad de sus días.
Rousseau: Hizo hincapié en el estudio de la Naturaleza y las relaciones sociales entre los hombres. El Hombre
es bueno por naturaleza, pero la sociedad la corrompe y esclaviza, el hombre salvaje es feliz y libre, pero la
civilización nace de la propiedad privada y entonces aparece la desigualdad y la pérdida de libertad. Pensaba
que la educación constituía la mejor fórmula para
desarrollar la bondad natural de las personas.

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PENSAMIENTO ECONÓMICO
Se concretó en dos nuevas corrientes: la fisiocracia y liberalismo, que entraron en conflicto con el pensamiento
imperante del momento, el mercantilismo.
Mercantilismo:
Considera que la riqueza de un país depende de la cantidad de oro y plata atesorarle dentro de sus fronteras.
Para acumular oro y plata es necesario incentivar las exportaciones y reducir las importaciones. Para conseguir
esto último, se establecen altas tasas aduaneras que encarezcan, los productos extranjeros y disuadan a los
potenciales compradores de los mismos. Para poder exportar es necesario impulsar las manufacturas. Éstas
han de estar sometidas a una estricta reglamentación estatal.
El comercio debe desarrollarse mediante la creación de compañías que dependan del Estado. A fin de
conseguir los mencionados objetivos la economía ha de ser regulada por el Estado. Su principal valedor
fue Jean-Baptiste Colbert, ministro de Luis XIV de Francia.

LA FISIOCRACIA:
Los fisiócratas sostenían que la riqueza de un estado hay que buscarla en la naturaleza, más exactamente
en la agricultura. Las otras actividades económicas (industria y comercio) son consideradas
estériles. La riqueza circula mediante el trasvase de parte de las rentas de la clase productiva, los agricultores, a
las clases improductivas.
Su principal teórico fue François Quesnay, quien expuso sus ideas en la obra «Tableau économique»,
considerada una de las primeras obras sistematizadas de la ciencia económica.

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EL LIBERALISMO:
Para sus defensores, la riqueza del Estado no radica ni en la acumulación de metales preciosos, como
propugnaba el Mercantilismo, ni exclusivamente en la agricultura, Fisiocracia, sino en la libertad.
El Estado no ha de intervenir en la actividad económica, ha de dejar total libertad a la iniciativa y a
las empresas privadas. Su principal teórico fue Adam Smith (1793-1790), quien expuso su pensamiento en la
conocida obra «La riqueza de las naciones».

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LA ILUSTRACIÓN EN ESPAÑA E HISPANOAMÉRICA

Como hemos comentado anteriormente, fue en Gran Bretaña, donde se dieron algunos de los rasgos
esenciales de la Ilustración antes que en otros lugares. La ilustración se introdujo en Francia donde se asentó
y de allí fue difundiéndose poco a poco hacia otras zonas europeas como son los Países Bajos, Italia, España
y Portugal, el conglomerado germánico, Polonia, Rusia, Suecia, etc.

Las colonias americanas también se hicieron eco de las ideas y el movimiento de la ilustración, condicionado
por el grado de desarrollo ideológico y sociopolítico adquirido en el momento del lanzamiento de las nuevas
ideologías y por el proceso interno seguido a lo largo de su desenvolvimiento.

Templo de la Compañía de Jesús, en Guanajuato, México

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LA ILUSTRACIÓN EN ESPAÑA

El movimiento ilustrado, como ya hemos comentado antes, surgió en la Europa del siglo XVIII como una forma
de entender el mundo, la existencia y la sociedad, que no derivaba de los textos sagrados ni de la «tradición»,
sino que quería constituirse como alternativa a éstos, al «iluminar» las sociedades europeas para que
abandonaran definitivamente la ignorancia y la superstición y se basaran en ideas racionales.
Si bien la decadencia profunda en que se encontraba el país en el punto de partida obstaculizó una posterior
eclosión, el auge dinámico de algunas de sus zonas geográficas como Cataluña, a lo largo del período y la
actuación tímida, desde el poder político facilitaron la aparición de un nutrido y valioso grupo de ilustrados
como Cabarrús, Cadalso, Campomanes, Capmany, Cavanilles, Feijoo, Hervás y Panduro, Jovellanos, Mutis,
etc., condicionado, no obstante, por el arraigo y la preponderancia del pensamiento teológico tradicional.
La creación de las Reales Academias de la Lengua, de la Historia, de la Medicina o del Real Gabinete de
Historia Natural (actual Museo Nacional de Ciencias Naturales), fueron algunos de los logros de la Ilustración
española.
Retrato de Jovellanos, pintado por Francisco de Goya y Lucientes en
1798, considerado uno de los más emblemáticos personajes de la
Ilustración española. Este intelectual español accedió al cargo de
ministro y emprendió reformas que no llegaron a consolidarse. En el
fondo se aprecia una estatua de Minerva, diosa de la sabiduría, que
parece estar «bendiciéndole».
En el Diccionario de autoridades publicado por la Real Academia
Española se definía «luz de la razón» como «el conocimiento de las
cosas que proviene del discurso natural que distingue a los hombres
de los brutos», que iba unido a la «luz de la crítica» o las «luces
críticas», por cuanto «las luces», no solo remitían al cultivo de la
inteligencia y al conocimiento adquirido por un reducido número de
personas, sino también, al uso crítico de la razón frente a los
prejuicios heredados del pasado.

Diccionario de Autoridades

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Aunque la Ilustración, no fue una doctrina o un sistema filosófico, sino un movimiento intelectual
heterogéneo. Los ilustrados compartieron una serie de principios, actitudes y valores estrechamente
interrelacionados. Así para los ilustrados la razón era el instrumento esencial para alcanzar la verdad por lo que
debían ser sometidas a crítica todas las «verdades» heredadas de la «tradición», es decir, del pasado,
especialmente aquéllas que se basaban en los prejuicios, en la ignorancia y en la superstición o en los dogmas
religiosos.
En España el movimiento ilustrado
sólo se difundió entre determinadas
élites como eran algunos nobles,
clérigos, algunos profesionales y
miembros acomodados de la
sociedad. Conviene recordar que no
toda la producción cultural de la
decimoséptima centuria merece
timbres de Ilustración
El elitismo ilustrado y su relación con
lo «popular»
Los ilustrados constituyeron una
minoría, dinámica e influyente, pero
minoría, al fin y al cabo. Y, aunque los principios que defendieron llegaron a impregnar toda su época, el censo
de los indiferentes, de los tradicionalistas y de los enemigos de las Luces siempre fue mucho más grande que
el de los partidarios del progreso, la razón y la libertad.
El sustantivo «ilustración» no se difunde en España hasta después de 1760, designando un programa de
instrucción, enseñanza, transmisión o adquisición de conocimientos en beneficio de una persona o de la
sociedad en su conjunto.
Antes de 1760, se había utilizado el verbo ilustrar, aunque con un sentido diferente, uno religioso y
tradicional, ligado íntegramente a Dios y a la Fe. El otro sentido que se le daba era el de «dar lustre o
esplendor». Así el abate Gándara en 1759, dando la bienvenida al nuevo rey Carlos III, se mostró convencido
de que pronto se desterrará la desidia, se proscribirá la ignorancia, se adquirirán luces, se ilustrará el Reino.

REY CARLOS III

También hacia 1760 empezó a utilizarse al término «Siglo de las Luces» o
«siglo ilustrado», aunque esta última expresión fue muy utilizada, en sentido
peyorativo, por los que se oponían a las nuevas ideas, como el fraile Fernando
de Ceballos quien escribió en 1776, Demencias de este siglo ilustrado,
confundidas por la sabiduría del Evangelio.
El fraile José Gómez de Avellaneda que escribió en el mismo año una sátira
contra Pablo de Olavide, titulada El Siglo Ilustrado. Vida de D. Guindo Cerezo,
nacido y educado, instruido, sublime y muerto según las Luces del presente
siglo.

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PABLO DE OLAVIDE
Durante mucho tiempo se creyó que el carácter «moderado» de las propuestas de los ilustrados españoles, era
un rasgo específico de España.
Los últimos estudios sobre la Ilustración europea han cuestionado la tradicional visión de ésta como la
desencadenante del fin del Antiguo Régimen y han destacado que la Ilustración habría sido un movimiento
esencialmente reformista.
Los ilustrados no aspiraban a modificar sustancialmente el
orden social y político vigente, simplemente pretendían
introducir reformas que fomentasen lo que
denominaron pública felicidad y para ello deseaban
involucrar a los grupos privilegiados en su materialización.
Vida de don Guindo Cerezo, nacido y criado, instruido y
muerto según las luces del siglo presente XVIII Biblioteca
Nacional de Colombia
Precisamente esta faceta reformista es lo que atraería la
atención de los gobiernos absolutistas europeos dispuestos a
impulsar el «progreso» pero sin alterar el orden social y
político establecido.
Así los gobiernos se habrían servido de la Ilustración para
dotar a sus planes de reforma económica, fiscal, burocrática
y militar de una aureola de acendrada modernidad,
justificando así, como necesaria e inevitable la creciente
intervención del Estado en todos los órdenes de la vida social.
Y por eso cuando algunos ilustrados traspasaron ciertos
límites acabaron sufriendo en sus carnes el poder coercitivo
del Estado.
Los ilustrados españoles confiaron en que la Corona fuera la «impulsora» de la modernización cultural, social
y económica que ellos propugnaban. Pero la Corona, por su parte, utilizó las propuestas ilustradas para lograr
que su poder fuera incontestado y sin ningún tipo de cortapisas. Por eso la colaboración Monarquía-Ilustración
fue a veces ambigua y contradictoria.
Grabado de la Ilustración Española y Americana, Sesión de la
Academia española
Los gobiernos impulsarán las reformas siempre que éstas no sean
demasiado radicales como para poner en peligro la estabilidad de todo
el entramado del Antiguo Régimen.
De ahí provendrán precisamente las mayores frustraciones para el
movimiento ilustrado pues, los reyes estuvieron más interesados por lo general en el robustecimiento de su
autoridad, en el perfeccionamiento de su maquinaria administrativa y en el engrandecimiento de sus territorios
que en la proclamada felicidad de sus súbditos.

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La mayoría de los ilustrados españoles «eran buenos cristianos y fervientes monárquicos que no tenían nada
de subversivos ni revolucionarios en el sentido actual del término.
Eran decididos partidarios de cambios pacíficos y graduales que afectaran a todos los ámbitos de la vida
nacional, sin alterar en esencia el orden social y político vigentes. Es decir, reformar las deficiencias para poner
España al día y en pie de competencia con las principales potencias europeas manteniendo las bases de un
sistema que no consideraban intrínsecamente malo.

Carlos III, un buen representante de la ilustración y el despotismo ilustrado

La campaña reformista de los ilustrados tuvo que detenerse ante los privilegios de las clases dominantes, ante
las estructuras del régimen absolutista y ante los anatemas de las autoridades eclesiásticas.
Tal vez la característica más específica de la Ilustración en España fue que todos los ilustrados se mantuvieron
dentro del catolicismo, no hubo ningún deísta entre sus filas, y por
supuesto, ningún ateo.
La Inquisición empleó la censura para evitar la difusión de ideas
contrarias a la religión católica, y para ello elaboró los «index
Librorum Prohibitorum et Derogatorum».
Esto es lo que ha llevado a algunos historiadores a hablar de
una «ilustración católica» en España en la que los partidarios de
las «luces de la razón» fueron respetuosos con la «luz divina», ya
que para muchos de ellos «la razón y la religión compartían una
misma «luz natural» que obviamente era obra del Creador.
El hecho de que el catolicismo ortodoxo continuara siendo
hegemónico, incluso entre las élites abiertas a las nuevas ideas,
tuvo consecuencias negativas para la Ilustración en España
Los diversos discursos ilustrados provenientes de otros países
aquí fueron con frecuencia censurados, amputados y
tergiversados, a causa también de lo que se llamaba, la doble

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censura política y religiosa ejercida a través del Consejo de Castilla y por medio de la Inquisición, que apenas
dejó espacio para una opinión independiente.
En 1756 el Santo Oficio prohibió «El espíritu de las leyes» de Montesquieu, por, según decían, contener y
aprobar toda clase de herejías», dificultó la difusión de la Enciclopedia y toda la obra de Voltaire y Rousseau,
también fue prohibida.

“El espíritu de las leyes” de Montesquieu

A pesar de todos los empeños, estas obras fueron conocidas en España gracias a la gran labor de unos
libreros dispuestos a vencer el temor al Santo Oficio e importarlos para sus clientes.
Un ejemplo de la «ilustración católica» que intenta hacer compatible lo que dice la Biblia con los avances de la
ciencia puede ser el siguiente fragmento de una obra del matemático y astrónomo valenciano Jorge Juan,
publicada en 1774 en la que defendía la teoría heliocéntrica condenada por la Iglesia y la física Newtoniana,
por lo que tuvo problemas con la Inquisición.

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Jorge Juan, Astrónomo Marino

La llegada de la nueva dinastía borbónica no aportó ningún cambio importante en el terreno científico, a
excepción de una mayor centralización que supuso la creación de la Real Biblioteca y la Real Academia de la
Lengua.

LA ILUSTRACIÓN EN HISPANOAMÉRICA
A Hispanoamérica llegaron las ideas de la Ilustración a través de la
metrópoli, tanto España como Portugal.
En los ámbitos de la política y la economía, las reformas impulsadas por el
despotismo ilustrado a finales del reinado de Fernando VI y durante el de su
sucesor Carlos III, tenían por objeto reafirmar el dominio efectivo del
gobierno de Madrid sobre la sociedad colonial y contener o frenar el ascenso
de las élites criollas.
Las autoridades españolas sometieron a una explotación más sistemática y
profunda de las colonias, procurando, además, fortalecer y aumentar la flota
de guerra y establecer unidades del ejército regular español en las diversas
regiones de América.

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En la Nueva España, lo que hoy es México, en el ámbito de los colegios de la Compañía de Jesús, vemos surgir
un importante grupo de científicos y filósofos ilustrados, encabezados por José Rafael Campoy.
Estos defienden una clara separación entre la filosofía y las ciencias naturales, una mayor especialización en
el estudio científico y una simplificación en el método de la enseñanza filosófica, evitando las sutilezas
silogísticas, así como la sumisión incondicional a las autoridades.

José Rafael Campoy,

En este grupo de pensadores que trabaja principalmente en la Ciudad de México, Tepotzotlán, Guadalajara y
Valladolid (Morelia), destacan:
El historiador Francisco Javier Clavijero, que emplea un método histórico sistemático y sorprendentemente
moderno.
El filósofo Andrés de Guevara y Basoazábal, que se basa en Bacon, Descartes y los censistas para plantear la
necesidad de una filosofía moderna, justificar el método inductivo y experimental, y denunciar el abuso del
método deductivo.
El crítico de la escolástica Juan Benito Díaz de Gamarra y Dávalos, defensor de la ciencia y de la modernidad,
cuyo eclecticismo ilustrado está principalmente regido por los valores del buen sentido, la racionalidad, la
tolerancia y la utilidad para el hombre.
En el sur del continente, el pensamiento ilustrado tuvo un primer gran empuje en la Real Audiencia de Quito
mediante la llamada Escuela de la Concordia, fundada en la ciudad de Quito por el Dr. Eugenio Espejo y a la
cual pertenecían nobles de la élite criolla y profesionales mestizos.

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Eugenio Espejo fue un hombre de la Ilustración. Asimiló las ideas que los pensadores modernos hacían circular
desde Europa.
Los pensamientos y debates surgidos en la Escuela de la Concordia plantaron las primeras semillas de
nacionalismo e independencia de Sudamérica, ya que dé a partir de varios sucesos ocurridos con sus diferentes
miembros, la ilustración se propagaría hacia el resto de los territorios de los virreinatos de Nueva Granada y
Perú.

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