SELECTIVIDAD – FUNDAMENTOS DEL ARTE

Tema 12. LOS AÑOS 2000-2013

Índice:

1. Objetivos ............................................................................................................................ 2
2. Introducción. Arquitectura de finales del siglo XX y comienzos del XXI....................... 2
2.1 Arquitectura de la segunda mitad del siglo XX ............................................................. 3
2.2 Arquitectos contemporáneos: Fran Ghery, Zaha Hadid, Norman Foster y Santiago Calatrava 7
3. Cine documental y ecologismo ........................................................................................ 21
3.1 Félix Rodríguez de la Fuente ..................................................................................... 24
3.2 Nacional Geographic ................................................................................................. 25
4. La tecnología digital y el arte........................................................................................... 26
5. El cine de animación de las productoras “Pixar” y “DreamWorks ............................... 31

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1. Objetivos

1. Analizar la importancia del ecologismo y de la creación artística relacionada con esta filosofía.
2. Identificar los edificios más relevantes de la década, ya sea en España o en el resto del mundo.
3. Comparar la obra arquitectónica de Zara Hadid con la del resto de arquitectos contemporáneos.
4. Explicar la importancia de internet en la creación artística.
5. Conocer las características propias del género documental en el cine.

2. Introducción. Arquitectura de finales del siglo XX y comienzos del XXI

La arquitectura se centraba durante la primera mitad de siglo, por motivo de las dos Guerras Mundiales, en la idea
del diseño industrializado y en serie, debido a las dificultades económicas y a la necesidad muchas veces de
construir infraestructuras de forma rápida por culpa de la destrucción ocasionada por, la Segunda Guerra mundial.
Ya en la segunda mitad, y debido al crecimiento económico experimentado por los países desarrollados,
comienzan a surgir corrientes que rechazan el estilo racionalista o plantean su revisión
Surgen dos tendencias:

TARDOMODERNISTA que plantea la revisión y perfeccionamiento de los principios racionalistas y organicistas.

OBRA CENTRO GEORGE POMPIDOU

POSMODERNISTA que busca la aceptación del público creando espacios espectaculares. OBRA: EDIFICIO
PORTLAND DE MICHAEL GRAVES

Así llegamos al siglo XXI, con diferentes estilos que buscan cubrir una serie de necesidades propias de este nuevo
tiempo, como son la crisis ecológica y el problema de la población en riesgo de pobreza extrema.

La arquitectura de finales del siglo XX y del siglo actual cuenta con arquitectos de gran personalidad que realizan
obras emblemáticas y espectaculares. Pese al marcado individualismo y sin constituir un estilo tienen rasgos
comunes:
- Influencia de los movimientos anteriores
- Utilización de recursos de alta tecnología y materiales nuevos que aportan la investigación y la industria
(estructuras metálicas, laminadas, cristal reflectante, etc.).

Centro acuático. Pekín. Chris Bosse, Rob Leslie-Carter.

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- Importancia de la Informática en el diseño constructivo

- Compartimentación del espacio.
- El sentido escultórico en el tratamiento de los volúmenes
externos.
- Fusión entre arquitecto-ingeniero-urbanista
- Gran dinamismo y espectacularidad.
- Preocupación por la sostenibilidad y el medio ambiente.
- Obras monumentales que transforman el espacio
circundante.
- Apuesta por el progreso.
- Globalización.
- Arquitectos estrella. Los arquitectos nacidos en las últimas
décadas se han convertido en marcas de grandes estudios.
- Los medios de comunicación les dan tanto espacio como a
artistas o deportistas.

2.1 Arquitectura de la segunda mitad del siglo XX

La arquitectura racionalista, que dio paso al Movimiento Moderno, entra en crisis a partir de los años 60 del siglo
XX. Se inicia un proceso de renovación que defiende que la arquitectura no sólo tiene que construir edificios de
volúmenes puros, fríos, “una máquina para vivir” sino que tiene que ser un espacio donde disfrute el inquilino y
permita la creatividad e imaginación del arquitecto.
La consecuencia es que a partir de la década de los 60 surgen multitud de tendencias diferentes (Brutalismo,
Metabolismo, Neorracionalismmo, Neoexpresionismo o Neoorganicismo (teatro de la ópera de Sidney), etc.

En los años 80 esta disparidad, confluyen en dos tendencias: el Postmodernismo y el movimiento Tardomoderno,
dentro de este movimiento se incluyen el High- Tech y Deconstrucción.

The Portland Public, 1982 de M. Graves. Posmoderno

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La Arquitectura Posmoderna: En los años setenta y ochenta, arquitectos como Philip Johnson o Michael
Graves, rechazan la frialdad del racionalismo y sus edificios reiterativos y apuestan por una arquitectura variada,
imaginativa, más acorde con el mundo actual. En sus edificios hay referencias historicistas y clasicistas que lo
aproximan al lenguaje popular, entendible aunque tiene algo de Kistch. Construyen espacios ambiguos, ángulos
oblicuos, fachadas rotas y ornamentadas, colores fuertes, etc. Ejemplos The Portland Public, 1982 de M. Graves o
Los espacios de Abraxas, París de Ricardo Bofill. Rafael Moneo, arquitecto español con gran prestigio
internacional, es uno de los mejores representantes del Posmoderno, construye una arquitectura para hoy pero
con un aire clasicista como vemos en el Museo Romano de Mérida, ampliación del Museo del Prado en Madrid o
el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián.

Museo Romano de Mérida. Rafael Moneo

La Arquitectura Tardomoderna: es en realidad una continuación de la arquitectura Moderna. Utiliza el mismo

vocabulario formal pero realza la tecnología, utilizándola como elemento estético. Para muchos es la
barroquización de la arquitectura moderna. En el Tardomoderno, la decoración es la propia construcción como se
ve en el Centro Pompidou de Richard Roges y Renzo Piano. Esta corriente tiene mucha fuerza en Japón. Ejemplo
El Pabellón Sant Jordi de Arata Isozaki, construido para las Olimpiadas de 1992.

Centro Pompidou. París. Renzo Piano & Richard

Rogers, 1972-77

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Pabellón Sant Jordi. Olimpiadas Barcelona 1992. Arata Isozati

La arquitectura del siglo XXI. Características

A continuación, se nombran las tendencias más representativas que actualmente copan el panorama
arquitectónico como son:

- El Minimalismo
- Deconstructivismo: FRANK GEHRY, ZAHA HADID
- Espectacularidad y polémica: SANTIAGO CALATRAVA
- High Tech: Norman Foster
- Eco-Tech
- Arquitectura de cooperación
- Blob Architecture
- La Arquitectura del reciclaje.

Minimalismo

Origen: Tendencia con orígenes en Europa, gracias al prestigioso arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe,
quien tras expresar sus primeras ideas acerca de la pureza de las formas durante el periodo en el que trabajaba
en la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania, a finales de los 30, se vio forzado a
emigrar a Estados Unidos en los
albores de la Segunda Guerra
Mundial.

En los años 50-60 aparece en

Nueva York, y de la mano de Mies,
el movimiento conocido como
Minimalismo. Este no solo se
cerraba al campo de la
arquitectura, sino que se extendía
por el resto de disciplinas
artísticas. Su influencia se podría
resumir en una frase que el mismo

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Mies dictó y que se ha convertido en el lema de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del siglo XX:
“less is more”. Y es en los años 70 y 80 cuando el movimiento minimalista alcanza su madurez como una forma de
reacción a los movimientos recargados de la época.

Descripción:
Se caracteriza por la extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros,
creando un ambiente equilibrado y en armonía. Se trata de construir cada espacio con el mínimo número de
elementos posibles, eliminando o evitando todo cuanto sea considerado accesorio. Sobriedad sin ornamentación. .

Características: Economía de lenguaje y medios

- Purismo estructural y formal
- Sencillez
- Geometría elemental
- Producción y estandarización industrial

Arquitectos contemporáneos representativos: John Pawson

Deconstructivismo

Origen:

El Deconstructivismo también llamado deconstrucción, es un movimiento que surge en los años 60 en Francia, de
la mano del filósofo francés Jacques Derrida, y que alcanza su apogeo con la exposición que tuvo lugar en el
MoMA de Nueva York en 1988, llamada “Arquitectura Deconstructivista”.
La denominación “deconstructivismo” ha sido posterior y repetidamente denostada por estos arquitectos, pero
sigue siendo útil para calificar la eclosión de este movimiento plurimorfológico que tanta importancia ha adquirido
durante el siglo XXI.

Esta vertiente arquitectónica no se entendería sin citar sus precedentes, ya que los arquitectos deconstructivistas
estaban influenciados por otros movimientos como son el constructivismo ruso de los años 1920 a 1930, u otros
más contemporáneos como la interacción modernismo/postmodernismo, el expresionismo, el cubismo o el arte
contemporáneo, entre otros. En definitiva, se trata de una vertiente de la arquitectura que tiene su origen en la
búsqueda de la ruptura de lo establecido, y que se aleja del movimiento continuista del postmodernismo.

Principios:Estilo que adquiere gran desarrollo a finales de los años 90. Se caracteriza por:

- Romper con todos los principios de la arquitectura. No hay equilibrio en la estructura, ni armonía, ni el
concepto del espacio tradicional
- Imaginación y creatividad desbordante del arquitecto.
- Separar la forma de la función.
- Fragmentar el edificio (deconstruir). Desintegrar el espacio. Formas irregulares
- Son edificios dinámicos, aparentemente irrealizables.
- Complejidad constructiva y técnica que obligan a apoyarse en sofisticados medios informáticos en los
diseños.
- Utilización de un lenguaje escultórico
- Materiales variados y novedosos que alcanzan gran protagonismo.
- Resultado espectacular y fascinador en el espectador

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Características:

- Caos controlado
- Impredecibilidad
- Perspectiva multifocal
- Complejidad y contradicción
- Libera a la arquitectura de reglas y paradigmas

2.2 Arquitectos contemporáneos representativos: Fran Ghery, Zaha Hadid, Norman Foster y Santiago
Calatrava

Frank Ghery, arquitecto canadiense que alcanza su plenitud con la construcción del Museo Guggenheim de
Bilbao, 1991-1997, ubicado en la ría de Nervión, en un espacio industrial en declive, rehabilitado para uso cultural
y de ocio. En 1989 fue galardonado con el Premio Pritzker.
Ghery, en este edificio recoge todos los principios del Deconstructivismo y se convierte en un icono. Es un edificio-
escultura de titanio, piedra caliza y cristal, que aprovecha para jugar con los reflejos de la luz y el color. Parece un
barco anclado en la ría. El museo está formado por dos módulos, uno ortogonal de piedra y otro curvado de
láminas de titanio, ambos unidos por muros de vidrio. Transmite flexibilidad y movimiento.

Otros edificios del arquitecto son: Bodegas Marqués de

Riscal, en La Rioja, 2008, Casa Danzante en Praga, el
nombre original de esta casa es Fred and Ginger por
los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers, Sala de
Conciertos Walt Disney de Los Ángeles. Fundación
Louis Vuitton, París, 2014.

Bodegas-hotel Marqués de Riscal, El Ciego, La Rioja.

Museo Guggenheim de Bilbao. Frank Ghery

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Casa danzante de Praga

Salón de Conciertos de Walt Disney, Los

Ángeles. Frank Ghery

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Zaha Hadid

Zaha Hadid (1950) Es la primera mujer arquitecta superestrella, con una

amplia producción arquitectónica en diferentes lugares del mundo. Ha sido
premiada con numerosos galardones como el premio Mies van der Rohe
(2003), el premio Pritzker (2004), el Praemium Imperiale (2009) y ha sido
nombrada Dame of the British Empire (2012). Falleció en Miami a causa de
un infarto el 31 de marzo de 2016. Las características de su personalidad se
confunden punto por punto, con su obra. Diva, centro del mundo, talentosa
enérgica, polémica, temperamental.

Es una de las mejores representantes de la Arquitectura Deconstructivista,

corriente caracterizada por: Destaca por su fusión con el paisaje y el
espacio circundante. Apuesta por la plasticidad, la arquitectura orgánica, el
movimiento, las líneas curvas, las terminaciones angulosas, la luz lograda a
través de grandes fachadas acristaladas, materiales modernos como fibra
de vidrio, poliéster y el color blanco. Reta a la gravedad.

- Romper con todos los principios de la arquitectura. No hay equilibrio en la estructura, ni armonía, ni el
concepto del espacio tradicional
- Imaginación y creatividad desbordante del arquitecto.
- Separar la forma de la función.
- Fragmentar el edificio (deconstruir). Desintegrar el espacio. Formas irregulares
- Son edificios dinámicos, aparentemente irrealizables.
- Complejidad constructiva y técnica que obligan a apoyarse en sofisticados medios informáticos en los
diseños.
- Utilización de un lenguaje escultórico.
- Materiales variados y novedosos que alcanzan gran protagonismo.
- Resultado espectacular y fascinador en el espectador.

Su meta es romper todos los cánones establecidos de la arquitectura.

Sin embargo la originalidad de su marca reside en el espíritu de su diseño no en sus formas mismas, porque si
bien en sus primeras obras, como la estación de bomberos en Vitra o el estacionamiento y estación de tranvías en
Estraburgo, manejaba algunos lineamientos formales que repetía con asiduidad: formas punzantes y agresivas,
ángulos agudos y líneas que se extendían hasta el infinito; y en estos momentos se nota un despliegue donde
presenta planos sinusoidales y la fluidez espacial, el cambio de vocabulario, e inclusive de sintaxis, es permanente
de obra en obra y no se la puede tildar ni de desconstructivista, ni de nada, porque su arquitectura se escabulle
inconforme de cualquier etiqueta. Y lo demuestra planteando soluciones extremadamente distintas a programas
similares.

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Centro Cultural Heydar Aliyev en Bakú, República de Azerbaiyán, Zaha Hadid

Nueva sede de la Autoridad Portuaria Amberes y Palacio de la ópera de Canton, China

Centro acuático de Londres

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High-Tech

High Tech, como su nombre indica, es un estilo que mezcla la arquitectura con la alta tecnología. Fue una
derivación del movimiento Tardomodernismo.

Los rasgos que lo definen son:

- Los componentes tecnológicos forman parte del proyecto y de la expresión arquitectónica.

- Los exteriores tienen apariencia metálica y brillante. Muestran estructuras y conductos.
- Aúnan criterio racionalista de aprovechamiento funcional de los espacios con una apariencia exterior
desnuda y elegante.
- Les influye la arquitectura racionalista.
- Destacan los materiales industrializados, en especial para las cubiertas, los pisos y hasta para los muros.
- Intenta integrar la arquitectura con la naturaleza respetando el medio ambiente.
- Los precursores fueron los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers y el Centro Pompidou, precursor de
esta tendencia.
- También destacan como obras High Tech, las construcciones de Jean Nouvel con la Torre Agbar en
Barcelona o la ampliación del Museo Reina Sofía.
- El arquitecto que mejor representa este estilo es Norman Foster.

La arquitectura del maestro Norman Foster se caracteriza por tener un marcado sello industrial, (empleo y
colocación de elementos repetitivos que pueden ser construidos en lugares alejados de la obra), un gran dominio
del espacio, la luz y la materia, y un fuerte compromiso con el cuidado del medio ambiente, sus habitantes, y los
principios que fundamentales de la arquitectura sostenible.

Destaca por las complejas formas, el empleo de las superficies curvas y de un enorme abanico de materiales
constructivos. Ha evolucionado suavizando las formas agresivas del High Tech a una estética minimal, a una
arquitectura futurista, de aparente sencillez y simplismo que en realidad proviene de la obra de Mies Van Der
Rohe, cuya influencia se observa en toda su obra. Sus proyectos llevan un marcado sello, empleando en sus
edificios elementos que se repiten multitud de veces. Fusiona el racionalismo y el organicismo. Trabaja con

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materiales, tecnología e informática de última generación. Lo mismo construye museos, puentes, aeropuertos,
estadios de fútbol que proyectos para transformar ciudades.

Fueron los elementos que le permitieron al Arquitecto Foster hacerse acreedor al Nobel de la Arquitectura, el
Premio Pritzker de Arquitectura, y al premio el Mies van der Rohe.

Algunos de sus edificios de gran complejidad son la terminal del

aeropuerto de Stansted en Essex (Gran Bretaña, 1991) y las oficinas
centrales de la Hong Kong and Shanghai Banking Corporation en Hong
Kong (1986), considerada por muchos críticos como su obra maestra.

Norman Foster ha convertido la creación de edificios en obras de arte,

revolucionado la forma de entender la arquitectura. Es un arquitecto que
comprende que los lugares donde vivimos y trabajamos tienen una gran
influencia sobre las personas y el medio ambiente, que los espacios
urbanos son determinantes en nuestra calidad de vida. Sus diseños
destacan por aprovechar al máximo el uso de la tecnología en busca de
una mayor eficiencia energética, la extraordinaria integración en el
entorno, la creación de un ambiente agradable para el usuario y la
usabilidad de sus instalaciones.

Otras obras: Torre “pepinillo” en la City de Londres, bodegas Portia en

Gumiel de Izan, Metro de Bilbao, Renovación del edificio del Reichstag,
Berlín, Alemania, reforma of the British Museum, Londres, terminal del
aeropuerto internacional de Honk Kong

Palacio de la Paz y la Reconciliación, Kazajastán, Foster

“El Pepinillo”, Torre en la City, Londres, Norman Foster

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Millenium Bridge, Londres, Norman Foster Ayuntamiento de Londres, Norman Foster

Cúpula del Reichstag, Berlín, Norman Foster

El Nido del pájaro, Estadio Olímpico de Beiging, Foster

Zayed National Museum, Abu Dabi, en construcción

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Bodegas Portia del grupo Faustino, obra de

Norman Foster, inagurada en el año 2010:
“La bodega está estructurada con hormigón,
madera, acero y vidrio.
En total 12.500 metros organizados en tres
plantas en forma de estrella cuyos tres brazos
corresponden a las distintas zonas de
elaboración, fermentación y crianza del vino. El
corazón central, sobre el que se encuentra la
tolva receptora de las uvas recolectadas, actúa
también como centro de coordinación,
incluyendo tienda, sala de cata, auditorio, sala
de reuniones y cafetería.”
Esta obra “muy de Foster”, sobría y elegante…
Bodegas Portia, Gumiel Izán, Burgos, Norman Foster

Eco-Tech

Origen:

Con la crisis del petróleo de 1973, la vanguardia conocida como el High Tech perdió fuerza, ya que muchos de los
proyectos que impulsaba se volvieron imposibles. Pero no fue hasta los años 90, cuando la sociedad comenzó a
ser consciente de una implacable realidad, los recursos de nuestro planeta son finitos, o al menos se agotan a un
ritmo superior al que los consumimos. Durante la conferencia Internacional de Florencia de 1993, acerca de la
energía solar en arquitectura y urbanismo, se forma un grupo de arquitectos conocido como READ.

Dicho grupo fue fundado por arquitectos de la talla de Norman Foster, Renzo Piano, Richard Rogers o Thomas
Herzog entre otros, con la idea de reconducir o refundar el High-Tech para que este respondiera a los nuevos
problemas y a las nuevas necesidades que planteaba la sociedad. Siendo el más importante la necesidad de
minimizar el impacto ambiental de la arquitectura perjudicial para el medio ambiente. Para lo que profundizaron en
el uso de energías renovables en la construcción y el uso de materiales y diseños que por sí mismos, o con la
menos ayuda energética posible, fueran capaces de acondicionar sus espacios interiores. «Cada nueva situación
requiere una nueva arquitectura» Jean Nouvel.

Descripción:

La vanguardia conocida como Eco-Tech, también llamada arquitectura sostenible, es una forma de entender el
diseño arquitectónico de manera respetuosa con el medio ambiente, en busca de la optimización de los recursos
naturales y los sistemas de construcción de tal modo que se minimice el impacto ambiental de los edificios sobre
el planeta tierra, y por ende, sobre sus habitantes. Para ello, parece fundamental el estudio previo de variables
como son las condiciones climáticas del lugar, los materiales que resulten más adecuados a las necesidades
ecológicas del proyecto, la posibilidad de colocar generadores de energía renovable que suministren la mayor
cantidad de energía posible al edificio… en definitiva, la minimización del balance energético global de la
edificación, abarcando las fases de diseño, construcción, utilización y final de su vida útil.

Características:

- Evolución tecnológica
- Preocupación medioambiental

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- Minimización balance energético global

- Regeneración urbana verde
- Preocupación social
Arquitectos contemporáneos representativos: Thomas Herzog y Kenneth Yeang

The Star System

Dentro de esta nueva tendencia, podemos destacar arquitectos como: Frank Gehry, Rem Koolhaas, Zaha Hadid,
Dominique Perrault o Santiago Calatrava, entre otros muchos.

Características:

1- Se trata de arquitecturas iconográficas, reconocibles, en algunos casos escultóricas, y portadoras de valor

añadido a través del diseño y la forma. Arquitipos marketing que generan una imagen identificadora, novedosa y
simbólica de una ciudad o de una marca.

2-Sus presupuestos son elevados, dado que sus clientes suelen ser individuos o entidades con alto poder de
inversión: Ayuntamientos enfrascados en grandes proyectos urbanos, grandes marcas o, simplemente, individuos
adinerados. No se trata de arquitipos “comprometidos” y rara vez van unidos a movimientos sociales o demandas
ciudadanas. Dado que en sí mismos generan un alto valor añadido, pueden alcanzar inversiones elevadas.

3-El objetivo principal de este arquitipo (y por el cual sus clientes lo demandan) se aleja en la mayor parte de las
ocasiones de la mejora social o la experimentación. Puestos al servicio de la mejora económica a través de la
rama de la representatividad de la arquitectura, se consideran más exitosos cuanto mayor es la repercusión
mediática y el “capital simbólico” generados.

4-Las innovaciones que plantean van dirigidas a resultados de gran espectacularidad o belleza. Como producto de
consumo basado en la imagen, en la mayor parte de los casos, buscan la diferenciación más que la innovación
como experimentación o investigación.

5-Son objetos descontextualizados, globalizados y globalizadores. En el caso de las ciudades, la posesión de uno
de estos arquetipos sirve para situarla a nivel global; asimismo, se erigen como representativos de una marca y
para ello deben repetirse de manera parecida en diversos lugares, apareciendo tipos similares en rincones muy
alejados del planeta. No suelen recoger en su estructura, materiales, funcionamiento o construcción elementos o
usos autóctonos del lugar en el que se implantan.

6 -Deben estar construidas por un miembro del Star System (SS para economiaurbana), a los que podríamos
definir como arquitectos reconocidos internacionalmente, con una forma de hacer propia y, salvo raras
excepciones, de alta calidad.

Una vez señalados los Edificios-estrella (EE) como Arquetipos Económicos claramente unidos al marketing, no
podemos dejar de hablar de sus autores: los arquitectos-estrella.

Al tratarse de edificios-marca, autor y creación mantienen una relación íntima: los arquitectos-estrella producirían
en la mayor parte de los casos edificios-estrella y un (a veces son necesarios varios) edificio estrella transformaría
a un arquitecto común en un arquitecto-estrella.

Uno de los requisitos para ser un verdadero arquitecto estrella es la recogida del Premio Pritzker, inaugurado en
1982 y confusamente definido como premio otorgado a “arquitectos vivos cuyo trabajo demuestra la combinación

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de las cualidades como talento, visión y compromiso, que han producido consistentes y significativas
contribuciones a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura”. Para economiaurbana,
las contribuciones a la humanidad realizadas por este tipo de arquitecturas, si bien son valorables, no resultan del
todo completas al beneficiar, en la mayor parte de los casos, a sólo una parte de la sociedad. (Ver post sobre
Redesarrollo urbano y polarización social en las ciudades).

Santiago Calatrava

Nació en Valencia, España, en 1951. Arquitecto, Ingeniero

civil y escultor, estudió en la Universidad Politécnica de
Valencia. Considerado como un arquitecto especializado
en grandes estructuras, gracias a sus conocimientos de
ingeniería. Sus diseños se caracterizan por tener un aire
futurista y la innovación técnica y estética. Actualmente
cuenta con oficinas en Nueva York, Doha y Zúrich.
Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra
de arte viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto
dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos
humanos. Fusiona arquitectura, ingeniería, escultura y se inspira inspiración en las formas de la naturaleza. El
blanco es su color símbolo.
Los diseños se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de
ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus
puentes, muchos de ellos célebres.
Le influyen el arte Romano, el Gótico, Miguel Ángel, Gaudí, Picasso, el racionalismo y el organicismo.

Obras:

Una de sus grandes especialidades es la construcción de puentes, que concibe como un fenómeno cultural; los ha
construido en Basilea, Mérida, Lérida, Barcelona (Bach de Roda, premio FAD de las Artes Plásticas), Valencia
(sobre el Turia) y Sevilla (La Cartuja y el Alamillo, con motivo de la Expo-92).
También proyectó el aeropuerto de Sondica (Vizcaya), la torre de comunicaciones del Anillo Olímpico de Montjuïc
(Barcelona), las estaciones ferroviarias de Lyon, Zurich, Berlín, Lisboa y Lieja, así como el “Hemisfèric” (planetario)
de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia y el Palacio de Congresos de Tenerife.
Sus últimos proyectos han sido el intercambiador de la Zona Cero de Manhattan, la Torre de Dubai (la más alta del
mundo), Proyecto de transformación de la península de Greenwichen Londres.
Su concepto de la arquitectura se resume en una de sus frases:
«La arquitectura es el arte que determina la identidad de nuestro tiempo y mejora la vida de las personas.»

Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia, S

Calatrava

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La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia

En Valencia encontramos el complejo de edificios y estructuras mayor del Autor. La Estación del Metro de La
Alameda. La Ciudad de las Artes y de las Ciencias se compone de 7 grandes estructuras y posiblemente es lo
más conocido.

Intercambiador de la Zona Cero, Manhattan, New York, Calatrava

Puente de Bac de Roda, Barcelona, Santiago Calatrava

Puente del Alamillo. Sevilla y la torre de comunicaciones del Anillo Olímpico de Montjuïc

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Turning Torso, Malmo, Suecia, Calatrava

El arquitecto incluso se basa en la forma del cuerpo humano

para proyectar sus obras como es el caso del famoso
rascacielos sueco conocido como “Turning torso”, un edificio
que imita la forma de un torso humano que se gira sobre si
mismo.

Polémica

En los últimos años Calatrava y sus proyectos están salpicados de polémica por:

- Elevados presupuestos que se disparan durante la construcción

- Retrasos en la finalización de las obras,
- La prioridad a la estética les hace a veces poco funcionales,
- Altos costes de mantenimiento.
- Fallos incomprensibles (desprendimientos, grietas, goteras, materiales poco apropiados para la finalidad
del edificio, etc.)

Destacan los casos del aeropuerto de Bilbao, cuya sala de espera está a la intemperie en una zona con tal
cantidad de lluvias, en la misma ciudad el suelo del puente Zubizuri ha tenido que ser cubierto de moqueta ya que
las pequeñas baldosas de cristal se habían convertido en una trampa mortal. En Oviedo ha tenido lugar en el
Palacio de Congresos un derrumbe de un alero que formaba parte del edificio, que provoco tres heridos. La
justicia condenó al arquitecto a pagar una multa debido a la caída de la estructura como consecuencia de un error
de cálculo. Los últimos problemas han surgido en la estación de la Zona Cero de Manhattan por el retraso,
encarecimiento y goteras.
Pese a estos problemas, Calatrava está considerado uno de los arquitectos contemporáneos más importantes.

Arquitectura de cooperación

Origen:

Es difícil precisar un origen concreto para esta vertiente arquitectónica, pero lo que sí está claro es que surge
como consecuencia de los numerosos conflictos bélicos que existen en nuestro planeta. Estos conflictos destruyen
hogares, y generan tráfico de personas que buscan un lugar seguro donde vivir con sus familias, es en estos

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lugares donde aparece este tipo de arquitectura. Y es que parece ser que a raíz de los últimos conflictos que han
afectado a países desarrollados como EEUU, con el ataque terrorista del 11 de septiembre de 2001,

Descripción:
Esta, más que una vertiente arquitectónica, es una forma de entender la vida. Para los arquitectos que comparten
esta ideología, a los que podríamos llamar “arquitectos humanistas”, entre los que destacan Shigeru Ban o Francis
Kéré, entre muchos otros que no tienen tanto poder de repercusión, la arquitectura es la forma de ayudar a los
necesitados. Utilizan la arquitectura como herramienta para cubrir las necesidades y solucionar los problemas de
primer orden que sufren muchas personas a veces olvidadas por la sociedad.

Características:

- Arquitectura social y ecológica

- Objetivo, satisfacer necesidades básicas
- Rápida ejecución
- Bajo coste
- Materiales de la zona o reciclados

Arquitectos contemporáneos representativos: Francis Kéré y Shigeru Ban

Blobitecture (arquitectura de la burbuja)

Origen:

El término “Blob architecture” apareció por primera vez en 1995, a manos del arquitecto norteamericano Greg
Lynn, en sus experimentos de diseño digital con un software gráfico que simulaba interacciones orgánicas entre
diferentes objetos. Pronto, arquitectos y diseñadores comenzaron a experimentar con dicho software con la
finalidad de crear nuevas formas fuera de lo común. Sin embargo, en los años 60, un grupo de arquitectos
ingleses conocido como Archigram, entre los que se encontraba Peter Cook, ya se planteaba la idea de crear una
arquitectura de carácter orgánico, con formas que buscaban esa imagen del edificio proyectado. Sin embargo,
contaban con una gran limitación técnica, ya que en aquella época no tenían los recursos que tenemos hoy en día
gracias a la evolución de la ciencia y la tecnología.
«La arquitectura paramétrica puede desarrollar conceptos, por medio del computador, que llevan a una nueva
forma de proyectar diseños que no se pueden lograr con los medios tradicionales, ya que su concepto e idea
principal es lo dinámico y lo mutable, todo el movimiento y los flujos, que puede llegar a ser demasiado complejo
para la mano del hombre.» Greg Lynn.

Descripción:

“Blobitecture”, de “Blob architecture” (arquitectura de burbuja), es el término empleado para definir una nueva
vertiente arquitectónica en la que los edificios poseen una forma orgánica o de ameba. Se trata de una
arquitectura que ha sido posible como consecuencia de los nuevos programas de diseño en 3D y que busca un
resultado formal orgánico y fluido. Para ello, se suprimen los elementos rectos, los planos o las intersecciones en
la medida de lo posible. Dando como resultado una formalidad similar a la de burbujas formándose o intersectadas
entre sí, de ahí el nombre que recibe esta vertiente arquitectónica.
«La arquitectura debe incluir también vida» Peter Cook

Características:

- Forma orgánica
- Diseño por medio de programas gráficos avanzados

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- Expresión formal
- Naturaleza
- Unidad y conjunto
Arquitectos contemporáneos representativos: Massimiliano Fuksas y NOX

Arquitectura del reciclaje

Origen:

La tendencia como tal, surge sobre todo finales de siglo, donde arquitectos hoy famosos, comenzaron a
preocuparse seriamente por el problema del cambio climático y a buscar alternativas reales a las formas de
construcción tradicionales. «Esta tendencia está asociada a una conciencia ecológica 100% que enriquece los
diseños, pero también al uso inteligente y de buen gusto de materiales…» Gustavo López.

Descripción:

La arquitectura del reciclaje, como hemos decidido llamarla, no es más que el concepto del reciclaje llevado al
campo de la arquitectura y la construcción. Es decir, el diseño de obras de arquitectura basado en la reutilización
de elementos ya fabricados, con un fin distinto que han dejado de ser útiles. Este concepto puede entenderse de
diferentes maneras y tiene varias formas de aplicación.

Por un lado, existe la posibilidad de reutilizar edificios caídos en desuso que todavía se mantienen en condiciones
buenas para su habitabilidad, y que es necesario realizar en ellos acciones de puesta a punto para su nuevo uso.
El uso de la palabra “reciclaje” en este caso no es completamente correcto, y debería calificarse este tipo de
arquitectura como rehabilitación, aunque la filosofía de reaprovechamiento de los recursos existentes es
compartida en ambos casos.

Por otro, en obra nueva, consiste en el diseño del inmueble, o elementos como mobiliario, utilizando materiales
reciclados, estudiando la forma de combinarlos para que en conjunto se consigue crear un todo que funcione
adecuadamente y, en caso de ser un edifico, sea habitable y cumpla con las condiciones de salubridad y confort
necesarias. Esta corriente arquitectónica ha comenzado a tener éxito, y a hacerse notar en las últimas décadas,
debido a la ya mencionada preocupación social por el problema del agotamiento de los recursos naturales de la
tierra, «La humanidad es más importante que la arquitectura» Wang Shu.

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Características:

- Reutilización de materiales
- Reutilización de estructuras existentes
- Economía de recursos
- Gran esfuerzo por diseñar con lo que se dispone
- Pensamiento ecológico
Arquitectos contemporáneos representativos: Michael Reynolds y Wang Shu

3. Cine documental y ecologismo

A lo largo de los años, la problemática de la contaminación y destrucción del medio ambiente se ha intentado
plantear desde múltiples perspectivas y soportes, buscando siempre causar un efecto modificador de la conducta
que realmente nos lleve a una definitiva concienciación sobre la necesidad de conservar nuestro entorno. Sin
embargo, aunque ciertamente se hayan conseguido algunos progresos, todavía queda mucho camino por andar.
Uno de los medios que más se están empleando en los últimos tiempos para hacer llegar al público ideas
medioambientales es el cine.
El lenguaje cinematográfico tiene mucho de emocional, y tal vez esta vía sea más indicada que la racional a la
hora de hablar directamente a la conciencia humana.

El cine no solamente ha puesto en contacto al hombre con la naturaleza, los paisajes exóticos y el documental de
naturaleza, sino que además ha sido, y sigue siendo en ocasiones, militante activo en la lucha por la defensa del
medio ambiente". Además, el cine ha sido, desde su nacimiento, el más poderoso vehículo de transmisión de
conocimientos y de culturas, aportando a sus espectadores infinitas posibilidades de encuentro con paisajes,
naturaleza, lugares y costumbres.

En el cine se han tratado todos los temas y se ha filmado lo que la especie humana ha realizado en las últimas
décadas. Es difícil encontrar aspectos generales, o cotidianos, o científicos, o filosóficos, que el cine no haya
tratado de alguna forma. Las nuevas tecnologías facilitan el acceso a lugares en los que el ojo humano nunca
soñó, lo que ha acrecentado el conocimiento de la naturaleza y el deterioro que sufre por la acción humana. El
cine, no solamente el documental, es también documento sobre la vida en la Tierra. A partir del cine debe
buscarse la realidad que existe tras la ficción o la ficción que se da tras la realidad, con el fin de crear conciencia
hacia el respeto a la naturaleza y el entorno necesario para la supervivencia de la vida.
La presencia del medio ambiente en el cine

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El cine no solamente ha puesto en contacto al hombre con la naturaleza, los paisajes exóticos y el documental de
naturaleza, sino que además ha sido, y sigue siendo en ocasiones, militante activo en la lucha por la defensa del
medio ambiente. La sensibilidad que la Especie Humana ha ido adquiriendo en los últimos tiempos, sobre todo en
el siglo XX, sobre la defensa de la naturaleza y el medio en el que se desarrolla, el cine la ha ido exponiendo y
presentando. Además, el cine ha sido desde su nacimiento, el más poderoso vehículo de transmisión de
conocimientos y de culturas, aportando a sus espectadores infinitas posibilidades de encuentro con paisajes,
naturaleza, lugares y costumbres. Con frecuencia se ha dado por supuesto que el entorno era bello, y que se
podía transformar al antojo del ser humano.
El cine de las últimas épocas, expone ya con claridad que se encuentra en juego el futuro del mundo, de nuestros
descendientes y de la vida en la Tierra.
La tecnología que hace posible muchos de los avances de la Especie Humana, permite también acceder a lugares
de la naturaleza insospechados, se puede entrar en el interior de los seres vivientes más pequeños y explorar el
espacio. Los documentales y el cine de ficción utilizan los recursos tecnológicos a su alcance, para mostrar al
mundo, tanto la belleza como la degradación de la naturaleza.

Las nuevas tecnologías y las redes sociales, YouTube entre otras, disemina por el mundo mensajes de salvación
de la Tierra que llegan los confines del mundo y conciencian a los ciudadanos.

Para nuestros antepasados el cine fue una ventana al mundo. Vivieron las películas de una forma mágica: veían y
admiraban París, la Costa Azul, el Cañón del Colorado, los maravillosos templos de Egipto, se internaban en otras
civilizaciones y se adentraban en los misterios de la vida y de la aventura... Pasado más de un siglo, el cine ha ido
evolucionando, ampliando las ventanas y los horizontes. No hay lugar que no se haya visitado, desde las simas
más profundas del mar hasta las cordilleras más elevadas, el espacio o los inconmensurables mundos de la vida
microscópica y el interior del cuerpo humano. Las cámaras se introducen en mundos inverosímiles, más aun
cuando por medio de la realidad virtual se pueden rememorar, construir o inventar cualquier situación, persona,
paraje o edificio, haciendo posible cualquier punto de vista o perspectiva por difícil o arriesgada que sea o
parezca.
Hoy, el cine se ha hecho más consciente, es utilizado como denuncia, se han realizado en los últimos años
infinidad de películas que abogan por la defensa directa del medio ambiente, que denuncian violaciones flagrantes
con la destrucción de diferentes hábitat, contra la eliminación de etnias marginales o la desaparición de lenguajes
y costumbres. Hay también cine de lucha comprometida contra las agresiones al medioambiente, cine que
presenta mundos destruidos por el uso de la energía nuclear, y cine de catástrofes producidas por la acción de la
civilización en la naturaleza.

Un poco de historia: Robert Flaherty

Desde que en 1922, en Nanuk el esquimal, Robert Flaherty, expuso la difícil relación entre el hombre y su entorno
natural, abriendo así el campo de la cinematografía al cine etnográfico, el mundo se llenó de películas defensoras
de costumbres exóticas y más tarde entró en el mundo de la defensa de los pueblo, de los valores culturales y de
la defensa del mundo.
Nanuk el esquimal es el primer documental, largometraje, que se distribuyó comercialmente.
Colonización, violencia contra los nativos y deterioro de la naturaleza
Muchos cineastas han combatido desde el séptimo arte la idea de la colonización sangrienta de otros pueblos, que
lleva al mismo tiempo al deterioro de la vida natural, la explotación indiscriminada de las riquezas y el deterioro del
medio, Bailando con lobos (Dances with wolves), rodada en 1990 por Kevin Costner, en la que un militar cuya
orden era eliminar a los indios y defender territorio norteamericano, se integra en una familia indígena, mostrando
el respeto por las culturas autóctonas.

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Muchas son las películas que los mismos norteamericanos han hecho contra su propia visión cinematográfica de
destrucción de los territorios indios, matanzas indiscriminadas y sacar violentamente a los mismos hacia
reducciones sin medio, hábitat y posibilidades de vida.
Las aventuras de Jeremías Jonhson (Jeremiah Johnson), 1972, de Sydney Pollack, es una película ya clásica
sobre la vida en las Montañas Rocosas de un trampero, en plena naturaleza entre las tribus autóctonas, una dura
crítica a la colonización y la destrucción del medio. Una película francesa, con un tema muy similiar aunque de
realización completamente diferente es El último cazador (Le Dernier Trappeur), 2004, de Nicolas Vanier, sobre el
último cazador que sigue viviendo según la antigua filosofía de los tramperos, conviviendo en armonía con la
naturaleza.

El respeto, defensa y denuncia del trato a los pueblos indígenas y a la extracción violenta del medio natural en que
siempre vivieron es un tema varias veces llevado al cine. El último Mohicano (The Last of the Mohicans), hecha en
1992 por Michael Mann, sobre la preponderancia de la naturaleza salvaje y el respeto a las etnias durante la
expansión y conquista de Norteamérica por parte de ingleses y franceses.

La defensa de las selvas tropicales es otro tema que podemos encontrar con cierta frecuencia, en películas de
calidad e interés. En Avatar, en 3D, realizada en 2009 por James Cameron, con un mensaje ecológico algo pueril,
aborda el choque de dos civilizaciones, y la importancia que el entorno y la tierra tienen en el comportamiento y la
cultura.

El medio natural y la preservación de la naturaleza

Robert Redford, dirigió Un lugar llamado Milagro (1987), su segunda película como realizador, que desarrolla la
lucha por la conservación de la naturaleza basándose en una novela de John Nichols. Posteriormente, a partir de
una historia de Nicholas Evans, el mismo director dirigió en 1998 El hombre que susurraba a los caballos (The
Horse Whisperer), sobre el trato a los animales y los beneficios que aporta a las personas. Jean Jacques Anaud
rodó El oso (1988), una hermosa película semidocumental sobre la vida de los animales.

La importancia del documental para crear conciencia

En este ámbito destaca la figura del comandante Cousteau, antes de sus documentales solamente se conocía la
superficie del océano y sus profundidades constituían un mundo desconocido y amenazador. Es uno de los
franceses más conocidos del mundo. Gracias a sus inventos, su pasión por el mar, los viajes y el cine, su dominio
del mundo de los medios de comunicación y un agudo sentido de los negocios, Jacques-Yves Costeau ha hecho
que centenas de millones de personas descubrieran el mundo del silencio a través de numerosas películas y
libros. En su haber está también lograr que muchos países del globo se preocupen por la ecología, la protección
de la Tierra, de los océanos y de las especies vivas.
La aportación de Custeau a la defensa de la naturaleza es inmensa, sus inventos, los primeros quipos de buceo
autónomos, o su pequeño submarino, el Calypso, fueron claves para las exploraciones submarinas y por lo tanto
para conocer el daño que en las profundidades del mar estaba haciendo la especie humana. Autor de decenas de
libros y películas -entre ellas El Mundo del Silencio, Palma de Oro de Cannes en 1956, era además un defensor
acérrimo del planeta y de la ecología.

La acción militante contra las agresiones al medio ambiente

Hay películas en las que sus protagonistas son defensores del medioambiente, luchan contra especuladores,
cazadores furtivos, magnates sin escrúpulos que explotan indiscriminadamente a tierras y personas o grandes
compañías que se deshacen sin control de sus basuras sin pensar en los daños que pueden ocasionar a la
población y a la naturaleza. Erin Brockovich, por ejemplo, realizada en el año 2000 por Steven Soderberg cuenta

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la historia real de una mujer luchadora que desde un bufete de abogados investiga la contaminación de una
empresa para aportar evidencias que los lleva a juicio.
Sobre la vida libre de los animales y su peligro de extinción

Hay también infinidad de películas, algunas de ellas entre el documental y la ficción, que abogan por la vida libre
de los animales, como la citada El oso (L’ours), 1988, de Jean-Jacques Annaud, Gorilas en la niebla (Gorillas in
the Mist), 1988, de Michael Apted, que reconstruye los años que la Doctora Fossey vivió en África estudiando y
defendiendo de los cazadores furtivos a los gorilas.

Naturaleza y cine de animación

El cine de animación ha sido muy pródigo en presentar la naturaleza a los niños, y es necesario recordar a Disney
y su factoría con Bambi (1942), en la que el hombre provoca el incendio que puede terminar con la vida del
bosque, El libro de la selva (1967), sobre el niño criado por los lobos vive en la selva de la india. En Buscando a
Nemo, 2003, de Disney-Pixar, un pez payaso en busca a su hijo, raptado por unos buceadores para servir de
adorno en una pecera, recorre todo el mundo submarino lleno de especies extravagantes.

España, en animación también tiene su mérito, El bosque animado, 2001, de Manolo Gómez y Ángel de la Cruz, y
El lince perdido, 2008, de Manuel Sicilia y Raúl García, conjugan el humor y la aventura en historias con trasfondo
ecológico.

El cine sobre la naturaleza y la educación

El cine da la posibilidad de ser utilizado en educación, por padres, profesores y agentes educativos de dos
maneras fundamentales: como instrumento técnico de trabajo, en primer lugar y como sustento conceptual,
ideológico y cultural, por otro. Como instrumento técnico de trabajo, sirve de punto de partida para conocer
diversos modos de acceder a la sociedad y descubrir la realidad. Las técnicas propias del lenguaje
cinematográfico son un soporte ideal para iniciarse en la investigación de la naturaleza, conocer mundos y formas
de comportamiento social. Como sustento conceptual, ideológico y cultural, lo que presenta el cine es
normalmente un reflejo de la misma vida, de lo que se hace y lo que se deshace. Las actitudes de respeto a la
naturaleza merecen ser tenidas en cuenta para profundizarlas más, valorarlas e incluirlas como acciones de
aprendizaje. El análisis de las imágenes y argumentos debe servir para cuestionar la misma realidad que
presentan el cine y otros medios de comunicación, y plantearlo con la finalidad que tiene todo proceso educativo,
la creación de conciencia y el cambio de comportamiento.

3.1 Félix Rodríguez de la Fuente

Es interesante también el mundo documental, en

España con un mito como el de Félix Rodríguez de la
Fuente, con una vida estuvo dedicada al estudio de
los animales y la naturaleza.

Félix Rodríguez de la Fuente (Poza de la Sal, Burgos,

1928-1980) fue un naturalista y divulgador
ambientalista español, defensor de la naturaleza, y
realizador de documentales para radio y televisión,
destacando entre ellos la exitosa e influyente serie El hombre y la Tierra (1974-1980). Licenciado en medicina por
la Universidad de Valladolid y autodidacta en biología, fue un personaje polifacético de gran carisma cuya
influencia ha perdurado a pesar del paso de los años. Su saber abarcó campos como la cetrería y la etología,
destacando en el estudio y convivencia con lobos. Contribuyó en gran medida a la concienciación ecológica de

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España en una época en la que el país todavía no contaba con un movimiento de defensa de la naturaleza. Su
repercusión no fue solo a nivel nacional sino también internacional y se calcula que sus series de televisión,
emitidas en numerosos países y plenamente vigentes hoy en día, han sido vistas por varios cientos de millones de
personas. Murió en Alaska, Estados Unidos, junto con dos colaboradores y el piloto al accidentarse la aeronave
que los transportaba mientras realizaban una filmación aérea para uno de sus documentales.

Fue autor de numerosos artículos de prensa y colaboró en televisión con diversas series sobre la fauna y la vida
animal. Sus programas como Fauna, Vida salvaje, Planeta azul y El hombre y la tierra consiguieron los mayores
índices de audiencia. Pero su labor fundamental fue haber ayudado a crear conciencia ecológica y sembrar la idea
en miles de seguidores, muchos de ellos cineastas que han continuado su trabajo, de que la defensa de la especie
humana depende de la defensa del
medio ambiente.

Toda una generación aprendió a amar

la naturaleza y a los animales gracias a
él, a sus comentarios vehementes en
aquel programa llamado El hombre y la
tierra, uno de los pioneros en esto de
los documentales de animales en
nuestro país. Una personalidad
controvertida y querida, una vida llena
de aventuras entregada a la divulgación
del mundo natural y sobre todo animal.

Contribuyó, durante los años 80, a la concienciación ecológica de España en una época en la que el país todavía
no contaba con un movimiento de defensa de la naturaleza. Su repercusión no fue solo a nivel nacional sino
también internacional y se calcula que sus series de televisión, emitidas en numerosos países y plenamente
vigentes hoy en día, han sido vistas por varios cientos de millones de personas. Murió en Alaska, Estados Unidos,
junto con dos colaboradores y el piloto al accidentarse la aeronave que los transportaba mientras realizaban una
filmación aérea para uno de sus documentales.
Toda una generación aprendió a amar la naturaleza y a los animales gracias a él, a sus comentarios vehementes
en aquel programa llamado El hombre y la tierra, uno de los pioneros en esto de los documentales de animales en
nuestro país. Una personalidad controvertida y querida, una vida llena de aventuras entregada a la divulgación del
mundo natural y sobre todo animal.

3.2 Nacional Geographic

National Geographic Magazine, posteriormente abreviada como

National Geographic, es una entidad sin ánimo de lucro que funciona
como el órgano de expresión oficial de la National Geographic Society
de Estados Unidos. Su primera edición data de octubre de 1888.

La National Geographic Society (en español: ‘Sociedad Geográfica

Nacional’) es una de las organizaciones internacionales más grandes
del mundo sobre educación y ciencia. Inicialmente tenía el objetivo de
avanzar hacia el conocimiento de la geografía y del mundo para el
público en general, pero actualmente sus intereses incluyen la
geografía, la arqueología, las ciencias naturales, el estudio de las culturas del mundo, la historia y la promoción de
la conservación del medio ambiente y del patrimonio histórico. Con este objetivo, concede becas de exploración y

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publica mensualmente una revista, National Geographic. Fue fundada en Estados Unidos el 27 de enero de 1888
por 33 hombres interesados en "organizar una sociedad para el incremento y la difusión del conocimiento
geográfico". Comenzaron a discutir la formación de la sociedad dos semanas antes del 13 de enero de 1888.
Gardiner Greene Hubbard se convirtió en su primer presidente, y su yerno, Alexander Graham Bell fue su sucesor
el 7 de enero de 1898.

Es una de las organizaciones internacionales más grandes del mundo sobre educación y ciencia.
Inicialmente tenía el objetivo de avanzar hacia el conocimiento de la geografía y del mundo para el público en
general, pero actualmente sus intereses incluyen la geografía, la arqueología, las ciencias naturales, el estudio de
las culturas del mundo, la historia y la promoción de la conservación del medio ambiente y del patrimonio histórico.
Con este objetivo, concede becas de exploración y publica mensualmente una revista, National Geographic. Fue
fundada en Estados Unidos el 27 de enero de 1888 por 33 hombres interesados en “organizar una sociedad para
el incremento y la difusión del conocimiento geográfico”.

4. La tecnología digital y el arte

Las artes visuales y la tecnología, en un sentido estricto, siempre estuvieron vinculadas, dado que toda producción
de imágenes desde las imágenes pintadas con carbón y tierra en las cuevas de Altamira hasta las imágenes
digitales, pasando por la fotografía, el cine y el video-, supone una tecnología de producción, es decir: una técnica,
una serie de instrumentos y de procedimientos,ciertas condiciones de eficacia, una habilidad, un saber.

Sin embargo, la relación entre arte, ciencia y tecnología ha ido fluctuando a lo largo de la historia del arte:

En la Grecia Antigua estaban tan íntimamente vinculados, que había un solo término para denominar ‘arte’ y
‘técnica’: tekhne. Arte, ciencia y tecnología, como diversos dominios de la creatividad humana, mantuvieron este
vínculo estrecho por siglos, siendo el Renacimiento uno de sus momentos más fructíferos. La producción de
Leonardo da Vinci es un ejemplo paradigmático del cruce entre lo artístico, lo científico y lo tecnológico, así como
la incidencia que las investigaciones en el campo de la óptica tuvieron para el desarrollo de la perspectiva, y los
cambios que ella supuso en el sistema de representación de la pintura.
Luego estas disciplinas fueron separándose cada vez más. Las investigaciones de Newton y su modelo
mecanicista del universo, la profundización de ese paradigma científico durante la Revolución Industrial, el
Romanticismo en el arte, fueron profundizando ese divorcio entre el arte y la ciencia. La tecnología y la ciencia se
ponen al servicio del desarrollo industrial y comercial,alejándose del ámbito de lo estético. La emoción, la
imaginación y lo subjetivo formarían parte del dominio de lo artístico, mientras que la ciencia se ocupa de lo
racional, lo objetivo y lo real
No obstante un invento va a cambiar este concepto a mediados del S XIX,La fotografia representó uno delos
mayores logros técnicos y culturales del siglo. La cámara fotográfica fue el primer dispositivo tecnológico del que
se apropiaron los artistas.

A lo largo del siglo XX, diversos acontecimientos irán minimizando la dualidad arte-tecnología.A principios del
siglo, las vanguardias artísticas reavivarán este vínculo. El movimiento futurista, el dadaísmo, el constructivismo, la
bauhaus y otras estéticas racionalistas, integran la ciencia y la tecnología en sus propuestas.. Se desarrollan de
una serie de manifestaciones artísticas que revolucionaron el campo de las artes plásticas: el collage, el
fotomontaje, la fotografía.

En los años sesenta, algunas experiencias artísticas que involucran la tecnología y los medios de comunicación
(entre ellas, el surgimiento del video arte) favorecerán el acercamiento entre arte y tecnología que las vanguardias
de principio de siglo habían iniciado. Luego el desarrollo progresivo de las nuevas tecnologías audiovisuales y de

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comunicación, y las actuales aplicaciones creativas dela tecnología informática, hacen que hoy pueda hablarse de
una nueva integración entre arte y tecnología.
En nuestros días, para referirse a ciertas producciones del arte contemporáneo (videoarte, arte deI nternet,
instalaciones interactivas, arte robótico, bioarte) se vuelve a destacar el vínculo entre el arte, la ciencia y las
denominadas nuevas tecnologías.

Si pensamos en la palabra arte. ¿Qué viene a la mente? Quizá Picasso, Rodin o Dalí.
Ahora pensemos en tecnología, y probablemente, imaginaremos un teléfono inteligente o una computadora.
A lo largo de la historia, la tecnología ha ofrecido nuevas herramientas de expresión a los artistas.
Actualmente estas dos disciplinas, aparentemente distintas, están más relacionadas que nunca, siendo la
tecnología una fuerza fundamental en el desarrollo y evolución del arte.

En todo el mundo, hay gente diseñando nuestro futuro. Internet, la fabricación digital, la nano y biotecnología,
automodificación, la realidad aumentada o virtual, "la singularidad"... lo que sea, todo esto está alterando nuestras
vidas y nuestra visión del mundo y de nosotros mismos.

Los científicos, programadores de software informático, inventores, emprendedores y también músicos, artistas
visuales, directores de cine y diseñadores están ocupados creando nuevas experiencias humanas.
Gracias a ellos, no sólo se está haciendo un arte original en todas partes, sino que formas de arte completamente
nuevas también están evolucionando.
Cada vez más artistas empujan los límites del arte, mirando más allá de lo que se considera "tradicional" para
incorporar otros aspectos en su trabajo.
El arte se está haciendo cada vez menos estático, adoptando muchas formas diferentes, desde la impresión de
esculturas creadas digitalmente en tres dimensiones hasta flashmobs, pasando por fotógrafos que retratan a
cientos de voluntarios desnudos en la playa.

El poder de la red
Y las reglas del juego también están cambiando.
Desde el comienzo de la era del arte postmoderno, allá por la década de 1860, los actores más influyentes –
artistas de renombre, curadores de museos, críticos de arte, promotores de ferias de arte y, sobre todo, poderosos
propietarios de galerías- han dictaminado el comportamiento del mundo del arte.

Pero las formas modernas en que se está creando, produciendo, distribuyendo, comercializando, preservando y
apoyando el arte han cambiado, como reacción directa a la transición a una sociedad digital conectada: la era de
internet.
Tradicionalmente, los artistas acudían a las galerías con sus obras y la galería decidía si el material era lo
suficientemente bueno para ser expuesto.
Ahora, acuden a internet para exhibir y vender su trabajo.
Con nuevos servicios como el fenómeno del crowdfunding (financiamiento colectivo), por primera vez los artistas
son capaces de recaudar dinero en la web para realizar sus ideas.

Sólo en 2011, el sitio de internet de crowdfunding Kickstarter recaudó casi US$100 millones en compromisos para
más de 27.000 proyectos relacionados con el arte.
Los artistas utilizan las redes sociales como una poderosa herramienta para modificar la relación entre los
coleccionistas y el público, identificando con éxito a personas que buscan piezas de arte específicas.

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Image caption

Las esculturas creadas en 3D son muy diferentes a las del llamado "arte tradicional".

Posiblemente, el mercado tradicional del arte -coleccionistas, propietarios de galerías, críticos, curadores e incluso
otros artistas- puede cuestionar que el artista que utiliza internet para la promoción de su trabajo sea un verdadero
profesional.
Pero cualquiera que sea la reacción, el cambio ya está ocurriendo y es demasiado importante.
El mercado del arte lo asumirá y se acostumbrará a ello, como siempre sucede.

¿Arte verdadero?

A lo largo de la historia y hasta hace poco tiempo, era una élite la que participaba sobre todo en el desarrollo y
creación del arte, mientras que el resto de la sociedad simplemente disfrutaba de las obras maestras.
El público era un mero observador pasivo.
Hoy día, en nuestro mundo conectado, casi toda la gente crea.
Con internet y las nuevas tecnologías de fabricación, mezcla, edición, manipulación y distribución, se facilita crear
cosas y compartirlas con el mundo.
Lo que está cambiando, y puede ser que discutiblemente para peor, es que ahora es más fácil crear "arte" y
vemos una gran cantidad de arte "malo" que se crea y se expone.

Una gran preocupación es que, como resultado de tantas herramientas y técnicas nuevas, podamos perder el
sentido y la habilidad para evaluar qué es arte de buena calidad.
En arte, lo que se hace popular no es necesariamente bueno y viceversa. Muchas ideas y trabajos artísticos
nuevos fueron difíciles de digerir cuando aparecieron por primera vez.
Los artistas tienen ante sí el desafío de, al mismo tiempo, estar más abiertos a las nuevas tecnologías que
conducen a nuevas formas de expresión y mantenerse verdaderamente creativos e imaginativos.
Pero aún sí, no hay límites. Y conforme la tecnología -especialmente la informática- continúe progresando,
siempre habrá personas dispuestas a experimentar, intentando superar el límite de lo que se ha hecho
previamente y que serán excelentes en ello.

Rumbos atrevidos

El arte y la tecnología siempre han estado relacionados.

Por tanto, ¿en qué necesitan pensar los artistas centrados en crear arte utilizando tecnología?

Cualquier artista moderno necesita acordarse de impulsar el arte hacia delante, inventar, definir nuevos
paradigmas de expresión con poderosos significados.
Se trata de la experiencia que el artista le proporciona al público, ya sea con provocación o para cambiar la forma
en que el espectador piensa, siente y percibe el mundo.
Esto es lo que realmente cuenta y no tiene nada que ver con las técnicas que el artista elige.
Por tanto, el objetivo de un artista contemporáneo que se decante por crear arte con las nuevas tecnologías no
tiene que ser "extraer" significado de la plataforma tecnológica sino emplearla como base para su nuevo y audaz
rumbo.
El arte que sobrepasa los límites y define nuevos significados es el que transformará la forma como pensamos y
sentimos, en la actualidad y en el futuro.

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¿Qué es el arte digital?

Hoy en día podemos conocer muchísimos

tipos de arte, tanto los que son
tradicionales como los que van más allá de
lo tradicional.
El arte se ha ido desarrollando con
distintas disciplinas como la literatura,
teatro, música, pintura…y gracias al uso de
las tecnologías, el arte se ha visto reflejado
y enriquecido sobre todo en la fotografía y
el cine, incluso en el arte digital.

El arte digital tuvo una rápida aceptación y

crecimiento, aunque también ha tenido críticas. Es rechazado por algunos que lo ven más como una habilidad
técnica que como una manifestación artística, proviniendo esta actitud de rechazo del desconocimiento del arte
computarizado incluso algunos críticos han querido denominarlo más bien como new media art, arte de los nuevos
medios y rechazado por algunos puristas catalogando más como una simple habilidad técnica que una
manifestación artística.

El Arte Digital es una disciplina creativa de las artes plásticas, una nueva tendencia surgida en torno a la
aplicación de programas vectoriales y gratificadores, que comprende obras en las que se utilizan elementos
digitales que son imprescindibles en el proceso de producción o en su exhibición, manifestando estas obras
mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.
El Arte Digital rompe totalmente con la representación clásica de los objetos engañando doblemente al
espectador ya que lo que él ve no es ni representación naturalista ni tampoco es lo que está representando, ya
que lo que se encuentra detrás es un código matemático, siendo uno de los puntos fuertes la su capacidad para
crear mundos alternativos, aunque no físicos, como forma de expresión, pero con una realidad excepcional,
empleando técnicas como la programación de la física del entorno y los comportamientos de los objetos de ese
entorno.
El arte digital es una materia que junta toda obra artística que haya sido creada por un medio digital,
principalmente usando el ordenador, es decir, es una obra que se elabora a partir de una tecnología informática.
En la actualidad, la tecnología se trata de un procedimiento que nos da la posibilidad de crear, según los artistas
de este estilo de arte no hay gran diferencia entre una paleta gráfica de un pincel. Aun lo más habitual es
encontrar varios grupos de este tipo de arte que están basadas en el soporte que utilicen: Net.art, CD-Rom – art,
videoarte, instalaciones interactivas, entre otros.

Una representación digital es el resultado visual de un desarrollo en el cual se ha sustituido los soportes
magnéticos del video, los soportes químicos de la fotografía y la función de la luz en un cálculo matemático que
realiza el ordenador. Desde finales de 1950 los ordenadores trabajaban con imágenes y sonidos y aunque en su
comienzo estaba algo limitado en el siglo XXI el ordenador hace diversas reproducciones y representaciones de
las obras en diferentes estilos de arte.

Origen del arte digital

La primera exposición de este tipo de arte, representados por máquina electrónica, fue en 1953 en Sanford
Museum. En ese preciso instante, que por otro lado los estilos de arte que estaban destacados eran el
expresionismo abstracto y el informalismo, la reproducción de los gráficos gracias a las maquinas comenzó a
multiplicarse hasta que al final alcanzo el éxito esperado. Este existo esperado fue desde finales de los sesentas
hasta comienzos de los setentas ya que la práctica de esta modalidad de arte se extendió por muchos países.

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Hoy en día gracias a la revolución tecnológica el arte digital se ha ido innovando por los programas informáticos y
por la fabricación de una gran variedad de cámaras digitales.
Tipos de arte digital
Existen varias clases de arte digital entre ellas está la fotografía e imagen digital, la escultura digital, la
interactividad, el Net art y por último el arte generativo.

- Modelado 3D: es un arte tridimensional, que crean trabajos de arte gráfico con ayuda de ordenadores y
programas especiales 3D.
- Airbrushing: se le denomina al arte Aerógrafo digital, este arte se emplea para colorear copias, retocar
positivos y negativos, ocultar las uniones de los collages, añadir elementos y eliminar defectos o fondos
innecesarios.
- Pixel art: es el arte creado a través de un ordenador mediante el uso de programas de edición de gráficos
en raster, donde las imágenes son editadas a niveles de pixeles.
- Arte tipográfico: Es el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa,
transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras.
- Arte Vectorial: es este arte se crea una imagen creada en un plano a partir de un punto y líneas, en el
medio del diseño, el grafico vectorial da la facilidad de manipular formas y figuras de diferentes tamaños
sin dañar la calidad de la imagen.
- Arte Generativo: el arte generativo es una variante de este tipo de arte en la cual da las posibilidades de
crear una obra íntegramente a partir de unos programas informáticos que poseen parámetros variables
que ha elegido el artista. Este método es utilizado por ejemplo en la literatura cut-up, en el arte fractal y la
música electrónica.
- Net Art: El net.art hace alusión a todas las obras realizadas para internet y que poseen como tema la red.
Su potencia está basado en representar contenidos a partir de unas complejas estructuras que unen
sonidos, imágenes y textos, también está basado en la capacidad de comunicación que se tenga con el
usuario.
- Interactividad: En esta modalidad podemos distinguir dos tipos de obras digitales, una de ellas son
creadas para reproducirse en soportes de material convencional y otra de ellas es para difundirla por toda
la red. Es por ello por lo que podemos diferenciarlas entre obra de estructura cerrada y obra de estructura
interactiva. Esta clase de arte es una fuente de acción potencial ya que tiene unas amplias posibilidades.
- Escultura digital: Estos tipos de escultores utilizan un espacio virtual para poder representar sus obras.
Usan un software en 3D, innovando cada día las nociones tradicionales de la escultura a través de
contextos de exposición y distribución nuevos.
- Fotografía e imagen digital: Las imágenes digitales suelen ser creadas directamente en el ordenador,
como por ejemplo el arte algorítmico y el arte fractal, o también se pueden coger de otro tipo de fuente,
como por ejemplo una imagen dibujada, una fotografía escaneada, solo es necesario un software de
gráficos vectoriales y un ratón o tabla gráfica.

Artistas del arte digital

Estos son algunos artistas digitales más importantes en las distintas áreas de este arte, algunos son innovadores y
otros pioneros.
George Nees: nació en 1926 en Alemania. Estudió Matemáticas, Física y Filosofía y es uno de los primeros
artistas y teóricos del Arte Digital. En el año 1965 realizó la primera exposición de gráficos de computadora junto
con Friedrich Nake y Michael Noll; en 1969 presenta su tesis doctoral, Gráficos generados por computadora, bajo
la tutela de Max Bense.

Manfred Mohr: nació el 8 de junio del año 1938 en Pforzheim, Alemania, fue tanto pintos como músico de jazz,
teniendo gran importancia en sus obras la influencia de la música; sus creaciones se sustentan y basan en la

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estructura de cubos e hipercubos, las relaciones entre los planos y líneas de estos. En 1971 presentó su primera
gran exhibición. Une esthétique programmée en el museo d’Art Moderne de la Ville de Paris.

Vera Molnar: nació el 5 de enero de 1924 en Budapest. A los 18 años inicia sus estudios de Pintura e Historia del
Arte y Estética en la escuela superior de Arte de Budapest. En el 1948 realiza sus primeros dibujos geómetricos
inspirado en un grabado de Durero titulado “Melancolía”, en 1967 fue cofundadora del grupo Arte e informatique
en el Institut d’Esthétiqueet des Sciences de l’Art de París, en el año 1968 fue muy importante para lo que sería el
resto de su carrera artística ya que fue el año donde realizó sus primeros gráficos utilizando una computadora,
siguiendo esta trayectoria.

Laurence Gartel: nació el 5 de Julio de 1956 en New York. Cursó sus estudios y se graduó en el año 1977 en the
School of Visual Arts, NYC, NY, BFA Graphics, siendo uno de los más importantes pioneros del movimiento del
arte digital. En sus trabajos el ordenador personal Commodore-Amiga como una herramienta con la que explorar
nuevas posibilidades estéticas, creando mediante la manipulación de sus propias fotografías, divertidos collages.”

Margaret Eicher: nació en 1955 en Alemania. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, siendo su
especialidad artística os collages y desde 2001 expone sobre todo tapices de gran formato en los que combina
contenidos e imágenes contemporáneas.

Myron Krueger: nació en 1942 en Indiana, siendo el primer artista que utilizó la interactividad con un fin artístico,
cuyo objetivo es lograr una interacción entre el espectador y la obra, uno de su trabajo más importante es
“Pequeño planeta”, consiste en un pequeño globo terráqueo que se puede sobrevolar en un tiempo
extremadamente corto.

Yves Netzhammer: es un artista y arquitecto suizo nacido en 1970. Su trabajo en el Arte Digital se enfoca en la
creación de animaciones 3D que tienen como finalidad contar una historia carente lógica, surrealista, logrando
cautivar al al espectador mediante el uso de esos elementos gráficos combinados con los efectos musicales.

Rafael Lozano-Hemmer: nació en 1967 en Ciudad de México. A los 22 años obtiene un Diploma en Química y
Física en la Concordia Universidad de Montreal, Canadá, además de un diplomado en Historia del Arte. Entre
1987 1992 fue co-presentador y productor de “The Postmodern Commotion”, ha recibido incontables becas y
premios.
A lo largo del tiempo hemos podido ver miles de modalidades de arte pero como dijo un escrito llamado Diego
Levis “Las herramientas por si solas no representan nada, hace falta la creatividad que pone el artista para que
una obra tenga factores más profundos” y tiene mucha razón ya que aunque mucha gente piense que el arte en
un ordenador no es arte tiene que pensar lo que le transmite ese tipo de arte, si le transmite alguna sensación
algún sentimiento, entonces se puede decir que es arte.

5. El cine de animación de las productoras “Pixar” y “DreamWorks”

La animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos,
personas, imágenes computerizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o
utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano
capte el proceso como un movimiento real.

Diversos tipos de animación

Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de
los objetos que se utilicen.

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Dibujo animado
Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma.

Stop motion
Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion, en la que se le
da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de
la realidad mediante fotografía o filmación.

Stop trick (literalmente «truco de parar»)

Tipo de efecto especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca fuera de
la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto
desaparece.
Georges Méliès descubrió el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de París. El
mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose normalmente pero la cámara dejó de rodar hasta
que Méliès pudo arreglar el mecanismo.

Recambio de piezas

La técnica de «recambio de piezas», «replacement animation» (animación por reemplazamiento, o por

sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los
muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas
intercambiables.

Puppertoons

El termino Puppertoons se compone de los términos puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que
se trataba de animar las marionetas.

Film directo
Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide.

Pixilación

Se denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para
ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto.

Rotoscopía

Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros
personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion
capture.

Animación limitada
Es un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez de
realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados,

Animación flash
Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia,
juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad
realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.

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Animación en 3D
Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. se realiza mediante un proceso
denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D.

Foto-realidad
Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real.
Animación motion capture y performance capture
La «Performance Capture» es un avance reciente de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría
traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», el sistema anterior, en el que se basa, era
la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador.

Los pioneros de la animación cinematográfica

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez
años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico, 1905, quizá la
primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y franceses, dice
que este honor corresponde a La casa encantada, The haunted house, 1907, del inglés afincado en los Estados
Unidos James Stuart Blackton.

George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación. Fue
un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron popular en los escenarios.
Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas fotograma a
fotograma.

En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón, la primera película íntegramente animada española,
fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco,

Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se
desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey),
comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos
económicos, apostaron por esa vía cinematográfica.

Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los
largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.

En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación
netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que
significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país.

La animación hasta 1980

La vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de la influencia de la televisión, trasladándose a otros canales
de distribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de los cines, salvo los grandes largometrajes de
Disney, que hasta la última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por otros canales de distribución
como el vídeo o más tarde el DVD. Sin embargo, al cine de animación prosperó, se tecnificó y se especializó,
fundamentalmente en los festivales de cine y en la televisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la
animación para televisión y Disney la animación para cine.

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El cine de animación en occidente en las últimas décadas

El cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída del telón de acero logró además que
muchos animadores de los países del este pasaran por todo el mundo aportando su experiencia.
Disney continuó en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como La Sirenita, (The little mermaid,
1989, de John Musker y Ron Clements y La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991

La animación japonesa

La animación japonesa se caracteriza en

general, aunque hay obras de mayor
complejidad, por la sencillez de su trazo, la
estructura narrativa lineal y una tecnología
basada en la economía de imágenes, lo que
hace el proceso de elaboración relativamente
rápido, que los convierte en productos baratos
en los mercados internacionales
La animación japonesa se ha convertido en la
industria más prolífica del planeta,
popularizándose en todo el mundo Hayao
Miyazaki (1941) es un ilustrador, dibujante y
animador japonés.
En sus primeros años como animador colaboró con Isao Takahata en los animes Heidi y Marco

Productoras

En el mundo existen muchas productoras dedicadas a la animación aunque no todas logran triunfar. Desde hace
aproximadamente unos 20 años, ha cambiado el chip del destinatario de las películas de animación: son tanto
para niños como para adultos. Es por ello, que las películas más modernas poseen diversos registros porque así
gustan a todo tipo de público.
Las productoras que más éxito han tenido a lo largo de la historia han sido principalmente las procedentes de
Estados Unidos. Algunas de las más famosas son Disney, Dreamworks, Universal, Pixar, Columbia, Century
Fox, Miramax o la Warner Bros; algunas más modernas que otras. Selecta Vision es una productora española
creada a finales de los ´90 que tuvo un buen éxito dentro del país.
Esta es la historia y los inicios de algunas de ellas, que han tenido y tienen gran peso en este sector de la
animación.
Pixar Animation Studios es una compañía estadounidense
de animación por ordenador especializada en la producción
de gráficos en 3D. Ha tenido un gran éxito y ha cosechado
numerosas condecoraciones por sus cortometrajes,
largometrajes y logros técnicos, como 22 premios Oscars, 4
Globos de Oro o 3 Grammys.

Fue la creadora del primer largometraje comercial totalmente

animado por ordenador, “Toy Story” (1995). Después ha
producido otras 13 exitosas películas.
En 2006, la compañía Walt Disney decidió comprar Pixar por
7400 millones de dólares .
Los largometrajes que ha realizado: 1995, Toy Story, 1998,
Bichos (A Bug's Life), 1999, Toy Story 2, 2001, Monsters, Inc., 2003, Buscando a Nemo (Finding Nemo), 2004, Los

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Increíbles (The Incredibles), 2006, Cars, 2007, Ratatouille, 2008, WALL·E, 2009, Up. Es de destacar For The Birds
(2000), Óscar al mejor corto de animación.

DreamWorks Pictures o DreamWorks Studios es

un productora de cine nacida en 1994 que realiza y
distribuye películas, videojuegos y programas de
televisión.
La empresa ha producido y distribuido filmes que han
rebasado los 100 millones de dólares, siendo “Shrek
2” su película más exitosa hasta el momento.

En diciembre de 2005, los fundadores de la empresa,

Spielberg, Katzenberg y Geffen, vendieron el estudio
a la Paramount, propiedad de Viacom en una
transacción que culminaría hasta febrero de 2006.
Sus intenciones iniciales era crear un espacio en el
que la gente más talentosa de Hollywood pudiera
conservar el control comercial y creativo.
Sin embargo, en octubre de 2008 DreamWorks acordó el fin de su vinculación con Paramount Pictures y volvió a
establecerse como empresa independiente con el apoyo financiero de un grupo indio, Reliance Big Entertainment
(RBE).
Antz (1998), El príncipe de Egipto, Chicken Run: Evasion en la Granja, Joseph: King of Dreams y La ruta hacia El
Dorado(The Road to El Dorado) en el 2000. Shrek (2001), Spirit: Stallion of the Cimarron (2002), Simbad: Legend
of the Seven Seas (2003), Shrek 2, Ghost in the Shell 2: Innocence, El espantatiburones en 2004, Madagascar y
Wallace y Gromit: La maldición de las verduras en 2005, Vecinos invasores, Ratonpolis en 2006, Shrek III y Bee
Movie en 2007, Madagascar 2: Escape de África y Kung Fu Panda en 2008,Monstruos vs. Aliens y Crood
Awakening en 2009 y están en proyecto para estrenar en 2010 How to Train Your Dragon, Shrek Goes Fourth, y
para 2011 Kung Fu Panda 2: Pandamonium, Puss in Boots: The Story of an Ogre Killer, Madagascar 3 y para
2013, Shrek 5.

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Walt Disney Pictures es una enorme compañía fundada en los Estados Unidos en 1923, que lleva el nombre de
su fundador, Walter Elias Disney. En un principio estaba estrechamente relacionada a la producción de dibujos y
películas animadas, entre ellas, Mickey Mouse (imagen de la compañía).
Actualmente, The Walt Disney Company está presente en todo el mundo, y posee parques de atracciones,
produce películas, posee canales propios de televisión, tiene resorts y vende merchandising relacionado con sus
animaciones en tiendas de todos los países del mundo

Warner Bros Entertainment, Inc es una de las más importantes productoras de cine y televisión en el mundo,
nacida en Estados Unidos en 1903. Actualmente, es una filial del conglomerado Time Warner. Incluye varias
compañías subsidiarias como Warner Bros Studios, Warner Bros Pictures, Warner Bros Interactive Entertainment,
The CW, Warner Bros. Animation, Warner Home Video y el antiguo estudio de la Hanna-Barbera que es ahora
conocido como Cartoon Network Studios que está bajo la Turner Broadcasting.
El nombre corporativo se debe a los cuatro fundadores, los hermanos Warner: Harry, Albert, Sam y Jack, de ahí el
nombre: Warner Brothers.

En España destacan:

Dygra Films es un estudio de animación por ordenador fundado en 1987, situado en La Coruña, España, como un
estudio de diseño gráfico. Su primer largometraje por ordenador fue El bosque animado, 2001.
grupo Filmax Asumió en 2003 el guión y dirección de El Cid, La Leyenda, Pocoyó (Zinkia).

Animación para televisión

Aunque la animación para televisión la ocupa

prácticamente la japonesa, anime, hay que
desatacar dos productos occidentales que han
ocupado una gran parte del mercado: Los
Simpsom

El camino del cine digital actual de animación

Desde la última década del siglo XX, el gran cambio que ha sufrido el cine de animación se debe a la inclusión de
ordenadores en el proceso técnico y creativo de las películas. La primera secuencia en la que se utilizó el
ordenador para su crear un diseño y ambiente que diera la idea de que la cámara se movía en todas las
direcciones, fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia. desde entonces, la tecnología digital ha entrado de
lleno en la realización de películas animadas, facilitando la tarea de diseñadores y creativos y finalizando casi por
completo la animación tradicional.

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