-Capítulo 13 Burkholder-

Los nuevos estilos del siglo XVII

Los músicos italianos que vivieron en torno a 1600 sabían que estaban inventando
nuevas maneras de hacer música. Concibieron nuevas formas de expresión, como el
bajo continuo, la monodia y el recitativo; y nuevos géneros, como la ópera.
Esta generación fomentó deliberadamente la novedad musical.
Esta abundancia de innovaciones se ha considerado el inicio de un nuevo periodo
llamado a menudo el Barroco.
El siglo XVII fue también un periodo marcado por invenciones continuas de nuevos
géneros, estilos y métodos, por la difusión progresiva de las ideas italianas.

Europa en el siglo XVII.

El interés por la innovación entre los músicos es paralelo a las nuevas ideas en ciencia,
la política y la economía.
Europa se hallaba en medio de una revolución científica. Johannes Kepler demostró en
1609 que los planetas se movían en órbitas elípticas alrededor del Sol. En la década
siguiente, Galileo Galilei demostró las leyes que gobiernan el movimiento y utilizó el
recién inventado telescopio para descubrir las manchas solares y las lunas que giran
alrededor de Júpiter.
René Descartes propuso un enfoque deductivo que explicaba el mundo mediante las
matemáticas, la lógica y el razonamiento a partir de algunos primeros principios.
En la década de 1660, la ley de la gravitación de Newton, combinó la observación
exacta con la elegancia matemática y estableció el modelo para los métodos científicos
de los siglos posteriores.
La percepción y el efecto percibido constituyen el núcleo de los nuevos estilos de arte y
música en torno a 1600, incluida la segunda práctica y la ópera.
Este siglo vio surgir también pensamientos políticos nuevos. Tales debates se vieron
estimulados en parte por conflictos religiosos que en ocasiones condujeron a las guerras.
La Inglaterra protestante y la España católica pusieron término en 1604 a décadas de
guerra y la Holanda calvinista consiguió su independencia de España en 1609 y se
convirtió en una república.
Italia siguió siendo enteramente católica, lo que le evitó las guerras de religión, aunque
los italianos del sur perpretaron en 1647 una revolución fallida contra la dominación
española. Todas las religiones y conflictos políticos afectaron a la música de manera
directa.
El sistema capitalista, utilizado en Gran Bretaña, Holanda y el norte de Italia, demostró
ser un mejor motor económico que la concentración de dinero en manos del Estado o de
unos pocos privilegiados.
Gobernantes, ciudades y familias prominentes favorecían la música y las artes como un
modo de competir por el prestigio.

Del Renacimiento al Barroco.

-El barroco como término y periodo-
Un crítico juzgó la vieja música “barocque”, como una música disonante y en absoluto
melodiosa, y otro dijo que iba dirigida “a sorprender por la audacia de sus sonidos”.
En los años cincuenta, Barroco era un término bien establecido para designar el periodo
desde aproximadamente 1600 hasta aproximadamente 1750.
Lo más importante de este periodo fue que se valoró la música por su poder dramático y
su capacidad para mover los afectos.

-El barroco dramático-

El aspecto más sorprendente de la literatura, el arte y la música del siglo XVII es su
concentración en el dramatismo.
En el arte y en la arquitectura, al igual que en la música, el Barroco empezó en Italia.
El contraste entre el famoso David, de Miguel Ángel con el David de Bernini, muestra
el cambio entre los objetivos del Renacimiento y los del Barroco. Miguel Ángel celebra
la nobleza y la belleza de la figura humana mediante el equilibrio y la proporción.
Bernini muestra a David en tensión, su cuerpo esta dramatizado. El efecto es dramático
y provoca que el observador responda emocionalmente y no con una admiración
distanciada.
La Iglesia católica vio en tal arte un instrumento persuasivo en su campaña por
mantener la fidelidad de sus feligreses y contrarrestar fuerzas de la Reforma.
La arquitectura barroca podía ser igualmente teatral y empleó elementos de la
Antigüedad y del Renacimiento de manera nueva y desconcertante.
Así como el impulso central del arte barroco es la dramatización, la música del Barroco
por excelencia es dramática, centrada en la ópera, aunque el drama impregna también
las canciones, la música sacra y la música instrumental.
-Los afectos-
La mayor parte de los compositores del periodo barroco buscaron medios musicales de
expresar o suscitar los afectos. Se pensaba que los afectos eran estados relativamente
estables del alma, causados cada uno de ellos por una cierta combinación de espíritus en
el interior del cuerpo.
Los compositores no intentaban expresar sus sentimientos personales: en la música
instrumental buscaban retratar los afectos en sentido genérico, buscaban transmitir las
emociones del texto.

-La segunda práctica-

Una de las herramientas expresivas consistía en quebrantar deliberadamente las reglas
musicales con el fin de transmitir el texto poético. Un ejemplo es el madrigal Cruda
Amarilli de Monteverdi. Numerosas disonancias violan las reglas del contrapunto. El
quebrantamiento de las normas y las insólitas disonancias actúan como un recurso
retórico.
El madrigal de Monteverdi fue criticado por Artrusi, no por sus disonancias sino por el
quebrantamiento innecesario de las reglas. Artrusi pregunta por qué se hace alarde de
quebrar deliberadamente las normas. Monteverdi escribió una breve respuesta en 1605,
completada por su hermano Giulio Cesare Monteverdi. Los hermanos Monteverdi
distinguieron entre una prima pratica, que consistía en estilo del siglo XVI centrado en
la polifonía vocal, y una seconda pratica, utilizada por los italianos modernos.
En la primera práctica, la música tenía que seguir sus propias normas y dominar así el
texto verbal, mientras que en la segunda práctica, el texto dominaba la música, podían
quebrarse las reglas de conducción de las voces y las disonancias podían emplearse de
manera más libre para expresar los sentimientos.

Características generales de la música barroca.

La música de la época barroca comparte diversos rasgos que la distinguen de la música
de otros periodos.

-La polaridad tiple-bajo-

La textura prevaleciente en la música del Renacimiento consiste en una polifonía de
voces independientes. La nueva música del siglo XVII hace uso de unas voces
prominentes de bajo y de tiple, y de unas voces intermedias que rellena el tejido
armónico.
-El basso continuo-
En este sistema, el compositor escribía la melodía o melodías y la línea del bajo, pero
dejaba a los intérpretes el relleno de los acordes y voces interiores apropiadas.
Cuando los acordes que habían de tocarse eran distintos de las tríadas comunes en su
estado fundamental, el compositor acostumbraba a añadir cifras, esa línea de bajo se
denomina bajo cifrado.
La realización del bajo variaba según el tipo de pieza y la habilidad y el gusto del
intérprete. El intérprete podía limitarse a interpretar los acordes o añadir notas de paso y
motivos melódicos que imitaban al tiple o al bajo.
No todas las piezas utilizaban bajo continuo. Asimismo, motetes y madrigales en estilo
antiguo y sin acompañamiento podían en ocasiones publicarse con una parte de
continuo para adaptarlos a la nueva práctica.

-El procedimiento del concertato-

Los compositores del siglo XVII combinaron a menudo voces con instrumentos que
interpretaban partes distintas. El resultado se denominó procedimiento del concertato.
El uso de diversos timbres combinados se convirtió en un rasgo característico de la
época barroca.

-Acordes, disonancia y cromatismo-

La composición con bajo continuo condujo de manera natural a considerar los sonidos
consonantes como acordes y no como conjuntos de intervalos por encima del bajo. Esta
idea condujo a contemplar la disonancia como una nota que no encaja dentro del acorde.
El cromatismo se usaba en particular en las obras vocales para expresar emociones
intensas.

-El contrapunto conducido armónicamente-

La naturaleza del contrapunto cambió durante la época barroca. En el contrapunto
imitativo, las líneas melódicas individuales estaban subordinadas a la sucesión de
acordes implicada en el bajo, lo que dio lugar a un contrapunto conducido desde la
armonía.

-Ritmo regular y ritmo flexible-

La música del periodo barroco fue, o bien muy métrica o bien muy libre. Los
compositores usaron ritmos flexibles para el recitativo vocal.
Para otros tipos de música, los ritmos regulares, se hicieron cada vez más
omnipresentes. Las barras de compás, se volvieron usuales en todos los tipos de música
del siglo XVII. A mediados de siglo se usaban en su sentido moderno, para delimitar los
compases.
Los dos tipos de ritmo, flexible y métrico se utilizaron a menudo para crear contraste.

-Los estilos idiomáticos-

La polifonía, tendía a equiparar los estilos vocales e instrumentales. El destacado papel
del solista en el periodo barroco alentó a los compositores a escribir una música
idiomática de un medio concreto, como el violín o la voz solista.
Las mejores técnicas en los instrumentos de viento los hicieron adecuados para la
interpretación arriesgada del solista.

-La ornamentación y la improvisación en la interpretación-

Los músicos del Barroco consideraban la música escrita como una base para la
interpretación, no como un texto inalterable.
Para los músicos barrocos, percibieron la palabra ornamentación, como un medio de
mover los afectos. Reconocieron dos maneras principales de ornamentar una línea
melódica: 1) fórmulas breves llamadas ornamentos, como trinos, grupetos, etc.; 2)
Embellecimientos más amplios, como escalas, arpegios y similares, se añadían para
crear una paráfrasis libre y elaborada de la línea escrita. Este proceso, denominado
división, disminución o figuración, era apropiado en melodías de tempo lento.
Los cantantes añadían a menudo cadenzas a las arias. Las arias podían omitirse en las
óperas o sustituirse por arias diferentes que se adecuaban a los cantantes.

-De la música modal a la música tonal-

Los músicos de principios del siglo XVII se veían aun trabajando dentro de los 8 modos
eclesiásticos o del sistema expandido de doce modos codificado por Glareanus. En el
último tercio de siglo, algunos compositores escribieron una música que sin duda
podríamos llamar tonal, pues operaba dentro del sistema de tonalidades mayores y
menores usual en la música de los siglos XVIII y XIX. El “Tratado de armonía” de
Rameau, de 1722, ofreció la primera formulación teórica completa del nuevo sistema.
La tonalidad evolucionó gradualmente.
La música de la primera mitad del siglo muestra con frecuencia la influencia continua
de los modos.
Innovaciones perdurables.
Muchas de las innovaciones de principios del siglo XVII perduraron durante siglos.
Diversos rasgos característicos siguieron siento típicos en la música de los siglos XVIII
y XIX, sin embargo, otros, cayeron en desuso poco a poco.