EL ESPECTÁCULO OPERÍSTICO
Una mirada al pasado, presente y futuro de la ópera
MARIA VINENT CÁRDENAS
UNIVERSIDAD DEL ATLÁNTICO
BARRANQUILLA
La ópera, uno de los géneros musicales más representativos en toda la historia de
la música occidental no sólo por el aporte que hizo al desarrollo de la música vocal,
sino por su incidencia en la sociedad y en el pensamiento de teóricos y artistas de
todas las ramas, es el motivo de este trabajo.
Si bien es cierto que abordar este tema es una tarea larga y requeriría de una
exhaustiva investigación, en este trabajo sólo se pretende dar una mirada crítica a
aquellos momentos de la historia que marcaron su desarrollo y determinar a
grosso modo las razones por las cuales después de 400 años, sigue despertando
grandes pasiones y llenando los teatros más importantes del mundo.
Siendo la música el elemento diferencial entre los espectáculos teatrales y la ópera,
es necesario reflexionar acerca de las causas por las cuales el arte y en especial la
música se ha ido transformando a lo largo de la historia, ya que la ópera seguirá
sus pasos.
El desarrollo de la música occidental se ha dado de forma paralela con el
desenvolvimiento del pensamiento del hombre, su forma de ver y vivir su propia
existencia y acorde a los acontecimientos más relevantes del momento. La música
y las artes en general son parte integral de la cotidianidad del ser humano y ésta
cotidianidad se ve reflejada en cada una de sus diferentes manifestaciones. Es de
suponer entonces, que para que las artes pueda ser el reflejo de una sociedad su
lenguaje o su forma de expresión tiene que contar con los elementos que le
permitan expresar todo ese sentir. No es posible pensar que los nuevos
instrumentos musicales, en el caso de la música, o los nuevos recursos y técnicas
pictóricas y musicales, o los nuevos tratados surgen por la simple idea de algún
intrépido al que se le ocurre agregar un nuevo elemento a la forma de hacer arte.
Cada transformación o cada nuevo elemento surge en el momento en que lo que
hasta entonces existía no es suficiente para expresar lo que se quiere o no satisface
las exigencias del medio. Es por esta razón que en toda su historia, la música y las
artes han vivido una evolución constante.
A manera de ejemplo en música encontramos momentos muy significativos: en la
edad media, en el estilo románico, el canto gregoriano surge por la necesidad de
unificar la liturgia de la iglesia católica. Posteriormente, en el gótico, aparece la
primera forma polifónica, el organum que se inicia de forma experimental, pero
que tiene como objetivo embellecer y humanizar la liturgia de la iglesia católica1.
Es interesante observar, como paralelamente la arquitectura embellece con sus
grandes vidrieras las catedrales y como la pintura con la humanización de los
personajes da profundidad de sus paisajes. En el renacimiento se abre el camino
para el desarrollo de la polifonía, enmarcada dentro de una estética humanista y
antropocéntrica que surge en un momento en que la producción artística se
considera una obra de arte y el músico adquiere una posición como tal en la
sociedad, siendo contratado para animar fiestas, viajes o servir como elemento de
1
Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo I Sevilla. Editorial Mad. S.L., 2003,
Pág. 370
2
ostentación. De ahí que tenga que experimentar y modificar esa polifonía primitiva
del gótico, dando como resultado una música a cuatro voces con timbres
homogéneos y de gran riqueza, lo que supone la racionalización del proceso de
componer2. En el barroco, la música tendrá una nueva función. José A. Maravall
señala que “el barroco se sirve de procesos parcialmente racionalizados, de las
creaciones técnicas y calculadas que de ellos se sirven, para alcanzar el dominio
práctico de la realidad humana y social sobre la que quiere operar”.3 Tanto la iglesia
con la reforma y la contrarreforma, como las monarquías se valen del arte para
exponer sus respectivas ideologías. Es en este punto donde la necesidad política,
social y religiosa obliga a buscar elementos en las artes que sirvan a estos fines.
Una fuerza expresiva que toque al individuo en sus más íntimas pasiones. Un arte
de contrastes, tensiones y descansos, claro-oscuros. El clasicismo con toda su
racionalidad, busca la perfección, la imitación de la naturaleza. La utilidad de la
música, conduce al artista del siglo XVIII a la universalidad, al orden, a la claridad y
sencillez del arte. Los principios que enmarcan este período son simetría,
proporción, equilibrio4, lo que ocasiona nuevamente la búsqueda de nuevos
recursos de expresión artística. El romanticismo nos trae un pensamiento lleno de
misterio. En un primer momento, el idealismo y en contraposición, el materialismo.
El idealismo toma como punto de partida el “yo” y esto conduce a una exacerbación
de las emociones más íntimas a las cuales sólo se llega a través de la música pura.
El materialismo nos dirige hacia la comprensión del arte y la música programática
es su soporte.
El siglo XX, una época de guerras, hambre, injusticia, soledad, dolor, pasión. Un
mundo tecnológico, industrializado, internacionalizado, un siglo que rompe con
todos los paradigmas del siglo anterior. Multitud de estilos y formas que expresan
lo multicultural.
Como se puede observar, siempre, en cada momento, una razón, ya sea política,
religiosa, social, económica o todas a la vez, fueron la causa de la innovación en la
creación artística.
Las razones que dieron lugar a la creación de un nuevo espectáculo a finales del
siglo XVI, se derivan por una parte por el posicionamiento que las artes habían
adquirido en el ámbito de la cultura de la época, diferenciándola de la época
anterior en donde el arte tenía principalmente una función educativa, religiosa y
doctrinaria y por el nuevo rol en la sociedad que adquiere el artista. Hay que
recordar que durante el feudalismo el artista y su obra no se concebían como tal y
que es en el renacimiento, cuando el concepto de arte surge y los artistas asumen
un nuevo estatus, de tal forma que en el nuevo sistema económico, político, social y
religioso, el artista servirá no sólo a la iglesia, sino también a la nobleza y la nueva
clase emergente, la burguesía, para quienes tendrá que crear un espectáculo, por
2
Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo I Sevilla. Editorial Mad. S.L., 2003,
Pág. 480
3
Citado por Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo II Sevilla. Editorial
Mad. S.L., 2003, Pág. 17
4
Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo II Sevilla. Editorial Mad. S.L.,
2003, Pag. 116
3
una lado de entretenimiento y por otro demagógico, buscando para ello un
lenguaje sencillo y claro.
A finales del siglo XVI, como nos dice Enrico Fubini, se hace necesario llegar a una
expresión musical más sencilla y comprensible. La textura compleja de la polifonía,
representada en la música profana, en los madrigales de finales de siglo y en la
música religiosa en motetes y misas, se había convertido en un problema para
teóricos y músicos5.
La polifonía renacentista, con una textura imitativa compleja estaba saturando a
los amantes de la música. Se había convertido en algo difícil de entender y había
una necesidad imperante de buscar nuevas formas. En esta búsqueda se llega a lo
que conocemos como monodia acompañada y será la base de la nueva música. La
ópera surge en este escenario, como una forma de llevar la música a niveles de
entendimiento simples, donde la melodía se convertirá en la esencia de la obra. Su
importancia radica en poseer el elemento musical como eje conductor de la
historia, para que a través de ella se llegue al alma de los espectadores.
De hecho, nadie puede negar que la música posea el poder de afectar, de una u otra
forma, el comportamiento del ser humano; y tampoco nadie puede negar que, en
algún momento de su vida, haya experimentado cualquier tipo de emoción al
escuchar una melodía. Antony Storr dice:
“La música puede hacernos llorar o generarnos un placer intenso. Tiene la capacidad
de transformar nuestra existencia por completo”6. La ópera cumple plenamente con
esta función, ya que a través de todos sus elementos: la palabra, como elemento
conceptual, la música, como elemento abstracto y afectivo y la puesta en escena,
como elemento sensible y visual, logra cautivar y emocionar a cualquier tipo de
audiencia.
Uno de los hechos que más influyó en la búsqueda de una nueva textura musical,
más sencilla y que hiciera entendible los textos, se da en el contexto religioso
durante la contrarreforma, en contraposición a la iglesia luterana, y que se expresa
claramente en el Concilio de Trento, Decreto de 1562 donde manifiesta la
necesidad de hacer una música en la cual la palabra no se apague por la
complejidad de la composición y que fuera entendible para los fieles
“Todas las cosas deben estar ordenadas de tal modo que las misas, se celebren
con música o no, lleguen tranquilamente a los oídos y corazones de aquéllos
que las escuchen, cuando todo se ejecute con claridad y velocidad correcta. En
el caso de aquellas misas que se celebren con canto y órgano, que en ellas
nada profano se entremezcle, sino sólo himnos y alabanzas divinas. Debe
constituirse todo el plan del canto según los modos musicales no para que
proporcione un placer vacío a los oídos, sino por el contrario debe ser de tal
forma, que las palabras las entiendan claramente todos y así el corazón de los
oyentes se vea arrastrado a desear las armonías celestiales en la
5
Enrico Fubini. La estètica musical desde la antigüedad hasta el Siglo XX Alianza Editorial Madrid 2005, Pág.147
6
Anthony Storr, La música y la mente, Barcelona, Ediciones Paidos Ibérica S.A., 2002, Pag 20
4
contemplación del júbilo de los benditos […] También se desterrará de la
iglesia toda música que contenga, bien en el canto o en la ejecución del
órgano, cosas que sean lascivas o impuras”7.
Otro aspecto para destacar, es la teoría de los afectos que empezaba a ser uno de
los puntos más importantes de una nueva estética. Esta teoría pretende resaltar la
importancia de la música en relación con la afección del alma8. El arte se había
convertido en una parte fundamental de la vida y la distancia entre ésta y los
hombres se hacía cada vez más estrecha y a través de la música se buscaba la
expresión de las pasiones.
Pero hay por otra parte un aspecto humanístico que también marcará el destino de
la nueva música, que emerge del deseo de retornar a la cultura clásica donde
música y palabra se funden en un lenguaje claro. La mirada hacia el mundo
helénico conlleva a la reflexión sobre la relación música poesía y se convierte en el
centro de gran parte de la teoría musical.
Es en este contexto, en el que la necesidad de renovación y de cambio obligó a
dirigir la mirada hacia el pasado y tomar de él aquellos elementos que de una u
otra forma se podían utilizar para expresar, a través de la música y la palabra las
paciones que, de manera abrumadora, se desprendían del pensamiento y el sentir
de la época. Y es en Florencia, ciudad italiana, en la llamada camerata florentina,
liderada por el conde Bardi, donde la compleja polifonía renacentista se retira del
panorama musical para dar paso a una nueva textura, la monodia acompañada y al
nacimiento del género musical que nos ocupa, la ópera.
Conformada por un grupo de intelectuales entre los que se encontraban Girolamo
Mei (1519-15949 y Vincenzo Galilei (1520-15919, este último padre de Galileo
Galilei, la Camerata Florentina, formula las bases que darán lugar al nuevo
espectáculo. Girolamo hace una reinterpretación de la música griega y en su
tratado De modis musicis antiquorum, hace un análisis de la forma como se
sucedían la tragedia y la comedia.
Otro precedente importante lo encontramos, a nivel teórico, en la obra del
historiador Girolamo Mei, quien entre 1562 y 1573 publicó De modis musicis
antiquorum (Sobre los modos musicales de los antiguos), obra que en líneas
generales venía a contradecir las anteriores teorías renacentistas por las que se
pensaba que en las tragedias griegas sólo existía una parte musical a cargo de los
coros. Girolamo Mei, (1519-1594), tras una laboriosa búsqueda y traducción de las
obras antiguas descubrió que los actores también actuaban como solistas en
algunas ocasiones, con lo que la tragedia griega, era en buena medida cantada. Este
hecho supuso un cambio de actitud en una Italia que siempre gustó de mirarse en
el pasado. El drama, a partir de ese momento, se tomó como algo susceptible de ser
musicalizado y se empezó a considerar como pobre la falta de parte solista en un
texto. Esta circunstancia volvió a dejar de manifiesto la imposibilidad del madrigal
7
Concilio de Trento, Decreto de 1562) Dirección URL http://buscandoalsrcorchea.wordpress.com/textos/,
(Consulta:l 6 de diciembre de 2011)
8
Magda Polo. La estética de la múisca. Editorial UOC Barcelona 2008. Pág. 51
5
de dar respuesta a las nuevas necesidades y la necesaria búsqueda de un nuevo
género” 9 .
A partir de este análisis, se expone lo que será la base de la ópera, donde la música
se convierte en fuente de expresión y comunicación de los sentimientos humanos.
Propuesta que se verá reflejada por primera vez en las obras de Peri y Cavalieri.
En esta introducción se ha dejado claro que toda manifestación artística y por
antonomasia, la ópera, surgen por unas condiciones sujetas a las necesidades de
una sociedad. A partir de este punto, se mirará el espectáculo operístico desde esta
perspectiva, para determinar las razones por las cuales quinientos años más tarde,
la ópera sigue llenando los teatros de espectadores.
El primer espectáculo del que se tiene referencia que intentó reinterpretar la
música griega, donde la unión de música y poesía se daban de forma clara, lo
encontramos en Euridice, escrita en 1600 y basada en un drama de Octtavio
Rinuccini (1562-1621), en la cual Jacopo Peri (1561-1633)y Giulio Caccini (1550-
1618) pusieron en práctica las consideraciones expuestas por la camerata
florentina y en especial las teorías de Galilei, quien dio nombre de estilo recitativo a
esta propuesta con raíces en la tragedia griega10.
A pesar de que, a principios del siglo XVII los estados italianos se debilitaban
políticamente y que países como Francia, Alemania e Inglaterra, a través de las
alianzas políticas, iniciaban su asenso para convertirse en potencia, la música
italiana continuó influyendo en toda Europa. El amor por lo lírico y por la voz
humana, que se exaltaba de manera formidable en la ópera, se extendió por casi
todo el continente.
Es en manos de Claudio Monteverdi (1567-1643) en donde la estructura de la
ópera se define y se convierte en el punto de partida para músicos, libretistas,
dramaturgos y empresarios. Lo que surgió como una iniciativa para modular el
lenguaje musical denso de la polifonía renacentista, se convirtió, siglo tras siglo, en
un fenómeno que involucróa cada vez más a diferentes sectores sociales.
A los 40 años, Monteverdi se coloca a la vanguardia de la nueva música. A través de
su primera composición, “Orfeo” considerada la primera gran opera, se abre un
nuevo camino no solo para el desarrollo del espectáculo en sí, sino hacia la
masificación de la música y la comercialización de ésta. Italia se llenó de teatros a
los cuales ya no sólo asistía la aristocracia, sino el pueblo de clase media que tenía
la oportunidad de apreciar este arte que estaba de moda y que hasta entonces
había sido exclusivo de una clase determinada.
9 José Enrique Peláez Malagón, Los precedentes de la ópera barroca italiana, [en linea]. Filomusica. Revista mensual de
publicación en Internet, no 24, 2002, c
www.filomusica.com ISSN 1576-0464. D. L. MA-184-2000. Dirección URL: <http://www. filomusica.com/filo24/jenri.html>.
(Consulta: 5 de diciembre 2011).
10
Magda Polo. La estética de la múisca. Editorial UOC Barcelona 2008. Pág. 51
6
Orfeo, cuyo tema está basado en el mito de Orfeo, se estrenó en la ciudad de
Mantua en el año de 1607. A través del uso de arias estróficas, canciones de danza,
dúos, efectos escenográficos e interludios instrumentales se consolidó el nuevo
espectáculo dramático.
La gran acogida que tuvo esta primera ópera, atrajo la mirada de músicos y
escritores de la época. Podríamos decir que a partir de este momento la ópera
adquiere su papel relevante en la historia. Con un número elevado de óperas
existentes escritas y musicalizadas por diferentes artistas, el nuevo espectáculo
operístico se arraigó con gran fuerza y se conviertió en motivo de creación de
compositores y escritores.
Las primeras óperas hacían alusión a temas de la mitología griega o hechos
históricos, pero surgirá un nuevo espectáculo en donde las historias tendrán
estrecha relación con la vida cotidiana y marcarán los nuevos argumentos.
La música se fusionará con la palabra para crear historias ya no sólo sobre
mitología sino de amor, traición, venganza, tristeza, pasión, tragedia y comedia11,
en las que el espectador se identificará plenamente.
Monteverdi rompió con sus propios paradigmas en su última ópera, La coronación
de Poppea. Escrita en 1643 y estrenada en la ciudad de Venecia, narraba
precisamente una historia de un personaje real y no de personajes de la mitología
griega. El argumento trataba sobre Nerón, emperador romano, que se comportaba
como un asesino sanguinario y su relación con Poppea una joven cortesana. Es una
obra llena de sexo, ambición, violencia, intriga. Lo que la hace interesante es el
hecho de que Monteverdi, uno de los músicos más importantes de la época, hiciera
una obra de estas características y llegara a tener el éxito que tuvo. Pudo influir en
su aceptación, que su estreno se realizó en época de carnaval.
La sociedad reclamaba cada vez más nuevos espectáculos operísticos y la
construcción de escenarios no se hizo esperar. La ópera se convertiría en uno de
los negocios más caros pero a su vez más lucrativa y tema obligado de músicos,
libretistas, escenógrafos, dramaturgos y empresarios, estos últimos eran los que
decidían qué ópera se hacía y qué personas participaban, El músico era uno más de
todo el montaje a pesar de que lo que le daba la carga emotiva que tanto gustaba,
era la música.
A partir de entonces la ópera será motivo de inspiración de artistas y sin perder su
estructura primigenia, se amoldará a la estética de la época, agregando nuevos
timbres y nuevas texturas musicales, buscando exaltar cada vez el papel del
cantante solista y dando la oportunidad a todos sus actores gala de su maestría
para montar este tipo de espectáculo, buscando siempre la manera de acercar cada
vez más al público común y valiéndose de las temáticas, el color y la música y
modificándolas para amoldarse a las necesidades expresivas del momento.
11
Antonio pappano. Seria de la BBC de Londres. Ópera Italia. .
http://www.youtube.com/watch?v=HZCeIcuVLeU&feature=list_related&playnext=1&list=SP87E8F853D38C45FD
(Consulta: 5 de diciembre 2011).
7
Lo que convertirá a la ópera en un espectáculo de importancia mayor, es la manera
como el elemento musical se convierte en actor principal, tocando de una manera
profunda la vena más sensible de los sentimientos humanos. Monteverdi decía que
sólo uniendo música y poesía se podía conmover al espectador12.
Esta necesidad de la sociedad de poder asistir a un espectáculo donde sus pasiones
se veieran reflejadas y donde la música profundizaba en ellas a través de su
lenguaje abstracto, es la que hace que la ópera siga su camino en la historia.
A finales del siglo XVII, se desarrolla en Italia y específicamente en la ciudad de
Nápoles un nuevo estilo de espectáculo. A esta nueva ópera, nueva por su temática,
tratando temas con personajes reales, de la vida cotidiana, criados, artesanos, etc. y
no mitológicos ni históricos, se le dio el nombre de ópera bufa. Por su temática
sobre la cotidianeidad la aceptación en la sociedad y sobre todo en las clases
populares no se hizo esperar. Contrariamente, los reyes en sus palacios, sólo
aceptaban el espectáculo operístico inicial, llamado ópera seria, dejando la ópera
bufa para otros teatros de la ciudad, marcando así una diferencia entre los dos
estilos. Con el apoyo de Carlos VII (1716-1788), se afianza la hegemonía de la
ópera seria. A esta ciudad llega el compositor alemán George Friedrich Häendel
(1685-1759), considerado uno de los compositores más influyentes de la música
occidental13, quién se sintió atraído por la ópera seria italiana y la llevó a Londres,
contagiando a los ingleses del estilo italiano con todas sus características. Häendel
componía para un público en general, satisfaciendo sus necesidades y no las de la
nobleza como era la costumbre14. En Inglaterra, el compositor Henry Purcell
(1659-1695) hace una ópera en función de la lengua inglesa, pero con las
características del estilo italiano. De esta forma el espectáculo operístico, que
marcaba la pauta en aquel entonces, trasciende las fronteras.
Por otra parte en Francia, el músico de origen italiano Jean Batipste Lully (1632-
1687) da un toque estilístico particular a la ópera, agregando un nuevo elemento:
el ballet, cambiando la estructura de la ópera italiana, que poco gustaba en el país
galo, buscando continuidad en todo el espectáculo para acercarla más al teatro,
modificando la obertura en cuanto a los movimientos de las danzas se refiere,
haciendo un prólogo explicativo de la obra, entrelazando las arias con los
recitativos, agregando dos actos más y finalizando con una aria conclusiva,
abriendo una brecha indisoluble entre el estilo italiano y el estilo francés, donde la
melodía y la armonía lucharán por su supremacía.
Durante los siglos siguientes el espectáculo operístico siguió creciendo en
popularidad y transformándose de acuerdo a las exigencias del medio. Serán
numerosos los músicos que asumirán la responsabilidad de poner música a los
libretos creados por diferentes escritores y de complacer a los cantantes para que
puedan mostrar todas sus habilidades en el arte de cantar y serán muchas las
12 Antonio pappano. Seria de la BBC de Londres. Ópera Italia. .
http://www.youtube.com/watch?v=HZCeIcuVLeU&feature=list_related&playnext=1&list=SP87E8F853D38C45FD
(Consulta: 5 de diciembre 2011).
13 http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Friedrich_H%C3%A4ndel (Consulta: 5 de diciembre 2011).
14 Idem (Consulta: 5 de diciembre 2011).
8
disputas en cuanto al estilo se refiere. La ópera bufa adquiere un papel relevante
en la sociedad, pero cuando llega a Francia generará gran polémica.
Las disputas entre la ópera italiana y la ópera francesa serán el reflejo de dos
naciones con ideales diferentes y aunque se quiera llegar a un sólo estilo
operístico, cada nación, de acuerdo a su sociedad, utilizará y recurrirá a los
elementos que le permitan identificarse.
Christoph W. Ritter von Gluck (1714-1787), compositor alemán realizará algunas
reformas estructurales en la ópera que marcarán un nuevo camino para el
desarrollo de ésta. Tratará de limar las asperezas entre las diferentes posiciones
que existen frente al espectáculo operístico.
En una época conocida como Style Galant, agotada por la Carga emocional del
período anterior, en el que se busca la sencillez con predominio de las formas
inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos,
que busca reflejar lo que es agradable, lo mundano y una vida sin sobresaltos 15,
aparece Gluck quién con la utilización diferente de los recursos artísticos
existentes, transforma la ópera y allana el camino para que Wolfgang A. Mozart
(1756-17919), unos años más tarde componga sus extraordinarias obras. De un
espectáculo conformado por diferentes actos separados unos de otros, se llega a
una obra con un fluir continuo donde la arias, coros y recitativos hacen una sola
pieza en su conjunto. La obertura hace parte del espectáculo operístico,
preparando al público para el desarrollo de la obra. Elimina las coloraturas, trinos
y todo tipo de ornamentación, buscando simplicidad en la música. El baile da
importancia al cuerpo haciéndolo omnipresente. Los castrati, quiénes habían
asumido los roles femeninos, desaparecen dando lugar a los divos y divas para
quienes el compositor debía escribir, en algunas ocasiones, de acuerdo a sus
requerimientos. El lenguaje musical utilizado en el barroco se relaja para llegar con
mayor nitidez a todos los espectadores. Las historias de la ópera bufa se acercan
cada vez más a la realidad de la vida cotidiana y el público asiste a ellas de la
misma forma que hoy en día se asiste al estreno de una película taquillera. Gluck
supo conjugar todos los elementos artísticos en una sola unidad, abriendo el
camino para que Wagner un siglo después proponga lo que él llamó Obra de arte
total, también conocido como Drama Wagneriano.
Aunque Mozart no dio ningún giro al espectáculo operístico, Aportó a la función la
utilización de la orquesta como parte del espectáculo y dejó un legado histórico de
innegable valor. Asumió la ópera como un medio de comunicación para llegar a
todos los públicos.
Después de 200 años de historia, en el siglo XIX, la ópera se encuentra en su
máxima expresión. Con Gioachino Rossini (1792-1868), Gaetano Donizetti (1797-
1848) y Vincenzo Bellini (1801-1835), la ópera romántica de principios de siglo
adquiere dimensiones deslumbrantes. Sus emociones exacerbadas y sus
argumentos melodramáticos, transforman la ópera italiana. De estos compositores
15
Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo II Sevilla. Editorial Mad. S.L.,
2003, Pag. 108
9
heredamos lo que se conoce como Bel Canto. Asistir al teatro de ópera era a la vez
una fuente de intensas experiencias emotivas a través de la música y un medio de
exhibir la propia superioridad cultural y social” 16.
Es en el romanticismo, donde la experiencia subjetiva imperó por completo y
donde la vida individual pasó a ocupar el centro del interés de la sociedad y el
arte.17
Una de las óperas de Donizetti, basada en la novela The Bride of lammermoor de sir
Walter Scott, representa el nuevo estilo de ópera italiana romántica. Donizetti
quería en sus libretos, amor violento, locura, desesperación, reflejo del
pensamiento del hombre romántico.
Algunos compositores dieron una inclinación totalmente nacionalista a sus óperas,
como es el caso de Giuseppe Verdi (1813-1901), Mijail Glinka (1804-1857),
Vedrich Smetana (1824-1884) y Antonín Dvorak (1841-1904) entre otros,
convirtiéndolas en algún momento casi en himnos de identificación nacional.
Todos estos elementos que aparecían y desaparecían de acuerdo a la estética de la
época, a las necesidades y exigencias de la sociedad, a la demanda de espectáculos
que entretuvieran a las masas y a todo público, ha hecho de este espectáculo un
fenómeno imperecedero a través del tiempo, capaz de movilizar a personas de
todas las clases sociales.
El caso de Verdi es muy especial. Su música expresa el amor a su tierra. Esta pasión
por lo suyo, por su nación, posiblemente viene de su niñez. Durante sus primeros
años de vida tuvo que afrontar momentos de gran dolor. Era una época de grandes
conflictos políticos y en su pueblo natal, Le Roncole se sucedieron hechos que
marcaron al músico para siempre, e influyeron en su obra. El norte de Italia se
encontraba bajo el dominio de los Habsburgo y Verdi era partidario de la
independencia. A través de sus óperas llegó al corazón del pueblo italiano. Sabía
cómo construir un gran espectáculo y cómo depositar toda su pasión en él. Una de
sus primeras obras, Nabucco, estrenada en 1842, en la que el coro representa al
pueblo hebreo en el exilio y expresa su anhelo de una patria, “Va, pensiero, sull’ Ali
Dorati” (Vuela, pensamiento, en alas doradas), generó en el público una gran
manifestación popular; el auditorio casi se posesionó del escenario18. Verdi se
convirtió en un héroe nacional y la ópera adquirió un nuevo matiz. Sus obras son
apasionadas y agresivas dando gran importancia al impacto dramático.
En Alemania sucedía algo semejante que en Italia y Richard Wagner (1813-1883)
será el encargado de luchar por el renacer de su país. A través de su música
expresó la necesidad de preservar y defender la cultura y el arte germánico19.
Con Wagner se puede decir que entramos al siglo XX. Propone un nuevo género
musical que remonte a la tragedia griega y en la ópera confluyan todas las
16 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 177
17 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 162
18 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 187
19 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 189
10
expresiones artísticas: el drama wagneriano. Sus temáticas nacen de los mitos
nórdicos. Y a partir de ellos, construye su propuesta. Un espectáculo de grandes
magnitudes, más largas y grandiosas con una orquesta de grandes dimensiones.
Para este compositor la finalidad de la ópera es “Proporcionar al drama un
significado que nunca se le había dado antes, mediante la acción conjunta de la
música con la poesía dramática, objetivo inalcanzable con la esencia de la ópera
moderna, de la poco natural actitud de la poesía en la música”20.
Este nuevo espectáculo, con el que Wagner expresa de forma apoteósica todo su
ideal, también abre el camino hacia una nueva música que se definirá en las
primeras décadas del siglo XX. Según las palabras de Yehudi Menuhin, la música
adquiere dimensiones nunca antes alcanzadas:
“En Wagner, la prolongación del tono suspendido, aquella famosa disonancia
de Renacimiento, llega a sus últimas posibilidades. Se convierte en la materia
misma de goce estético de las sensaciones sexuales, la prolongación del
éxtasis, lo irreal, lo misteriosamente sombrío y visionario. Es la suya una
actitud totalmente opuesta al sentir mediterráneo. Las realizaciones de
Wagner se apoyan en su maestría para manejar los elementos que le ofrecía
aquella naciente Alemania con su tesoro de mitos nórdicos, sus filósofos –
Schopenhauer y Nietzsche -, su gran literatura y su tradición musical” 21.
Wagner rompe con los convencionalismos y la tradición italiana y francesa que estaban
de moda en algunas provincias de su país. Dirige al público hacia el drama poniendo a
la orquesta en un lugar no visible y da a la música una fuerza emotiva y expresiva a
través de un nuevo lenguaje donde no existe una tonalidad definida.
“En Wagner encontramos algo diferente: una continuidad melódica
interminable que discurre entre ilimitados cambios de tono, como cuando Alicia
caminaba a través de los espejos sin regresar jamás al punto de partida.
Wagner liberó a nuestra música occidental de sus ataduras y las consecuencias
fueron imprevisibles” 22.
El siglo XX llega con innumerables estilos: el impresionismo, las primeras
vanguardias y la segunda escuela de Viena y con ella el expresionismo. Arnold
Schömber, representante máximo de la música expresionista proviene del pasado
tradicional vienés. Beethoven, Brahms, Bruckner, Strauss y por su puesto la gran
figura, aunque no vienesa de Wagner. Durante su primera etapa Schömberg
permanece dentro de los límites de la tonalidad23. Sin embargo poco a poco irá
moldeando su estilo hasta llegar al sistema atonal y finalmente al dodecafonismo,
método que consiste en componer con doce sonidos.
20 Magda Polo Filosofía de la música del futuro. Encuentros y desencuentros con Nietzsche, Wagner y Huanslick. Prensas
universitarias. de Zaragoza1° edición 2011. Pág.30
21 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 190
22 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 193
23
Citado por Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo II Sevilla. Editorial
Mad. S.L., 2003, Pág. 336
11
Pero como dije al principio de este escrito, las razones que obligan a un artista a
buscar nuevas formas de expresión a través de su lenguaje están ligadas
completamente a su entorno. La Viena de la segunda década del siglo XX atraviesa
por uno de los momentos más críticos de su historia. Ruina, desolación,
desesperación y hambre. Su economía es inestable y se vive la primera guerra
mundial24. En este contexto tan desolador, no es de extrañar que Schönberg haya
llegado a construir un lenguaje nuevo. El artista, que se expresa a través de su arte,
tiene que buscar nuevos recursos para comunicar su sentir y el sentir de una
sociedad que no encuentra escapatoria y que no ve un futuro claro. La música en el
sistema tonal, por más intrincados que sean los caminos que recorre en todo su
desarrollo, siempre resuelve en un acorde consonante que genera tranquilidad a
través de él no se puede expresar toda esa angustia que trajo la promera guerra
mundia..
Leonard B. Meyer, en su libro “Emoción y significado en la música”, dice:
“Cuanto mayor es la acumulación de inquietud y de tensión, mayor es la
liberación emocional sobre la resolución... La experiencia de la inquietud
musical es muy similar a la experimentada en la vida real. Tanto en la vida
como en la música, las emociones que surgen de este modo parten
esencialmente del estímulo: la situación de ignorancia, la conciencia de la
impotencia del individuo y la incapacidad de actuar cuando se desconoce el
curso futuro de los acontecimientos: El hecho de que estas experiencias
musicales sean tan similares a las que se dan en un drama y en la vida misma
hace que a menudo se sientan de una forma particularmente poderosa y
efectiva. La inquietud musical parece guardar analogías directas con la
experiencia en general. El ruido grave y sordo que hace presagiar el trueno
distante en una opresiva tarde de verano, su intensidad creciente a medida
que se acerca, el creccendo del viento que aumenta gradualmente, el ominoso
oscurecimiento del cielo... todo ello da lugar a una experiencia emocional en la
que la expectativa está cargada de una poderosa expectativa... De forma
similar, el estado de inquietud supone en la música la conciencia de la
impotencia del hombre cuando se enfrenta a lo desconocido”25.
En la Europa de principios del siglo XX no se vislumbraba ningún momento de paz
y en la mente de Schönberg no se puede resolver nada, porque no existía un futuro
prometedor. Sólo a través de un sistema como el atonal, se puede expresar este
sentimiento. Es en este periodo y a través de la música atonal, que el artista
expresionista, expresará y transmitirá esa sensación de impotencia y miedo ante
un mundo sin futuro.
Las óperas de este compositor, aunque no se desligan del todo con la tradición,
siguen el camino del drama Wagneriano. En 1909 escribe Erwartung
(Expectación). Una ópera de un sólo acto sobre un libreto de Marie Pappenheim
(1882-1966). Su argumento es el de una mujer que camina a través de un bosque,
24
Citado por Monserrat Serrano Vida y Jesús Gil Corral, Temario para la preparación de oposiciones, tomo II Sevilla. Editorial
Mad. S.L., 2003, Pág. 313
25
Leonard Meyer, Emociones y significado en la música, Madrid, Alianza Editorial, 2001, Pag. 48
12
durante la noche, en busca de su amante que la ha dejado por otra. Ella revive la
relación en su memoria y al final se tropieza con el cadáver del hombre. Esta ópera
es totalmente expresionista y totalmente atonal.
Schönberg dice en relación a ella:
“En Erwartung se trata de representar en movimiento lento todo lo que
ocurre durante un sólo segundo de máxima excitación espiritual, alargándolo
hasta llegar a la media hora" 26.
Como se observa el tema es macabro y cargado de angustia, lo que es un reflejo de
ese estilo expresionista. El lenguaje musical es de gran complejidad. La voz no
tiene el apoyo del acompañamiento orquestal, haciéndola muy difícil de
interpretar.
El análisis que ha hecho de esta obra el músico Philip Friedheim nos reafirma lo dicho
anteriormente:
“Erwartung está escrita en un estilo atemático, donde no hay material musical
que regrese una vez que se ha afirmado en el curso de los 426 compases. En su
análisis de la estructura, una indicación de la complejidad de la música es que
la primera escena a lo largo de 30 compases contiene 9 cambios métricos 16
cambios de tempo27.
El musicólogo Charles Rosen ha dicho que Erwartung, junto con Wozzeck de Berg y La
consagración de la primavera de Stravinski, están entre los irrebatibles grandes
monumentos del modernismo28.
La primera mitad del siglo XX nos ha legado un material musical de gran riqueza
donde se refleja un enorme despliegue de creatividad enmarcado dentro de la
modernidad y que ha suscitado todo tipo de reacciones. Un lenguaje musical que
no es comprendido por todos, pero que en su esencia representan la expresión de
ese sentir y el deseo de compartir a través del arte esa experiencia única que nos
lleva , en cierta medida, a entender nuestro propio sentir.
A pesar de que en muchas ocasiones se pensó que la ópera llegaría a su fin y que
nuevas formas ocuparían su lugar, como el cine, la televisión, el internet, aun ocupa
un lugar privilegiado y hoy en día sigue más vigente que nunca.
Los paradigmas de arte contemporáneo son confusos y extraños para un público
sin el suficiente conocimiento. La idea de arte total expresada por Wagner sigue
dando de qué hablar y la fusión de todas las artes en una obra común, que debe
agrupar ideas y estilos, se convierte en una tarea difícil en un mundo donde todas
las expresiones artísticas van por diferentes caminos. El arte actual, es un arte muy
comprometido con los acontecimientos sociales que reflejan no sólo el mundo real
26
Schömberg citado por Wikipedia. Dirección URL http://es.wikipedia.org/wiki/Erwartung (Consulta 13
de Diciembre 2011)
27
Dirección URL http://es.wikipedia.org/wiki/Erwartung (Consulta:13 de diciembre de 2011)
28
Ib.
13
sino el conflicto humano interior que es de grandes magnitudes. La música tiene
diferentes matices al igual que las artes visuales. Las nuevas tecnologías no se
pueden ignorar y cada día los artistas buscan nuevas formas de expresar, a través
de su lenguaje, lo que ven, sienten, desean o se les solicita. La ópera
contemporánea es agresiva, dramática y se adapta a los nuevos tiempos. Y al igual
que en otros momentos históricos, genera polémica y a veces no es aceptada. La
lucha constante entre tradición y contemporaneidad. Si en el pasado muchos
compositores fueron cuestionados por su osadía al presentar nuevas propuestas,
hoy se cuestiona el manejo del lenguaje artístico contemporáneo. Este tipo de
producción sólo es aceptado por las mentes vanguardista y educadas. Los artistas
de nuestro tiempo no se diferencian de los de hace cuatro siglos. En su búsqueda
de nuevos recursos para poderse expresar, experimentan con todos los materiales
que hay a su alrededor y de esta manera surgen las nuevas técnicas y formas de
expresión que van en contraposición de lo que hasta entonces se venía haciendo.
No es de extrañar que encontremos en este sentido óperas como Le Grand Macabre
del compositor rumano György Sándor Ligeti (1923-2006), o Saint-François d’Assise
de Olivier Messiaen (1908-1992), montajes de gran creatividad que generan un
gran impacto, como el realizado por Ilya Kabakov (1933- ) y Emilia Kabakov (1945-
), de origen ucraniano, considerados como los padres del arte conceptual ruso29.
Paralelo a este movimiento artístico que es una constante en el tiempo, la ópera
tradicional sigue teniendo un lugar privilegiado en el mundo artístico, El
espectáculo que se desarrolló durante los siglos XVII, XVIII, XIX y primera mitad
del siglo XX se está llevando a diferentes escenarios con la complicidad de los
nuevos medios audiovisuales y con el apoyo de entidades privadas y
gubernamentales que han visto en ello una nueva forma de capitalizar el arte.
La gran cruzada de hacer de la ópera un espectáculo de masas, para todos los
públicos y en todo el mundo, está en todo su esplendor. Espacios abiertos, parques,
estadios de futbol, cines, reciben con beneplácito esta idea
Entre los pioneros de esta iniciativa encontramos a Luciano Pavarotti (1935-
2007), quién con el deseo de sacar el género operístico de las salas de concierto lo
llevó a grandes escenarios públicos30. Esta idea tuvo un gran éxito y atrajo la
mirada de los grandes inversionistas que vieron en la ópera un excelente negocio.
La producción de grabaciones y realizaciones audiovisuales del género operístico
se han multiplicado. Los grandes teatros, en sus temporadas de ópera, venden a
otras ciudades y países su espectáculo a través de transmisiones en directo y en
diferido, utilizando deferentes redes como Reseo31 y Reneta32, llevando la ópera a
escuelas y universidades para atraer a las nuevas generaciones. Las salas de cine
también participan en esta empresa presentando óperas grabadas especialmente
para este fin. En muchas películas y series animadas se utiliza fragmentos de
óperas de todos los tiempos.
29
http://www.youtube.com/watch?v=toJKysadRzU&feature=BFa&list=PL1214C418195BA5CF&lf=results_video Consulta:
Diciembre 13 de 2011)
30 http://es.wikipedia.org/wiki/Termas_de_Caracalla (Consulta Diciembre 6 de 2001)
31 www.reseo.org (Consulta Diciembre 6 de 2001)
32 www.renata.edu.co (Consulta Diciembre 6 de 2001)
14
¿Pero qué es lo que hace que aun hoy en día un espectáculo que nació hace tantos
siglos siga causando tanta admiración?
Creo que hay varios aspectos que explican este fenómeno. Por una parte la ópera
ha narrado historias tanto fantásticas, históricas, como de la vida cotidiana del ser
humano. A nivel mitológico, estas historias nunca pierden vigencia. Son historias
que precisamente por sus argumentos, recrean la imaginación del espectador. Las
obras que nos remontan hacia hechos históricos nos brindan momentos de
nostalgia y nos recuerdan el porqué del presente. Por otra parte, las historias de la
vida cotidiana son como un espejo en el que nos vemos reflejados en algún
momento de la vida. La ópera nos deja ver el pasado, nos afirma en el presente y
nos muestra el futuro. Pero lo más importante es que estas historias tienen un
componente que llega al alma del espectador: la música. Gracias a ella, cada
instante puede tocar el alma de algún individuo en un momento determinado.
Por otra parte, los empresarios y directores de las compañías de teatro y ópera,
saben que para atraer a nuevos públicos tienen que hacer muy atractivo el
espectáculo operístico y que tienen que competir con la cultura popular. Por esto,
la ópera se ha engalanado con los mejores vestidos y con todos los elementos que
el mundo contemporáneo le puede prestar. Famosos diseñadores realizan sus
mejores obras de arte para vestir a las estrellas del espectáculo. Las escenografías
están acordes con las tendencias contemporáneas. Los audiovisuales y la
publicidad imponen las pautas.
El futuro de este gran género musical que nació a finales del siglo XVI, que se
adaptó a todos los avances de la tecnología digital, a la expresión popular, a la
internacionalización del arte, y al devenir de la música occidental en general, es un
misterio. Por lo pronto aún existen músicos de gran calidad que indagan sobre ella
y la interpretan con gran virtuosismo, evidenciando un gran interés para que no
caiga en el olvido.
La música, ha acompañado al hombre desde siempre, siguiendo su camino en la
historia, transformándose, adaptándose a todos los acontecimientos que han
marcado su desenvolvimiento. Nuevas formas, nuevos conceptos, nuevos
elementos, pero siempre conservando su esencia. Los músicos contemporáneos
seguirán creando sus obras, utilizando los elementos que consideren necesarios
para su fin y experimentando, como lo han hecho los grandes músicos de todos los
tiempos, para conseguir las sonoridades que les permitan, a través de su lenguaje,
expresarse.
Habría que preguntarse hasta qué punto el espectáculo operístico es necesario
para la sociedad actual, cuando existe tanta innovación en los medios
audiovisuales y cuando la producción cineasta es inagotable. Su función de pronto
está más ligada a la educación de la historia de la música y a la historia del hombre
mismo, y hacia la educación de la sensibilidad de una música que ha despertado
todo tipo de emociones por su belleza, lirismo y exigencia a través de todos los
tiempos desde su nacimiento.
15
Termino este escrito con las siguientes palabras del célebre músico y violinista
Yehudi Menuhin:
“Ante la enorme variedad de música que ahora se nos ofrece, el repertorio clásico
europeo más ordinario puede parecernos como una mansión ruinosa que en un
tiempo fue muy bella pero que ahora está cubierta de moho y llena de telarañas. Sin
embargo, los músicos siguen interpretando su mejor legado musical con
conocimiento y pasión. Es posible que hayamos abusado de la música del hombre al
comercializarla y tratar de encajarla en moldes extraños, pero ella está siempre allí,
aguardando nuestra respuesta y recordándonos que la supervivencia de la
civilización exige moderación.” 33
33 Yehudi Menuhim y Curtis W. Davis. La música del hombre. Fondo rotatorio interamericano S.A Bogotá 1981. Pág. 304
16
Bibliografía
Fubini Enrico. 2005. La estética musical desde la antigüedad hasta el siglo xx.
Alianza editorial.. ISBN 978-84-206-9071-1
Menuhim Yehudi y Davis Curtis W. 198. La música del hombre. Fondo rotatorio
interamericano S.A Bogotá.
Polo Pujado Magda. 2010. Historia de la música. Ediciones universidad de
Cantabria. ISBN 978-84-8182-582-8
Polo Pujado Magda. 2008. la estética de la música. Editorial UOC. Primera edición.
ISBN 978-84-9788-742-7
Serrano Vida Monserrat, Gil Corral Jesús. 2003. Temario para la preparación de
oposiciones, Música Tomo I. Sevilla. Editorial Mad. S.L. Primera edición
Serrano Vida Monserrat, Gil Corral Jesús. 2003. Temario para la preparación de
oposiciones, Música Tomo II. Sevilla. Editorial Mad. S.L. Primera edición
17
