Performance

Una performance es una obra de arte o muestra artística

creada a través de acciones realizadas por el artista u
otros participantes, pudiendo ser en vivo, documentadas,
espontáneas o escritas, presentada a un público dentro de
un contexto de bellas artes, tradicionalmente
interdisciplinario.1 La performance, también conocida
como acción artística, se ha desarrollado a lo largo de
los años como un género propio en el que el arte se
presenta en vivo, teniendo un papel importante y
fundamental en el arte de vanguardia a lo largo del
siglo XX.2 3
La muerte del artista (2018), de Abel Azcona,
Involucra cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, Círculo de Bellas Artes de Madrid
el cuerpo o la presencia del artista en un medio, y la
relación entre el creador y el público. Las acciones,
generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden tener lugar en la calle, cualquier tipo de
escenario o espacio y durante cualquier período de tiempo.4 Su objetivo es generar una reacción, en ocasiones
con la ayuda de la improvisación y el sentido de la estética. La temática suele estar ligada a procesos vitales del
propio artista, a la necesidad de denuncia o crítica social y con un espíritu de transformación.5

El término performance procede de la expresión inglesa performance art, con el significado de arte en vivo; si
bien los términos performance y performance art solo se usaron ampliamente en la década de 1970, la historia
de la performance en las artes visuales se remonta a producciones futuristas y cabarets datados en la década de
1910.6 7 Los principales precursores y pioneros del arte de la performance son artistas como Carolee
Schneemann,8 Marina Abramovic,9 Ana Mendieta,10 Chris Burden,11 Hermann Nitsch, Joseph Beuys,
Nam June Paik o Vito Acconci, y los máximos exponentes en la actualidad, artistas como Tania Bruguera,
Abel Azcona, Regina José Galindo, Tehching Hsieh, Marta Minujín o Piotr Pavlenski. Disciplina claramente
ligada al happening, al movimiento Fluxus, al arte corporal y, en general, al arte conceptual.12

Índice
Definición
Historia
Orígenes
Cabaret Voltaire
Futurismo
Bauhaus
Action painting
Nuevo realismo
Gutai
Land Art y performance
Años 1960
Accionismo Vienés
 Nueva York y la performance de vanguardia
The Living Theatre
Fluxus
Arte Procesual
Happening
Nombres propios
Años 1970
Video-Performance
Performance desde el contexto político
Performance de resistencia
The Other
Nombres propios
Años 1980
La técnica en la performance
Crítica e investigación de la performance
Performance desde el contexto político
Performance poética
Performance feminista
Expansión a Latinoamérica
Años 1990
Performance desde el contexto político
Profesionalización de la performance
Performance en China
Desde los años 2000
Performance New Media
Performance radical
Institucionalización del arte performance
Performance de reivindicación colectiva
Véase también
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos

Definición
La performance es una disciplina artística controvertida en cuanto a definición, contextualización histórica y
pedagógica. Uno de los hándicaps surge desde la definición exacta del término, palabra con origen anglosajón
que en su definición literal supone la idea contraria de lo que performance es. En una traducción literal
encontraríamos términos símiles a actuación o representación, ambos contrarios a la esencia del arte de la
performance, nacida desde una postura antagónica a las artes escénicas, casi crítica. Por lo que no debe
entenderse desde su literalidad, ya que únicamente colinda con lo escénico, en algunos códigos como la
audiencia o el cuerpo presente, y no siempre es así.13
El origen del término, en sentido estricto, está relacionado con las tradiciones posmodernistas de la cultura
occidental. Según los críticos los orígenes deben datarse a principios del siglo XX, pero el uso del término no es
empleado hasta mediados de los años sesenta a los setenta. Vinculado y derivado en torno a conceptos de arte
visual, en lo que respecta al Dadaísmo, los situacionistas, Fluxus, el arte de la instalación y el arte conceptual,
el arte de la performance tendía a definirse inicialmente como una antítesis del teatro, desafiando las formas de
arte ortodoxo y las normas culturales. En la actualidad, artistas como Regina José Galindo, Abel Azcona o
Piotr Pavlenski reivindican la potencialidad política y discursiva de la performance, evolucionado la idea
inicial en torno a una imagen visual meramente rupturista. El ideal de una obra performativa es crear una
experiencia efímera y auténtica para el artista y para el público en un evento sin posibilidad de repetición,
capturar o coleccionar.14 15

La performance ha logrado ser durante decenas de años

indefinible, inclasificable, imposible de academizar o
institucionalizar. El artista que tenga la necesidad de definirla
la banaliza. La radicalidad de la misma se sostiene al no ser
domesticable. No entender la performance desde la
desobediencia, es matarla de raíz.
Abel Azcona, «Abel Azcona 1988-2018» ([Link]
B9u). MueveTuLengua. Consultado el 22 de mayo de 2020.

Son muchos los teóricos que han vinculado y desvinculado el arte del
performance de las artes escénicas, afirmando que, en su relación con
lo escénico, al ser arte muy cercano y que potencia el proceso, sería
más cercano a la idea de dramaturgia, que a la de teatro representado.
La performance difiere completamente de la idea narrativa, lineal o
formal que otras artes escénicas poseen, y no pretende ni surge desde
un fin de entretenimiento, más bien de ruptura, interrupción o
Georgia O'Keeffe fotografiada distorsión.
durante un proceso performativo
En el campo de la performance surgen artistas con una idea más
purista, de vincular únicamente la performance a las bellas artes, lejos
de cualquier idea de representación escénica, acercándola a la escultura y la instalación, casi como una
experiencia efímera única y sublime. Y otros artistas que abrazan más la idea experimental, donde la
performance puede comulgar y ser contaminada de muchas más disciplinas, incluyendo cualquier tipo de arte
escénica, como la danza o lo teatral. Normalmente en museos, galerías e instituciones suelen encontrarse
performance con la idea más purista y en espacios más híbridos o experimentales, incluida la calle, suelen
encontrarse las performances entendidas de una forma más transdisciplinar.

A diferencia del teatro, el intérprete es el artista, raramente representa a un personaje como un

actor, y el contenido en raras ocasiones sigue un argumento o narración tradicional. La
performance puede ser una serie de gestos ínfimos o una narración a gran escala, que dura desde
unos pocos minutos a muchas horas; puede representarse una sola vez o repetirse muchas veces,
con o sin guión preparado, improvisado de manera espontánea o ensayado durante muchos meses.
(...) Por su propia naturaleza, la performance escapa a una definición exacta o sencilla más allá
de que es arte vivo hecho por artistas. Cualquier definición más estricta negaría de manera
inmediata la posibilidad de la propia performance. Puesto que recurre libremente a cualquier
número de disciplinas y medios de comunicación -literatura, poesía, teatro, música, danza,
arquitectura y pintura, además de vídeo, filme, diapositivas y narración- en busca de material, los
despliega en cualquier combinación. De hecho, ninguna otra forma de expresión artística tiene
una manifestación tan ilimitada, puesto que cada intérprete hace su definición particular en el
proceso y la manera propios de la ejecución.
RoseLee Goldberg, «Performance Art»16
Todas las definiciones y acercamientos a la performance la tratan como una experiencia visual y conceptual,
donde el artista desafía a menudo al público a pensar en formas nuevas y no convencionales, a romper las
convenciones de las artes tradicionales y a transformar la idea tradicional y académica definitoria del arte,
meramente como una experiencia estética. A lo largo de las décadas, surgen movimientos, ideas y discursos
dentro del campo de la performance, como por ejemplo los accionistas vieneses y los neodadaístas, que
prefieren emplear términos como «arte vivo», «arte de acción», «accionismo», «intervención artística» o
«maniobra» para describir sus obras performativas. Como géneros propios dentro del arte de la performance
aparecen el arte corporal, el movimiento Fluxus, el happening o el arte intermedia.

Historia

Orígenes

La performance es una forma de expresión libre surgida para ser una alternativa de manifestación artística. La
disciplina surgió en 1916 de forma paralela al movimiento dadaísta, acogida bajo el paraguas y el nombre de
arte conceptual, y fue un movimiento capitaneado por Tristan Tzara, uno de los pioneros de la corriente Dada.
Han sido los teóricos de la cultura occidental los que han ubicado los orígenes de la performance a principios
del siglo XX, en los constructivistas rusos, futuristas y dadaístas. Dada fue un importante inspirador gracias a
actuaciones poéticas lejanas a convencionalismos y los artistas futuristas, especialmente algunos futuristas
rusos, podrían identificarse dentro del proceso iniciático de la performance.17 18

Cabaret Voltaire

Placa original del Cabaret Voltaire en

Zúrich

El Cabaret Voltaire en la actualidad en la calle

El Cabaret Voltaire fue fundado en 1916 en Zúrich Spiegelgasse 1 de Zúrich
(Suiza) por la pareja Hugo Ball y Emmy Hennings.
Respondió a fines artísticos y políticos y fue un lugar
donde se experimentaron nuevas tendencias. Ubicado en la planta superior de un teatro, de cuyas serias
exhibiciones se burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaré tenían un perfil claramente
vanguardista y experimental. Fue en los diez metros cuadrados que ocupaba el local donde algunos piensan
que se fundó el Movimiento Dadá.19 Además, los surrealistas, corriente que descendía directamente del
dadaísmo, solían usarlo como lugar de encuentro. Tras una breve existencia, de apenas seis meses, su clausura
fue en el verano de 1916, en la cual se leyó el Manifiesto dadaísta, y albergó las primeras acciones y
performances de los dadaístas, presentaciones híbridas en torno a la poesía, el arte plástico, la música y
acciones repetitivas, que en una visión global conformaban un concepto. Contaban con la participación
además de miembros fundadores como Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara y Sophie Taeuber-
Arp y Jean Arp en eventos no pocas veces provocadores y escandalosos que resultaron fundamentales y base
para la fundación del movimiento de arte anárquico conocido como dadaísmo.20
 El Dadaísmo nació con la clara intencionalidad de destruir cualquier
sistema o código establecido, hasta el momento, en el mundo del
arte.21 Es un pronunciamiento antiartístico, antiliterario y antipoético,
cuestionador de la propia existencia del arte, la literatura y la poesía,
no siendo únicamente una forma de crear, sino de vivir, una ideología
total.22 Se posiciona en contra de la belleza eterna, la eternidad de los
principios, leyes de la lógica y la inmovilidad del pensamiento y
claramente en contra de lo universal. Promueve un cambio,
espontaneidad, inmediatez, contradicción, lo aleatorio, y en defensa
del caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección,
posicionamientos comunes a la idea de performance. Enarbolan la
Inauguración de la primera
exposición Dadá el 5 de junio de
provocación, el anti-arte de protesta y el escándalo, a través de medios
1920 en Berlín.
de expresión, muchas veces irónicos o satíricos. Lo absurdo o carente
de valor y el caos protagonizan sus acciones rupturistas con la forma
artística tradicional.21 22 23 24

Futurismo

El futurismo fue un
movimiento artístico de
vanguardia aparecido en
1909, originado como
movimiento literario, aunque
la mayor parte de sus
exponentes fueron pintores.
En sus comienzos también
abarcaba el campo de la
escultura, fotografía, música
y cine. La Primera Guerra
Mundial puso fin al
movimiento, aunque en Italia
se prolongó hasta los años
30. Uno de los países donde
De izda. a dcha., los futuristas tuvo más influencia fue
Benedikt Lifshits, Nikolái Burluik,
Rusia.25 En 1912 surgieron
Vladímir Mayakovski, David Burliuk Cartel original de la primera función
y Alekséi Kruchónyj. Entre 1912 y
manifiestos como el
Manifiesto de la Escultura de Cabaret Voltaire creado por
1913. Marcel Slodki (1916)
Futurista y de la Arquitectura
Futurista, y en 1913 el
Manifiesto de la Lujuria Futurista ideado por Valentine de Saint-
Point, bailarina, escritora y artista francesa. Así, los futuristas difundían sus teorías mediante encuentros,
reuniones y charlas en espacio públicos, que se acercaban a la idea de una concentración política, poesía,
teatro de variedades anticipándose a la idea de la performance.25 26 27

Bauhaus

La Bauhaus, fundada en Weimar en 1919, incluyó un taller de escénicas experimentales con el fin de explorar
las relaciones entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El Black Mountain College, fundado en Estados
Unidos por instructores de la Bauhaus original en el exilio, exiliados por el Partido Nazi, continuó
incorporando estudios escénicos experimentales dentro de la formación de las artes visuales. Veinte años antes
de los acontecimientos relacionados con la historia de la performance en los años sesenta.28 El nombre
Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau,
construcción, y Haus, casa; irónicamente, a pesar de su nombre y del
hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un
departamento de arquitectura en los primeros años de su
existencia.29 30

Action painting

En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento del action

painting posibilitó a los artistas la libertad de interpretar el lienzo como Escuela Bauhaus en la actualidad
un espacio en el que actuar, convirtiendo así las pinturas en rastros del
proceso de creación del artista en su estudio.31 Según el crítico de
arte Harold Rosenberg, fue uno de los movimientos iniciáticos de la performance junto al expresionismo
abstracto. El action painter por antonomasia es Jackson Pollock, realizando muchas de sus acciones en
vivo.32 A destacar nombres como Willem de Kooning y Franz Kline, con pinturas abstractas y
acción.31 33 34

Nuevo realismo

El Nuevo realismo es otro de los movimientos artísticos citados en los inicios de la performance. Movimiento
de pintura fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, durante la primera
exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El Nuevo realismo fue, junto con Fluxus y otros
grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años 1960. Pierre Restany creo varios
montajes de performance en la Tate Modern entre otros espacios.35 Uno de los máximos exponentes del
movimiento es Yves Klein siendo claro precursor de la performance con piezas conceptuales como Zone de
Sensibilité Picturale Immatérielle (1959-62), Anthropométries (1960), y obras como el fotomontaje Saut dans
le vide.36 37 Todas sus obras tienen conexión con la performance al ser creadas desde una acción en vivo,
siendo conocidas sus obras pintadas a partir de cuerpos de mujeres. Los miembros del grupo veían el mundo
como una imagen, de la que ellos tomarían partes y las incorporarían a su obra. Buscaban unir lo más posible
la vida y el arte.38 39 40

Gutai

Otro de los movimientos anticipadores de la performance, si no formulado explícitamente, fue el grupo

japonés Gutai que realizaban arte de acción o happening. Nació en 1955 en el entorno de la región de Kansai
(Kyōto, Ōsaka, Kōbe). Sus principales miembros fueron Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo
Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka.41 El grupo
Gutai nace de la terrible experiencia de la Segunda Guerra Mundial. Rechazan el consumismo capitalista,
realizando acciones irónicas, con un sentimiento de crispación, con una agresividad latente (ruptura de objetos,
acciones con humo). Influenciaron a grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf
Vostell.41 42 43

Land Art y performance

A finales de la década de 1960, artistas de Land Art tan diversos como Robert Smithson o Dennis Oppenheim
crearon piezas ambientales que predicen el arte performance de la década de 1970. Obras de artistas
conceptuales de principios de los años ochenta, como Sol LeWitt, que convirtió el dibujo mural en un acto de
performance, fueron influenciadas por Yves Klein y también por los artistas de Land Art.44 45 46 El Land art
es una corriente del arte contemporáneo en la que el paisaje y la obra de arte están estrechamente enlazados.
Utiliza a la naturaleza como material (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.) para
intervenir en sí misma. La obra generada es a partir del lugar en el que se interviene, que algunas veces parece
un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde
juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Al incorporar el cuerpo del
artista en proceso de creación de la obra, se relaciona con códigos similes al inicio de la performance.

Retrato a Valentine Portada Retrato a Willem de Instalació Instalación

de Saint-Point en su intervenida de Kooning, pintor de n del de Dennis
espacio de creación la futurista action painting en su grupo Oppenheim
rusa Olga estudio Gutai, en en Hesse,
Rozanova la Bienal Alemania
(1912) de
Venecia
de 2009

Obra de land art de Retrato a Pierre Restany en Suelta de 1001

Robert Smithson una de sus inauguraciones globos azules, la
"sculpture
aérostatique" de
Yves Klein.

Años 1960

En los años sesenta, desde la idea de evolucionar la idea generalizada del arte, con principios similares a los
originarios en el Cabaret Voltaire o en el Futurismo, una variedad de nuevas obras, conceptos y un creciente
número de artistas dieron lugar a nuevos tipos de performance. Surgieron movimientos claramente
diferenciados como el Accionismo vienés, performance de vanguardia en Nueva York, arte procesual, la
evolución del Living Theatre o los happening, pero sobre todo la consolidación de los nombres propios
precursores de la performance.47

Accionismo Vienés
 El término Accionismo
Vienés (Wiener Aktionismus)
comprende un controvertido
y breve movimiento artístico
del siglo XX recordado por lo
violento, grotesco y visual de
sus obras.48 Se enmarca
dentro de la vanguardia
Precursores del Accionismo Vienés
austriaca de la década de
en conversación durante una 1960, con el fin de llevar el
exposición en la Fundación Hermann arte al terreno de la
Nitsch performance, y está
relacionado con el Fluxus y
Body Art. Entre sus máximos
representantes se encuentran Günter Brus, Otto Muehl y Hermann
Nitsch, que desarrollaron la mayor parte de sus actividades accionistas
entre 1960 y 1971. Hermann Nitsch presentó en 1962 su Theatre of Performance de Exploding Plastic
Orgies and Mysteries (Orgien und Mysterien Theater), precursor del Inevitable de Ann Arbor
arte performance, cercano a las artes escénicas.49 50 51

Nueva York y la performance de vanguardia

Durante los primeros años de la década de 1960, la ciudad de Nueva

York acogió muchos movimientos, eventos e interés en torno al arte
performance. Entre otros, Andy Warhol comenzó a crear películas y
videos,52 y a mediados de dicha década patrocinó The Velvet
Underground y escenificó eventos y actuaciones performativas en
Nueva York, como el Exploding Plastic Inevitable (1966), que incluía
música rock en vivo, luces explosivas y películas.53 54 55 56
Exposición con fotografías de The
Velvet Underground y Andy Warhol The Living Theatre
Factory
Indirectamente influyentes
para el ámbito de la
performance, particularmente en Estados Unidos, fueron las nuevas
formas de teatro, encarnadas por San Francisco Mime Troupe y The
Living Theatre y exhibidas en los teatros Off-Off Broadway en el
SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. The Living
Theatre es una compañía de teatro estadounidense, creada en 1947 en
Nueva York. Es el grupo de teatro experimental más antiguo que
The Living Theatre presentando su
existe en Estados Unidos.57 A lo largo de su historia fue liderado por obra The Brig en Myfest 2008 en
sus fundadores, la actriz Judith Malina, que había estudiado teatro con Berlin-Kreuzberg.
Erwin Piscator con quien aprende las teorías de Brecht y de
Meyerhold, y el pintor y poeta Julian Beck; luego de la muerte de
Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en codirector junto con Malina.
Como es uno de los grupos de teatro aleatorio o teatro vivo más antiguos en la actualidad, sirve de modelo al
resto. Concebían el teatro casi como una forma de vida y los actores vivían en comunidad bajo principios
libertarios. Fue una compañía teatral dedicada a la transformación de la organización del poder dentro de una
sociedad autoritaria y de estructura jerárquica hacia una comunidad cooperativa de expresión. The Living
Theatre estuvo de gira principalmente en Europa entre 1963 y 1968, y en Estados Unidos en 1968. Una obra
de esta época, Paradise Now se caracterizó por la participación del público y una escena en la que los actores
recitaban una lista de tabúes sociales que incluían la desnudez, mientras se desnudaban.58

Fluxus

Fluxus, palabra latina que

significa flujo, es un
movimiento artístico de las
artes visuales en especial,
relacionado con música, la
literatura y la danza. Tuvo su
momento más activo entre la
década de los 60 y los 70 del
siglo XX. Se declaró contra Retrato a John Cage realizado en
el objeto artístico tradicional 1988
como mercancía y se
proclamó a sí mismo como
un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente
organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este
movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y
Japón.59 El movimiento Fluxus, más desarrollado en Norteamérica y
Manifiesto de Fluxus. Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la
vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un
uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo
lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales
procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte,
entendido como “arte total“.60 Al igual que Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de
categorización. Según Robert Filliou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado
de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos
cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filliou opone el Fluxus al arte conceptual por
su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a
partir del Ready-made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano, muchas veces
con pequeñas acciones o performances.61

John Cage fue un poeta, artista y músico estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música
electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant
garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores y artistas estadounidenses
más influyentes del siglo XX.62 63 Fue decisivo en el desarrollo del performance dentro del movimiento
fluxus y de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham,
quien fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida.64

Arte Procesual

A mediados de los años 60 surge y se denomina como arte procesual (en inglés, Process art) a un movimiento
artístico, dentro del campo de estudio de la performance, donde el objeto de arte no es el centro de atención
principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda,
clasificación, recopilación, asociación y creación, así como otros conceptos adherentes a la obra, como la
efimeridad de la pieza en sí, las críticas o polémicas de la misma, entendidas como parte de la propia creación.
El arte procesual está preocupado con el «hacer» real; el arte como performance. El arte procesual a menudo
acarrea una motivación inherente, racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o
proceso, más que como el producto acabado.65 66 67
Happening

Un happening permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, sonidos grabados, textos escritos
y hablados, e incluso [Link] Kaprow68 había acuñado el término happening para describir una nueva
forma de arte, a principios de la década de 1960. Una de las primeras obras de Kaprow fue Happenings in the
New York Scene, escrita en 1961.69 En particular, en los happenings of Allan Kaprow el público se convierte
en intérprete. Aunque el público de happenings ha sido bienvenido como intérprete, solo a veces y a menudo
sin darse cuenta se convierten en parte activa de una actuación. Otros artistas que crearon happenings son Jim
Dine, Claes Oldenburg, Robert Whitman y Wolf Vostell: Theater is in the Street (París en 1958).70 71

Nombres propios

Las obras de los artistas de performance después de 1968 mostraron a

menudo influencias de la situación cultural y política acontecida aquel
año. Barbara T. Smith con Ritual Meal (1969) estuvo a la vanguardia
del arte corporal y escénico feminista de los años setenta, que incluía,
entre otros, a Carolee Schneemann y Joan Jonas. Estos, junto con
Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan
Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden y Dennis Oppenheim fueron
los pioneros de la relación entre el arte corporal y la performance, al
igual que el colectivo Zaj en España con Esther Ferrer o Juan
Hidalgo.

Barbara Smith es una artista y activista estadounidense. Es una de las

mayores exponentes afroamericanas del feminismo y del activismo
LGBT en Estados Unidos. A comienzos de los años setenta se
desempeñaba como maestra, escritora y defensora de la corriente del
feminismo negro.72 Ha enseñado en numerosos colegios y
universidades por los últimos cinco años. Los ensayos y artículos de
Retrato a Joseph Beuys y Andy Smith han aparecido en gran cantidad de publicaciones de prestigio,
Warhol en Nápoles incluyendo The New York Times, The Guardian, The Village Voice o
The Nation.73 74 75

Carolee Schneemann76 fue una artista visual estadounidense. La obra de Schneemann es conocida por sus
discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género. Con piezas como Meat Joy (1964) e Interior Scroll
(1975).
77 Schneemann consideró su cuerpo una de las superficies de trabajo.78 Ella se describió como "un pintor
que ha dejado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido".79

Joan Jonas80 es una artista visual estadounidense y pionera en el arte de performance y vídeo. Emergió a
finales de los años sesenta y principios de los setenta.81 Los proyectos de Jonas y sus experimentos
proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del arte de performance en vídeo. Influyó en el arte
conceptual, el teatro, las performances y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y en Nueva
Escocia, Canadá.82 83 Inmersa en la escena artística neoyorquina de los años sesenta, Jonas estudió con la
coreógrafa Trisha Brown durante dos años.84 85

Yoko Ono formó parte del movimiento vanguardista de la década de los 60. Era integrante del movimiento
Fluxus.86 Es conocida por sus performances a finales de los años 60, obras como Cut Piece donde el público
podía intervenir directamente su cuerpo hasta dejarla desnuda.87 Otra de sus piezas más conocidas es su Wall
piece for orchestra (1962).88 89
Joseph Beuys fue un artista alemán que trabajó con varios medios y
técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación
y perteneció al grupo fluxus. En 1962 comenzó sus actividades con el
movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más
significativo. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer
del arte, acercándolo a todos los tipos de público.90 En Cómo
explicar los cuadros a una liebre muerta 1965 se puso miel y pan de
oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que
tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y
escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su
gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como
receptor a un animal.91 Beuys asumía el papel de chamán con
potestad curativa y salvadora de la sociedad que él consideraba
muerta.92 En 1974 llevó a cabo la acción Me gusta América y a
América le gusto yo donde Beuys, un coyote y materiales como Joseph Beuys en un evento en
papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación. Documenta en Kassel
Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos estadounidenses,
símbolo del capitalismo de ese país.93 Poco a poco el coyote y Beuys
se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote. Beuys repite muchos objetos utilizados en
otras obras.94 Objetos que difieren de los ready-made de Marcel Duchamp, no por su naturaleza pobre y
efímera, sino por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y
haberles dejado su huella. Muchos tienen una relación autobiográfica, como la miel o la grasa utilizada por los
tártaros que le salvaron durante la segunda guerra mundial. En 1970 realizó asimismo su Traje de fieltro. En
1970, Joseph Beuys fue profesor de escultura en la Kunstakademie Düsseldorf.95 En 1979, el Museo
Guggenheim de Nueva York exhibió una retrospectiva de su obra desde los años 1940 hasta 1970.96 97 98
 Retrato a Conferencia de Yoko Retrato de Yoko Ono Pieza de video del
Barbara Ono en la Bienal de Brooklyn Museum con
Smith Viena, 2012 entrevista a Carolee
Schneemann

Joan Jonas durante Retrato a la Retrato a Joseph Joseph Beuys

una performance artista Joan Beuys en una en una pieza
documentada en Jonas conferencia- de videoarte
video e instalada, performance, 1978
1972

Nam June Paik fue un artista de performance, compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del
siglo XX. Estudió música e historia del arte en la universidad de Tokio. Más tarde, en 1956, viajó a Alemania,
donde estudió teoría de la música en Múnich, continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo.
Conoció en un seminario en los Cursos de Verano de Música Nueva de Darmstaat a John Cage, quien
influenció profundamente su trabajo.99 Participó en numerosos grupos Happening y Fluxus. Fue compañeros
de Yōko Ono, miembro del movimiento Fluxus.100

Wolf Vostell fue un artista alemán de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó
con varios medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación, el décollage, el videoarte, el
happening y el fluxus.101

Vito Acconci102 103 fue un influyente artista de performance, video e instalación, cuya práctica híbrida
finalmente incluyó escultura, diseño arquitectónico y paisaismo. Su desempeño fundamental en el campo del
videoarte104 se caracterizó por su "inquietud existencial", el exhibicionismo, la incomodidad, la transgresión
y la provocación,103 a menudo involucraban cruzar fronteras tales como el mundo público-privado, lo
consensual-no consensual y el mundo real-artístico .105 106 Se considera que su trabajo ha influido en artistas
como Laurie Anderson, Bruce Nauman y Tracey Emin, entre otros.105 Acconci se interesó inicialmente en la
poesía radical, pero a fines de la década de 1960, comenzó a crear performances influyentes situacionistas en
la calle o para pequeñas audiencias que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus piezas más
famosas fueron "La siguiente pieza" (1969), en la que seleccionó a transeúntes aleatorios en las calles de la
ciudad de Nueva York y los siguió durante todo el tiempo que pudo, y "El Semillero"(1972), en la que se
masturbaba mientras los visitantes, en una planta contigua de la Galería Sonnabend, se acercaban y
escuchaban los sonidos emitidos. 107
Chris Burden era un artista estadounidense que trabajaba con la
performance, la escultura y la Instalación. Burden se hizo conocido en
la década de 1970 por sus obras de arte de performance, incluido
"Shoot" (1971), donde creó una pieza en el que un voluntario le
disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Como artista
prolífico, Burden creó muchas instalaciones conocidas, obras de arte
públicas y esculturas antes de su muerte en 2015.108 109 110 Burden
comenzó a trabajar en performance a principios de la década de 1970.
Hizo una serie de obras controvertidas en las que la idea del peligro
personal como expresión artística era central. Su primer trabajo
significativo, "Five Day Locker Piece" (1971), fue creado para su
tesis de maestría en la Universidad de California,108 e implicó su
encierro en una taquilla por cinco días.111

Dennis Oppenheim fue un artista estadounidense especializado en Instalación de Yayoi Kusama en

performance art,112 land art, escultura y fotógrafia. La práctica Naoshima, Japón
artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento
epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la
definición del arte: un meta-arte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se expandieron con el fin
de enfocarse en el espacio y el contexto. Además de una agenda estética, su obra progresó desde las
percepciones de las propiedades físicas del espacio galerístico hasta el contexto social y político, en gran parte
en forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas dentro una carrera altamente prolífica,
cuya diversidad exasperaba a sus críticos.113

Yayoi Kusama es una artista japonesa. A lo largo de su carrera, ha

trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura,
collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los
cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los
patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop,
el minimalismo y el arte feminista e influenció a sus contemporáneos,
Andy Warhol y Claes Oldenburg.114 Kusama es reconocida
actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido
Instalación performativa del colectivo de Japón y una voz muy importante del arte de vanguardia.115
Zaj en el Museo Reina Sofía, Madrid,
1996 Zaj fue un colectivo de performance de vanguardia español, creado en
1964 por Juan Hidalgo y Ramón Barce, y por el italiano Walter
Marchetti. Su gestación, en Milán, entre 1959 y 1963, tuvo una
importante influencia del neodadaísmo y del zen, así como del pensamiento del compositor estadounidense
John Cage, a quien Juan Hidalgo y Walter Marchetti conocieron en Darmstadt en 1958. También se ha
vinculado la actividad de zaj a la del grupo internacional Fluxus, existiendo evidentes paralelismos y
similitudes. En 1967 se incorporó al grupo la performer Esther Ferrer. Entre 1967 y 1972 el grupo se redujo;
este último año participó en los Encuentros de Pamplona, tras los cuales decidieron realizar sus actividades
fuera de España, debido a las presiones e incomodidades del régimen franquista. Desde ese año, zaj fue de
nuevo un grupo circunscrito a tres personas: Juan Hidalgo, Walter Marchetti, y Esther Ferrer. El grupo
prolongó su existencia y sus actividades hasta 1996, año en que el Museo Reina Sofía realizó una exposición
retrospectiva de su producción.116

Esther Ferrer es una artista interdisciplinar española centrada en la performance y considerada una de las
mejores artistas españolas de su generación.117 En 2008 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de
España y en 2014, el Premio Velázquez de Artes Plásticas que otorga el Ministerio de Cultura.118
 Video-instalación- Video-instalación- Retrato de Retrato de
performance de Nam performance de Nam Wolf Allan
June Paik en 2008 June Paik en Düsseldorf Vostell Kaprow en
realizado 1973
durante
una
performan
ce en
Cáceres,
1980

Vito Acconci Instalación de Instalación de Dennis La artista vasca Esther

durante una video- Vito Acconci en Oppenheim en la Bienal Ferrer durante una
performance en el Centro de Arte de Escultura de performance en San
1973 Contemporáneo Vancouver Sebastián
Luigi Pecci

Años 1970

En los años setenta, los artistas que habían derivado hacia obras
relacionadas con la performance, evolucionan y se consolidan artistas
con la performance como disciplina principal. Derivando hacia
instalaciones creadas a través de la performance, video-performance o
acciones en colectivo o dentro de un contexto socio, histórico y
político.

Video-Performance
Instalación de Bruce Nauman con
A principios de los setenta se consolidó el uso del formato video varias video-performances
dentro de artistas de performance. Por lo que podías encontrar
exposiciones de Joan Jonas o Vito Acconci construidas únicamente
desde el video, detonadas por procesos performativos previos. En esta década se publicaron varios libros,
Expanded Cinema, de Gene Youngblood entre ellos, sobre el uso de los medios de comunicación y el video y
el cine, más concretamente por los artistas de performance. Uno de los artistas principales en el uso de video y
performance, con sus conocidas instalaciones audiovisuales es el
artista surcoreano Nam June Paik, quien a principios de los años
sesenta ya había sido un intérprete de fluxus hasta convertirse en un
artista mediático y evolucionar a las grandes instalaciones compuestas
por audiovisual por las que es reconocido. A tener en cuenta también
la obra de Carolee Schneemann y Robert Whitman de los años
sesenta, en cuanto a su relación con el video-performance. Ambos
pioneros en el arte de la performance, convirtiéndose en una forma de
arte independiente a principios de los años setenta.119

La pareja británica Gilbert and George, ya en 1970, había

documentado sus acciones en vídeo, y creó su actuación de escultura
viva, pintada en oro y cantando Underneath The Arches durante
largos periodos. Joan Jonas comenzó a incluir el vídeo en sus
performances experimentales en 1972, mientras que Bruce Nauman
escenificó sus actuaciones directamente para la grabación de
vídeo.120

Bruce Nauman es artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas,

vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y
extender la cultura a partir de la década de 1960. Sus inquietantes Gilbert and George retratados en
obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del Londres en 2007
proceso de creación.121 Su prioridad es la idea y proceso creativo
sobre el resultado final, su arte recurre a la utilización de una increíble
variedad de materiales, y en especial a su propio cuerpo. Uno de los más innovadores y provocadores artistas
contemporáneos estadounidenses.122 123

Gilbert and George (o Gilbert & George) es una pareja de artistas británicos compuesta por el artista italiano
Gilbert Proesch y el artista inglés George Passmore, que han desarrollado su labor dentro del arte conceptual,
la performance y el body art, siendo conocidos principalmente por ejercer de «esculturas vivientes».124 125
Una de sus primeras realizaciones fue The Singing Sculpture (La escultura que canta, 1969), en la que la
pareja de artistas bailaban y cantaban Underneath the Arches, un éxito musical de los años 1930. Desde
entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas vivas, convirtiéndose a sí mismos en obras de
arte, expuestas durante diversos intervalos de tiempo a la contemplación del público. Por lo general suelen
aparecer impecablemente vestidos con traje y corbata, adoptando diversas posturas en las que permanecen
inmóviles, aunque a veces también se mueven o leen algún texto, y en ocasiones aparecen en montajes o
instalaciones de diversa índole.126 Además de su faceta «escultórica», Gilbert and George también realizan
obras pictóricas, collages y fotomontajes, donde a menudo se representan a sí mismos, junto a diversos
elementos de su entorno más inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte componente
reivindicativo, donde abordan temas como el sexo, la raza, la muerte y el sida, la religión o la política,127
criticando a menudo al gobierno británico y el poder establecido. En ese sentido, su serie más prolífica y
ambiciosa ha sido Jack Freak Pictures, donde tienen una presencia constante los colores rojo, blanco y azul de
la bandera británica. Gilbert and George han realizado exposiciones en algunos de los mejores museos y
galerías del mundo, como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de
Londres (1987), la Tate Modern (2007), etc. Han participado diversas ocasiones en la Documenta de Kassel
(nos 5, 6 y 7), y en 2005 representaron a su país en la Bienal de Venecia. en 1986 fueron ganadores del Premio
Turner.128

Performance desde el contexto político

A mediados de los setenta, detrás del telón de acero, en capitales de Europa del Este como Budapest,
Cracovia, Belgrado, Zagreb, Novi Sad y otras ciudades, artes escénicas de contenido más experimental iban
floreciendo. Contra el control político y social, surgieron diferentes artistas que realizaban performance de
contenido crítico. A destacar la serie de performances de Orshi Drozdik, titulada Individual Mythology
1975/77 y el NudeModel 1976/77. Todas sus acciones eran críticas del discurso patriarcal del arte y del
programa de emancipación forzado y construido por el estado igualmente patriarcal.129 Drozdik mostró un
punto de vista pionero y feminista sobre ambos, siendo una de las precursoras de este tipo de arte crítico
feminista en Europa del Este.130 En los años setenta, el arte de la performance, debido a su relativa
fugacidad, tenía una presencia bastante sólida en las vanguardias de los países del bloque oriental,
especialmente Polonia y Yugoslavia, donde surgieron decenas de artistas que exploraban el cuerpo siempre de
forma crítica y conceptual.

Performance de resistencia

La performance de resistencia profundiza en el trance, el dolor, la

soledad, la privación de libertad, el aislamiento o el agotamiento.131
Algunas de las obras fundamentadas en el largo paso del tiempo,
también conocidas como performances de larga duración.132 Uno de
los artistas precursores es Chris Burden en California desde los años
1970.133 En una de las obras más conocidas Cinco Días en una
Taquilla (1971) permanecía encerrado durante cinco días en un
Celda donde Tehching Hsieh realizó
su obra de arte de resistencia, la
taquilla escolar, en Brote (1971) fue disparado con un arma de fuego,
pieza se encuentra en la colección y habitó durante veintidós días en una cama dentro de una galería de
del Museo de Arte Moderno de arte en Pieza de Cama (1972).134 Otro ejemplo de artista de
Nueva York resistencia es Tehching Hsieh. Durante una performance creada en
1980–1981 (La Pieza de Reloj del Tiempo), donde permaneció un
año completo repitiendo la misma acción alrededor de un reloj
metafórico, Hsieh además es conocido por sus performance en torno a la privación de libertad, permaneciendo
más de un año confinado.135 En La Casa con la Vista al Océano (2003), Marina Abramović vivió
silenciosamente durante doce días sin alimentación.136 Los Nueve Confinamientos o La Privación de
Libertad es un obra conceptual, de arte de resistencia y performativa de contenido crítico y biográfico creada
por el artista Abel Azcona. Secuencia de performance realizadas entre los años 2013 y 2016. Todas ellas con
el nexo en común de la privación de libertad. En el año 2013 Azcona realizó las primeras performance bajo el
nombre Encierro en Busca de la Identidad. En el primer encierro el artista debía permanecer sesenta días,137
en un espacio construido en el interior de una galería de arte madrileña, con escasos recursos alimenticios y en
oscuridad total. El encierro fue interrumpido a los cuarenta y dos días138 por motivos de salud.139 140 El
artista crea estas obras como reflexión e interrupción discursiva de su propia enfermedad mental, siendo uno de
los temas recurrentes en la obra de Azcona.141

The Other

A mediados de 1976, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en la ciudad de Ámsterdam.
Cuando Abramović y Ulay142 comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron
el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo.143 144 Ambos
artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los
ritos.145 En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y
se comportaron como uno sólo, y crearon una relación de completa confianza. Idearon una serie de trabajos en
que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space
(Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías
masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo).146 Relation in
Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja
conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un
líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura,
y cada vuelta representaba un año.147 Después de esto, idearon
Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e
inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno
disponible. Exactamente 17 min después del inicio de la performance
ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron
de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del Ulay y Marina Abramović, colectivo
individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y The Other en una de sus obras
destruyéndola. En 1988, tras varios años de tensa relación,
Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin
al colectivo. Ambos caminarían por la Gran Muralla China,148 comenzando cada uno por los extremos
opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo
que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.149
Cada uno de ellos caminó por uno de los extremos de la Gran Muralla China y se reunieron en el centro. Ulay
partió del desierto de Gobi y Abramovic en el Mar Amarillo. Cada uno de ellos caminó 2500 kilómetros, se
encontraron en el centro y se dijeron adiós.150

Nombres propios

En 1973, Laurie Anderson interpretó Duets on Ice en las calles de Nueva York. Marina Abramović, en la
performance Rhythm 10, incluyó conceptualmente la violación de su cuerpo.151 Treinta años después, el tema
de la violación, la vergüenza y la explotación sexual sería reimaginado en las obras contemporáneas de artistas
como Clifford Owens,152 Gillian Walsh, Pat Oleszko y Rebecca Patek, entre otros.153 Nuevos artistas con
actuaciones radicales se consolidan como precursores principales de la performance, como Chris Burden, con
la obra de 1971 Shoot, en la que un asistente le disparó en el brazo izquierdo desde una distancia de unos
cinco metros, y Vito Acconci en el mismo año con Seedbed. La obra de Carolee Schneemann en 1963, Eye
Body, ya había sido considerada un prototipo de arte performance. En 1975, Schneemann recurrió a
innovadoras actuaciones en solitario, como Interior Scroll, que mostraban el cuerpo femenino como medio
artístico.

Uno de los principales nombres propios fue Gina Pane154 , artista francesa de origen italiano. Estudió en la
École des Beaux-Arts en París de 1960 a 1965155 y fue miembro del movimiento de la performance en la
década de 1970 en Francia, llamado "Art Corporel".156 Paralelo a su arte, Pane enseñó en la Ecole des
Beaux-Arts en Mans de 1975 a 1990 y dirigió un atelier dedicado a la performance en el Centre Pompidou de
1978 a 1979.156 Una de sus obras más reconocidas esThe Conditioning (1973), en el que se la acuesta sobre
un somier de metal sobre un área de velas encendidas. The Conditioning fue recreado como homenaje por
Marina Abramović, parte de sus Seven Easy Pieces(2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva
York en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, distinguiéndola de la
mayoría de las otros artistas de cuerpo femenino de la década de 1970. A través de la violencia de cortar su
piel con cuchillas o apagar incendios con sus manos y pies desnudos, Pane tenía la intención de incitar una
"experiencia real" en el espectador, quien se sentiría conmovido por su incomodidad.154 La naturaleza
impactante de estas primeras performance o acciones, como ella prefería llamarlas, a menudo eclipsó su
prolífica práctica fotográfica y escultórica. Sin embargo, el cuerpo era la preocupación central en todo el
trabajo de Pane, ya sea literal o conceptualmente.
 Retrato a Exposición de las Instalación de INstalación lumínica
Ulay en primeras obras de Bruce Nauman de Chris Burden a la
1972 Marina Abramović en Alemania entrada del museo
en Estocolmo LACMA de Los
Ángeles

Videoinstalación de Videoinst Gilbert and George Orshi Drozdik en

Nam June Paik alación de en una una de sus
Nam June presentación exposiciones
Paik

Años 1980

La técnica en la performance

Hasta la década de 1980, el arte de la performance había desmitificado el virtuosismo, siento una de las claves.
Sin embargo a partir de los ochenta, empezó a adoptar una clara brillantez técnica.157 En referencia a la obra
Presence and Resistance158 de Philip Auslander, la crítica de danza Sally Banes escribe: «....a finales de los
años ochenta, el arte performance se había vuelto tan conocido que ya no necesitaba ser definido; la cultura de
masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar tanto la estructura como el tema para gran
parte del arte performance; y varios artistas de la performance, incluyendo a Laurie Anderson, Spalding Gray,
Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, se habían convertido en artistas polifacéticos en el mundo del
entretenimiento».159 Es en esta década donde se definen unos parámetros y tecnicismos construidos con el fin
de depurar y perfeccionar la performance.

Crítica e investigación de la performance

A pesar de que muchas de las performance se realizan dentro del círculo de un pequeño grupo o colectivo
cerrado del mundo del arte, RoseLee Goldberg destaca en Performance Art: From Futurism to the Present
que «la performance ha sido una forma de atraer directamente a un gran público, además de escandalizar al
público para que reconsidere sus propias nociones del arte y su relación con la cultura. Por el contrario, el
interés del público por el medio, especialmente en los años ochenta, surge de un aparente deseo de ese público
de acceder al mundo del arte, de ser espectador de su ritual y de su distinta comunidad, y de ser sorprendido
 por las
presentaciones
inesperadas,
siempre poco
ortodoxas, que
idean los
artistas». Es en
esta década
La crítica y experta en performance donde surgen
RoseLee Goldberg durante un publicaciones y
simposio en Moscú recopilaciones
sobre el arte de Exposición de Tehching Hsieh en el Museo de Arte
performance y Moderno de Nueva York donde el artista realizaba
sus artistas más reconocidos. un autorretrato diario

Performance desde el contexto político

Nuevamente en los ochenta, el contexto político juega un papel clave en el desarrollo artístico y más
concretamente en la performance, al ser casi todas ellas obras surgidas desde el discurso crítico y político.
Hasta el declive del bloque oriental europeo a finales de los años ochenta, el arte de la performance había sido
rechazado activamente por la mayoría de los gobiernos. Con la excepción de Polonia y Yugoslavia, en otros
países de Europa del Este, estaba más o menos prohibido o muy controlado al ser países donde se temía
cualquier evento público independiente. En la República Democrática Alemana, Checoslovaquia, Hungría y
Letonia se realizaban performances de forma privada en apartamentos, en reuniones aparentemente
espontáneas, en estudios de artistas, en lugares controlados por la iglesia, o cubierto como otra actividad, como
por ejemplo una sesión fotográfica. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes escenarios fue
considerado como una protesta lúdica, utilizando metáforas subversivas corporales o mediante la palabra para
expresar su desacuerdo con la situación política.160 Entre las performances más notables de contenido
político en el mundo del arte de esta década se encuentran las obras de Tehching Hsieh entre julio de 1983 y
julio de 1984, Art/Life: One Year Performance (Rope Piece).

Performance poética

En 1982 se empezó a utilizar de forma conjunta términos como poesía y performance. La poesía en
performance surge para distinguir interpretaciones vocales basadas en la palabra de las interpretaciones
artísticas, especialmente de las obras de artistas de interpretación escénica o musical, como Laurie Anderson.
Los poetas de performance se basaban más en la expresión retórica y filosófica de su poética que los artistas
de performance, que surgieron de los géneros de las artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas
desde John Cage, a Esther Ferrer en España fusionan la performance con una base poética.

Performance feminista

Desde 1973, el Feminist Studio Workshop en el Woman's Building de Los Ángeles tuvo un impacto en la ola
de actuaciones con trasfondo feminista, pero hasta la década de los 80 la fusión no fue total. La conjunción
entre el feminismo y la performance, en la última década del siglo XX, ha sido amplia. En las dos primeras
décadas de desarrollo de la performance se crearon obras que en lecturas y críticas actuales han sido
entendidas como feministas. No obstante hasta 1980 las artistas se autodefinieron de esta forma. Se formaron
grupos de artistas donde destacaban las mujeres influidas tanto por el movimiento estudiantil de 1968 como
por el movimiento feminista.161 Esta conexión ha sido tratada en las investigaciones de historia del arte
contemporáneo. Algunas de las mujeres que más aportaron de manera innovadora en representaciones o
 espectáculos
fueron Pina
Bausch, en 1985
surgieron las
Guerrilla Girls
en Nueva
York. 162
Colectivo
artístico anónimo
de artistas
feministas y

Retrato a Pina Bausch, 1985

Retrato de Linda Benglis realizado en
1974
antirracistas.163 164 165 166 Se denominó así por usar en su
activismo tácticas de guerrilla entendida como guerrilla de
comunicación 163 para denunciar la discriminación de las mujeres en el arte a través de obras políticas y de
performance.167 168 169 170 Su primera performance fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en
museos y galerías de Nueva York, para denunciar que algunos grupos de personas eran discriminados por
motivos de género y raza principalmente.171 Todo esto lo hicieron de forma anónima, de hecho, en todas y
cada una de estas apariciones, cubrieron sus rostros con máscaras de gorila (esto se debía a que la
pronunciación inglesa de gorila es muy parecida a la de guerrilla) y, además de eso, utilizaban como
sobrenombre el nombre de artistas mujeres ya fallecidas.172

De los setenta a los ochenta, entre las opciones que retan al sistema y sus estrategias habituales de
representación, son las protagonizadas por cuerpos de mujer. Las acciones en la ciudad de Nueva York de Ana
Mendieta donde el cuerpo es violentado y maltratado o las representaciones artistísticas desde un discurso más
minimalista que surgen desde los finales de los setenta y ochenta de Louise Bourgeois. Mención especial obras
creadas a partir de la corporeidad femenina y feminista de artistas como Lynda Benglis y sus acciones
performativas fálicas. Reconstruyendo la imagen femenina para no ser únicamente fragmentaria o fetichista.
Así mediante las performances feministas el cuerpo pasa a ser un espacio de conformación de todos estos
nuevos discursos y significados donde las mueres llegan hasta las más extremas consecuencias, como la artista
Eleanor Antin, creadora que en los 70 y 80, trabaja en la línea de revisión de género, raza y clase. Cindy
Sherman, en sus primeras obras en los 70 y ya en su madurez artística en los 80, continua la línea crítica de
trastocar el yo impuesto y el relato usual y hacerlo desde el cuerpo como objeto de privilegio.

Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Una de las mayores representantes de la fotografía
de posguerra, exhibió más de tres décadas de su trabajo en el MoMA de Nueva York. A pesar de que en la
mayoría de sus fotografías performativas aparece ella misma, no las considera autorretratos. Sherman se utiliza
a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el
papel de la mujer o el papel del artista. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado
difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de
comunicación y la naturaleza de la creación del arte. En 2020 fue galardonada con el Premio de la Fundación
Wolf de las Artes.173

Judy Chicago es una artista y pionera del arte feminista y de performance estadounidense. Chicago es
conocida por sus grandes piezas de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación,
que examinan el papel de las mujeres en la historia y cultura. En los 1970’s, Chicago había fundado el primer
programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de
habilidades artísticas, como la costura, contrarrestada con
habilidades que requieren mucha mano de obra, como
soldadura y pirotecnia. El trabajo más conocido de
Chicago es The Dinner Party, que se instala
permanentemente en el Elizabeth A. Sackler Center for
Feminist Art en el Brooklyn Museum. The Dinner Party
celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y
es ampliamente considerada como la primera obra de arte
épica feminista. Otros proyectos notables de arte de
Chicago incluyen International Honor Quilt, The Birth
Project,174 Powerplay,175 y The Holocaust Project.176
Exposición de Cindy Sherman en Estados Unidos

Estudiantes en Las Guerrilla Girls en una Obras del grupo

exposición de Martha inauguración en Londres 'Guerrilla Girls' en
Rosler exposición en el
Museum of Modern Art
(MoMA), Manhattan,
Nueva York

Exposición de las INstalación de Louise Escultura Retrato de

Guerrilla Girls Bourgeois en un museo de Louise Judy
brasileño Bourgeois Chicago
en el
Museo
Reina
Sofia

Expansión a Latinoamérica

En esta década el arte performance se fue extendiendo hasta llegar a Latinoamérica a través de los talleres que
ofrecían las universidades o programas desarrollados por instituciones académicas. Principalmente se
desarrolló en México, en Colombia —con artistas como Maria Teresa Hincapié—, en Brasil y en
Argentina.177
Ana Mendieta fue una artista conceptual y de performance nacida en
Cuba y criada en Estados Unidos. Es especialmente reconocida por
sus obras de arte y performances en el marco del land art. El trabajo
de Mendieta era conocido sobre todo en el entorno de la crítica de arte
feminista. Años después de su muerte, especialmente a partir de una
retrospectiva del Museo Whitney de Arte Estadounidense en 2004178
y la retrospectiva en la Galería Haywart en Londres en 2013179 es
considerada pionera de la performance y de otras prácticas asociadas Mujeres interactuando en la obra
con el arte corporal, el arte terrestre, la escultura y la fotografía.163 Escuchando los sonidos de la
Ella misma describió su trabajo como earth-body art.180 181 muerte de Teresa Margolles en el
Museo de la Memoria y la Tolerancia
Tania Bruguera es una artista cubana especializada en performance y de Ciudad de México
arte político. Su obra se centra en su interpretación de temas políticos
y sociales.182 Para definir sus prácticas artísticas ha desarrollado
conceptos como el «arte de conducta» con foco en los límites del lenguaje y del cuerpo confrontados a la
reacción y comportamiento de los espectadores, asimismo propone un «arte útil» que haga una transformación
real a ciertos aspectos políticos y legales de la sociedad. El trabajo de Bruguera revuelve alrededor de temas de
poder y control y mucho de su trabajo interroga el contexto presente en su país natal, Cuba. En 2002 creó la
Cátedra Arte de Conducta en La Habana.183 184 185

Regina José Galindo es una artista guatemalteca especializada en

performance. Su obra se caracteriza por su explícito contenido
político y crítico, empleando su propio cuerpo como herramienta de
confrontación y transformación social.186 Su trayectoria artística está
marcada por el conflicto armado de Guatemala que tuvo lugar entre
1960 y 1996 y que provocó un genocidio con más de 200 mil
víctimas, muchas de ellas indígenas, campesinos y mujeres y
niñas.177 Con su obra, Galindo denuncia la violencia, el machismo
(uno de sus principales temas es el feminicidio), el canon de belleza
occidental, la represión de los estados, y el abuso de poder,
especialmente en el contexto de su país aunque su lenguaje traspasa
fronteras. Desde el primer momento, utilizó sólo su cuerpo, que en
ocasiones lleva a situaciones extremas (como en el caso de
"Himenoplastia" (2004) donde se somete a una reconstrucción del
himen, pieza ganadora del León de Oro en la Bienal de Venecia), para
posteriormente contar con personas voluntarias o contratadas que
interactúan con ella, con lo que pierde el control sobre la acción.187

Teresa Margolles es una artista conceptual especializada en

La artista argentina Marta Minujín performance. Su obra artística se centra en explorar las causas sociales
durante una performance
y consecuencias de la muerte denunciando la violencia que azota
México con el objetivo de posicionar la situación de violencia en el
debate público. De 1990 a 2007 trabaja en las morgues. A partir del
aumento de asesinatos en 2006 empieza a trabajar en las calles recogiendo los materiales con los que trabajaba
de los cadáveres que se encuentran en el espacio público. La muerte forma parte en ese momento de la vida
cotidiana de las personas y tiene consecuencias directas en las familias, la comunidad y en la propia vida de las
ciudades.188 189 190 191

Marta Minujín es una artista plástica argentina, conocida por sus obras vanguardistas producidas
principalmente durante los años 1960, 1970 y 1980. Su obra, de carácter conceptual, pop, psicodélico y de
acción, entran en la generación baby boomer que, en los años 1960, revolucionó las normas sociales
preestablecidas y estableció una contracultura.192 193
Mónica Mayer es una artista mexicana feminista que se dedica a los
campos de la performance, la gráfica digital, el dibujo, la fotografía y
la teoría del arte.194 Como artista conceptual, comisaria, crítica y
teórica del arte participa en varios foros y grupos, y organiza talleres y
acciones colectivas.195 196 197 Mayer hace uso frecuente del
performance como puesta en escena artística, y de obra participativa
como estrategia estética y política. Además tiene una amplia
producción bidimensional a lo largo de su carrera que privilegia las
técnicas de dibujo y collage.198 La idea de hacer visibles los
problemas que se generan en la vida cotidiana de las mujeres tiene
gran impacto en el trabajo de Mónica, que no sólo es precursora del Instalación de Anna Maria Maiolino
en documenta 13
arte feminista en México, sino también lo es en América Latina.199

Anna Maria Maiolino es una artista brasileña especializada en

performance.200 Maiolino nació en Scalea, en Calabria en el sur de Italia, de padre italiano y madre
ecuatoriana. En 1954, emigró con su familia a Venezuela.201 202 En 1960, Ella y su familia se mudaron a Río
de Janeiro, Brasil. Allí, recibió formación especializada en la Escuela Nacional de Bellas Artes177 desde
entonces es una de las más reconocidas artistas de performance en Brasil.

Lygia Clark fue una artista brasileña, co-fundadora del Movimiento Neoconcreto, comprometida con redefinir
la relación entre el arte y el ser humano a nivel conceptual y sensorial. Realizó pinturas, esculturas y acciones
sensoriales vinculadas al arte y a la psicoterapia. Muy vinculada al arte de performance.203 204 205

Lorena Wolffer es una artista y activista cultural mexicana.206 207 En su carrera ha implementado y
desarrollado la temática de género, específicamente los derechos y la voz de la mujer en el arte. Su obra en
general es de denuncia y una muestra para concientizar sobre la situación real, por lo que aborda la violencia
de género, los estereotipos femeninos y los prejuicios sociales.208 209
 Retrato a la Exposición de la Retrato a la Obra de Retrato a Retrato a la
artista artista cubana Ana artista la artista la artista artista
cubana Mendieta en el Museu cubana cubana guatemalte argentina
Ana Coleção Berardo Tania Tania ca Regina Marta
Mendieta Bruguera Bruguer José Minujín
a en el Galindo
Museo
de
Bellas
Artes de
Houston

La artista argentina Instalación Retrato a Reactivación de la obra de

Marta Minujín durante de Marta la artista Mónica Mayer en el Museo
una performance Minujín mexicana Universitario de la Ciudad de
Mónica México
Mayer

Retrato a la Retrato a
artista la artista
brasileña Lygia mexicana
Clark Lorena
Wolffer

Años 1990
La década de los noventa es un momento de ausencia en la performance europea clásica, por lo que muchos
artistas especializados en este arte permanecen en un perfil bajo, sin embargo de gran auge en Europa del Este.
Por otro lado la performance latinoamericana continua en auge, así como la performance de contenido
feminista. A tener en cuenta el gran apogeo de la disciplina en países asiáticos, ya motivados desde los
orígenes de la danza Butō en los cincuenta, pero en esta década se profesionalizan y surgen nuevos artistas
chinos con gran reconocimiento. La profesionalización también se observa con un gran incremento de
exposiciones dedicadas al performance y la apertura de la Bienal de Arte de Venecia a la performance, donde
desde entonces varios artistas de esta disciplina han ganado el León de Oro como Anne Imhof, Regina José
Galindo o Santiago Sierra.

Performance desde el
contexto político

Mientras el bloque soviético

se disolvía, algunas
performances prohibidas
empezaron a expandirse.
Jóvenes artistas de todo el
Performance en el Pabellón de Exposición del artista chino Tehching
antiguo bloque del Este,
Rumania en la Bienal de Venecia Hsieh con documentación de sus
incluida Rusia, se volcaron
primeras performances
en la performance. Las artes
escénicas aparecieron más o
menos al mismo tiempo y se reforzaron en Cuba, el Caribe y China.
«En estos contextos, la performance se convirtió en una nueva voz
crítica con una fuerza social similar a la de Europa Occidental,
Estados Unidos y Sudamérica en los años sesenta y principios de los
setenta. Debe enfatizarse que la erupción del arte performance en la
década de 1990 en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros
lugares nunca debe ser considerada secundaria o imitativa de
Occidente».210
Museo y centro especializado en
Profesionalización de la performance arte de performance en Taitung
University
En el mundo occidental, en la década de 1990, la performance se
incorpora en parte de la corriente cultural dominante. Así diferentes
obras de performance, en vivo, en fotografía o mediante documentación empiezan a ser parte galerías y
museos entendiendo la performance como forma artística, siendo admitida en los museos de arte y
convirtiéndose en un tema museístico.211 No obstante hasta la siguiente década se produce una mayor
institucionalización, incorporando piezas performativas a todas las colecciones museísticas e incluso dedicando
grandes exposiciones y retrospectivas en los museos más importante como la Tate Modern en Londres, el
MoMA en Nueva York o el Centro Pompidou en Paris. A partir de 1990 se incrementó notablemente la
invitación de artistas relacionados con la performance en importantes bienales de arte como la Bienal de
Venecia, la Bienal de Sao Paulo y la Bienal de Lyon.

Performance en China

A finales de 1990 se reconoció la importancia del arte contemporáneo y de la performance china a nivel
internacional, al ser incluidos 19 artistas chinos en la Bienal de Venecia.212 213 El arte performance en China
y su historia ha crecido desde 1970 debido al interés entre arte, proceso y tradición de la cultura china, pero
siendo conocido y con gran auge a partir de los 90.214 215 En China es parte de la educación en bellas artes y
cada vez es más popular.216 217 A principios de la década de 1990, el arte performance chino ya era
aclamado en la escena artística internacional.218 219 220

Performanc Performance en la Performa Instalació Videoinstalación con el

e en la Bienal de Lyon nce en la n artista chino Ai Weiwei
Bienal de entrada performati
Lyon del va de
Pabellón Joseph
de Beuys en
Rumania la Tate
en la Modern
Bienal de de
Venecia Londres

Exposición de Pabellón de China en la Retrato de Liu Xiaodong durante

Tehching Hsieh en el Bienal de Venecia Wang Xiao- una performance
centro de Nueva York shuai

Desde los años 2000

Performance New Media

A finales de la década de 1990 y hasta la década de 2000, varios artistas incorporaron tecnologías como el
vídeo digital, la red, cámaras web, redes sociales y otros medios de transmisión digital en sus obras de arte
performance.221 Artistas como Coco Fusco, Shu Lea Cheang y Prema Murthy, produjeron performances
que llamaron la atención sobre el papel del género, la raza, el colonialismo y el cuerpo en relación con
internet.222 Otros artistas, como Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theater y Yes Men, utilizaron
tecnologías digitales asociadas con el hacktivismo y el intervencionismo para plantear cuestiones políticas
relativas a las nuevas formas de capitalismo y consumismo.223

En la segunda mitad de la década comenzaron a desarrollarse obras de performance asistida por

ordenador.224 Muchas de estas obras condujeron al desarrollo del arte algorítmico, el arte generativo y el arte
robótico, en el que el propio ordenador, o un robot controlado por ordenador, se convierte en el intérprete.225
Coco Fusco es una artista interdisciplinaria, escritora y
curadora cubano-americana que vive y trabaja en Estados
Unidos. Comenzó su carrera artística en 1988. Dentro de
su obra, explora temas que se relacionan con la identidad,
raza, género y poder a través del peformance. También
realiza videos, instalaciones interactivas y escritura
crítica.226 227

Performance relacionada con new media

desarrollada en 2009

Performance radical

Durante la primera y segunda década de los años 2000,

varios artistas son perseguidos, judicializados, detenidos
o apresados por sus obras de contenido político. Artistas
como Pussy Riot, Tania Bruguera, Piotr Pavlenski o
Piotr Pavlenski cortándose una oreja en una Abel Azcona son juzgados por diferentes acciones
acción política en la Plaza Roja de Moscú artísticas creadas desde la intencionalidad de denuncia y
visibilización.228

El 21 de febrero de 2012, como parte de su protesta

contra la reelección de Vladímir Putin, varias mujeres del
colectivo artístico Pussy Riot entraron en la Catedral de
Cristo Salvador de Moscú de la Iglesia ortodoxa rusa.
Realizaron la señal de la cruz, reverencia ante el altar, y
empezaron a interpretar una performance compuesta por
una canción y una danza bajo el lema Madre de Dios,
¡Fuera Putin!. El 3 de marzo del mismo año fueron
detenidas.229 El 3 de marzo de 2012, María Aliójina y
Nadezhda Tolokónnikova, dos miembros de Pussy Riot,
fueron arrestadas por las autoridades rusas y acusadas de
Protesta para la liberación de las Pussy Riot
vandalismo. Al principio, ambas negaron ser miembros
del grupo e iniciaron una huelga de hambre en protesta
por ser encarceladas y apartadas de sus hijos hasta el
inicio del juicio en abril.230 El 16 de marzo otra mujer,
Yekaterina Samutsévitch, que había sido antes
interrogada como testigo del caso, fue igualmente
arrestada y acusada.231 El 4 de julio se presentaron
contra el grupo cargos formales y un escrito de acusación
de 2800 páginas.232 Ese mismo día se les notificó que
tenían de plazo para preparar su defensa hasta el 9 de
julio. En respuesta, anunciaron una huelga de hambre
alegando que dos días laborables era un plazo de tiempo
inapropiado para preparar su defensa.233 El 21 de julio
Pussy Riot dialogando durante una performance el tribunal amplió su prisión preventiva durante seis
con Tania Bruguera meses más.234 Las tres miembros detenidas de Pussy
Riot son reconocidas como presas políticas por la Union
 of Solidarity with Political Prisoners.235 Amnistía
Internacional las considera presas de conciencia por «la
severidad de la respuesta de las autoridades rusas».236

Desde el año 2012, el artista Abel Azcona es perseguido

por varias de sus obras. La demanda y detención del
artista con mayor repercusión fue llevada a cabo por la
Archidiócesis de Pamplona y Tudela,237 en
representación de la Iglesia Católica. 238 La Iglesia
Católica demandó a Azcona ante el Tribunal por los
delitos de profanación y blasfemia, el delito de odio y
Marina Abramović interpretando The Artist Is ataque contra la libertad y los sentimientos religiosos por
Present, Museo de Arte Moderno, Nueva York, la obra Amén o La Pederastia239 238 240 Las tres
2010 primeras demandas fueron ganadas por Azcona, con
archivo de las querellas,241 242 pero fue demandado y
perseguido en numerosas ocasiones más durante diez
años. En las últimas demandas de la Iglesia Católica, Azcona decidió declararse en desobediencia,243 y los
denunciantes incluyeron el delito de obstrucción a la justicia en sus querellas.244 245 246 247 248 En el año
2016, Azcona es denunciado por enaltecimiento del terrorismo249 250 en el marco de su exposición
Naturaleza Muerta,251 donde el artista recreaba en forma de esculturas, performance e Instalaciones
hiperrealistas situaciones reales e históricas de violencia de temáticas diversas, memoria histórica, terrorismo o
conflictos bélicos.252 Dos años después, en 2018 es denunciado por la Fundación Francisco Franco por
exponer una instalación compuesta por doce documentos que formaban un peritaje de detonación, firmado por
un arquitecto, del Monumento del Valle de los Caídos. También es criticado por el Estado de Israel por la obra
La Vergüenza, donde el artista instaló fragmentos del Muro de Berlín a lo largo del Muro de Cisjordania, en
una instalación performativa crítica. El mismo año representó a España en la Bienal de Arte de Asia en Daca,
capital de Bangladés. Azcona instaló sillas de madera en el Pabellón con niños de las calles de Daca en
situación de desamparo. Su performance fue interrumpida y cancelada antes de tiempo por las protestas de la
organización y los asistentes, contrarios a la imagen que el Pabellón de Azcona proyectaba sobre la Bienal y el
país.

En diciembre de 2014 Tania Bruguera fue detenida en La Habana para evitar que realizara nuevas obras
reivindicativas. Sus performances le han valido duras críticas, incluso ha sido acusada de promover resistencia
y desorden público.253 254 En diciembre de 2015 y enero del 2016, Bruguera estuvo detenida por haber
organizado un performance público en la Plaza de la Revolución de La Habana. Fue detenida con otros
artistas, activistas y periodistas cubanos que participaron en la campaña Yo También Exijo, la cual se creó
luego de las declaraciones de Raúl Castro y Barack Obama a favor de restaurar relaciones diplomáticas.
Durante el performance El Susurro de Tatlin #6 puso un micrófono y parlantes en la Plaza de la Revolución
para que los cubanos pudieran expresar sus sentimientos con respecto a este nuevo clima político. El evento
tuvo alta repercusión el los medios a nivel internacional, incluyendo una presentación del Susurro de Tatlin #6
en Times Square, y una acción donde varios artistas e intelectuales se expresaron a favor de la liberación de
Bruguera enviando una carta abierta a Raúl Castro firmada por miles de personas alrededor del mundo
pidiendo que la devolución de su pasaporte y reclamando la injusticia penal, ya que ella simplemente le dio un
micrófono a la gente para que diera su opinión.255 256 257 258 259

En noviembre de 2015 y octubre de 2017 Piotr Pavlenski fue detenido por realizar una performance radical
consistente en incendiar, en primer lugar la entrada del Edificio Lubianka, sede del Servicio Federal de
Seguridad de Rusia, y en segundo lugar una sucursal del Banco Nacional de Francia.260 En ambas ocasiones
roció la puerta principal con gasolina, en la segunda performance también el interior, y le prendió fuego con
un mechero. Las puertas del edificio se quemaron parcialmente. En ambas acciones Pavlenski fue detenido
después sin resistencia, y acusado de libertinaje. Unas cuantas horas después de las acciones, aparecieron
videos en internet con una reivindicación artística y política.261

Institucionalización del arte performance

Desde los años 2000, grandes museos, instituciones y

colecciones apuestan por el arte performance. Desde
enero de 2003, la Tate Modern de Londres tiene un
programa de arte y performance.262 Con exposiciones
de artistas como Tania Bruguera o Anne Imhof.263 En
2012 se inauguraron The Tanks at Tate Modern: los
primeros espacios dedicados a la performance, el cine y
la instalación en un importante museo de arte moderno y
contemporáneo.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York realizó una Fachada del Museo Guggenheim Bilbao con la
importante muestra retrospectiva de la obra de la artista imagen de la exposición retrospectiva dedicada a
serbia Marina Abramović, la mayor exposición de arte Yoko Ono
performance de la historia del MoMA, del 14 de marzo
al 31 de mayo de 2010.264 265 La exposición estaba
conformada por más de veinte piezas de la artista, desarrolladas en su mayor parte entre 1960 y 1980. Muchas
de las obras fueron reactivadas por otros artistas jóvenes de múltiples nacionalidades seleccionados para la
muestra.266 De forma paralela a la exposición, Abramović interpretó la obra La artista está presente (The
Artist is Present en inglés), una pieza estática y silenciosa de 736 horas y 30 minutos, en la que su cuerpo
permanecía sentado e inmóvil en el atrio del museo, invitando a los espectadores a sentarse frente a ella.267
La obra es una reproducción actualizada de una de las piezas de 1970, mostradas en la exposición, donde
Abramović permanecía sentada durante jornadas completas junto a el que era, por entonces su compañero
sentimental, Ulay. La performance atrajo a rostros conocidos como Björk, Orlando Bloom y James Franco268
que participaron en la misma y obtuvo gran repercusión en los medios.269

En 2014, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá dedicó una de las mayores muestras retrospectivas
dedicadas al arte performance en Latinoamérica al artista Abel Azcona.270 271 El Museo de Arte Moderno
de Bogotá también dedicó muestras expositivas con el performance como base al propio Azcona, a la artista
colombiana Maria José Arjona, o a la artista mexicana Teresa Margolles.272 273
 Obra de Doris Marina Plano cenital de la Obra Los padres en la
Salcedo en la Abramović performance La exposición retrospectiva
Tate Modern de durante sus artista está presente dedicada al artista en el
Londres siete en el Museo de Arte Museo de Arte
performance Moderno de Nueva Contemporáneo de
en Seven York Bogotá
Easy Pieces
(2005), en el
Museo
Solomon R.
Guggenheim

Obra de Marina Hermann Performance de Bryan Exposición dedicada a

Abramović reproducida Nitsch Zanisnik, de nombre Yoko Ono en el Centro
para retrospectiva en realizand When I Was a Child I Cultural Metropolitano
Bologna, Italia o una Caught a Fleeting de Quito (2018)
performan Glimpse, 2009
ce en su
museo
homónino
(2009)

Performance de reivindicación colectiva

En 2014 nace la performance Carry That Weight, también conocida como "la performance del colchón". Es
una obra creada por la artista Emma Sulkowicz durante su tesis final en el grado de artes visuales en la
Columbia University en la ciudad de Nueva York. En septiembre de 2014, comenzó la pieza con Sulkowicz
portando su propio colchón por todo el campus de la Universidad de Columbia.274 La obra es creada por la
artista con el fin de denunciar su propia violación en ese mismo colchón años antes, en su propio dormitorio.
Situación que fue denunciada pero no fue escuchada ni por la justicia ni por la universidad.275 Por lo que
Sulkowicz llevo consigo misma el colchón durante todo el semestre, sin separarse en ninguna ocasión, hasta la
ceremonia de graduación en mayo de 2015. La obra creó gran controversia, pero fue apoyada por multitud de
compañeros y activistas que acompañaron a Sulkowicz llevando el colchón en multitud de ocasiones,
convirtiendo la obra en una reivindicación internacional. El crítico de arte Jerry Saltz consideró la obra una de
las más importantes del año 2014.
 En noviembre de
2018 mediante
una conferencia
y una
performance en
vivo del artista
Abel Azcona en
el Museo de
Arte
Contemporáneo
Un violador en tu camino en la Alameda Central de
España os pide perdón de Abel de Bogotá se
la Ciudad de México
Azcona en La Habana inició la obra
España os pide
perdón de
contenido crítico y anticolonialista. 276 277 En la primera acción Azcona leyó un texto de noventa y dos hojas
durante más de cuatro horas, en la lectura se repetía la cita España os pide perdón de forma continuada. Dos
meses después Azcona fue invitado a presentar su obra a Ciudad de México en el Museo de la Ciudad de
México donde se instaló una lona con la misma oración.278 279 280 Justo unos días después el presidente de
México Andrés Manuel López Obrador realizó una rueda de prensa donde exigió públicamente el perdón de
España.281 282 283 Desde entonces hasta mediados de 2020, la obra ha sido expuesta en diversas formas y ha
conseguido convertirse en un movimiento colectivo.284 En mayo de 2020 el Museo de Arte Contemporáneo
de Bogotá pintó su fachada con la instalación del mismo lema España os pide perdón durante dos meses en el
centro de la ciudad de Bogotá.285 Otras ciudades como La Habana, Cuba;286 Lima, Perú; Caracas,
Venezuela; Ciudad de Panamá, Panamá; Tegucigalpa, Honduras o Quito, Ecuador han sido protagonistas de la
pieza, mediante instalaciones de pintura, lonas, carteles o manifestaciones y actos colectivos continuando la
obra como protesta colectiva.287

En 2019 nació Un violador en tu camino, performance colectiva de protesta creada por un colectivo feminista
de Valparaíso (Chile), denominado Lastesis, con el objetivo de manifestarse en contra las violaciones a los
derechos de las mujeres en el contexto de las protestas que se realizan en ese país durante 2019.288 289 290
Fue interpretado por primera vez frente a la Segunda Comisaría de Carabineros de Chile en Valparaíso el 18
de noviembre de 2019.291 Una segunda interpretación hecha por 2000 mujeres chilenas el 25 de noviembre
de 2019 como parte del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer fue grabada en
video y viralizada en redes sociales.292 Su alcance se hizo mundial293 294 luego de que movimientos
feministas en decenas de países adoptaron y tradujeron la performance para acompañar sus protestas y
reivindicar demandas locales por el cese y castigo de feminicidios y violencia sexual, entre otras.295
 Compañeras de Emma Sulkowicz Parte de la performance Retrato de
Sulkowicz y la propia con las de Sulkowicz, una de Sulkowicz en
artista portando el instrucciones de su las acciones llamada una de las
colchón hasta la performance en la "Llevemos el peso entre presentaciones
graduación como Universidad de todas" de la obra
forma de denuncia Columbia

Interpretación Interpretación «Un Una niña interviene

mexicana de «Un peruana de Un violador en durante la performance
violador en tu violador en tu camino tu camino» Un violador en tu
camino» en Oaxaca, en Lima, el 2 de se presentó camino
el 27 de noviembre diciembre de 2019 en el
de 2019 contexto de
las
protestas
en Chile de
2019

Véase también
Arte conceptual Flashmob Radioteatro
Fluxus Estatua viviente Arte de acción
Happening Arte de los nuevos medios Acción directa
Arte corporal Noise Videoarte
Performance en China Slam Tableau vivant
Clasificación de las artes

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Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre Performance.

Monográfico sobre la artista de performance ([Link]

tropolis-esther-ferrer/1252983/)Esther Ferrer
Web oficial del ([Link] Abramović Institute

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