PRUEBA DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD
MAYORES DE 25 AÑOS
PRUEBA ESPECÍFICA
PRUEBA 2008
HISTORIA DEL ARTE PRUEBA
SOLUCIONARIO
HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
HISTORIA DEL ARTE
(Mayo 2008)
Tiempo de duración de la prueba: 1 hora
La prueba consta de dos cuestiones:
Cuestión 1. Se deberá comentar una única imagen de entre las dos que se ofrecen. Esta
cuestión tendrá un valor de 5 puntos sobre 10.
Cuestión 2. Se desarrollará un único tema de entre los dos que se proponen. Esta cuestión
tendrá un valor de 5 puntos sobre 10.
Cuestión 1
ANALIZA Y COMENTA UNA DE ENTRE ESTAS DOS IMÁGENES: (5 puntos).
- Clasifica la obra señalando su autor, estilo y cronología aproximada.
- Realiza un análisis formal e iconográfico de la obra.
- Analiza brevemente el contexto histórico-artístico en el que fue realizada.
A)
1
HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
B)
Cuestión 2
DESARROLLA UN TEMA DE ENTRE LOS DOS QUE SE PROPONEN A CONTINUACIÓN:
(5 puntos).
A.- "LA ARQUITECTURA ROMANA"
- Características generales.
- Tipos de edificios y ejemplos.
B.- “LA ESCULTURA VASCA EN EL SIGLO XX: CHILLIDA Y OTEIZA”
- La Escuela Vasca de Escultura
- Oteiza y su obra
- Chillida y su obra
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HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
SOLUCIONARIO HISTORIA DEL ARTE
(Mayo 2008)
Cuestión 1
ANALIZA Y COMENTA UNA DE ENTRE ESTAS DOS IMÁGENES: (5 puntos).
- Clasifica la obra señalando su autor, estilo y cronología aproximada.
- Realiza un análisis formal e iconográfico de la obra.
- Analiza brevemente el contexto histórico-artístico en el que fue realizada.
A)
RESPUESTA
- Autor, estilo y cronología aproximada
La imagen corresponde a la obra “Laooconte y sus hijos”. Se trata de una escultura helenística
del siglo I a. C. realizada por tres escultores de la llamada escuela de Rodas: Agesandro,
Atenodoro y Polidoro. La obra original era de bronce, mientras que la que ahora podemos
contemplar es una copia romana del siglo III o de principios del s. II d C. hecha en mármol y
que mide 2,42 m. Se descubrió a principios del s. XVI y se encuentra en los Museos del
Vaticano en Roma. El Laocoonte tuvo un efecto extraordinario sobre la obra de Miguel Ángel,
contemporáneo al descubrimiento de la pieza.
- Análisis formal e iconográfico de la obra
1
HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
Tema e iconografía. El grupo escultórico representa a Laocoonte y sus hijos luchando
desesperadamente contra las serpientes. El tema es mitológico. Se representa el castigo
enviado por Apolo (según otras fuentes, Atenea) a Laocoonte. Ëste era sacerdote del templo
de Neptuno en la ciudad de Troya, y había preparado el sacrificio de un toro en el ara para
convencer a los troyanos del engaño que suponía el caballo de madera que los griegos habían
colocado frente a las murallas de la ciudad. Apolo, que quería destruir Troya, al ver que sus
planes se podían frustrar, envió dos gigantescas serpientes de mar que se enrollaron a los
cuerpos de los hijos de Laocoonte y posteriormente en él mismo y con sus anillos los estrujaron
asfixiándolos.
Material y aspectos técnicos. Se trata de una escultura exenta, de bulto redondo, hecha en
mármol blanco. Es un grupo de figuras desnudas en el que existe un estudio anatómico
bastante realista: hay una tensión enorme marcada en los músculos y venas del torso del
sacerdote, sin embargo, en los hijos el modelado es deficiente, ya que reproducen unos
cuerpos de adultos, a menor escala que el cuerpo del padre, pero no infantiles. En el
Laocoonte se aprecian importantes claroscuros debido a la utilización de la técnica del trépano
(en escultura indica el utensilio con el que se agujerea la piedra o el mármol; también se llama
así a la obra resultante) en los cabellos, barbas y boca entreabierta de la figura central.
Composición y estilo. El grupo escultórico consta de tres figuras que contrastan en tamaño y
expresión. En el centro de composición se sitúa el sacerdote con una pierna doblada y el brazo
derecho levantado detrás de la cabeza. Los hijos, de menor tamaño, miran hacia el eje central.
El hijo menor (a la izquierda del espectador) busca la protección de su padre, mientras que el
hijo mayor (a la derecha) tiene una mirada horrorizada. Laocoonte refleja la desesperación, la
impotencia, el sufrimiento y el dolor. Los cuerpos se retuercen y se contorsionan. Reflejan el
esfuerzo en sus rostros y en cada uno de sus músculos, en tensión. Las miradas perdidas
acentúan el dramatismo de la escena y la sensación de estar condenados a la fatalidad de la
que inútilmente intentan escapar.
La escultura se inscribe en un triángulo cuyo vértice es la cabeza de Laocoonte. Las líneas eje
de la obra son dos diagonales paralelas. Una superior, desde la cabeza del hijo mayor termina
en el brazo alzado de Laocoonte. La inferior, está marcada por la pierna izquierda de
Laocoonte y sube hasta los hombros y la cabeza del hijo menor. Así pues, tiene una
composición piramidal y diagonal que proporciona un gran dinamismo al grupo. Pero, pese a
todo el movimiento contenido, se desarrolla en un plano frontal. Sus autores la concibieron para
ser contemplada de frente.
- Contexto histórico-artístico
El estudio del arte griego se suele dividir en tres períodos:
- El período arcaico, en el que la polis (ciudad) griega alcanza su momento de máxima
independencia. Se desarrolla desde el siglo VIII al VI a. de C.
- El período clásico, durante el cual Atenas consigue una clara hegemonía sobre el resto de
las polis y se intenta unificar Grecia políticamente a partir del Imperio Macedónico. Es la
época dorada de Grecia, que transcurre entre el siglo V y el IV a. de C.
- El período helenístico, tras la muerte de Alejandro Magno y hasta la conquista romana
(siglos IV-I a. de C.) en el que la cultura griega recibe la influencia de los territorios
orientales conquistados.
El grupo escultórico de “Laooconte y sus hijos” pertenece a este último período helenístico, en
el que los reinos independientes crearon sus propias escuelas artísticas: Pérgamo, Rodas,
Alejandría, Ëfeso, etc.
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HISTORIA DEL ARTE
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Características principales de la escultura de la época helenística:
- Se siguen aún los principios del clasicismo, pero van perdiéndose la serenidad, el equilibrio
y las proporciones clásicas, en favor de la expresión de emociones, la grandiosidad, la
tensión dramática y el gusto por el movimiento.
- Aumento del realismo. En la época helenística las obras se caracterizan sobre todo por su
naturalismo absoluto y la captación y plasmación de las emociones más profundas. Se
prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos, el dramatismo de las expresiones y la
fealdad de los monstruos.
- Los temas son más informales y variados. El aumento del realismo da entrada a todos los
aspectos de la existencia: escenas de vejez, dolor, la enfermedad, la deformidad, fealdad,
etc.
- Se desarrolló el retrato, de acusado realismo, descarnado y de gran penetración sicológica.
Además del Laooconte y sus hijos, son obras importantes de este período, entre otras: La
Victoria de Samotracia, la Venus de Milo, el Torso de Belvedere.
B)
RESPUESTA
- Autor, estilo y cronología aproximada
La imagen corresponde a la obra más conocida del pintor francés Caude Monet: “Impresión.
Sol naciente” (Impression. Soleil levant). Un óleo sobre lienzo (50cm x 65 cm) realizado en
1872 que Monet presentó en París en 1874 en la exposición “independiente” de un grupo de
artistas, luego conocidos como los “impresionistas”. Esta obra fue precisamente la que dio
nombre al movimiento pictórico del Impresionismo. Actualmente se encuentra en el Museo
Marmottan de París.
- Análisis formal e iconográfico de la obra
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HISTORIA DEL ARTE
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Monet representó en “Impresión. Sol naciente” el puerto de Le Havre, en el instante exacto en
el que empieza a amanecer. La imagen representa las neblinas del puerto, con unas pocas
siluetas de barcos, grúas y fábricas al fondo, en el momento en que el sol se eleva sobre el
horizonte abriéndose paso entre las nubes, y sus rayos se reflejan en las tranquilas aguas del
puerto, mientras todo el ambiente se inunda de profundas tonalidades cálidas.
El tema es anecdótico y banal y se aleja del academicismo imperante de su época. El paisaje
es sólo un pretexto para estudiar el reflejo de la luz en el agua y sus variaciones. La luz
adquiere aquí una especial importancia y los efectos cambiantes de la luz constituyen, por
tanto, la cuestión fundamental de la obra.
La importancia concedida a la luz implica la pasión del artista por la pintura al aire libre, único
modo de captar la naturaleza y los paisajes del natural con sus variantes luminosas según la
hora del día.
La composición de la obra también supone un cambio con respecto al academicismo anterior.
Los impresionistas no sitúan por lo general las figuras en el centro de la composición e incluso
en ocasiones se cortan por el borde del cuadro.
En esta pintura las formas desaparecen casi por completo, lo que predomina es la sensación
atmosférica. Las formas se disuelven por efectos de la luz, lográndose la desmaterialización
impresionista de la realidad.
Los colores son puros y han sido aplicados con pinceladas rápidas, empastadas y
yuxtapuestas. El negro ha sido relegado al mínimo imprescindible. A través de una técnica
pastosa y fundamentalmente compacta, Monet consigue captar las variaciones tonales y
luminosas que inundan la obra.
El espectador debe participar activamente en las intenciones técnicas del artista. El público
debe esforzarse en reconstruir el cuadro mentalmente e interpretarlo al contemplar la obra
desde la distancia.
- Contexto histórico-artístico en el que fue realizada
Claude Monet (1840-1926) es considerado el pintor impresionista por excelencia. Fue un gran
paisajista y experimentó los efectos de la luz sobre un mismo motivo a diferentes horas del día
pintando series como la de “La catedral de Rouen” o la de “La estación de San Lázaro”. Otras
obras conocidas del autor son “Regatas en Argenteuil”, “Estanque con nenúfares” y “Las
ninfeas”. Su cuadro “Impresión. Sol naciente” dio nombre al Impresionimo.
El origen del término Impresionismo suele identificarse con la exposición que un grupo de
pintores calificados como “vanguardistas” excluidos del Salón Oficial organizaron en abril de
1874 en un piso del Boulevard des Capulines de Paris: El Salón de los Rechazados, (el Oficial
estaba vinculado a la escuela de Bellas Artes parisinas y con prestigio único en el momento).
Ellos eran Monet, Sisley, Cézanne, Renoir, Pisarro..., entre otros. Uno de los cuadros
expuestos, de Claude Monet, se titula “Impression. Soleil levant”. De esta “impresión” parte el
apelativo Impresionismo que utilizara en tono despectivo el crítico de arte Louis Leroy para
ridiculizar a Monet. Esta palabra, con el paso del tiempo, pasó a designar a diferentes artistas
preocupados por captar la luz y la atmósfera del paisaje: los impresionistas.
- Características principales de la pintura impresionista.
Los impresionistas no fueron un grupo homogéneo. Sin embargo, es posible identificar en ellos
una serie de características comunes:
Luz y color. Se considera que la pintura es el resultado de reproducir la sensación fugaz e
inmediata que la luz que incide en los objetos provoca en la retina del espectador. Los efectos
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HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
cambiantes de la luz constituyen la cuestión fundamental de la obra. Se prescinde del volumen,
el dibujo y el claroscuro, y las formas surgen del empleo de colores primarios y
complementarios.
Técnica. Para captar las variedades luminosas según la hora del día, los impresionistas se
inclinan unas veces por una técnica pastosa y compacta, que se consigue a base de la
yuxtaposición de pinceladas de tonos puros que deben ser contempladas desde la distancia.
Otras veces, diluyen el óleo hasta lograr el efecto de la acuarela. Las pinceladas son vigorosas,
vibrantes y cortas, resultado de la inmediatez necesaria para captar la luz en un momento
concreto.
El gusto por la pintura al aire libre. La importancia y la valoración concedida a la luz implican
la pasión del artista por la pintura al aire libre, único modo de captar la naturaleza y los paisajes
del natural con sus variantes luminosas según la hora del día.
Nuevos temas más anecdóticos. No existen para el impresionismo temas insignificantes sino
cuadros bien o mal resueltos. Se copia del natural y se pintan paisajes fluviales, urbanos,
nocturnos, fiestas populares, personajes bohemios y marginados, interiores trabajados con luz
artificial...
Nueva valoración del espacio. Los encuadres y las composiciones rompen con el
academicismo anterior y se hacen más atrevidas. Las figuras no se colocan siempre en el
centro de la composición e incluso en ocasiones se cortan por el borde del cuadro. Renuncian
en general a la perspectiva geométrica.
Nueva relación entre el artista y el espectador. El espectador pasa de una postura pasiva a
otra activa en la que debe participar en las intenciones técnicas del artista. Los cuadros
parecen inacabados porque son una impresión luminosa, por ello el público debe esforzarse en
reconstruirlos mentalmente. La pintura se aleja del gusto oficial y del gran público.
Cuestión 2
DESARROLLA UN TEMA DE ENTRE LOS DOS QUE SE PROPONEN A CONTINUACIÓN: (5
puntos).
A.- "LA ARQUITECTURA ROMANA"
- Características generales
- Tipos de edificios y ejemplos.
RESPUESTA
- Características generales de la Arquitectura romana
1. La herencia etrusca y griega. La arquitectura romana adopta elementos etruscos y griegos.
De los etruscos heredaron el arco y la bóveda como elementos constructivos habituales. El
arco se empleó sobre todo para la construcción de puentes y acueductos. La bóveda, para
cubrir la mayoría de los edificios públicos. Del arte griego adoptaron los órdenes
arquitectónicos: dórico, jónico y corintio, a los que añaden el toscano, evolución del orden
dórico en el que la columna es de fuste liso con un ligero abombamiento y el collarino está
separado del equino, y el compuesto, cuyo capitel mezcla las volutas jónicas con elementos
del corintio).
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Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
2. Monumentalidad. La arquitectura romana se caracteriza la edificación de construcciones
colosales y lujosas en cuanto a su decoración.
3. Materiales de construcción. El material más utilizado es el mortero, mezcla de arena, cal,
agua y cantos rodados, que es muy resistente y de larga duración. En menor medida utilizaron
el ladrillo, básicamente en las bóvedas para aligerar peso. En alguna ocasión el mármol y el
granito para cubrir paredes o pavimentos de edificios lujosos.
4. El urbanismo. La ciudad romana adopta el esquema de organización del campamento
militar. Se ordena la ciudad en forma de cuadrícula y tiene dos ejes principales: el cardo
maximo (brazo norte-sur) y el decumano (brazo este-oeste). En el cruce de estas dos vías
principales se encontraba el foro, centro de la vida urbana donde se sitúan los principales
edificios públicos civiles y religiosos.
- Tipos de edificios y ejemplos
a) Arquitectura privada. La vivienda. Destacan dos tipos de viviendas romanas: las domus,
viviendas urbanas para familias acomodadas, y las insulae o casa de vecinos populares.
Además existían las residencias campestres o villae, segundas viviendas de las familias más
pudientes.
- la domus solía constar de tres partes: el vestíbulo o acceso, un patio al que daban las
habitaciones (atrio), con receptáculo o implovium en el centro para la recogida del agua y una
parte privada formada por un patio con columnas (peristilo).
- las insulae tenían varios pisos y la planta baja solía reservarse para tiendas o talleres.
- las villae se localizaban en las afueras de las ciudades. El interior estaba decorado con
frescos y mosaicos.
b) Arquitectura pública religiosa. El templo romano estaba ubicado en el foro de la ciudad.
Es de clara influencia griega y su planta suele ser rectangular y con tres cellas, como la del
templo de la Fortuna Viril, en Roma, o bien circular, como el de Vesta también en Roma o el
Panteón de Agripa, construido en mármol en el 27 a. C. como templo dedicado a todos los
dioses. Las diferencias del templo romano con respecto al griego se observan en la Maison
Carrée de Nimes. En este templo el acceso no es por los cuatro frentes, sino que sólo tiene un
acceso delantero situado en la fachada principal y se eleva sobre un podio.
c) Arquitectura pública civil. La mayor parte de los edificios romanos que se conservan son
construcciones públicas civiles. Entre los edificios civiles destacan las basílicas, las termas, los
edificios destinados al ocio y los monumentos conmemorativos.
Las basílicas eran espacios públicos destinados a intercambios comerciales y actos jurídicos.
Constaban de tres naves, normalmente la central más alta que las laterales, con el fin de
iluminar el interior. Un buen ejemplo es la basílica de Pompeya.
Las termas eran los baños públicos romanos. Constaban de varias salas: frigidarium (baño de
agua fría), tepidarium (de agua templada), caldarium (agua caliente, vapor y masaje). En su
interior también había salas de reunión y bibliotecas. Las mejor conservadas son las Termas de
Caracalla en Roma.
Los edificios destinados al ocio son tres: el teatro, el anfiteatro y el circo.
- El teatro es el edificio destinado a las representaciones teatrales. Entre los
conservados el de Mérida (18 a. C.) es el más importante y tiene una capacidad de
más de 5 000 espectadores. La mayor parte de su graderío (cavea) es semicircular y
está excavado en la propia pendiente del terreno; la orchestra (zona central destinada
a las autoridades) también es semicircular y la scaena (zona destinada a la acción
teatral) es monumental. Otro ejemplo significativo es el teatro Marcelo, en Roma.
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HISTORIA DEL ARTE
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- El anfiteatro es el edificio destinado a las luchas entre gladiadores y a espectáculos
con animales. Generalmente de planta elíptica, la arena, donde tenía lugar el
espectáculo, está rodeada de gradas para los espectadores. En ocasiones la arena se
cubría de agua para recrear batallas navales (naumaquias). El más importante es el
Anfiteatro Flavio en Roma, también conocido con el nombre de Coliseo (siglo I d. C.).
En España destacan los de Mérida (siglo I a. C.), Italica en Sevilla y Tarraco en
Tarragona.
- El circo es el edificio público destinado a las carreras de caballos (cuadrigas). Su
planta suele ser rectangular y está rodeado de gradas para los espectadores. En
Roma el mejor ejemplo es el circo Máximo y en España destaca el de Mérida (siglo IV).
Los monumentos conmemorativos. Se erigían generalmente en honor a algún emperador o
para recordar alguna victoria militar. El más característico es el arco de triunfo que suele tener
un solo vano, aunque los más sofisticados tienen hasta tres. Suelen estar profusamente
decorados con relieves históricos. Son ejemplos significativos el arco de Tito (siglo I) o el de
Trajano, ambos en Roma y de un solo vano. Como ejemplo de arco de tres vanos cabe
destacar el arco de Constantino (315) también en Roma. En España no se conservan muchos:
el arco de Bará (Tarragona), el arco de Medinaceli (Soria), el arco de Capera (Cáceres).
Las columnas también se podían utilizar como elemento conmemorativo de un hecho histórico
importante. La más famosa es la columna Trajana en Roma (siglo II). Es de mármol y tiene
más de 30 m. de altura. Muestra en un relieve continuo y en espiral la campaña del emperador
Trajano contra los dacios.
d) Obras de ingeniería. Los romanos también fueron grandes ingenieros y quisieron dar
utilidad a todas sus construcciones.
- Las calzadas permitían comunicar las diferentes provincias del Imperio con Roma y un
rápido desplazamiento militar.
- Los acueductos permitían salvar los desniveles de los ríos para hacer llegar agua a
las ciudades. Estaban hechos de arquerías sobre las que iban los canales al
descubierto. Sobresalen en España el acueducto de Segovia y el acueducto de los
Milagros (Mérida), ambos del siglo II. En Vers (Francia) destaca el Pond du Gard (siglo
I) que consta de tres pisos
- También construyeron artísticos puentes. En España destacan los de Alcántara
(Cáceres) y el Mérida.
B.- “LA ESCULTURA VASCA EN EL SIGLO XX: CHILLIDA Y OTEIZA”
- La Escuela Vasca de Escultura
- Oteiza y su obra
- Chillida y su obra
RESPUESTA
- La Escuela Vasca de Escultura
Antecedentes.
A finales del siglo XIX y comienzos del XX los escultores vascos comenzaron a romper con la
tradición y el academicismo. Dos nombres, sobre todo, ocupan el panorama artístico vasco en
esta época. Se trata de Paco Durrio (1868-1940) y Mogrobejo (1875-1910). El primero, amigo
personal de Gauguin, consiguió superar el clasicismo con obras como el Monumento a Arriaga
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HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
(Bilbao). Durrio es el primero que adapta a su escultura al lenguaje moderno del simbolismo y
el modernismo.
Por su parte, Mogrobejo fundiría la influencia modernista con una huella innegable de Rodin.
La Escuela Vasca de Escultura
Será en la década de 1950 cuando se geste un verdadero movimiento creativo de gran
importancia internacional que derivaría en la denominada Escuela Vasca de Escultura. Este
movimiento, al que podemos llamar generación, se caracteriza por desarrollar una línea
claramente abstracta y está integrada por un grupo de escultores con una misma sensibilidad y
que, pese a sus diferencias, tienen unas características en común: predominio del lenguaje
abstracto, gusto por lo monumental, estrecha relación con la naturaleza y el ser humano, y
utilización de materiales como la madera, la piedra o el hierro.
Este grupo de escultores no fue ajeno a las influencias de las diferentes corrientes artísticas
que se han desarrollado a lo largo del siglo XX, y en su original lenguaje realizó una síntesis de
los distintos movimientos de vanguardia (constructivismo, abstracción...), aportando una
interpretación personal.
Forman parte de ella destacados artistas de la talla de Néstor Basterretxea (1924), José Alberdi
(1922), Ricardo Ugarte (1942), Agustín Ibarrola (1930), Remigio Mendiburu (1931-1984), V.
Larrea (1934). Pero los dos máximos representantes de este movimiento y los dos escultores
que más han influido en sus contemporáneos han sido Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.
- Oteiza y su obra
Jorge Oteiza Embil (Orio, 1908 – Donostia, 2003).
Jorge Oteiza es, sin duda, uno de los creadores vascos más relevantes del siglo XX. Su trabajo
es difícil de definir, ya que su obra es extremadamente personal. Las esculturas de Oteiza se
enraízan en las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, muy especialmente en el
neoplasticismo y constructivismo, al tiempo que comparte con otros artistas posteriores a la II
Guerra Mundial una particular sensibilidad hacia lo abstracto, espiritual y humanista.
Oteiza comenzó a trabajar en los años 30 y sus primeros trabajos son figurativos. Tras una
estancia en Sudamérica regresa en 1947 con el propósito de impulsar un nuevo arte vasco.
Toma parte en diversas manifestaciones artísticas, como la realización de la estatuaria de la
basílica de Arantzazu, un enorme conjunto que proyectó en el que los motivos religiosos se
despersonalizan, las figuras se vacían y al abrirse al espacio se cargan de contenido espiritual.
El estilo que Oteiza realiza en la obra de Arantzazu se desarrolla durante los años 50, con
obras de marcado carácter popular y con fuertes connotaciones espirituales. El “Friso de los
Apóstoles de Arantzazu” es la obra culminante de este primer periodo figurativo y antropomorfo
de la obra de Oteiza
A partir de aquí Oteiza decide abandonar el expresionismo y la figuración para tomar el camino
de la abstracción, basado en la investigación geométrica-racional y preocupándose más que
por las formas, por el espacio que hay entre éstas, elaborando una estética del vacío con un
profundo significado espiritual.
En 1957 recibe el Premio Internacional de Escultura en la IV Bienal de Sao Paulo con 28
esculturas presentadas en familias experimentales; también edita un catálogo con el texto
Propósito experimental, 1956–57, en el que fundamenta los principios teóricos de su obra. Tras
Sao Paulo, Oteiza reflexiona sobre el progresivo papel del vacío y el silencio que encuentra en
su escultura.
En 1959 el artista decide abandonar la escultura y se centra en la impulsión y creación de
colectivos de artistas como el importante grupo Gaur. Su compromiso con la cultura vasca hace
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HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
que lidere movimientos y actuaciones en su defensa. En este contexto surgen los grupos de la
Escuela Vasca. El citado Gaur, fue el grupo más activo.
A lo largo de los años sesenta, se entrega a la investigación estética y lingüística, que expuso
en libros como Quousque tandem! (1963), o Ejercicios espirituales en un túnel, (1965).
Entre 1972 y 1975 retorna a la escultura, completando algunas de sus series experimentales.
Retrospectivamente en sus etapas finales se le podría relacionar con el minimalismo
americano, movimiento surgido con posterioridad al período creativo del artista.
La producción de Oteiza abarca desde monumentales monolitos (Monumento al prisionero
político desconocido) a geométricas y desocupadas cajas o construcciones (Caja metafísica)
que suponen la culminación del reduccionismo y del protagonismo del hueco.
- Chillida y su obra
Eduardo Chillida Juantegui (Donostia, 1924 – Donostia, 2002).
Las primeras obras de Eduardo Chillida son figurativas, esculpidas en piedra o yeso. Conjugan
la influencia del arcaísmo griego y los kouroi, corno la serie Torsos, y la huella contemporánea
de Henry Moore, al que conoció en sus viajes al extranjero.
Pero Chillida pronto deja a un lado lo antropomorfo para irrumpir de lleno en la abstracción.
En 1950 fija su residencia en Hernani donde entra en contacto con un nuevo material, el
hierro, trabajando con un herrero en la forja. Combinando el hierro junto con la tradición
artesanal vasca descubre una vía fecunda de experimentación. Realiza la primera pieza en
hierro, Ilarik. En 1954 colabora en la basílica de Arantzazu, con Oteiza y realiza las cuatro
puertas de hierro que son, en si mismas, esculturas.
Chillida comienza así su andadura en la abstracción. Su observación de la naturaleza le lleva,
hacia 1963, a la plasmación de lo representado a través de la utilización de otros materiales
como la madera, el alabastro, el hormigón, el barro o, más recientemente, la porcelana. Ahora,
gran parte de su obra pueden disfrutarse en el museo Chillida Leku, en el caserío Zabalaga de
Hernani.
Las formas en Chillida: Tanto en el Chillida denominado íntimo, como en el que trabaja a
escala humana, como en el que hace piezas para interiores, como en el que crea obras para
los espacios públicos, encontramos unos juegos constantes de masas y volúmenes, que nos
muestran su preocupación por situarse en el linde de las cosas, buscando la frontera entre el
volumen y el espacio y la relación que hay entre ambos.
La obra de Chillida se caracteriza por su introducción en los espacios abiertos, integrándose
para formar parte de ellos. Así, sus esculturas salen de su encierro en los museos, “toman la
calle” y se acercan a cualquier persona que lo desee. Por ejemplo, El peine de los vientos, en
Donostia; Elogio del horizonte, en Gijon; la Plaza de los Fueros de Vitoria; Puerta de la
Libertad, del barrio gótico de Barcelona; y, la que tal vez sea su obra más emblemática, Gure
Aitaren Etxea, en Gernika.
Observaciones
La extensión de las respuestas que aquí se proporcionan es meramente orientativa. La
extensión y profundidad del desarrollo de cada una de las cuestiones debe atender más a la
complitud en todos los aspectos de las respuestas que ocasionalmente a la profundidad de su
desarrollo.
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HISTORIA DEL ARTE
Acceso a la Universidad: mayores de 25 años
CORRESPONDENCIA ENTRE LAS PREGUNTAS DE LA PRUEBA Y LOS INDICADORES
DE CONOCIMIENTO
Pregunta Indicador de conocimiento
1 2,3,4,5,6,7,8,10
2 1,2,3,4,6,7
10
