LENGUAJE EXPRESIVO PLÁSTICO
El lenguaje plástico es una forma
de expresión, de comunicación, se
realiza utilizando técnicas de
producción que manipulan
materiales para construir formas e
imágenes que revelan una
concepción artística, estética y
poética. Es el lenguaje que
usamos para expresarnos a través de producción artística y las artes plásticas, a
través de la pintura, del dibujo, escultura, etc.
El lenguaje plástico se puede expresar a través de diferentes medios, como el
dibujo, la pintura, la escultura, la arquitectura y o la fotografía.
El lenguaje plástico es uno de los medios de comunicación de los que disponemos
para expresar todo aquello que conocemos de nuestro entorno y también para
expresar nuestro mundo interno e imaginario.
El niño/a en sus producciones plásticas “cuenta” lo que siente del mundo que le
rodea, que difiere del mundo que vemos los adultos. Por ello cualquier corrección
que el maestro/a realice basándose en su propia captación visual de la realidad y
no de las experiencias mismas del niño/a podrá interferir nocivamente en la
expresión personal de éste.
Nunca debe ponerse como ejemplo el dibujo de un niño/a ni compararlo con el de
otro, pues cada uno tiene su experiencia personal y su forma de expresarla. Será
distinto si el trabajo de uno de ellos sirve para comentar lo que en él quiso
expresar.
Acostumbrarse a copiar lo que otros hacen puede impedirle gozar de la libertad de
crear, pues adquiere el hábito de aceptar las manifestaciones ajenas como las
mejores, lo cual anula su personalidad.
Las frecuentes repeticiones estereotipadas se encuentran generalmente sólo en
los dibujos de niños/as que han desarrollado modelos rígidos en su pensamiento.
Es lamentable que a veces los adultos estimulen esta forma de expresión pidiendo
a los alumnos/as que tracen o copien formas sin sentido una y otra vez.
Un niño/a que se acostumbre a depender de tales moldes y que llegue a recibir
elogios del adulto en función de su aproximación al modelo, puede perder la
confianza en sus propios medios de expresión y recurrir a las repeticiones
estereotipadas como mecanismo de evasión. En ciertas etapas del desarrollo, un
niño/a puede repetir espontáneamente ciertas formas para asegurar su dominio de
ellas.
En la etapa de Educación Infantil y en los primeros años de la Educación Primaria
es frecuente que el niño/a al dibujar utilice estereotipos para dibujar determinadas
cosas:
● Una casa = cuadrado sobre triángulo.
● Un pájaro = una uve.
● Una cara = círculo con 2 puntos por ojos, una línea vertical por nariz y
una horizontal por boca que variará dependiendo del estado de ánimo
que desee representar.
● Una flor = círculo rodeado de semicírculos, etc.
Un niño/a que es afectiva y emocionalmente libre y no está inhibido en lo que
concierne a la expresión creadora se siente seguro para afrontar cualquier
problema que se derive de sus experiencias. Se identifica estrechamente con sus
dibujos y se siente independiente para explorar y experimentar con toda una
variedad de materiales. Su arte se encuentra en un estado de constante variación
y no teme cometer errores, ni se preocupa por el éxito o gratificación que va a
tener en su caso particular. La experiencia artística es realmente suya.
En la escuela de Educación Infantil, las imágenes tendrán que ser motivadoras,
comprensibles, sugerentes, que estimulen la pregunta y faciliten la respuesta, y
estéticamente capaces de provocar el desarrollo de los sentidos.
La evolución de la expresión plástica en los niños/as de la etapa infantil, se
relaciona no sólo con su edad, sino que también influyen otros factores como son:
la maduración fisiológica, la capacidad perceptiva y motriz, la ejercitación y
experimentación temprana, su seguridad afectiva, etc.
Pero la expresión plástica también puede influir en el tratamiento de estos
factores; por lo que su tratamiento específico en el marco de las actividades
docentes está plenamente justificado como medio para la consecución de
objetivos y finalidades propuestos para la Educación Infantil.
En el desarrollo de la expresión plástica se diferencian dos grandes bloques a lo
largo de la etapa de 0 a 6 años.
• El primer bloque que aparece en la expresión plástica está dominada por las
necesidades motrices e intelectuales del niño/a; corresponde a lo que
llamamos como actividades kinestésicas.
• El segundo bloque es el que se inicia con la representación consciente de
imágenes a través de figuras o formas, dominando la actividad intelectual
sobre la motora o emocional.
La evolución en ambos bloques se produce de manera gradual e interaccionando
entre sí. En cualquier momento del desarrollo de la expresión plástica podemos
encontrar manifestaciones correspondientes a uno u otro bloque, aunque
generalmente encontraremos más elementos del primero en los más pequeños y,
a medida que avancemos hacia los mayores (5/6 años) encontraremos mayor
peso de los componentes del segundo bloque (representación y simbolización).
Existen cuatro etapas de desarrollo en la expresión plástica, pero describiré sólo a
las que mi especialidad incumbe que es la Educación Infantil
ETAPA DEL GARABATO.
Esta etapa comienza cuando el niño/a empieza a querer dibujar, sobre los 18
meses. Al principio apenas es consciente de lo que puede hacer y sus
movimientos son incontrolados por no tener desarrollado el control viso-grafo-
motriz; y termina sobre los 3 años y medio o 4 años cuando comienza a
representar objetos reconocibles por el adulto. A lo largo de este recorrido pueden
diferenciarse claramente tres niveles:
A) Garabato descontrolado (18 meses a 2 años y medio).
El niño/a comienza a garabatear sin prestar
mucha atención al resultado pues a menudo
mira hacia otro lado mientras lo hace. Los
garabatos no son un intento de representar
lo que le rodea, los realiza simplemente por
puro placer motriz. Los trazos varían en
longitud y dirección.
Hasta que no establezca control visual sobre sus movimientos de garabateo
carecerá de sentido requerirle control sobre otras actividades, tales como
abotonarse, comer sin mancharse, etc.
B) Garabato controlado (desde los 2 años hasta los 3 años y medio)
El niño/a irá descubriendo que existe una
vinculación entre sus movimientos y los
trazos ejecutados. Este paso se suele dar a
los 6 meses de empezar a garabatear.
Aparentemente no hay gran diferencia con
respecto a los dibujos ejecutados antes y
después de este descubrimiento, el haber logrado el control es una experiencia
vital para él. Los niños/as en esta etapa suelen dedicarse al garabateo con mucho
entusiasmo.
Los trazos del alumno/a serán casi el doble de largos, algunas veces tratará de
usar diferentes colores en sus dibujos y le gusta llenar todo el espacio. Ensaya
sobre la variedad de métodos para sostener el lápiz; a los 3 años es cuando se
aproxima a la forma correcta de coger el instrumento para dibujar. También es a
los 3 años cuando puede copiar un círculo, pero no un cuadrado. Los garabatos
son más elaborados y ya guardan cierta relación con lo que le rodea, aunque en
realidad hay poca conexión entre lo que dibuja y una representación visual de
aquello a lo que se refiere.
C) Garabato con nombre (desde los 3 hasta los 4 años).
En este momento comienza a dar nombre
a sus garabatos. Es el indicio de que el
pensamiento del niño/a está cambiando.
Ha cambiado del pensamiento kinestésico
al pensamiento imaginativo.
Aumenta la cantidad de tiempo dedicado
al dibujo y los garabatos serán mucho
más diferenciados. Los trazos pueden
estar distribuidos por toda la página y en ocasiones estarán acompañados por una
descripción verbal de lo que está haciendo.
Esta comunicación no va dirigida a ningún adulto en particular, sino que a menudo
parece como una comunicación dirigida con el propio yo.
ETAPA PRE ESQUEMÁTICA:
La etapa pre esquemática abarca desde los 4 a los 6 años, por lo que concluye
cuando el niño/a comienza la Educación
Primaria.
En esta etapa empieza la interpretación consciente de la forma. Aunque los
dibujos no parezcan muy diferentes de los anteriores para la observación del
adulto, para el niño/a esta es una etapa muy importante. Ahora él crea
conscientemente ciertas formas que tienen alguna relación con el mundo que le
rodea, lo que supone el comienzo de la comunicación gráfica.
Estos dibujos resultan importantes tanto para los padres como para los
educadores puesto que evidencian el proceso mental del niño/a. Sobre los 4 años
ya realiza formas reconocibles, aunque resulte a veces difícil saber qué
representan.
Hacia los 5 años ya se pueden observar, casi siempre, personas, casas, árboles, y
a los 6 años las figuras han evolucionado hasta constituir dibujos claramente
distinguibles y con un tema.
Generalmente el primer símbolo logrado es la figura humana, en la que el niño/a
dibuja un círculo por cabeza y dos líneas verticales por piernas, es lo que se
denomina monigote-esquema de la figura humana o monigote-renacuajo.
Estos dibujos son un reflejo de las etapas de desarrollo cognitivo en las que se
encuentra el niño/a. Si realiza estos dibujos esquemáticos es porque posee aún un
pensamiento bastante sincrético, poniéndose de manifiesto en algunos hechos
como importarle poco que su dibujo sea una copia fiel del modelo, hacer sus
dibujos con esquemas muy estereotipados y simples, que se repiten de un dibujo
a otro, destacar en sus dibujos lo que más conoce.
Al final de la etapa aparece la línea de tierra o línea base, sobre la que va a situar
los elementos del dibujo; así como la estructuración temporal; separando en
escenas los elementos del dibujo cuando desea representar cosas sucesivas en el
tiempo.
Elementos básicos del lenguaje plástico.
A partir del lenguaje plástico se puede describir vivencias, pensamientos,
sentimientos utilizando aquellos elementos conceptuales y visuales que le
permitirán definir la diversidad de formas y representarlas, así como poder
configurar imágenes, desarrollando al mismo tiempo la sensibilidad, la creatividad
y la inteligencia.
El lenguaje plástico juega un papel central en el proceso de crecimiento y el
aprendizaje de los seres humanos a través de la exploración y la experimentación
de estos elementos, materiales y técnicas diversas, descubrimos nuevas formas
de comunicar y expresar, a través de nuestro propio potencial creativo. Al mismo
tiempo, busca potenciar el desarrollo de la imaginación, de la creatividad y de la
inteligencia emocional; favorecer el razonamiento crítico ante la realidad plástica,
visual y social.
El surgimiento del lenguaje plástico y en consecuencia las bellas artes, está
directamente relacionado con la evolución de la especie humana. El artista se
comunica con su papel de arte, pintura, yeso, arcilla, madera y metales,
programas de ordenador y otras herramientas tecnológicas para producir su
lenguaje plástico propio en sus obras de arte.
En toda expresión plástica existen cuatro elementos básicos que van a estar
presentes en las diferentes técnicas plásticas que utilicemos. Nos referimos al
color, la línea, la forma y el volumen.
El punto, la línea, el plano, la textura y el color son los elementos básicos para
representar gráficos, o en el espacio: escultura, arquitectura, diseños espaciales,
cine, ordenador y vídeo; utilizados por separado o combinándolos
adecuadamente, se pueden producir diferentes sensaciones visuales: imitar el
volumen de los cuerpos, plasmar la luz de un paisaje, retratar un rostro o proyectar
dibujos geométricos con absoluta precisión.
Existen dos elementos básicos más: la textura y el color.
La textura es el aspecto visual o la sensación táctil que tiene una superficie, y el
color es el elemento plástico que enriquece la expresividad de los demás: punto,
línea, plano y textura.
EL PUNTO
El punto es el elemento de expresión plástica de menor
tamaño, y aunque estemos habituados a entender que un
punto es redondo, en realidad, se puede representar con
formas distintas según su función.
Por ejemplo, los puntos del texto que estás leyendo son
cuadrados y pequeños, para no distraer la atención, puesto
que su función es exclusivamente gramatical y sirven para indicar pausas en la
lectura.
Sin embargo, el punto gráfico empleado plásticamente puede tener la superficie y
los contornos irregulares.
El punto y su capacidad expresiva
Los puntos se pueden agrupar o aumentar su
tamaño, ocupando mayor espacio y produciendo una
sensación visual de concentración o mayor
densidad, y alejar o disminuir su tamaño con lo que
se consigue un efecto de dispersión o menor
densidad.
También pueden situarse de manera ordenada o
variando su dirección, creando composiciones más o
menos dinámicas. Todas estas variantes permiten a los artistas expresar sus
ideas y emociones.
Seurat fue un pintor francés puntillista que destacó
porque pintaba sus cuadros utilizando pinceladas
pequeñas a modo de puntos, con los que estructuraba las formas que aparecían
en sus cuadros. Conseguía, de este modo, suavizar la luz y los contrastes entre
las figuras creando una atmósfera neblinosa.
Variando adecuadamente los tamaños, las formas y los colores de los puntos,
podemos crear una sensación visual de profundidad. Los puntos más pequeños
parecen estar más lejanos y los grandes parecen situarse en primer plano.
LA LÍNEA
La línea, en el lenguaje plástico, se define como
un punto en movimiento. No tiene grosor y su
longitud es ilimitada. Pero cuando se representa
plásticamente, le damos grosor y longitud porque
la dibujamos sobre un soporte que tiene límites: el
papel de dibujo, el lienzo, o la pantalla de un
ordenador.
Presionando ligeramente un lápiz sobre un papel,
marcamos un punto, si a partir de ese punto
movemos el lápiz en cualquier dirección y recorrido, el resultado será una línea; la
presión, el modo de colocar el lápiz, y el recorrido que siga la mano influyen
notablemente en el aspecto visual de la línea, cambiará igualmente si empleamos
diferentes materiales, instrumentos y papeles.
Tipos de líneas
Las líneas simples son las que están constituidas por un solo trazo, ya sea recto
o curvo, y se perciben de un solo golpe de vista.
Las líneas compuestas están formadas por fragmentos de dos o más líneas
rectas o curvas, y para visualizarlas bien tenemos que desplazar la vista en
distintas
direcciones. Pueden ser:
● Líneas quebradas, compuestas de fragmentos de líneas rectas.
● Líneas onduladas, compuestas de fragmentos de líneas curvas.
● Líneas mixtas, compuestas de fragmentos de líneas rectas y curvas.
Expresividad de las líneas
Al igual que en el punto, en la línea se pueden variar el
tamaño, el grosor, la proximidad y la dirección, creando
efectos diferentes dentro de la composición del dibujo.
Variando el tamaño podemos definir la forma de un objeto;
el grosor y la proximidad influirán en la intensidad del color
y luz de la forma definida, siendo más oscuro e intenso al
representar las líneas más gruesas o próximas entre sí, y
más claro y menos intenso al dibujar las líneas más finas o distantes.
Las líneas rectas, curvas, quebradas, onduladas o mixtas, pueden trazarse en
distintas direcciones: horizontal, vertical e inclinada.
Cada una de estas direcciones tiene un valor expresivo diferente.
● Líneas horizontales: Al dibujar líneas horizontales se crea una sensación
visual de estabilidad, equilibrio y sosiego.
● Líneas verticales: La dirección vertical es menos estable y serena que la
horizontal, pero igualmente equilibrada, y produce una sensación visual de
elevación y espiritualidad.
● Líneas oblicuas o inclinadas: La dirección inclinada produce el mayor grado
de inestabilidad, pero es más dinámica que la horizontal y la vertical.
EL PLANO
Cualquier superficie de dos dimensiones
(altura y anchura) es un plano.
Los planos se describen visualmente mediante la sensibilización de su superficie
con texturas, o delimitándolos con una línea que les da forma, como puedes
observar en estos dibujos.
Tipos de planos
Los planos, como cualquier forma, pueden ser
regulares e irregulares.
Los planos regulares son geométricos, y
tienen sus lados y sus ángulos iguales.
Los irregulares presentan diferencias en la
medida de sus lados y ángulos, y sus
contornos pueden ser lisos o con
imperfecciones.
La expresividad de los planos
El plano es un elemento de gran poder expresivo. A través del plano se pueden
transmitir sensaciones visuales, como volumen, claroscuro, lejanía o cercanía,
superposición, etc.; por ello, los artistas lo utilizan como parte fundamental en sus
obras, tanto escultóricas como pictóricas.
Al utilizar planos regulares en una composición artística se produce una sensación
visual de orden y estabilidad.
Los planos irregulares producen una sensación visual de inestabilidad,
movimiento, y pueden tener infinitas formas.
El plano en el volumen
Varios planos unidos entre sí en distintas
direcciones pueden formar una figura
tridimensional. Las figuras con volumen
tienen: altura, anchura y profundidad.
El volumen (tres dimensiones) se puede representar sobre una superficie plana
(dos dimensiones) utilizando diferentes recursos gráficos basados en líneas o en
planos.
Elementos formales, expresivos y simbólicos del lenguaje plástico y visual III
TEXTURAS
La textura es el elemento visual que sirve
frecuentemente de «doble» de las cualidades de otro
sentido, el tacto. Cuando hay una textura real, coexisten
las cualidades táctiles y ópticas, no como el tono y el
color que se unifican en un valor comparable y
uniforme, sino por separado y específicamente,
permitiendo una sensación individual al ojo y a la mano.
La textura, para Dondis, está relacionada con la
composición de una sustancia a través de variaciones
diminutas en la superficie del material.
ESPACIALIDAD Y PROFUNDIDAD.
Para Villafañe, la textura es, junto con la luz, el
elemento visual necesario para la percepción
espacial, y la visión en profundidad depende
además de ella en gran medida, ya que ésta es
el producto de la conjunción de dos imágenes
dispares; si no existe disparidad, la percepción
es más dificultosa (Villafañe, 1992: 110).
Arnheim afirma que se trata de un elemento al
servicio de la creación de profundidad en la
imagen, de la que depende su
tridimensionalidad, en la que juega un papel esencial la iluminación.
SUGESTIVIDAD.
Es posible que una textura exprese o signifique más por su
cualidad visual que táctil, como las líneas de una página
impresa, el dibujo de un tejido...
En una fotografía, por ejemplo, la sensación de textura no
tiene ninguna cualidad táctil, normalmente tiene cualidades
ópticas. Cuando se da una textura táctil entonces coexisten
ambas cualidades táctiles y ópticas, permitiendo una
sensación individual al ojo y a la mano, aunque se
proyecten ambas sensaciones a un SIGNIFICADO
ASOCIATIVO.
TEXTURAS FOTOGRÁFICAS.
EVOCADORAS.
Las texturas superficiales de la hierba, el cemento
armado, los metales, la seda, el papel o las pieles,
pueden ser experimentadas visualmente a través de la
fotografía, provocándonos sensaciones de suavidad,
frialdad, aspereza, quietud, etc.
La característica más evidente las texturas es la
uniformidad, pero los rasgos que caracterizan las
texturas de una superficie se pueden también
condesar o dispersar o degradar, si esto sucede
gradualmente se obtienen efectos e luz y sombra que
cambian y enriquecen la forma.
La textura ofrece una sensación ambiental unitaria, aunque pasa desapercibida en
la representación o percepción de los objetos.
La mayor parte de nuestra experiencia, de hecho, es óptica y no táctil (háptica).
Esto es resultado de un aprendizaje cultural que nos ha llevado a no tocar las
cosas y/o las personas, por lo que la evaluación de la textura se ha convertido
progresivamente en visual.
TONALIDAD.
Cambiando gradualmente la densidad de la textura se
consigue un aumento de la luminosidad de la superficie, con
un efecto de dilatación y expansión.
La textura visual se clasifica en:
Textura decorativa:
Es la que decora una superficie y queda
subordinada a la figura en otras palabras la textura
misma es un agregado que puede ser quitado sin
afectar mucho a las figuras y su interrelación en el
diseño puede ser dibujadas a mano u obtenidas por
recursos especiales que nos brinda la computadora.
Es decir, la creación de fondos adaptables a cualquier diseño, fondos de cielo, etc.
Textura espontánea, Es aquella donde no decora
la superficie, si no es parte del proceso de creación visual, la
figura y la textura no pueden ser separados por que la rama
de mano accidentales contiene frecuentemente una textura
espontanea como el soplado el esparcido, la integración de
colores en forma natural.
Textura mecánica:
No está obligadamente sujeta a la figura o a la
forma construida, sino que se refiere a la textura
que se puede obtener con unos medios técnicos
específicos, por ejemplo, la textura fotográfica, el
tramado tipográfico o la trama digital, trama del
grabado.
Se refiere a la textura obtenidas por medios mecánicos y son artificiales, sin
necesidad de modificar su naturaleza se puede emplear de manera decorativa.
Ejemplos:
Tramas, tipografías, papeles con texturas, catones, micas, cuero, papeles lisos,
corrospun, telas, plásticos, etc.
La textura visual: Puede ser construida de diferentes maneras según las técnicas
utilizadas:
• Dibujo o Pintura, que son los métodos más
simples para obtener la textura visual de la superficie
de cualquier forma.
El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie
plana; es base de toda creación plástica y es un medio convencional para
expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos.
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados
con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean
técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y
el dibujo.
• Impresión, copia o frotado es una técnica artística
que consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada
sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la
forma y textura de ese objeto. Se puede hacer también
con lápices de colores, o pintar sobre el primer esbozo.
● Vaporización, derrame o volcado: La pintura líquida o diluida hasta la
consistencia deseada, puede ser vaporizada, derramada o volcada sobre
una superficie. Se obtiene a menudo una textura espontánea, pero
cuidadosamente controlada puede producir una textura decorativa.
● Manchado o teñido: Una superficie absorbente puede ser manchada o
teñida para obtener una clase de textura visual.
● Ahumado o quemado: Una superficie
puede ser ahumada sobre una llama para obtener un tipo de textura, a
veces pueden ser utilizadas las marcas de quemaduras.
● Raspado o rascado: Una superficie pintada o entintada puede ser raspada
con alguna herramienta filosa para obtener una textura.
EL FROTADO.
Esta técnica consiste en colocar un papel sobre una
superficie rugosa y frotar el relieve con lápices,
ceras.
EL ESTAMPADO.
Esta técnica consiste en estampar sobre el
papel una superficie entintada previamente,
como si fuese un sello.
EL COLLAGE Y LA TEXTURA
El Collage es la fijación de diferentes
materias planas con diferentes orígenes y
calidades sobre un papel, siendo estas
materias de tres tipos, ya sean con
imágenes como sin ellas (entendemos
aquí por imágenes a las formas o marcas
de las superficies de los materiales, ya
sean impresas, fotografiadas, pintadas,
buscadas o accidentales):
• Materiales sin imágenes, de texturas uniformes, que se
compondrán sobre el plano según el contraste de sus
calidades.
• Materiales con imágenes de diferentes calidades y
texturas espontáneas variadas que se utilizarán en el
Collage de forma abstracta independientemente de todo
contenido impreso, de su representación y significado.
• Materiales con imágenes esenciales: Son aquellas
que conservan su identidad durante el proceso de
construcción del collage poseyendo claramente un contenido representativo. Estas
imágenes son las más importantes pues conservan más claramente su significado
directo sobre el resto de formas abstractas.
