FACULTAD DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA

ESCUELA DE ARQUITECTURA
ASIGNATURA:
Historia de la arquitectura II
PROFESOR:
Prof. Arq. Miguel A. Hernández Ramos
TEMA:
Renacimiento
SECCION:
05

ESTUDIANTE:
Mikaely Gómez Martínez MAT. 100442523
FECHA:
19 julio 2020

Índice

1
El origen del renacimiento
Primeros movimientos renacentistas
Principares centros urbanos renacentistas italianos
Principales caracteristica de la aquitectura Renacentista
Influencia de la aquitectura clasica en el Renacimiento
Ejemplos de los oredenes clasicos en el Renacimiento
Epoca de Brunelleshi
Epoca de Donato Bramante
Influecia de las dotrinas griegas de Platon y Aristoteles en las corrientes renacentistas italianas
Hable sobre la obra y arquitectura ( en los casos que aplique) de los artistas :
A. Leonardo Da Vinci
B. Miguel Angel Buonarotti
C. Vignola
D. Alberti
Los procedimientos de construccion:
A. Muros
B. Bovedas
C. Cupulas
D. Arcos
E. Columnas
Decoracion de la arquitectura renacentistas
Arquitectura civil
A. Palacios municipales
B. Palacios residenciales
C. Distribuccion interior
D. Asoectos exteriores
E. Universidades
Importancia del aquitecto y obrero en el renacimiento italiano
Exposicion del arte y aqrquitectura
Principales paises y regiones que adoptaron el estilo
El renacimiento frances:

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 A. Influencias italianas en el renacimiento frances
B. Diferencias entre la aquitectura renacentistas italiana y francesa
C. Principales tipologias de edificacion grancesa de caracter renacentista

El Renacimiento
El origen del renacimiento
Su origen se remonta a Florencia, Italia, al año 1400 en donde se gestó una intención de transformar
y evolucionar el arte en Europa, el cual para este momento conservaba el estilo medieval.

De esta manera, el arte renacentista dejaría de presentar en sus obras tan solo el material religioso y
comenzaría a plasmar el arte en torno al ser humano, a sus deseos, sentimientos y deleites. Este
movimiento artístico generó un nuevo abanico de estilos, tales como la creación de retratos, las obras
al desnudo y los cuadros de mitología y paisajes.
El Renacimiento dio lugar a una nueva era artística pero también a una nueva era cultural, ya que
desde aquel momento se empezaron a construir palacios, universidades y ayuntamientos, cuando
anteriormente tan solo se construían iglesias.
Aunque sus cambios fueron lentos y rigurosos, finalmente se logró el cometido y hubo un cambio
significativo en el arte, transformación que brindó innovación y progreso, consecuentemente, al
campo social y científico.
Causas del Renacimiento
Entre las causas del Renacimiento, podemos destacar 5 principales:
La expansión cultural gracias al surgimiento de nuevas universidades durante el siglo XII.
La llegada de grandes sabios y pensadores griegos a Italia a raíz de la caída de Constantinopla.
La invención de la imprenta que permitió la rápida expansión de los ideales renacentistas.
Expansión del humanismo que pretendía descubrir, estudiar y venerar al hombre.
La riqueza de la burguesía, la cual permitió el financiamiento de nuevos artistas.
Primeros movimientos renacentistas

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 El humanismo fue un movimiento
filosófico, intelectual y cultural que
surgió durante el Renacimiento, en el
siglo XIV, en Italia. Su finalidad fue
retomar e integrar los valores del ser
humano, promover la educación y el
conocimiento, y el fortalecimiento del
espíritu humano.
En este sentido, el humanismo dejó a
un lado el teocentrismo (Dios era
considerado el centro de todo) y dio
paso a la doctrina
antropocéntrica,desde la cual se
retomaron los valores humanistas
necesarios para alcanzar el bienestar social y exaltar las facultades de los individuos.
El humanismo tuvo su mayor auge en la literatura del siglo XIV y XV. Entre los autores más
destacados se pueden mencionar a Dante Alighieri, Francesco Petrarta y Giovanni Boccaccio.

El antropocentrismo, en oposición al teocentrismo observado en la Edad Media.El antropocentrismo,

que puso al hombre como la creación suprema de Dios y como el centro del universo. Mientras en la
Edad Media la vida del hombre debía estar centrada en Dios (teocentrismo).
El Racionalismo, los renacentistas estaban convencidos de que la razón era la única manera de llegar
al conocimiento, y que todo nuestro mundo podría explicarse por la razón y la ciencia; Las
cualidades más valoradas en el ser humano pasaron a ser la inteligencia, el conocimiento y el don
artístico.
El experimentalismo, para los renacentistas todo conocimiento debía ser demostrado con experiencia
científica. El hombre renacentista, principalmente los científicos, pasa a utilizar métodos
experimentales y de observación de la naturaleza y el universo.
El individualismo: esa parte de que el hombre debe conocerse así mismo, buscando a afirmar su
propia personalidad, los talentos y cumplir sus ambiciones. Esta concepción se basa en el principio
que el derecho individual estar por encima del derecho colectivo.
Valorización de la cultura grecorromana: Para los artistas de la época renacentista, los griegos y
romanos poseían una visión completa y humana de la naturaleza, a diferencia de los hombres
medievales.

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Principares centros urbanos renacentistas italianos
Roma será la culminación del urbanismo renacentista y la perspectiva, la creación de una gran capital
para los Estados Pontificios y para la Iglesia católica, la "Roma de las siete vías"[cita requerida], por
Domenico Fontana y Sixto V. Se busca crear un nuevo orden urbano utilizando los elementos de la
perspectiva renacentista, a partir del trazado de grandes rectas sobre el tejido de la ciudad medieval,
conectando los puntos fuertes, las siete grandes iglesias de peregrinación: San Pedro del Vaticano,
Santa María la Mayor, San Lorenzo Extramuros, San Juan de Letrán, Santa Cruz de Jerusalén, San
Pablo Extramuros y San Sebastián. El nuevo centro urbano será la basílica de San Pedro, y los
subcentros las otras grandes basílicas. Para unirlas, se abren calles de enormes dimensiones, y se
organizará el tejido urbano con otras calles y plazas

Principales caracteristica de la aquitectura Renacentista

El redescubrimiento de la proporción

Del análisis de los monumentos

antiguos y de las fuentes literarias y
filosóficas, se desprende la
importancia de las proporciones,
del número, de la medida, como
fundamento de la belleza
arquitectónica. De estas mismas
fuentes los arquitectos deducirán
los conceptos de originalidad y
grandiosidad, que serán incentivos
esenciales para el desarrollo de la
arquitectura renacentista.

Cuando la búsqueda de relaciones

de medida constituye el problema
central de la Teoría Arquitectónica,
el arquitecto se muestra de acuerdo
con la filosofía neoplatónica de su
época. Para ellos el universo está
regido por las leyes en las que se
manifiesta la omnipotencia de Dios. Las relaciones armónicas de medida de la obra humana deberían
ser o reflejar la armonía divina del universo. La idea renacentista de belleza y perfección se basa en

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un racionalismo orientado matemáticamente, de forma que la Teoría de la Proporción intenta llevar a
un denominador común el canon de proporciones del cuerpo humano y las leyes matemáticas de las
formas geométricas básicas, como la circunferencia y el cuadrado, y expresarlas en reglas de
proporción de validez universal. La proporcionalidad matemática del conjunto arquitectónico (planta,
alzado, columnas, capiteles, entablamentos y cornisas), convierte los edificios del renacimiento en
construcciones racionalmente comprensibles, cuya estructura interna se caracteriza por la claridad
(*).
A partir de este momento, el artista se educa en las medidas y proporciones del modelo clásico, y
aspira a la objetivación del proceso creador, a la codificación científica de lo estético. Ya no se
apoya, como los maestros medievales, en fórmulas que pasan de mano en mano, sino que intenta
integrar su labor en un extenso sistema artístico-teórico y fundamentarla racionalmente. En esta
época se publicarán los primeros tratados de arquitectura que, como Vitrubio en la antigüedad,
codificarán los conocimientos
arquitectónicos de la época.

(*) Todo ello se concreta en la

formulación de la llamada Sección
Áurea, o Número de Oro, igual a 1 +
= 1, 1618, que corresponde a una
proporción considerada
particularmente estética.

Según Zeysing “Para que un todo,

dividido en partes desiguales,
parezca hermoso, debe de haber entre la parte menor y la parte mayor la misma razón (proporción)
que entre la mayor y el todo”. Esta fórmula matemática fue utilizada en épocas clasicistas en
construcciones arquitectónicas, en escultura, pintura y música.
Rasgos específicos de la arquitectura renacentista
A continuación se presentan, de forma sistematizada, los principales rasgos que permiten
identificar y comprender la naturaleza de la arquitectura renacentista:

1. Se valora la superficie de los muros. Exteriormente se realzan los sillares mediante el clásico
almohadillado; e, incluso, se tallan como puntas de diamante. En los interiores se anima la propia
superficie del muro a través de elementos armónicamente equilibrados: cornisas, pilastras, columnas
enmarcadas, etc.
2. En cuanto a los soportes, se utiliza la columna fundamentalmente, tanto por su función
constructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o combinada con
pilares. Se emplea el repertorio de los órdenes clásicos. La columna es esencial dado que el estudio

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de sus proporciones es uno de los fundamentos del clasicismo, y sirve como pauta para determinar
toda la proporción del edificio. Este carácter rector de la columna es el fundamento esencial de la
belleza arquitectónica en la concepción renacentista. Se utilizan todos los órdenes romanos, desde el
rústico al compuesto, enriquecido el corintio, que es el más utilizado.
3. El arquitecto renacentista desprecia el arco ojival o apuntado, característico del estilo gótico, y
vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de medio punto. Sostenido por elegantes columnas de
orden clásico y formando galerías o logias, su repetición rítmica contribuye a subrayar la claridad
racional de los edificios renacentistas.
4. En los sistemas de cubierta se produce una profunda renovación, ya sean estas de madera o de
piedra. En las cubiertas de madera el tipo más utilizado es el artesonado: una superficie plana que se
divide en casetones, que pueden ser cuadrangulares o poligonales, y en cuyo centro se suele colocar
una flor u otro motivo decorativo, generalmente dorado o policromado. En las cubiertas de piedra se
emplean preferentemente las bóvedas de cañón, las de arista y las rebajadas o vaídas; en todas ellas
es frecuente que el casquete de la bóveda no se quede liso, sino que se decore con casetones, como
en la arquitectura romana. No obstante, lo más importante será la primacía que se le concede a la
cúpula como forma ideal constructiva (derivada de la admiración que siempre suscitó la cúpula
semiesférica del Panteón de Agripa, en Roma; así como la influencia de la arquitectura bizantina que
irradiaba San Marcos de Venecia). La cúpula se eleva sobre pechinas y generalmente con tambor, en
el que se abren ventanas, y suele estar rematada con linterna que le proporciona luz cenital.
5. El repertorio decorativo se inspira en los modelos de la Antigüedad. La decoración de tipo
fantástico, en la que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando
seres monstruosos, en parte animales, en parte humanos y en parte vegetales o inanimados, recibe el
nombre de grutescos. Cuando esa decoración se ordena en torno a un vástago vertical, que le sirve de
eje, recibe el nombre de candelabro. Los tallos ondulantes ascendentes, por lo general con roleos
laterales, que suelen usarse en las pilastras, reciben el nombre de subientes. Flores, frutos, trofeos y
objetos diversos pendientes de cintas, festones, coronas y medallones, son también elementos
frecuentes en la decoración renacentista.
Influencia de la aquitectura clasica en el Renacimiento
El retorno a lo clásico supone una ruptura con la época anterior, es decir, la Edad Media. Para hablar
de Renacimiento se nos presenta el problema del establecimiento de límites temporales, la cual cosa
según estudiosos, establecen sus inicios entre los siglo XV y XVI, alargándolo hasta el siglo XVI,
aunque hablamos de un margen bastante impreciso.Otra cuestión que trae consigo el Renacimiento,
es la de si supuso la ruptura definitiva con la Edad Media o, resulto ser una etapa de continuidad.
Bien pues, el desarrollo de la burguesía, la clase social que recogía los ideales renacentistas, tuvo su
origen durante la Edad Media, a finales de época y, se encuentra fuertemente relacionada con el
desarrollo del individualismo. Podemos hablar de un despertar ‘medieval’, gracias a la influencia de
la filosofía griega, extendida ya a occidente de la manos de escuelas traductoras como la de Toledo,
Vich, Nápoles…, especialmente durante el siglo XIII. Consideramos que, por parte de la población si
existe una ruptura con tiempos pasados, puesto que existe una conciencia en las actuaciones
políticas, religiosas, culturales, económicas…, que buscan ‘lo contrario a lo medieval’. Entre estas
actuaciones, podemos destacar la desintegración de la iglesia y el desarrollo de la reforma luterana o,

7
el desarrollo de la iglesia anglicana de Enrique VIII, producidas en un marco de consolidación de los
Estados nacionales y de las monarquías absolutas que, configurarán un nuevo marco político
europeo. A esto, se le debe asociar el papel de la burguesía y su predominio, mediante la expansión
del comercio cosa que, supondrá el fin del feudalismo medieval. El estudio en cartografía, el
descubrimiento de la brújula y el empleo de pólvora, serán elementos que nos llevaran al
descubrimiento de América, cosa que aumentara la desconfianza en el saber medieval. La invención
de la imprenta, resultará ser clave en esta época, puesto que facilitara la circulación de nuevas ideas.

Como características del Renacimiento destacamos:

Existe un ideal común, definido por la esperanza en un renacer del ser humanos a una vida
‘verdaderamente humana’. Su expresión se encontrará en las bellas artes, las ciencias, la
investigación y el avance, manifestando al ser humano como ser naturas en contraposición a la
consideración medieval del ser humano como un ser destinado a Dios.
El retorno a los ‘antiguos’ no solo significa la recuperación de su obra, sino también el fundamento
del retorno al principio, al origen de la vida humana y cultural del ser humano. Se considera que
volver al principio no es volver a Dios, sino al terreno del hombre y del mundo humano, de ahí el
concepto ‘pensamiento filosófico pre-cristiano’. El redescubrimiento de la Antigüedad supone un
retormoisesno a los orígenes y la conquista de la personalidad humana. Dicho retorno se plasma en
las artes y las ciencias, no mediante experiencias místicas cómo nos convencía el Medievo, sino que
busca una objetividad física.
Por lo tanto, el hombre es libre de seguir su propia conducta, es libre de la elección de su destino,
cosa que supone una exaltación de la libertad individual tanto en orden teológico, como cultural o
social.
Como podemos observar en sus características, consideramos al Renacimiento como impulsor del
desarrollo de la ciencia, consiguiendo desvincular ciertos aspectos teológicos, relacionándolos con el
pensamiento científico.

Respecto al Humanismo, se caracteriza por buscar el retorno a la sabiduría clásica, busca en ellas:

El interés por lo ‘antiguo’, es decir por lo clásico, es lo que más denota en su definición. Interés en el
que predomina la investigación filológica, esto provoca un interés relacionado con la perspectiva de
la historia en el acercamiento a otra cultura. Con el humanismo, se pudo considerar la historiografía
como clave en el pensamiento europeo.
Durante la Edad Media, el hombre siempre fue considerado desde un punto de vista teológico, bien
pues, los humanistas valorarán al hombre desde un punto de

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vista distinto, desde una perspectiva no-divina, es decir, el hombre visto como un ser natural. La
religión, en su función redentora, es considerada como necesaria para la vida civil. De modo que la
religión y la tolerancia religiosa, son instrumentos para asegurar así el ideal de vida civil.

Ejemplos de los oredenes clasicos en el Renacimiento

Reformulación de Bramante,la columnata alrededor de un núcleo cilíndrico y cupulado

-Templete de San Pietro in Montorio Este edificio es una reconstrucción de un templo romano
circular o al menos eso parece a primera vista. Cambia el corintio por el dórico (el dórico es quizás
más apropiado para la santidad más militante de san pedro) y lo coloca sobre tres gradas. Sobre las
columnas continua la balaustrada. Cada columna dórica tiene su correspondiente pilastra dórica en el
muro del edificio interior, llamado cella. Esta cella, mas alta que la columnata, está cubierta con una
cúpula semiesférica. Sin embargo, no se trata de una reconstrucción literal de un templo romano,
sino que de la ampliación de una idea tomada de los romanos. La penetración vertical del cilindro
central hasta la cúpula semiesférica y a través de ella, son invenciones de Bramante. Esta idea del
templete –columnata alrededor de un núcleo cilíndrico y cupulado- aparecerá una y otra vez en los
siglos XVII y XVIII.

-Palazzo Caprini Las habitaciones principales estaban en la planta de arriba. Abajo había una serie de
arcos arreglados como tiendas, una práctica muy común en Roma. Bramante dio a la planta baja el
carácter tosco pero disciplinado de las obras públicas romanas. Solo utilizo un orden en la parte
superior: columnas dóricas pareadas sobre pedestales, alineados con las balaustradas de las ventanas.
Esta disposición puede parecer elemental, pero como en el caso del templete, era una novedad. Los
romanos nunca habían hecho esto. Podemos ver los ecos de esta renovación clásica en otras obras
como el Palazzo Corner de Jacopo Sansovino (Venecia, 1532) en donde los tres arcos centrales de la
planta baja y los arcos laterales, son sustituidos por ventanas. Y como Venecia reclamaba una altura
adicional, Sansovino duplico la planta superior

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Articulación de Palladio, los órdenes como factor dominante

Palladio inconforme con los estudios de Serlio se convierte en un erudito de la arquitectura, el más
culto y exacto de su tiempo. Supero el dominio de la gramática de la arquitectura romana que había

caracter
izado a bramante y construyo edificios en los que el lenguaje de roma se articuló mejor que en
ningún momento anterior. Si comparamos el interior de Sant Andrea de Mantua de Alberti con el
interior de la II Redentore en Venecia de Palladio, podremos comprobar que el diseño de los vanos
es muy similar en ambas pero Alberti se expresa mediante pilastras y Palladio mediante medias
columnas. En la iglesia de Palladio captamos mucho mejor el orden que en la de Alberti,
haciéndonos parecer que son las columnas las que sostienen los entablamentos y los muros y arcos
quedaran reducidos al papel de simple rellenos intermedios.

En otra obra de Palladio, el Palazzo Chiericati,

una importante mansión urbana cuya planta baja
ofrece al publico una columnata abierta y cuya
primera planta cuenta con 2 grandes balconadas
abiertas o terrazas, de tal modo que los muros
solo aparecen en la fachada principal para
encerrar el gran salón del centro. Una vez más,
Palladio hace de sus órdenes el factor dominante
del edificio.

Epoca de Brunelleshi
Arquitecto, ingeniero, escultor, matemático y diseñador: Filippo Brunelleschi es hoy recordado como
el padre de la perspectiva lineal y el genio ingeniero detrás de la increíble cúpula de la catedral de

10
Florencia. Junto con su amigo Donatello, Brunelleschi sigue siendo una de las figuras más
importantes de la historia de Florencia y es considerado uno de los padres fundadores del
Renacimiento italiano.
Su trabajo representa el comienzo del Estilo Renacentista, el período que llegó después del arte
gótico. En pocas palabras, en la arquitectura gótica hay arcos ojivales, mientras que la arquitectura
renacentista favorece los arcos semicirculares, generalmente como parte de repeticiones regulares de
formas armoniosas - cuadrados, círculos y similares.

Mientras que la obra más famosa de Brunelleschi, la Cúpula de la Catedral de Florencia es de estilo
gótico, es la culminación de una construcción iniciada en otra época (finales del siglo XIII). Si
recorres los alrededores de Florencia y visitas algunas de sus principales iglesias, podrás entender
fácilmente el impacto que Brunelleschi tuvo en el estilo. Vinculado a su trabajo como arquitecto (un
término moderno que define lo que era, hasta cierto punto), a lo largo de su vida, Brunelleschi
también inventó máquinas elevadoras, diseñó fortificaciones para Florencia y otras ciudades, creó
aparejos para escenografías y diseñó un barco para transportar mármol a Florencia desde Pisa a
través del río Arno - ¡y lo vió hundirse en su primer viaje!

Brunelleschi también es considerado el inventor de la perspectiva lineal de un punto en el dibujo y la

pintura, que revolucionó la representación del espacio y nuestra percepción del mundo.

Cúpula de Florencia
El padre Florentino del Renacimiento
Arquitecto, ingeniero, escultor, matemático y diseñador: Filippo Brunelleschi es hoy recordado como
el padre de la perspectiva lineal y el genio ingeniero detrás de la increíble cúpula de la catedral de
Florencia. Junto con su amigo Donatello, Brunelleschi sigue siendo una de las figuras más
importantes de la historia de Florencia y es considerado uno de los padres fundadores del
Renacimiento italiano.

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La estatua de Brunelleschi en Florencia
El hombre del Renacimiento nació en el 1377 en Florencia, aunque han perdurado solamente pocos
registros de su juventud. Educado tanto en literatura como en matemáticas, el joven Brunelleschi se
unió a la clase de artesanos y se formó como orfebre. Las líneas entre la orfebrería y la escultura eran
borrosas, como vemos tanto en Ghiberti y en Donatello - así que el joven Brunelleschi trabajó en la
escultura, hasta que una "competencia perdida" lo llevó hacia otro camino.

En el 1401, Brunelleschi fue uno de los siete participantes en el prestigioso concurso para elegir al
artista del nuevo juego de puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia (que ahora se encuentra
en el lado norte del edificio). Los siete competidores tuvieron que producir cada uno un panel de
bronce dorado que representaba el tema asignado, el Sacrificio de Isaac. Brunelleschi y Lorenzo
Ghiberti fueron los dos finalistas, pero el ganador del encargo fue Lorenzo Ghiberti, que también
creó un segundo juego de puertas conocido como las Puertas del Paraíso. Mientras tanto,
Brunelleschi decidió dedicarse a la arquitectura en lugar de la escultura.

La Catedral de Florencia
La Catedral de Florencia- Credit: Darren & Brad
Su trabajo representa el comienzo del Estilo Renacentista, el período que llegó después del arte
gótico. En pocas palabras, en la arquitectura gótica hay arcos ojivales, mientras que la arquitectura
renacentista favorece los arcos semicirculares, generalmente como parte de repeticiones regulares de
formas armoniosas - cuadrados, círculos y similares.

Mientras que la obra más famosa de Brunelleschi, la Cúpula de la Catedral de Florencia es de estilo
gótico, es la culminación de una construcción iniciada en otra época (finales del siglo XIII). Si
recorres los alrededores de Florencia y visitas algunas de sus principales iglesias, podrás entender
fácilmente el impacto que Brunelleschi tuvo en el estilo. Vinculado a su trabajo como arquitecto (un
término moderno que define lo que era, hasta cierto punto), a lo largo de su vida, Brunelleschi
también inventó máquinas elevadoras, diseñó fortificaciones para Florencia y otras ciudades, creó
aparejos para escenografías y diseñó un barco para transportar mármol a Florencia desde Pisa a
través del río Arno - ¡y lo vió hundirse en su primer viaje!

Brunelleschi también es considerado el inventor de la perspectiva lineal de un punto en el dibujo y la

pintura, que revolucionó la representación del espacio y nuestra percepción del mundo. Brunelleschi
murió el 15 de abril de 1446. Su tumba se encuentra en la cripta de la catedral de Florencia, donde el
epitafio dice: "Lo mucho que Filippo fue eminente en el arte de Dédalo es visible en la magnífica
cúpula de este muy famoso templo, y por las muchas máquinas inventadas por él a través de su

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intelecto divino. Y por las excelentes cualidades de su alma y su singular virtud, su bien merecido
cuerpo fue enterrado en esta tierra el 15 de mayo de 1446, por orden de su agradecida patria."

La arquitectura y la escultura de Brunelleschi:

La arquitectura de Brunelleschi
Capilla Pazzi
Capilla Pazzi- Credit: Marco Badiani

Brunelleschi participó en la construcción

de todas o parte de las principales
iglesias de Florencia - la cúpula de la
Catedral, San Lorenzo, la Capilla Pazzi
en Santa Croce, y Santo Spirito.

Por supuesto, su obra maestra más famosa es la Cúpula de la Catedral de Florencia. La construcción
de la catedral de la ciudad duró más de 100 años, pero los arquitectos aún no habían entendido cómo
construir una cúpula sobre su muy amplio ábside. Para ello, celebraron otro concurso en el 1418: de
nuevo, Ghiberti y Brunelleschi fueron dos participantes principales, pero Brunelleschi ganó esta vez
debido a sus innovadoras propuestas de andamios para ahorrar dinero y madera.

En sentido diagonalmente opuesto al Palacio de los Medici (ahora Palacio Medici-Riccardi) se

encontraba la Iglesia San Lorenzoque en la década del 1420 estaba cayendo en la ruina. Brunelleschi
inicialmente sólo contribuyó con la Sacristía Vieja o capilla de entierro para la familia de los Medici,
pero su comisión se amplió para incluir la reconstrucción de toda la iglesia.

Esta fue su primera ocasión de aplicar su estilo arquitectónico y sus teorías a gran escala. Al otro
lado de la ciudad, también diseñó la Iglesia de Santo Spirito, incompleta y por lo tanto ha sido
considerablemente modificada después de su muerte. También se terminó después de su muerte la
Capilla Pazzi en Santa Croceuna excelente comparación con la Antigua Sacristía y la culminación de
muchos años de experiencia diseñando espacios similares.
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 El Fuerte de Brunelleschi en Vicopisano es un bello ejemplo de
arquitectura militar medieval y renacentista diseñada por Filippo
Brunelleschi en el 1438 tras la conquista del pueblo por los
florentinos. La torre tiene un torreón con trampillas y encimeras. Se
puede observar una pared de 70 metros de largo que está unida a una
torre en la colina.

Epoca de Donato Bramante

Donato Bramante fue uno de los pocos artistas de su época que se decía que era tan talentoso como
los antiguos. Esa es la mayor alabanza posible en el Renacimiento. De hecho, solo se decía que el
gran Raphael rivalizaba con el talento de Bramante. El chico era una superestrella italiana.

Santa Maria presso San Satiro

La primera gran comisión arquitectónica de Donato Bramante fue una iglesia en Milán llamada Santa
Maria presso San Satiro, comenzó en 1481. La tarea de Bramante era transformar un simple edificio
rectangular en una iglesia en un plan de cruz latina, que básicamente significa una iglesia con forma
de cruz. El diseño de Bramante abarcó muchos elementos de la arquitectura romana, incluido el uso
de proporciones matemáticas y formas geométricas para crear un sentido de orden y lógica.

Dentro de la estructura, colocó una bóveda de cañón (una característica romana que fue popular en el
Renacimiento), y la coronó con la primera cúpula atada (una cúpula hecha de paneles establecidos
individualmente) que se había construido desde la caída de Roma. Una de las características más
impresionantes, sin embargo, es la estrecha bóveda sobre el altar este. Para hacer que esta imagen sea
más profunda y dramática, Bramante utilizó una perspectiva forzada para crear una impresionante
ilusión óptica. La bóveda parece profunda.

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La aparente profundidad en la bóveda sobre el altar es solo una ilusión óptica creada por Donato
Bramante
Cuando Donato Bramante se mudó a Roma, tuvo
un mayor acceso a las ruinas romanas y realmente
pudo abrazar sus diseños. Aquí es donde su estilo
de firma despegó. Alrededor de 1500, diseñó los
claustros para Santa Maria del Pace y basó el
diseño en el Coliseo. En el Tempietto de San Pietro
in Montorio, Bramante convirtió el plan de un
templo de estilo dórico grecorromano (tempietto
significa templo en italiano) en una estructura
cristiana. Esta fue la encarnación perfecta de las
filosofías renacentistas, y el primer uso completo
de la orden dórica desde la antigüedad.Donato
Bramante: Biografía y Obras 1

Basílica de San Pedro

El proyecto más ambicioso de Bramante, sin

embargo, fue la pieza central del proyecto de
renovación urbana del Papa Julio II en Roma.
El Papa había seleccionado a Bramante para
rediseñar la Basílica de San Pedro, la iglesia
en el Vaticano y el centro de la fe católica. El
diseño de Bramante era el de una cruz griega,
una con cuatro brazos de igual longitud, como
un signo +. Sería la encarnación de la simetría
y el equilibrio, coronado por una gran cúpula
basada en el Panteón, la estructura abovedada
más impresionante de la antigua Roma. El
diseño de Bramante ha sido ampliamente
anunciado como el pináculo de la arquitectura
del Alto Renacimiento, una fusión perfecta de elementos cristianos y romanos y una obra maestra de
simetría y armonía visual.Donato Bramante

Influecia de las dotrinas griegas de Platon y Aristoteles en las corrientes renacentistas italianas

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Durante la edad media Platonismo y Aristotelismo son las dos corrientes fundamentales con
predominio del aristotelismo. En el renacimiento ambas corrientes continuan teniendo importancia,
pero el platonismo se decanta al cristianismo.
En Florencia se funda la academia Platonica, en la que se encuentra Marsilio Fecini y Cosme de
Medici. Esta academia proviene de las disputas de las obras de Jorge Gemiso Pletón que hizo
comparación entre las obras de Platón y Aristoteles, aunque se declaraba platonico. Su obra despierta
una gran polemica no solamente filosofica y referida al saber cual de las dos estaban más cerca del
cristianismo.
Seguidor de Gemisto esta Basilio Bessarion, seguidor del platonismo e impulso la academia
florentina. Autores Como Marsilio Fecini y Juan Pico de la Mirandola que se ocupan de traducir al
latin y comentar las obras. Esta la idea de comentar los impuestos (Nicolas de Cussa). Pretende
reconciliar platonismo y aristotelismo y juntar las tres religiones. Este ideal se rompe con la reforma
y la contrareforma.
Los Platonicos se centraban en problemas del hombre y los Aristotelicos en el estudio del hombre,
pretenden volver al autentico Aristotelismo que había sido deformado en la edad media. Pretenden
desentrañar el autentico Aristoteles y para ello emprenden estudios filologicos y ven el metodo
aristotelico como prototipo para el estudio de la naturaleza. Es muy complejo, hay distintas
tendencias: el cristianismo y el heterodoxo. El primero deriva de los escolasticos, (Jorge de
Trebisonsa). Los heterodoxos abarcan varias corrientes y son el grupo más numeroso, averroistas,
etc..., las diferencias entre unos y otros no son muy grandes, se interesan por la investigación de la
naturaleza y ven en el aristotelismo un orden para encontrar el mundo pero sin incluir a Dios.
Algunos niegan la inmortalidad del alma y otros el panteismo. Para Pontonazzi el hombre es un ser
relativo y además la inteligencia no podia funcionar indirectamente sin las imagines no habría
inteligencia.

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Ambas se complementan si bien es cierto que en el platonismo se convierte al hombre como algo
divino y algo esta atenuado.

Hable sobre la obra y arquitectura ( en los casos que aplique) de los artistas :
E. Leonardo Da Vinci
(1452-1519) – pintor, escultor, científico, ingeniero, físico, escritor, etc. Obras principales: Mona
Lisa, Última Cena.Uno de los más importantes y completos artistas del Renacimiento Cultural. Sus
pantallas más importantes son: Leda y Madonna de las rocas.

La Mona Lisa

También conocida como La Gioconda, La Mona Lisa es un óleo sobre

madera pintado por Leonardo entre 1503 y 1506. La pintura es un retrato de
Mona Lisa, la joven esposa de Franceso de Giocondo, según el testimonio de
Giorgio Vasari (1511-1574), pintor, arquitecto, y biógrafo de varios artistas
del Renacimiento italiano.

La última cena

La última cena es una pintura mural

ejecutada por Leonardo da Vinci entre los
años 1493 y 1498. Se encuentra en la
pared del comedor del Convento de Santa
Maria Delle Grazie en Milán.

Esta es la obra que le dará notoriedad al

artista. Pero lamentablemente, debido al
hecho de que Leonardo aplicó una técnica
poco ortodoxa que comprometería su
durabilidad. Mezcló así las técnicas del
temple y el óleo sobre capas de yeso en un enlucido.

17
Hombre vitruviano

Hacia el año 1487 o 1490, Leonardo creó el llamado Hombre vitruviano, un dibujo en tinta sobre
papel de dos figuras masculinas superpuestas con brazos y piernas separadas dentro de un círculo y
un cuadrado.

Hombre vitruviano
Leonardo da Vinci: Hombre vitruviano. Gallerie dell'Accademia, Venecia.
El dibujo está acompañado de notas basadas en la obra del famoso arquitecto romano Marco
Vitruvio Polión. Es considerado un estudio de las proporciones y una perfecta yuxtaposición entre
ciencia y arte, así como uno de los trabajos más significativos del artista, científico e inventor
Leonardo da Vinci.

a. Miguel Angel Buonarotti

(1475-1564) – se destaca en la arquitectura, la pintura y la escultura. Obras principales:
David, Pietá, Moisés, pinturas de la Capilla Sixtina (Juicio Final es la más conocida)

La Madonna o Virgen de la escalera es un bajo relieve en mármol

esculpido entre 1490 y 1492. La obra fue concluida antes de que
Miguel Ángel cumpliera los 17 años, cuando aún estudiaba en los
jardines de los Médici, en Florencia, con Bertolo di Giovanni

Centauromaquia

Centauromaquia - 84.5 × 90.5 cm - Casa Buonarroti, Florencia.

Realizado después de la Madonna de la escalera,
Centauromaquia (batalla de los centauros) es un relieve en
mármol ejecutado alrededor de 1492, cuando Miguel
Ángel aún rondaba los jardines de los Médici

La Piedad
Pietà - 1,74 mx 1,95 m - Basílica de San Pedro, Vaticano.
Debido al impacto que supuso la muerte de Lorenzo de
Médici en 1492, Miguel Ángel dejó Florencia, se encaminó a
Venecia y posteriormente a Bolonia. Regresó a Florencia en
1495 pero inmediatamente partió a Roma.

18
 David
David - Galleria dell'Accademia, Florencia.
En 1501 Miguel Ángel regresa a Florencia y comienza el
David, una escultura en mármol con más de cuatro metros
realizada entre los años 1502 y 1504.

El momento de la escena escogido por Miguel Ángel es justo

antes del enfrentamiento entre David y Goliat. De este modo,
Miguel Ángel no representa a un David triunfador, sino a un
joven lleno de ira y de voluntad para enfrentar a su opresor.

Frescos de la Capilla Sixtina

Capilla sixtina
Frescos de la Capilla Sixtina,
Ciudad del Vaticano.
En 1508, Miguel Ángel inició
una de las obras más
importantes a petición del papa
Julio II, quien lo había llamado
a Roma unos años antes para
que proyectara su túmulo.

Tumba del papa Julio II

Tumba de Julio II - San Pietro in Vincoli, Roma.
En 1505 el papa Julio II llamó a Miguel Ángel y le encomendó
su tumba en Roma. En un comienzo quería hacer un gran
mausoleo, lo que agradó al artista.

F. Vignola
No solo destacó como excelente arquitecto. Su tratado Regla de los Cinco Ordenes de la Arquitectura
(Roma, 1562) es un manual clave para el estudio de los órdenes clásicos. La originalidad del tratado
estriba en el sistema de proporciones que Vignola consigue aplicar a todos los elementos de los cinco
órdenes. Estableció una relación constante entre el pedestal, la columna y el entablamento válida

19
para todos los órdenes (4:12:3) y tomó como módulo generador de cada elemento de un orden, el
radio de su respectiva columna a la altura de la basa.

Palacio Boncompagni o Benelli (Vignola, Bolonia, 1538-1545). Su primera obra realizada para la
familia Boncompagni ya muestra su maestría como arquitecto de palacios.

Iglesia de San Petronio (Bolonia, 1547), realizó el ciborio o baldaquino que

corona el altar mayor.

Iglesia de San Petronio (Bolonia, 1547), realizó el ciborio o baldaquino que

corona el altar mayor.

Villa Giulia (1550- 1553) realizada para el Papa Julio III, y con
intervenciones sucesivas de Vasari y Ammannati (que diseñó el
ninfeo) que eran también colaboradores de Miguel Ángel.

Proyectada, a la manera manierista, como una secuencia de espacios dispuestos en niveles diferentes
no visibles al mismo tiempo. No pudo realizar el proyecto completo, y varios elementos como dos
grandes cúpulas fueron eliminadas.

20
 G. Alberti
Alberti comenzó a trabajar como arquitecto alrededor del año 1430. Sus primeras obras las realizó
para la familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están considerados como los ejemplos más
sobresalientes de la arquitectura renacentista.
Destaca más su actividad como teórico que como constructor, ya que proyectaba todos los elementos
al detalle, pero nunca participaba en la construcción de sus edificios.
Otra de las facetas más importantes en Alberti son sus tratados teóricos, por los que hoy conocemos
su pensamiento artístico. Los más relevantes son Della Pittura (1436) y De Re Aedificatoria (1453
).Palacio Rucellai (1445-1451), Florencia.
Es su primer encargo arquitectónico importante en Florencia. Dispone el palacio en torno a un patio
central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde
se encuentran las soluciones más novedosas.
Palacio Rucellai

Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con

un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones
horizontales no coinciden con la altura real de las plantas.
Para romper la horizontalidad introduce una serie de
pilastras verticales en las que emplea la superposición de
órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un
interesante juego de luces y sombras.
El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las
sucesivas construcciones de residencias señoriales.

Templo San Francisco o Templo Malatesta de Rimini

(1447-1450)

Sigismondo Pandolfo Malatesta, príncipe de Rimini,

encargó a Alberti transformar la iglesia de San Francisco y
convertirla en un templo en el que disponer su sepultura, la de su
amada Issotta degli Tai y las tumbas de los hombres ilustres de
Rimini.

Templo Malatesta de Rimini

21
Aunque el proyecto quedó inacabado, se sabe que Alberti planteó la fachada principal a modo de
arco de triunfo y que para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta por una bóveda
hemisférica.

Iglesia de San Sebastiano (1460), Mantua.

Era una iglesia privada para el duque de Mantua, Ludovico Gonzaga. La obra tampoco llegó a
terminarse. Alberti Ideó una iglesia con planta de cruz griega, dividida en dos alturas. La superior
estaba coronada por una gran cúpula, y la inferior, poseía tres naves separadas por dos filas de
pilares.
Iglesia de Sant'Andrea (1472), Mantua.
Alberti sigue en esta iglesia el concepto de "templum etruscum" que ya había expuesto en su De re
aedificatoria.
La iglesia presenta planta de cruz latina con una única nave y capillas laterales rectangulares. La
fachada es majestuosa, con un gigantesco orden de pilastras que soportan un frontón triangular.
Santa María Novella (1456-70), Florencia.
Bajo la petición de Rucellai en 1456, acomete la finalización de
la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había
quedado inacabada. El principal problema era integrar los
elementos de épocas anteriores.
Santa María Novella de Florencia. Buen ejemplo de la
arquitectura renacentista italiana
Alberti completó la fachada, la parte del basamento ya estaba
realizada, con una ordenación clásica, basada en la proporción.
Para unificar el conjunto y armonizar los elementos previos
góticos con los nuevos, renacentistas, utilizó la taracea de
mármoles de colores, una tradición constructiva toscana.
Consiste en la combinación de mármoles blancos y verdes
oscuros.

La solución final es una fachada a modo de telón delante de una iglesia gótica.
Los procedimientos de construccion:
F. Muros
Los muros característicos del Renacimiento se construyen siguiendo las prácticas romanas a base de
grandes bloques de sillares, que son trozos de rocas ligeras de origen volcánico, labrados en sus caras
a un acabado bastante rústico y se utilizan impostas de fuerte moldurado que corren a lo largo de los

22
muros separando los distintos frisos. En las obras renacentistas se utilizan cornisas gruesas y muy
salientes rematando las edificaciones.

Unos elementos frecuentes son los frontones triangulares como los clásicos, pero también curvos,
que se usan en abundancia sobre las ventanas y puertas

G. Bovedas
La bóveda de cañón o de crucería pero sin que se noten desde el interior los nervios que forman los
arcos al converger al centro de la bóveda como era costumbre en los estilos que le precedieron y
estas bóvedas se decoran con pinturas al fresco al igual que las cúpulas
H. Cupulas
La diferencia constructiva con la bóveda genérica es que
en la cúpula, los empujes son iguales en todo el
perímetro de su arranqueUno de los métodos
constructivos más simples y antiguos consiste en
levantar hiladas sucesivas de mampuestos, cerrándose
progresivamente hacia el centro. Este sistema es
antiquísimo, y permite cubrir espacios de diámetro
relativamente pequeño. A veces, la colocación de los
mampuestos sigue un patrón en espiral, tal como lo han
aplicado tradicionalmente los esquimales para levantar
sus iglúes. La construcción resultante suele denominarse
falsa cúpula o aproximación de hileras al conseguirse
por este medio. En este sistema cada aro o vuelta de
mampuestos logra al «cerrarse» la estabilidad necesaria,
y el comportamiento estático es el de una estructura
adintelada, sin esfuerzos horizontales de importancia.

Las cúpulas verdaderas están conformadas por piezas

llamadas dovelas, con una clave superior que equilibra los esfuerzos en forma similar a lo que se
requiere en un arco o una bóveda, solo que en tres dimensiones. Para permitir un óculo cenital que dé
paso a la luz exterior o —más tardíamente— una linterna con el mismo objetivo, la clave puede
reemplazarse por un anillo superior de piezas que resistan en conjunto los esfuerzos de compresión.

La base sobre la que se apoya la cúpula puede consistir en muros continuos o en arcos sobre
pilastras. Cuando la base es cilíndrica, la cobertura del espacio resultante puede construirse mediante
una cúpula simple; en otro caso, la cubierta se convierte en una cúpula de gajos (gallonada). Para
resolver la transición entre la base circular o elíptica de la cúpula y la forma cuadrada o poligonal del
basamento, se utilizaron frecuentemente elementos de transición como trompas o pechinas. Entre la
cúpula propiamente dicha, y los elementos de transición suele interponerse un tambor cilíndrico o
cimborrio, por lo general perforado con ventanas, que posibilitan la iluminación del espacio interior.

I. Arcos

23
El arco empleado es el de medio punto, sobre columnas (la razón es que es el único arco totalmente
racional).

Elemento constructivo y de sostén, de forma generalmente curva, derivada de una porción continua
de circunferencia, elipse, parábola, etc., que cubre un vano entre dos puntos fijos, entre los que
reparte los empujes ejercidos por medio de las piezas menores que los componen, las dovelas, que,
perfectamente acopladas unas con otras, realizan la función de transmitirlos

J. Columnas
Ya se ha dicho que los órdenes clásicos reaparecen y se vuelve a usar el sistema de modulación para
determinar las proporciones de las distintas partes de la construcción pero sin la rigidez que se vio en
aquellos tiempos.
6
Se usan las columnas en ocasiones como ornamento y en ocasiones como elemento estructural para
soportar los pórticos ). Cuando avanza el Renacimiento los fustes se decoran con estatuas y otros

24
motivos pero de tamaño pequeño.

Decoracion de la arquitectura renacentistas

Se inspira en los modelos de la Antigüedad. El arquitecto renacentista se inspirará en las formas
geométricas básicas, que ya se encontraban en los edificios clásicos. El círculo y el cuadrado, el cubo
y la esfera, el cilindro, son las formas más adecuadas, gracias a su perfecta regularidad y
racionalidad.
Áureas, guirnaldas, grutesco y balaustras, eran solo una porción de los
elementos decorativos que se apoyan dentro de la arquitectura
renacentista, ya que se esperaba que ellos otorgaran más sensibilidad y
delicadeza a la obra.
La decoración de tipo fantástico también es una opción. El artista funde
caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres
monstruosos, en parte animales, en parte humanos y en parte vegetales o
inanimados, recibe el nombre de grutescos. Cuando esa decoración se
ordena en torno a un eje recibe el nombre de candelabro. Flores, frutos,
trofeos y objetos diversos pendientes de cintas, guirnaldas, coronas y
medallones, son también elementos frecuentes en la decoración
renacentista

25
.

Arquitectura civil

En los edificios civiles la configuración de la planta es

generalmente regular y simétrica. En los edificios religiosos se
mantiene la forma de cruz latina (como crucifijo) con la
diferencia a épocas anteriores que los salones se dividen menos
y quedan mas amplios e incluso en ocasiones resulta en una
nave única. Los interiores se dividen en secciones cuadradas y
se techa con bóvedas de aristas o de cañón con una cúpula en el
crucero que es la zona donde las naves que se interceptan. Las
torres son raras y cuando las hay se colocan de forma simétrica
si son dos, o en el centro si es una, coronadas por una flecha.
F. Palacios municipales
G. Palacios residenciales
El palacio renacentista, siguiendo la tradición mediterránea, se
organiza en torno a un patio central. El mismo está rodeado, en
planta baja, de galerías abovedadas sostenidas por arcos que descansan sobre delgadas columnas
clásicas. Sobre las galerías habrá tantos niveles como tenga el edificio sobre la planta baja. El palacio
renacentista es idealmente cuadrado y su patio también. Ello respondía a la idea de la planta

26
centralizada, la cual se apoyaba en el concepto humanista del hombre como centro, que se pone de
manifiesto en la Oración de la Dignidad del
Hombre, de Pico de la Mirandola: “Te he puesto en el centro de la creación para que en adelante
puedas observar más fácilmente todo lo que hay en el mundo que te rodea”.
Los palacios renacentistas generalmente se desarrollan en tres niveles: la planta baja daba lugar a
las oficinas; el primer piso, el piano nobile, estaba destinado a la familia y el segundo a los
sirvientes.

H. Distribuccion interior
Edificados en torno a un patio central alrededor del cual se distribuyen las estancias.
- Planta baja: destinada a servicios.
- Primera planta: habitaciones principales de la familia y del servicio.
- Segunda planta: graneros.
- Fachadas de ladrillo con adornos de inspiración mudéjar.
- Galería de arquillos de medio punto.
- Aleros de madera ricamente trabajada.
- Zócalos de piedra sillar.
- Portada de piedra en arco de medio punto.
I. Aspectos exteriores
Las fachadas del palacio renacentista son simétricas y se desarrollan en un mismo plano, sin cuerpos
adelantados ni retranqueos, lo cual permite una clara lectura del volumen del edificio. Siguiendo la
tradición medieval, están decoradas con almohadillados que simulan sillares de piedra rústica. Sin
embargo, los arquitectos del Renacimiento dieron a esta tradición un sentido totalmente nuevo:
dispusieron pesados y toscos sillares para la planta baja, más livianos para el primer piso y aún más
para el segundo. Mediante esta gradación se hace una clara diferenciación de los niveles y se otorga a
la fachada “tectonicidad”, es decir, la impresión de que las partes inferiores pueden soportar el peso
de las superiores.

J. Universidades

27
En principio su intención fué atraer y formar las mentes más preparadas desarrolladas en cantera
propia, con la intención de producir los cuadros dirigentes de la sociedad, formados y controlados
por la iglesia, monopolizadora ella del conocimiento. Para ser un profesional de lo que fuese, había
que ser primeramente sacerdote, siendo religión, la asignatura más importante. En otras palabras eran
centros de adoctrinamiento y herramienta de control.

Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares

Importancia del aquitecto y obrero en el renacimiento italiano

Ya no son los obreros los que tienen el control, sino el arquitecto o proyectista.
Sin embargo amanecía una nueva era para la arquitectura. Los artistas que se habían convertido en
arquitectos e ingenieros debían prestar un nuevo servicio público. Debían orientar sus mentes
creativas al arte de la guerra. A finales del siglo XV la península itálica sufrió de algunas invasiones,
por ello los grandes arquitectos del Renacimiento fueron llamados a diseñar las fortificaciones,
puentes y otros lugares de combate. Las innovaciones y las nuevas tecnologías en construcción
estaban a disposición del ejército.
La era de los arquitectos que había comenzado en Florencia seguiría transformando Roma y el resto
del mundo.

28
Exposicion del arte y aqrquitectura
Todo arte renacentista estuvo centrado en la figura del hombre (antropocentrismo).
El arte renacentista valoró los aspectos culturales, del hombre y de la naturaleza, y estuvo orientada
esencialmente a la reanudación de los modelos clásicos grecorromano.
En base al naturalismo, racionalismo y hedonismo, representó un divisor de aguas, en la medida en
que el arte renacentista trajo innovaciones técnicas y temáticas, por ejemplo, el surgimiento de la
perspectiva, en detrimento del arte anterior (plano recto).
Además, la armonía y el equilibrio fueron
características importantes que buscaron a los
artistas renacentistas para subrayar la
valorización de la antigüedad clásica así como
del antropocentrismo.
De tal modo, el arte renacentista llega para
abordar otros temas, ampliando el abanico de
posibilidades, que sólo estaban restringidos al
arte religioso, en el período de la Edad Media.
Arquitectura
La arquitectura buscaba el orden y el equilibrio,
un ejemplo de esto es la iglesia de San Pedro, en
Roma. Ellos querían deshacerse de la
grandiosidad buscada por las catedrales góticas.
Se estableció, por lo tanto, principios
matemáticos, que hacían que el observador veía
el arte de cualquier punto que observara.
Además, que empezó a basarse en la
simplicidad de las construcciones, en esta época
la escultura y la pintura se desprenden de la
arquitectura y pasan a ser autónomas.
A través de la geometría y sus reglas, una nueva arquitectura puede mostrar la armonía y la
constancia en el hombre producen su arte.
La arquitectura formada en los mismos principios de la geometría armoniosa en que se basaban la
pintura y la escultura, la arquitectura recuperó el esplendor de la Roma Antigua.
Pintura
Tal vez ninguna época artística haya sido igualmente rica y tan talentosa con grandes pintores como
la época Renacentista.

29
En la pintura renacentista, el hombre, mediante las técnicas que se habían hecho en el arte gótico
comenzó a hacer uso de realismo, la perspectiva y el claro-oscuro. Lo hacían a través de los
principios de las matemáticas y de la geometría y, a través del volumen y las técnicas anteriormente
citadas.
La pintura se acercaba al realismo. Cada artista poseía su estilo e individualidad y no estaban presos
a las reglas como los artistas de la Edad Antigua.
Expresiones plásticas del Renacimiento
Desde el punto de vista artístico el Renacimiento se considera como un renacer del arte griego
romano. Surgido en Italia. En efecto, en Italia el arte gótico no tuvo mucha aceptación y subsistía el
recuerdo del mundo clásico. Además se habían formado las Ciudades-Estado como Florencia, Roma
y Venecia, donde dominaba una burguesía que no solo había aumentado su riqueza sino que también
se interesaba por la cultura y protegía a los artistas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el
cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés,
Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco.
Como consecuencia de la tendencia al naturalismo. Los pintores renacentistas se plantean el
problema de la representación de espacio, de la profundidad y de la tercera dimensión. En la pintura
anterior las figuras se movían en un espacio indefinido y no producían efecto de tridimensionalidad.
Para lograr esa representación los pintores se valen de la perspectiva, cuya normas y leyes
sistematizaron y, por medio del claroscuro, que expresa el relieve
Además de la perspectiva, para los pintores de Renacimiento, fue de gran ayuda el descubrimiento de
la pintura al óleo. Esta fue traída desde los países bajos a Italia en la segunda mitad del quattrocento.
Otra conquista especial de la pintura del renacimiento fue la composición y el empleo de esquemas
geométricos, como la composición en pirámide que organiza la obra de una forma clara y le da
cohesión a todos los elementos plásticos.

Principales paises y regiones que adoptaron el estilo

En Francia, se difunde rápidamente gracias a la actitud del monarca
Francisco I. Pueden distinguirse dos periodos: uno en el que
perduran las estructuras góticas con ornamentación renacentista y
otro, en el que se dejan las estructuras medievales y se pasa a las
romanas del renacimiento. El renacimiento en Francia fue muy
fuerte ya que comenzo desde un momento muy trempano de los
italianos haciendo a los francese con una forma de pensar muy
paresida a los italianos esto hace quelos francese tambien sean muy
reconsidos por Europa en este breve momento.
Santa María Novella de Florencia. Filippo Brunelleschi

30
 En España se desarrolla en tres fases. El Plateresco, caracterizado por
una abundante ornamentación muy minuciosa de influencia florentina y
lombarda. El periodo greco - romano, durante el reinado de Carlos I,
que da mayor relevancia a lo arquitectónico, a las estructuras y
elementos constructivos empleados en Grecia y Roma. Y el periodo
Herreriano, que se centra en la estructura y deja de lado todo tipo
ornamentación. El impacto no fue tan fuerte como en otros paises de
Europa ellos siguieron un poco con sus creencias medievales, tambien
el hecho de encontrar América los demoro un poco de la sociedad
Europea.

Alemania: En Alemania el cambio no fue de muchas obras por excepcion de el artista Alberto
Durero. El cambio Aleman fue mas espiritual que el cambio de arte de la época.

Paises Bajos: En los Paises Bajos el impacto fue muy barbaro mucha gente cambio su punto de vista
y su arte fue muy gotico. Comenzaron a pareserse a los italianos en alguna forma. El impacto del
renacimiento fue muy fuerte en esta parte de Europa.

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Inglaterra
En Inglaterra el primer exponente de la Arquitectura renacentista fue Iñigo Jones (1573 - 1652), que
había estudiado en Italia, donde la influencia de Palladio estaba muy extendida. Cuando Jones
regresó a su país, comenzó con entusiasmo a construir basándose en el nuevo movimiento y diseñó
edificios como la Queen's House de Greenwich 1616 y la Casa del Banquete del Palacio de
Whitehall 1619.

Dibu
jo de Nonesuch Palace en 1568
Estas construcciones de líneas sencillas y simetría fueron revolucionarias en un país donde aún se
diseñaban edificios con ventanas partidas, almohadillado y torrecillas.

32
La influencia de la arquitectura renacentista italiana pervivió en especial en el ámbito anglosajón, a
consecuencia del Palladianismo, forma de interpretación peculiar de la arquitectura de Palladio, que
mantedría el clasicismo hasta la llegada de estilos más modernos como el Neoclasicismo. Durante el
Siglo XIX, surge con el Historicismo, un renacer neorrenacentista especialmente importante en el
Reino Unido y Norteamérica.

El renacimiento frances:
El Renacimiento francés fue el movimiento cultural y artístico en Francia entre el siglo XV y
principios del XVII. El período está asociado con el Renacimiento paneuropeo, una palabra utilizada
por primera vez por el historiador francés Jules Michelet para definir el “renacimiento” artístico y
cultural de Europa.

Los desarrollos notables durante el Renacimiento francés incluyen la extensión del humanismo, la
exploración temprana del “Nuevo Mundo” (como Nueva Francia por Giovanni da Verrazzano y
Jacques Cartier); el desarrollo de nuevas técnicas y formas artísticas en los campos de la impresión,
la arquitectura, la pintura, la escultura, la música, las ciencias y la literatura; y la elaboración de
nuevos códigos de sociabilidad, etiqueta y discurso.

D. Influencias italianas en el renacimiento frances

el italianismo existe desde hace mucho tiempo en Francia con Plutarco en literatura, Jean Fouquet en
pintura o Laurana en Marsella en arquitectura, son especialmente las guerras italianas de Carlos VIII
y Luis XII las que ponen a Francia en contacto con el renacimiento de las artes. lugar en Italia. Si el
arte gótico no muere inmediatamente, a la llegada de los primeros artistas italianos en Amboise, en
1495, no obstante da signos de decadencia. A pesar de algún gran éxito, en la primera mitad del siglo
XVI, el proceso de transición del Estilo Luis XII, gradualmente impone las formas del Renacimiento
temprano. Desde los años 1515, las formas góticas se diluyen gradualmente en el decoro italiano

E. Diferencias entre la aquitectura renacentistas italiana y francesa

La arquitectura francesa se diferencio de la italiana en Las características de este período incluyen el
uso mayor de las antiguas órdenes clásicos de columnas y pilastras, precediendo a partir de las más
masivas de los más ligeros. Esto significaba a partir de la parte inferior con el orden dórico , entonces
el iónico , entonces la de Corinto en la parte superior. El orden utilizado en cada nivel determinado el
estilo de ese nivel de la fachada. Philibert Delorme fue más allá y ha añadido dos nuevas órdenes a
sus fachadas: dórico y jónico Francés Francés. Estas columnas eran regulares columnas dórico y
jónico decorado con bandas o anillos ornamentales.

El segundo período incluyó también una amplia variedad de cuadros de pequeño tamaño y
decoración escultórica en las fachadas, por lo general tomado de modelos antiguos griegos o

33
romanos. Estos incluyen la caryatide , elaborados cartuchos , renommées , estatuas relieve que
representa la fama , sobre las puertas, grotescos , a menudo en forma de sátiros y grifos , y cortinas
esculpidos y guirnaldas. Asimismo, a menudo incluyen monogramas estilizadas de las iniciales del
propietario.

La fachada del Lescot como se ilustra en Les además de excelentes edificios de Francia (1576)

Cabe destacar que la arquitectura renacentista italiana se enfoco en varios aspectos desde edificios
publicos hasta palacios, algo muy interesante es queesta arquitectura esra mas rustica que la francesa,

34
al estar estrechamente influenciada por la clasica sus elementos estructurales y esteticos eran muy
naturales pues no solo fue bello sino tambien funcional e innovador.

se inspira en los modelos de la

Antigüedad. El arquitecto
renacentista se inspirará en las formas
geométricas básicas, que ya se
encontraban en los edificios clásicos.
El círculo y el cuadrado, el cubo y la
esfera, el cilindro, son las formas más
adecuadas, gracias a su perfecta
regularidad y racionalidad.

F.

F. Principales tipologias de edificacion grancesa de caracter renacentista

Los jardines renacentistas franceses se caracterizaban por parterres o parterres simétricos y
geométricos. plantas en macetas; caminos de grava y arena; gradas; escaleras y rampas; agua en
movimiento en forma de canales, cascadas y fuentes monumentales, y uso extensivo de grutas
artificiales, laberintos y estatuas de figuras mitológicas. Se convirtieron en una extensión de los
castillos que rodeaban, y fueron diseñados para ilustrar los ideales renacentistas de medida y
proporción.
Jardines del castillo de Villandry
Uno de los mayores logros del Renacimiento francés fue la construcción de los Castillos del Valle
del Loira: ya no concebidos como fortalezas, estos palacios de placer se aprovecharon de la riqueza
35
de los ríos y tierras de la región del Loira y muestran una notable habilidad arquitectónica

El castillo de Amboise

36