Edward Hopper

Biografía
 

(Nyack, 22 de julio de 1882 - Nueva York, 15 de mayo de 1967)

Pintor y dibujante Estadounidense

Areas: pintura, grabado, dibujo

Temas: tema central de la soledad retratos de la soledad en la vida estadounidense
contemporánea.

Datos:

Se le considera uno de los pintores de la escuela Ashcan: pintores de 1908 – 1918, buscaban
retratar la vida urbana newyorkina.

familia burguesa

en 1900 en la New York School of Art.

En 1906, viajó a Europa Londres, Berlin, Bruselas, comenzó a forjarse en 1909, durante una
segunda estancia en París

de los primeros integrantes del Whitney Studio Club, el centro más dinámico para los artistas
independientes de la época. 

1915 y 1923 abandonó temporalmente la pintura, dedicándose a nuevas formas expresivas

como el grabado, usando la punta seca y el aguafuerte, con los que obtuvo numerosos
premios y reconocimientos, incluso alguno de la prestigiosa National Academy.

Nighthawks (Noctámbulos, en español), el cuadro más famoso de Edward Hopper.

Josephine Nivison esposa ayuda su representante

estoico y fatalista, silencioso e introvertido con un amable sentido del humor y de conducta
franca. taciturno, gruñón o desinteresado. 

Culto y sofisticado, fue un hombre bien leído, y muchos de sus cuadros muestran personas
leyendo.

representante del realismo estadounidense.

Estilo
A su regreso a usa empieza a elaborar temas en relación con la vida cotidiana
estadounidense, modelando y adaptando su estilo a la vida cotidiana. 

predominan imágenes urbanas de Nueva York y de los acantilados y playas de la

cercana Nueva Inglaterra.

mágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio,

descripción de los interiores

en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana - agudiza la soledad

habilidad para transferir su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y

rural estadounidense.

simplicidad geométrica

escenas contemporáneas en que la visión de un mundo deshumanizado y la

incomunicación de los seres que lo pueblan parecen ser los temas
principales,
Técnica
Mayormente conocido por sus pinturas al óleo, Hopper comenzó a ganar reconocimiento por
sus acuarelas y además produjo algunos grabados comercialmente exitosos.
Adicionalemente, sus cuadernos contienen bocetos a lápiz y bolígrafo de alta calidad, que no
fueron hechos para ser vistos por el público.
Hopper prestaba particular atención al diseño geográfico y la cuidadosa localización de figuras
humanas en equilibrio con el entorno. 28 A menudo hacía bocetos previos para elaborar sus
cuidadosamente calculadas composiciones.” o .29
Para “New York Movie” (1939), Hopper demuestra su minuciosa preparación con más de 53
bocetos del interior del teatro y de la figura de la acomodadora pensativa.30
Su efectivo uso de la luz y la sombra para crear un estado anímico es central en los métodos
de Hopper. La brillante luz solar (como emblema de la introsprección o la revelación), y las
sombras que arroja también juegan roles simbólicamente poderosos en las pinturas de
Hopper como “Early Sunday Morning” (1930), “Summertime” (1943), “Seven A.M.” (1948) y
“Sun in Empty Room” (1963). Su uso de efectos de luz y la sombra se han comparado con la
cinematografía del cine noir. 31

Uso del color

una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías,
cortantes e intencionadamente «artificiales», y por una extraordinaria síntesis de los detalles.
 juego entre las luces y las sombras

. Siempre dijo que su cosa favorita era pintar la luz del sol al lado de una casa.

Influencias
tres de los profesores de la escuela: William Merrit Chase, que lo animó a estudiar y a copiar
lo que veía en los museos; Kenneth H. Miller, que lo educó en el gusto por una pintura nítida y
limpia, organizada en una composición espacial ordenada y Robert Henri, que contribuyó a
liberar el arte de la época del peso de las normas académicas, ofreciendo de ese modo un
ejemplo activo al joven Hopper. 

Hopper se siente más atraído

por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un pintor
español anterior a todos los mencionados: Goya.
Diego Velázquez y Francisco de Goya y artistas franceses como Honoré
Daumier y Édouard Manet, los cuales acabarían de configurar un realismo personal al
que Hopper se mantendría fiel a lo largo de su carrera.

Proceso creativo
Él y su mujer mantenían un detallado libro con sus obras con notas como “cara triste de mujer
apagada

Él fue un artista lento y metódico; escribió, “Toma un largo tiempo que una idea llegue.
Después tengo que pensar en ella durante largo rato. No comienzo a pintar hasta que lo tengo
todo solucionado en mi mente. Está todo bien cuando finalmente me acerco al caballete”.

fue un pintor de ejecución lenta y pausada.

Se preparaba antes de componer una obra con bocetos variados y en grandes cantidades
Dibujos, bocetos y apuntes de Edward Hopper constituyeron el
andamiaje que el pintor necesitó para construir la soledad luminosa de
sus mejores cuadros eran material privado no apto al publico
Estudiaba minusciosamente los detalles y las posiciones de cada
elemento de laa obra ¨”un minucioso trabajador"
Opinión crítica frente a su legado
su fortuna crítica comenzó a crecer verdaderamente a partir de su muerte, en 1967, cuando
empezó a ser reconocido como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX y no sólo
como un ejemplo de la pintura realista americana.

Según la curadora del Museo de Bellas Artes de Boston, Carol Troyen, "a Hopper realmente le
gustó la forma en que estas casas, con sus torres y torres y porches y techos de mansarda y
adornos proyectan sombras maravillosas. Siempre dijo que su cosa favorita era pintar la luz
del sol al lado de una casa." 5
En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y
el Whitney Museum la segunda, en 1950.

Según el crítico Lloyd Goodrich, él era "un pintor eminentemente nativo, quien más que nadie
estaba captando más la calidad de América en sus lienzos".

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografías y Vidas. La enciclopedia

biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de
[Link]

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. (2020). Edward Hopper. Recuperado de

[Link]

La información. (2013). El proceso creativo de Hopper a través de sus dibujos ve la luz en

el Whitney. Recuperado de [Link]
proceso-creativo-de-hopper-a-traves-de-sus-dibujos-ve-la-luz-en-el-
whitney_fjTJN7iIPfFeizw6RPifN3/
Wikipedia. (2020). Biografía de Edward Hopper. Tomado de
[Link]

Diferencias de el medio de la pintura clásica con el medio de la pintura digital contraponiendo

conceptos como:

Hay grandes diferencias entre la pintura tradicional y la digital, las fundamentales radican en el
medio, el uso de los materiales de trabajo y el desarrollo del proceso.

En la pintura el medio que posibilita la creación esta compuesto por un conjunto de cosas físicas
como los sustratos, los pinceles, los óleos, acuarelas, acrílicos, etc. y también por cosas mas
personales o que tienen que ver con el cuerpo y la mente como la actividad netamente manual,
visual y cerebral que se da al crear.

En el caso de la pintura digital, el medio está compuesto físicamente por un aparato tecnológico
(computador, Tablet, celular) un programa que contiene los elementos equivalentes al lienzo,
prediseños de trazos de pinceles, gamas de colores, formas y cientos de funciones más; como
pincel se usa el mouse, los lápices ópticos o los dedos en las pantallas táctiles, también el medio
en este caso esta compuesto por elementos intangibles que cooperan a la creación como la
interpretación visual, mental y el uso de los conocimientos técnicos para manipular las
herramientas digitales.

En cuanto al uso de los materiales difieren notablemente los dos tipos de pintura, mientras que en
uno es indispensable para la creación un caballete, un lienzo preparado, diferentes pinceles,
paletas, diluyentes, etc, para el otro basta con un dispositivo, un software y todas las herramientas
y opciones visuales consignadas allí.

Como consecuencia del medio surgen los materiales de trabajo y se determina el desarrollo del
proceso, para la pintura clásica el desarrollo puede variar dependiendo de la técnica que se vaya a
usar, es necesario en la mayoría de casos usar antes bocetos de planeación o imágenes de archivo
y apoyo entre otras, según el sustrato y el material se realiza la aplicación sobre el lienzo. En el
caso de la pintura digital el desarrollo del proceso depende de la utilización de las herramientas
informáticas que posee el programa, se pueden usar imágenes de fondo como guias o para
calcado pues se tiene en cuenta el uso de capas, en el transcurso se pueden cambiar los trazos y su
grosor o forma, el área de trabajo y la aplicación de color, finalmente la imagen es compuesta por
innumerables unidades de pixel que evidencian la forma, color, contorno etc. Comúnmente del
proceso creativo de la pintura digital nace la publicidad, el diseño y la ilustración digital mientras
que de los procesos manuales nacen más que productos obras con diferentes valores importantes.
De este modo se establece una clara divergencia entre los dos tipos de pintura, pero, también
existen multiplés relaciones, así sea mediante pinceles o lápices ópticos, lienzos o tabletas gráficas,
colores o pixeles la pintura demuestra su capacidad mágica de expresar a través de distintos
medios, con diferentes materiales y procesos constructivos.

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