EL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO
Puesta en Escena
Características globales de los contenidos de la imagen, como vestuario, objetos que
ocupan el espacio. Los temas y motivos que giran entorno a la trama.
Puesta en Cuadre
Se refiere a la modalidad de tratamiento y presentación de los contenidos, es decir, cómo se
representa en la pantalla la historia y situaciones posibles que propone la película, define el
tipo de mirada sobre los contenidos y como son captados
por la cámara (planos, encuadres, iluminación, etc)
Puesta en Serie
Relaciones y nexos de cada imagen con las anteriores y posteriores, que
determinar conexiones que se entrelazan en todo el film.
Estructura de un Film
Antes de introducirnos al resto de los temas, recomiendo un repaso por la estructura de un
film, ya que es lo principal a tener en cuenta en el montaje.
Es importante saber identificar dentro del film las Secuencias, Escenas, las Tomas o
Planos, ya que si no las tenemos en cuenta podemos hacer que la película pierda
coherencia y sentido a la hora de realizar cortes y compaginaciones en la edición.
Montaje Aspectos Mecanicos
Sincronización de la imagen con su correspondiente sonido (análogo o digital)
• Compaginación de tomas separadas
• Cortes de precisión
• Transiciones, efectos de video, tratamiento de niveles para el mix final de la banda sonora
Montaje Aspectos Narrativos
El Montaje es:
• Ritmo
• Ordenación/significación
* Continuidad)
SECUENCIA: Unidad Dramática y Temática con sentido completo. Cada secuencia va a
estar dividida en varias escenas, una escena en un libro sería un párrafo y una secuencia
se traduciría en un libro a los capítulos.
ESCENA: Acción continuada que se desarrolla dentro de un mismo ambiente o escenario.
Escenario viene de la palabra escena, porque en teatro cuando se cambia de escenario es
cuando se cambia de escena.
TOMA/PLANO: Acción interrumpida de la cámara, desde que inicia la grabación hasta que
se detiene. Es el fragmento comprendido entre dos cortes
El tipo de plano que se elija para captar una porción del campo visual, depende de que es lo
que se va a encuadrar en el plano, esto dará la sensación de
distancia entre quien capta la escena y el objeto a captar.
ELIPSIS
En el lenguaje cinematográfico hay un recurso expresivo denominado elipsis que consiste
en la supresión de alguna acción, generalmente innecesaria, para hacer más ágil el relato
eliminando acciones que el espectador puede obviar o deducir fácilmente con las pistas que
le ofrece el director.
Más allá de ser un recurso de síntesis narrativa y de economía de medios de expresión la
elipsis es un factor poético de inusitado potencial expresivo.
a) narrativas: permiten agilizar el relato, eliminando lo superfluo o innecesario
b) de estructura: están motivadas por razones de construcción de relato: razones
dramáticas : Objetivas: todo aquello que se le oculta al espectador. Por ejemplo, todos
aquellos filmes de detectives y misterio, en donde al comienzo de la película, un personaje
es asesinado por alguien no visto por la cámara, y se sabrá quien fue en el final de la
historia
c) de contenido: las que están motivadas por razones de censura social, moral, política o
religiosa.
d) las artísticas, lleva al espectador a que use su imaginación (por cierto todas las artes,
particularmente el cine, son artes de propuesta porque el director pone ante nuestros ojos
una serie de imágenes de las cuales nosotros vamos deduciendo la trama.
EJEMPLO: 2001 ODISEA DEL ESPACIO DE KUBRICK
EL MONTAJE
El montaje crea un conjunto de relaciones nuevas que no existían previamente como tales
en la realidad. El montaje no es más que un truco y depende de la forma de mirar al mundo,
lo cual no hay dos caracteres o dos formas de mirar idénticas. Sería bueno que cada
cineasta buscara una forma de montaje propia e intransferible.
Actualmente no existen tipos puros de montaje, si no que es válido alternar diferentes
recursos de acuerdo a la visión que cada quien le quiere dar a su propio proyecto.
Tipos de Montaje
El montaje crea un conjunto de relaciones nuevas que no existían previamente como tales
en la realidad. El montaje no es más que un truco y depende de la forma de mirar al mundo,
lo cual no hay dos caracteres o dos formas de mirar idénticas. Sería bueno que cada
cineasta buscará una forma de montaje propia e intransferible.
Actualmente no existen tipos puros de montaje, si no que es válido alternar diferentes
recursos de acuerdo a la visión que cada quien le quiere dar a su propio proyecto.
Montaje de continuidad
Sigue varias reglas que satisfacen diferentes propósitos:
- Contar una historia, eliminando todo lo innecesario y evitando las repeticiones.
- Crear de manera que se mantenga la Coherencia Espacial
- Mantener la Continuidad Temporal
- Crear y mantener relaciones visuales y rítmicas
- Ocultar al espectador los recursos de construcción de la ficción
Discontinuo
Sucede en un tiempo discontinuo, para la generación de una idea se basa en el choque de
dos planos, en su confrontación y combina sus fragmentos de modo arbitrario con el fin de
Demostrar una Imagen. Parte del principio del “injerto” para construir el sentido del film.
Busca generar eco o sensaciones en la conciencia del espectador a través de conexiones
aleatorias. Evoca o sugiere un mundo por percibirse. Parte del principio del collage. El
montaje de correspondencias genera subtextos para dar forma a una parábola que está
más allá del simple trayecto de los personajes.
Constructivo
Vladimirovic Kulechov marca un hito en los temas de significación y de narratología;
demostró que dos tomas sucesivas no son interpretadas de manera independiente por el
espectador, sinó que el cerebro las integra.
Descubrió que el orden en la yuxtaposición de planos de actores, con otros objetos, podría
modificar sustancialmente el significado del mensaje. Filmó a un actor inexpresivo (mantuvo
la misma expresión todo el tiempo).
Cuando se vio por primera vez, los espectadores creyeron que el sujeto experimentaba
gula, compasión y lujuria. Y era el mismo plano repetido.
Si algo tan sencillo es posible, y nos engaña completamente, podemos imaginar hasta qué
punto el montaje es capaz de convertir una pobre puesta en escena en algo falsamente
dinámico y emocionante.
Invertido
Se alterna el orden cronológico del relato a partir de una temporalidad subjetiva de un
personaje o buscando más dramatismo.
Paralelo
Dos o más escenas, independientes cronológicamente, se desarrollan simultáneamente
creando una asociación de ideas en el espectador.
La finalidad es hacer surgir un significado a raíz de su comparación. Una característica es
su indiferencia temporal, donde no importa que las diferentes acciones alternadas sucedan
en tiempos diferentes o muy distantes entre sí.
Alterno
Equivale al anterior, basado en la yuxtaposición de dos o más acciones, pero entre éstas
existe correspondencia temporal estricta y suelen unirse en un mismo hecho al final del film
o de la secuencia.
Montaje de Atracción
ATRACCIÓN (o “excitante estético”): todo momento agresivo del espectáculo realizado a
través de impactos estéticos, es decir, todo elemento que someta al espectador a una
acción sensorial y/o psicológica calculada para obtener determinadas conmociones
emotivas, conmociones que le conducen a una conclusión ideológica (de las ideas).
La atracción es el elemento primario de la construcción del espectáculo con una orientación
que conduce a un efecto temático.
El TEMA es el alma del filme imponiendo una ley interpretativa.
Mediante la dinámica asociativa, se utilizan los objetos a modo de SÍMBOLOS, a los fines
de generar en el pensamiento figuras retóricas más intensas que lo mostrado por una
imagen puramente denotativa. Esto deja en total libertad al espectador para desarrollar su
propio esquema interpretativo subjetivo y descubrir, incluso nuevas cadenas de significado
mediante el análisis hipertextual individual.
El tema está lleno de conflictos internos, de tensiones dialécticas, y el montaje los pone en
evidencia. Podemos visualizarlo así:
PERRO + BOCA = LADRAR
CORAZÓN + CUCHILLO = DOLOR
Métrico
El número de cortes están armonizados al compás de la música o de la banda sonora,
como punto de énfasis musical. Se basa en la longitud de los fragmentos, lo que permite
variaciones mecánicas del ritmo, de acuerdo a un tempo (de marcha, de vals, de bolero, de
balada, de rock, etc.)
Rítmico
Toma en cuenta la longitud de los fragmentos y el contenido de los cuadros, lo que
evidencia una longitud afectiva, que supera un concepto netamente matemático
(equivalente a las aceleraciones de latidos del corazón por minuto, de acuerdo a las
emociones que estemos viviendo).
Ejemplo: la secuencia de las escaleras de Odessa en El acorazado de Potemkin
(Eisenstein, 1925): el rítmico redoblar de los pies de los soldados al bajar los peldaños no
está sincronizado con los cortes, lo que va generando un ritmo diferente, que se transfiere a
la caída del cochecito (el cochecito funciona como acelerador de los pies).
Tonal
Se basa en las características dominantes de un cuadro, como la luminosidad (tonalidad de
la luz o fotográfica), el tipo de angulación de la cámara (tonalidad gráfica), el color (tonalidad
cromática). Se produce una tensión entre los principios rítmicos y los tonales. A medida que
el espectador desenvuelve asociaciones entre el color y el sonido, su experiencia de la
película es más amplia.
Ejemplo: Traffic, identificación cromática del escenario geográfico de la historia a través del
color: parte estadounidense, dominante fría, colores azul, verde; parte mexicana, dominante
cálida, colores amarillo mostaza, ocre, naranjo = montaje tonal cromático.
Armónico
Esta categoría de montaje es orgánicamente más adelantada que la del montaje tonal por el
cálculo colectivo de lo que cada fragmento requiere. Esta característica nos conduce desde
la impresión de una coloración melódicamente emocional a una percepción directamente
fisiológica y representa también un nivel relacionado con los precedentes.
Intelectual
Esta categoría de montaje intelectual presenta el estudio más elevado del montaje de
atracciones. Es un montaje de sonidos y armonías de aspecto intelectual, es decir, conflicto-
yuxtaposición de acompañados efectos intelectuales.
Continuidad Cinematográfica
Continuidad cinematográfica hace referencia a la relación que existe entre los diferentes
planos de una filmación, a fin de que no rompan en el receptor, o espectador, la ilusión de
secuencia. Cada plano ha de tener relación con el anterior y servir de base para el
siguiente.
Tipos de Continuidad
1. La continuidad en el espacio: Líneas virtuales, dirección de los personajes, gestos y
miradas.
2. La continuidad en el vestuario y en el escenario: Ya que las películas no se registran
siguiendo el guión secuencial, hay que asegurarse de que el vestuario de los personajes y
su entorno no cambia sin razón.
3. La continuidad en la iluminación: Que no haya cambios repentinos de tonalidad dentro de
un mismo espacio y secuencia.
4. La continuidad de interpretación: También, es muy importante que los actores y actrices
cuiden la continuidad, no sólo espacial (la dirección a la que se dirigen, etc.) sino de su
interpretación. Deben cuidar factores como el tono de voz y la expresividad, para que
resulte natural en cada cambio de plano.
Continuidad Narrativa
RACORD: El montaje debe dar una sensación de continuidad y homogeneidad que se
sintetiza con la idea del “Raccord” (enlace en francés)
El raccord se define como un cambio del plano insignificante como tal o transparente en el
que se preserva una absoluta continuidad de una imagen a otra.
Sirve para conseguir una unidad de sentido a lo largo del relato, es decir, que las tomas
sean coherentes entre si.
Racord de Mirada
Un plano nos muestra un personaje que mira algo generalmente fuera de campo, el plano
siguiente muestra ese algo en primer plano que puede ser a su vez otro personaje mirando
al primero. Pueden estar los dos en campo y verse la cara de uno y la espalda del otro y
viceversa.
El raccord de miradas y el de dirección implican la proximidad espacial entre dos planos.
Cuando el plano A y el plano B muestran separadamente dos personajes que se miran, es
preciso que el personaje «A» mire hacia el borde derecho del encuadre y el personaje «B»
hacia el borde izquierdo, o inversamente. Si en dos planos sucesivos, los personajes miran
ambos hacia el mismo borde del encuadre, la impresión inevitablemente producida será que
no se miran.
Es necesario dejar un espacio de referencia entre los ojos del actor y el extremo del
encuadre hacia el que mira el sujeto.
Racord de EJe
En el rodaje de dos movimientos sucesivos de una misma situación, separados por otra
imagen, la cámara se acercará o alejará en relación al primero siguiendo la misma
dirección.
En la imagen que vemos a continuación, observamos que la cámara se desplazó
únicamente en cuanto a la distancia con el personaje, sin cambiar el ángulo ni la dirección
de la toma
Racord De Movimiento
La continuidad también se aplica a la dirección del movimiento.
Un movimiento con una dirección y velocidad determinados se vera continuado en el
siguiente plano con velocidad y direcciones equivalentes.
El primer “axioma” del montaje es cortar en la acción.
Consiste en iniciar un gesto al final del plano A y concluir el gesto al principio del plano B.
La razón por la que la mayoría de los cortes se realizan mientras los actores llevan a cabo
cualquier movimiento es porque éste distrae la atención del espectador y así no nota el
cambio de plano. Ej: Descolgar un teléfono => Paso de PG a PM o abrir una puerta.
La particularidad que presenta el raccord en el movimiento es un efecto de borrado que
permite suprimir algunos de los fotogramas de los dos planos que se engarzan sin que sea
posible distinguir su superposición momentánea.
El número de imágenes que pueden suprimirse es más elevado cuanto mayor sea la
diferencia de tamaño entre los dos planos que se cortan y cuanto más rápido es el
movimiento.
Continuidad Visual
Para preservar la Continuidad Espacial y de la Acción, existen ciertas reglas para tener en
cuenta:
- La regla de los 180º
- La regla de los 30º
- La regla de la Proporcionalidad
- La Correspondencia de Miradas
- El Plano – Contraplano
- La Continuidad de Contenido
- La Continuidad de Posición
- La Continuidad del Sonido
La regla de los 180º o la ley de Eje
El eje cinematográfico es la línea imaginaria que une los ojos de los personajes que están
en la pantalla. Las cámaras se deben colocar en el mismo lado del eje, y sólo se le puede
saltar en ocasiones muy determinadas; porque se desubicaría al público al no respetar el
establecimiento de la localización de los personajes y la dirección de la acción, del viaje o
de la mirada.
La ley del eje es complementaria al raccord de miradas y al de dirección. Para no perder la
continuidad es necesario que se de un cambio de eje de la cámara: inferior a los 180 grados
para evitar el salto de eje, y superior a los 30 grados para evitar una sensación de
repetición, a menos de que vayan acompañados por un cambio de escala muy marcado.
Cuando dos personajes se encontraban en la pantalla de un plano (tamaño) relativamente
próximo, las posiciones respectivas establecidas en el primer plano (personaje «A» a la
derecha, «B» a la izquierda) deben ser respetadas en los planos siguientes, so pena de
crear una confusión para la vista, al tener el espectador invariablemente la impresión de que
una inversión de posiciones en la pantalla corresponde a una inversión en el espacio «real».
La regla de los 30º
Si consideramos en un plano dos ángulos de toma que corresponden a dos encuadres
sucesivos del mismo sujeto, es importante que los dos ejes sucesivos de la cámara tengan
entre ellas un ángulo de por lo menos 30º. En el transcurso del paso entre dos encuadres
sucesivos es recomendable modificar la escala del plano (al menos un paso)
Regla de la Proporcionalidad
La proporción entre el tamaño de los planos es un aspecto fundamental a la hora de
conseguir transiciones suaves, y por lo tanto, mantener la continuidad narrativa. No
podemos pasar de un plano a otro en los que la composición y el tamaño sean casi los
mismos, porque ese cambio tan ligero produce cierta incomodidad en el espectador. Las
transiciones entre planos deben realizarse cuando ambos tengan una composición
absolutamente diferente y cuando el cambio de distancia con relación al objeto sea
perfectamente visible. También debe mantenerse la regla de la proporcionalidad en las
angulaciones de los planos, las transiciones conviene hacerlas sobre ángulos iguales, o por
el contrario completamente diferentes (un cambio de posición de 90º ofrece una variación
sin lugar a confusiones, en cualquier caso no debe ser inferior a 30º para no saltarse la
regla del mismo nombre.
Correspondencia de Miradas
Este es un aspecto importante de continuidad. Los ejes de mirada tienen que
corresponderse para mostrar que los dos actores se están mirando entre sí. Por supuesto,
es posible que en realidad no hayan estado juntos en rodaje, pero la edición de los planos
crea esta relación.
El plano contra Plano
Hace referencia al método “de aquí para allá” que a menudo se utiliza en las
conversaciones y los planos de reacción. Aunque existe el plano – contraplano ausente a
los fines de ocultar cosas e inquietar al espectador por omitir el contraplano.
En los planos – contraplanos se suele incluir el “escorzo” que es la silueta del personaje que
está de espaldas.
Continuidad de Contenido
Debe existir una continuidad de contenido. Por ejemplo, si el actor ha descolgado un
teléfono con la mano derecha en el primer plano, es necesario que el teléfono esté todavía
en su mano derecha en todos los planos posteriores. Parte del trabajo del editor es
asegurarse de que se mantiene la continuidad cada vez que se monta una secuencia de
planos.
En la imagen que vemos, observamos un gran fallo en la continuidad de contenido ya que
en la primera toma vemos el cigarrillo que se encuentra consumido hasta la mitad; pero en
la toma siguiente, como por arte de magia, ¡¡¡el cigarrillo aparece como recién prendido!!!
Continuidad de Posición
La continuidad también es importante en la posición del actor o sujeto en la pantalla. Si un
actor se encuentra en el lado derecho de la pantalla en el primer plano, debe estar también
en lado derecho en el plano siguiente. A menos, por supuesto, que en la pantalla se haya
visto un cambio de escenario que varíe esto.
Continuidad de Sonido
La continuidad del sonido y su perspectiva tiene una importancia crítica. Si la acción sucede
en el mismo lugar en el mismo “momento”, el sonido continuará de un plano al otro. Si en un
plano aparece un avión en el cielo, y se oye, es necesario que se oiga también en el plano
siguiente, hasta que el avión se pierda en la distancia. Incluso si el avión no se ve en el
segundo plano, eso no significa que no tenga que oírse.
Además, en los planos que tengan lugar en el mismo escenario y al mismo “tiempo”, habrá
una similitud general en el sonido de fondo. Esto se conoce como ambiente de fondo o
atmósfera. La atmósfera debe tener continuidad.
Errores de Racord
Los errores de racord son todos aquellos baches de las películas que evitan que la
continuidad sea estable, pueden ser desde personajes mal caracterizados con objetos de
otra época, escenas mal montadas o que se vea alguno de los medios que se emplean en
la grabación, como cámaras o focos.
Continuidad Temporal
La fragmentación y el montaje, permiten jugar con el factor temporal de manera que un
acontecimiento largo que ha tardado bastante tiempo en desarrollarse, podía ser relatado
en un corto período de tiempo mostrando solamente los hechos y detalles más
significativos. El tiempo real y el tiempo fílmicos entran en juego, mostrando relaciones de
ajuste y de desajuste entre los dos.
Adecuación: este se refiere a cuando el tiempo real y el tiempo cinematográficos son los
mismos.
Distensión: esto ocurre cuando la escena se alarga más tiempo, la acción tarda más de lo
que sería en un momento real.
Condensación: se elimina parte del relato, en este caso el espectador debe poner a
trabajar la imaginación para poder complementar la escena.
Flash-back: en este se relata lo que fue en un tiempo pasado dentro de la historia
llevándonos directamente a una escena.
Flash-forward: aquí se relata lo que puede pasar en un tiempo futuro.
Paralelismo: Se alternan dos tiempos, que suceden a la vez pero en lugares distintos.
Alargamiento: La proyección se ralentiza mediante la cámara lenta.
