REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN
UNIVERSITARIA, CIENCIA Y TECNOLOGÍA
UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES
CARACAS – DISTRITO CAPITAL
POP ART
Alumno(a):
Maria Fatima Dos Ramos
Profesor(a):
Hendrik Hidalgo
Caracas, martes 29 de Octubre de 2019
Índice
pp
Introduccion……………………………………………………………….. 3
El Arte Pop…………………………………………………………….. 4
Características del Arte Pop…………………………………………… 5
Antecedentes del Arte Pop…………………………………………….. 10
¿Por qué y para qué nació el Arte Pop?................................................... 13
Artistas más destacados del Arte Pop………………………………….. 15
Obras más emblemáticas………………………………………………. 17
Conclusión………………………………………………………………... 26
Bibliografía
Introducción
La producción artística evoluciona porque responde a su entorno. Por lo tanto,
conforme pasa el tiempo vemos como los artistas se transforman, y lo que antes no
podía ser considerada como obra de arte, se convierte en una. Quizás uno de los
ejemplos más claros de este fenómeno es el surgimiento del Pop Art. A continuación,
se presenta un breve resumen del Pop Art como movimiento artístico, concepto,
características, antecedentes, representantes más significativos y sus mejores obras
Pop Art.
El Arte pop
El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que
tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos,
pero fue este último el país que se convirtió en el abanderado del movimiento. Sin
embargo, el arte pop generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa
como en América Latina, Asia y Oceanía, siendo un movimiento artístico inspirado
en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como
anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del
cine.
Claes Oldenburg: Giant Three Way Plug. 1970.
El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la
sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra
mundial y la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.
Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que tomara en
cuenta el universo de símbolos y temas de interés masivo, es decir, los símbolos
"populares" a los cuales la élite cultural parecía dar la espalda y negar su
movilizadora penetración en el imaginario colectivo.
Características del arte pop
1. Inspiración en la cultura de masas
Roy Lichensteins: Whaam! Óleo y pintura acrílica sobre lienzo. 1963.
Si los antiguos habían representado la imagen del mundo como lo conocían y
concebían en sus obras, era obligación de los artistas contemporáneos hacer lo propio.
Los artistas pop acudirían a aquellos objetos cotidianos que se estaban convirtiendo
en los nuevos símbolos de "civilización": ídolos mediáticos, figuras políticas, objetos
fabricados en serie, tiras cómicas (cómics), carteles, embalajes y toda clase de
imágenes simbólicas (señales de tráfico, collages, etc.).
2. Ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop
Andy Warhol: Latas de sopa Campbell's. Serigrafía y polímero sintético sobre tela.
1962.
El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de masas podían
contener elementos de belleza, y no solamente las venus y madonas de la Antigüedad.
Claro que esto no dejará de ser también una provocación para el entorno intelectual,
aspecto que los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.
3. Descontextualización
Robert Rauschenberg: Persimmon, Óleo y serigrafía sobre tela.1964.
Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y
descontextualizarlos. Por ejemplo, sacar de su contexto una lata de sopa, un cuadro
famoso o una fotografía, intervenirlos y transformarlos en una obra o una nueva obra.
Algo semejante habían hecho los dadaístas con su técnica ready made desde que
Marcel Duchamp creó su famosa Fuente: un urinal intervenido con la firma del
artista, bajo el seudónimo R. Mutt, y que fue presentado como una obra museística.
4. Negación del virtuosismo
Andy Warhol: Elvis doble. Serigrafía y polímero sintético sobre tela. 1963.
Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. Con esto, el arte
pop rompía con la idea de una obra de arte como resultado de un proceso complejo,
largo y difícil, lo que favorecía el principio de reproducción múltiple.
Por ello, implementaron técnicas absolutamente inusuales en el campo de las
bellas artes, como la serigrafía, el cómic con sus viñetas y estilo de la línea, algunas
técnicas de la publicidad y de la producción masiva, además de collages y fotografías.
Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y espectáculos
interactivos, lo que asestaba un golpe contra el coleccionismo y la mercantilización
del arte.
5. Incongruencia
Claes Oldenburg: Lápiz labial en ascenso. Acero resistente a la intemperie. 1969.
El universo de símbolos que ofrecía el arte pop no era muy fácil de asimilar para
los intelectuales de la vieja escuela, y, además, los artistas pop tampoco tenían una
única posición frente a lo que representaban, lo que dificultaba las cosas. Por ende,
sus propósitos no necesariamente estaban claros. ¿Criticaban el consumo? ¿Validaban
el consumo? ¿Sacaban provecho de las circunstancias? Creaban así imágenes
aparentemente incongruentes y provocadoras.
6. Humor
May Wilson: Retrato ridículo (con cello y querubín). De la serie Retratos ridículos.
Técnica mixta. 1972.
Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también un
movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador.
Lejos de las posturas infatuadas de los grandes teóricos e intelectuales del medio,
los artistas pop ironizaban y reían del orden circundante. Quizá era un modo diferente
de hacer crítica.
7. Provocación
Jasper Johns: Tres banderas. Encáustica sobre lienzo. 1958.
Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico. Por
ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad cuestionaban también la superioridad
del genio creador, figura a la que se le rendía tributo desde el renacimiento.
Cuestionaban asimismo el papel de los críticos, de los historiadores del arte, el
concepto de los museos, los criterios de selección, los principios de la museografía...
Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es evidente que nada
surge por generación espontánea, y que, antes de que los artistas pop se formularan
este programa estético, generaciones previas fueron creando las condiciones para esta
auténtica revuelta de los signos artísticos. Veamos cuáles fueron sus antecedentes y
qué relaciones tenía el arte pop en el contexto creativo de los años 50.
Antecedentes del arte pop
Las influencias del pop art pueden hallarse en corrientes como el dadaísmo,
surgido en la primera ola de vanguardias. Fue un movimiento cultural que
cuestionaba el orden racional positivista y que, particularmente en la pintura, se
destacó por haber propuesto nuevas técnicas como el ready-made, técnica que
consistía en tomar objetos de uso cotidiano, intervenirlos y transformarlos en objetos
aptos para la exposición en un museo, sin ocultar sus características ni su origen.
Más cerca en el tiempo, un impulsor directo fundamental fue el Grupo
Independiente, conocido por las siglas de su nombre en inglés IG (Independent
Group).
El IG surgió en 1952 en el Institute of Contemporary Art de Londres y estuvo
activo hasta 1955. Durante este período Gran Bretaña, al igual que otros países
plenamente industrializados en Europa, experimentaba el crecimiento de una cultura
popular urbana distinta, tras el racionamiento y la austeridad que supuso la segunda
guerra mundial.
En este grupo participaban muchos artistas. Sin embargo, fue el italiano
Edouardo Paolozzi quien se convirtió en una referencia fundante del pop art tras la
primera sesión del IG. En esta, Paolozzi proyectó varios collages que había hecho a
partir de revistas por medio de un proyector de opacos. La primera imagen fue
el collage I was a Rich Man's Plaything (Yo fui el juguete de un hombre rico), en el
cual se utiliza por primera vez la palabra "pop", de donde el movimiento tomaría su
nombre.
Edoardo Paolozzi: Yo fui el juguete de un hombre rico. Collage. 1948.
En ese contexto, el IG debatió por primera vez en el medio artístico sobre el
problema de la cultura de masas y sus implicaciones en la definición de cultura tal
como era concebida hasta entonces. Para ellos, esto obligaba también a replantear la
noción de arte vigente.
Paralelamente, en Estados Unidos estaban ocurriendo cambios cruciales en el
mundo de la cultura, que rompían con todo lo imaginado hasta el momento, sin que
pudiera advertirse a ciencia cierta la dirección de aquellos impulsos.
En este sentido, un antecedente de vital importancia para el arte pop lo
constituyó la célebre obra 4’33’’, del compositor John Milton Cage. Esta obra
consistía en la ejecución de una partitura con una duración de 4 minutos y 33
segundos, cuya única indicación escrita era la palabra “tacet” (silencio).
Según la interpretación de algunos, la propuesta de Cage estaba dirigida a la
percepción del ruido ambiental producido por el público como una obra de arte
musical. Sin duda, se trataba de una revolución absoluta, donde la música había
tomado la delantera de un modo inesperado, cuestionando la materia fundamental de
su disciplina. ¿Qué harían las artes plásticas?
Para empezar, reaccionarían en contra de la intelectualización del arte y del
carácter evasivo de los artistas consagrados ante la invasiva realidad contemporánea,
rasgos que esta generación atribuía especialmente al expresionismo abstracto de
Jackson Pollock. Así, la nueva generación de artistas se apropiaría de la idea de Cage:
eliminar la distancia entre el arte y la vida. Veamos por qué y para qué lo hicieron.
¿Por qué y para qué nació el arte pop?
Las características del arte pop expuestas ponen en evidencia que este
movimiento tuvo un sentido profundo, al contrario de las sentencias que lo acusan de
superficial.
Este movimiento puede ser visto como un arte sin compromiso, pero algunas
veces esta afirmación puede resultar injusta. Es cierto que tiene una fuerte carga
visual, es cierto que no se escandaliza ante los símbolos de la cultura masiva, pero
también existe un sentido en el fondo de ello.
En el caso muy particular de los artistas de [Link]. a estos les interesaba
indagar sobre la esencia última del norteamericanismo en medio de esta vuelta de
tuercas que significaba el paso a la sociedad de masas. Junto a esto, de algún modo
también pretendían redescubrir la pintura figurativa que el expresionismo abstracto
había escondido detrás del ropero.
Keith Haring: Sin título, del portafolio Andy Mouse. Serigrafía en papel. 1986.
Pero en términos generales, los artistas pop de todo el mundo tenían claro que
la ironía les permitía hacer ver que el materialismo y la vulgaridad participaban del
orden hegemónico que el campo masivo ha establecido ya entre 1950 y 1970.
Al mismo tiempo, reconocían lo que los nuevos símbolos tenían de
manifestación clara y continuada de los valores culturales en transformación, lo que
muchas veces les permitió observar los nuevos íconos sin emitir juicios de valor.
En un sentido amplio, por medio de la incorporación de los símbolos de la
sociedad de consumo, el arte pop no solo ampliaba el repertorio de los temas
iconográficos del arte, sino que fijaba posición frente a dos cosas: el reordenamiento
de la sociedad de consumo y la negativa de las élites intelectuales a reconocer que
este fenómeno atravesaba toda la cultura.
Así, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman o Batman
resultaban tan “culturales” y dignos de atención para su mundo contemporáneo como
el repertorio de afroditas, venus, adonis, apolos, vírgenes, santos, aguadores, pastores,
paisajes, reyes y personalidades para el siglo XVI.
Artistas más destacados
1. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhol fotografiado por Jack Mitchell.
Andy Warhol (1928-1987) nació en Estados Unidos en el seno de una familia
de origen eslovaco. Es conocido por su trabajo como artista plástico y cineasta,
especialmente por ser parte del movimiento del arte pop o pop art, junto a artistas
como Robert Rauschenberg, Jasper Johns y Roy Lichtenstein, entre otros. Además,
Warhol fue el promotor de diferentes figuras del arte de los años 70 y 80 como Jean
Basquiat.
Desde niño sufrió de una enfermedad popularmente conocida como el baile de
San Vito, que lo obligó a pasar largos períodos de reposo, tiempo que aprovechó en el
desarrollo de su creatividad.
La muerte temprana de su padre significó una infancia de pobreza, por lo que
Warhol se propuso volverse un hombre rico en su madurez, tal como sucedió. Warhol
fue un artista polémico, debido a diferentes aspectos, entre los que podemos contar:
La incorporación de los símbolos de la cultura de masas al circuito de las
bellas artes.
La utilización de técnicas de reproducción seriada cuestionando el concepto
de lo original en el arte.
Desmitificación de la idea de que solo un arduo y largo proceso de creación le
da valor a la obra de arte.
Una comprensión del mundo del arte desprovisto de su aura mística para
reconocer en él su carácter de mercado, negado por los discursos tradicionales.
Todos estos aspectos promovidos por Warhol justo en pleno contexto de la
Guerra Fría significaron una importante transformación en la orientación de los
intereses artísticos de su tiempo.
Fue un importante artista plástico, ilustrador y cineasta norteamericano. Fue
responsable de aplicar principios del marketing y la publicidad a la esfera del arte.
Con ello, abrió los caminos para el desarrollo del arte pop.
Acuñó una de las frases más famosas de la historia del arte, que hoy se
cumplen gracias a las nuevas tecnologías de la información: “En el futuro, todo el
mundo será famoso por 15 minutos”.
Warhol puso en evidencia la omnipresencia de la cultura de masas y la
industria cultural, y sacó el mayor provecho de ello para catapultarse social y
económicamente. Fue un artista provocador y escandaloso, nada preocupado en
ocultar su interés por el dinero. Su genialidad estuvo en la capacidad para romper los
estereotipos artísticos, aplicar al arte criterios de la comunicación publicitaria y
develar la hipocresía del campo de las artes. Así, al tiempo que su obra constituía un
gran discurso irónico sobre las incoherencias sociales, él mismo se convirtió
deliberadamente en un ícono pop.
Obras emblemáticas de Andy Warhol
A continuación se presenta un recorrido por las obras más emblemáticas del
autor que marcaron un antes y un después en la historia del llamado arte
contemporáneo. Estas obras han dado pie a numerosas e inagotables discusiones
sobre el papel y la función del arte en los tiempos actuales.
Entre sus obras más destacadas podemos mencionar la serie Latas de sopa
Campbel y los retratos en serigrafía de figuras públicas como Marylin Monroe, Mao
Tse Tung y él mismo.
Latas de sopa Campbell's. Serigrafía y polímero sintético sobre tela. 1962.
¿Quién dijo que una lata de sopa puede ser un tema artístico? Esa fue una de
las primeras polémicas que despertó Andy Warhol con esta obra provocadora. Desde
la reproducción individual de la sopa hasta la conformación de la serie, Warhol se
sitúa irónicamente frente a la realidad de la sociedad de consumo y frente a la
comunidad artística que no quiere enfrentarla.
Si el arte debe representar la realidad simbólica o la condición humana, ¿por
qué se niega a reconocer la marca omnipresente de la industria y la cultura de
consumo en la sociedad? ¿No es acaso la cultura de consumo una realidad de
costumbres para los años 60? Después de todo, el propio Warhol afirmó que comió
esta sopa a diario por 20 años.
Este objeto de consumo, un alimento industrializado nada poético, se volvió
un tema de discusión en la escena cultural. Pero el atrevimiento de Warhol no estuvo
solo en el tema elegido. También lo fue el modo de representación y la técnica
utilizada: una reproducción de imágenes en serie partiendo de la serigrafía.
Con esto, Warhol estaría dando un golpe a dos grandes puntos claves del
mundo de las bellas artes: la trascendencia del tema y el valor del objeto artístico
"único" y "original".
Serie Marilyn Monroe. Serigrafía. 1967.
En 1962 Marilyn Monroe murió en la plenitud de su juventud. Marilyn se
había convertido en un ícono de la cultura pop norteamericana, y ejercía una enorme
influencia en el imaginario social.
Warhol inicia una serie de retratos de Marilyn Monroe aplicando la técnica de
la serigrafía, en la que de una imagen original se imprimen las siguientes. Mientras
más veces se reproduce la imagen, más se desdibuja o se deforma.
Así, Warhol pone en evidencia la gran hipocresía del mundo de Hollywood:
Marilyn fue un ícono destruido a través de la exposición reiterada de su belleza como
supuesto valor único.
Autorretrato. Serigrafía, 1967.
Warhol pasó muchos años de su vida obsesionado por hacer dinero, y eso le
llevó a pretender imponerse en el mundo artístico aplicando las reglas de la
publicidad y desconociendo deliberadamente las reglas del arte convencional.
Así, Warhol se trató a sí mismo como un ícono de la cultura pop a través de
una serie de autorretratos como se muestra en la imagen. Sin embargo, el autor aplicó
diferentes conceptos y técnicas de autorretrato a lo largo de su vida.
Race Riot. Pintura acrílica y serigráfica sobre cuatro paneles de lino. 1964.
La mayor parte de los temas explorados por Warhol tenían que ver con los
símbolos de la cultura pop, a los que reivindica como temas de representación. Esta
característica le hizo ganar fama de superficial, pero Warhol no era una personalidad
desentendida de lo que ocurría a su alrededor.
Tras los enfrentamientos raciales del año 1963, Warhol interviene una serie de
imágenes provocadoras donde denuncia la hipocresía de una nación que dice defender
la igualdad pero sigue dando signos de discriminación racial.
Para ello, Warhol reproduce una fotografía de los acontecimientos y la
interviene con los colores azul, rojo y blanco, propios de la bandera norteamericana.
El gesto sería frontal: si la cultura norteamericana está representada por la sopa y por
Marilyn, también la discriminación.
Para realizar esta obra, Warhol se apropió de una fotografía de Charles Moore
publicada en la revista Life, lo cual supuso una demanda por infracción de derechos
de autor.
En realidad, esta imagen, así como El nacimiento de Venus después de
Botticelli o sus versiones de la Mona Lisa delatan uno de los elementos constitutivos
del arte contemporáneo desde que el pop art transformara el mundo de las bellas
artes: apropiarse de los símbolos disponibles en el entorno para conferirles un nuevo
significado.
Serie Mao Tse-Tung. Serigrafía. 1972-1973.
Los años sesenta corresponden al período de la Guerra Fría, cuando el mundo
vivía la amenaza de un posible enfrentamiento nuclear entre los países capitalistas y
comunistas. Para entonces, la izquierda radical tenía muchos adeptos en las filas de la
intelectualidad de Occidente, pero también empezaban a conocerse los terribles
crímenes ocurridos puertas adentro en los países comunistas.
Además de tomar la imagen de artistas consagrados e intervenirlos con sus
técnicas de reproducción, Warhol también acostumbraba tomar la imagen de figuras
públicas no artísticas y las incorporaba al "panteón" de los íconos pop, bien para
subrayar su consagración, bien para ironizar y transgredir la significación.
Un acontecimiento político despertó el interés de Warhol en representar al
líder del comunismo chino: justo en el año 1972, aún en el contexto de la Guerra Fría,
el presidente Richard Nixon decidió visitar Pekín con el fin de aproximarse a China y
abrir un proceso de negociaciones. Warhol vería en este acercamiento una
oportunidad artística. Tomó la imagen del célebre Libro rojo, la reprodujo y la
intervino.
Para entonces, ya Warhol había hecho lo propio con figuras del mundo
político como Jackie y J. F. Kennedy, el Che Guevara.
Calavera. Serigrafía y acrílico sobre lienzo. 1976.
En los años 70 Warhol desarrolló una serie de calaveras (Skulls) aplicando las
técnicas que ya había desarrollado en la década anterior. Siendo Warhol un artista tan
enfocado en los íconos pop, llamó la atención de la crítica cuando hizo pública esta
serie.
Los expertos desarrollaron diferentes explicaciones para comprender la
aparición de este tema dentro del contexto pop del artista. Una de estas explicaciones
se fundamenta en un acontecimiento de la vida de Warhol acaecido en 1968. En este
año, Warhol fue víctima de un atentado con arma de fuego a manos de la escritora
feminista Valerie Jean Solanas, quien para entonces sufría de esquizofrenia. El
atentado dejó a Warhol al borde de la muerte.
Otra parte de la crítica atribuye esta serie a la "simple" necesidad representar
la condición humana en el único aspecto que es realmente universal: la posibilidad de
la muerte.
El nacimiento de Venus después de Botticelli. Serigrafía. 1984.
Si de algo estaba consciente Warhol es de que no solo los íconos del pop pierden
su significado después de la reiteración exacerbada en los medios masivos de
comunicación. El vaciamiento de sentido no es una exclusividad de las masas.
También desde la cultura de élite el significado se pierde, se desdibuja gracias a la
mera repetición del signo vaciado de su contexto. Así lo evidencia con su serie El
nacimiento de Venus después de Botticelli.
2. Roy Lichtenstein (1923-1997)
Pintor, artista gráfico y escultor. Aplicó la técnica del cómic a las artes plásticas
convencionales, logrando con ello el reconocimiento de la nueva cultura visual en el
mundo artístico. También utilizó otras técnicas como la serigrafía y el collage. Son
particularmente famosas sus obras El beso y Wham!.
3. Robert Rauschenberg (1925-2008)
Inició su carrera de pintor bajo la égida del expresionismo abstracto, pero a mitad
de su vida comenzó a explorar el lenguaje y las posibilidades del arte pop, hasta
convertirse en uno de sus más importantes representantes. Se destacó con la
combinación de materiales inusuales en las artes plásticas, que podían implicar,
incluso, combinar pintura con escultura, fotografía grabado y performance. Esta
técnica se conoció como combines. Entre sus obras más famosas, se encuentran: la
serie Factum y la serie Retroactive.
4. Jasper Johns (1930)
Es un artista plástico norteamericano en el cual son visibles tanto los
elementos del arte pop como del expresionismo abstracto, el minimalismo y el
neodadaísmo. Su técnica predilecta ha sido la encáustica. En un capítulo de Los
Simpsons llamado “Mom and Pop Art” o “El arte de papá y mamá” (en su traducción
hispanoamericana), Jasper Johns aparece como uno de los artistas con los que
Homero traba amistad. Al final del capítulo, se le ve robando materiales para sus
obras. Entre sus piezas más conocidas podemos mencionar Tres banderas y Diana
con cuatro rostros.
Conclusión
El Pop Art es el resultado de un estilo de vida y una manifestación plástica de
la cultura de la época, en donde toma por temática principalmente los intereses del
pueblo, ajenos por completo a la naturaleza, ya sean carteles, imágenes, objetos
industriales, etc. Además en cada área donde se presentó el Poo Art fue diferente,
siempre se mantuvo relacionado con la cultura de masas y en lo comercial, en donde
la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo. En fin
podemos concluir que el Pop Art es un estilo de vida, la manifestación plástica de una
cultura caracterizada por la tecnología y el consumo en el que los objetos ya no son
únicos.
Bibliografía
Andrea Imaginario. Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia.
Acceso online:[Link]
Andrea Imaginario. Obras más importantes de Warhol. Acceso online:
[Link]
