Fundamentación de artes escénicas
Hna. Jenifer Daniela Castro Cetina NJP
ID 591285
Corporación Universitaria Minuto de Dios- UNIMINUTO
Bogotá D.C., 2020
El teatro del siglo XX como expresión de una realidad histórica
Resumen
En el marco de las manifestaciones escénicas del siglo XX, se estudiaron en relación
con los hechos históricos que contribuyeron a su origen, por lo tanto, se mencionan algunas
características del contexto geográfico, político, económico, social e ideológico del siglo
XX, con el fin de identificar la identidad histórica que envuelve al teatro. Todo está
estructurado de forma cronológica, donde se sitúa las manifestaciones en un lugar concreto,
que acorde a la época tiene unas características que se describen para lograr encontrar una
relación entre las vivencias cotidianas de los artistas y las formas de expresión que
empezaron a surgir. Se analiza la forma en que el arte responde a los conflictos y la forma
en que se refleja las posturas ideológicas por medio de acciones creativa. Con esto, se
descubre que la diversidad de manifestaciones escénicas durante ese periodo histórico,
efectivamente van en consonancia con su realidad violenta y convulsiva, rodeada de
grandes cambios sociales, revoluciones, guerras mundiales, manifestaciones y demás
hechos, catastróficos, que obligaron al ser humano a crear soluciones que atacaran con
firmeza el origen de la crueldad que se apoderaba de ese siglo, dando luces de crítica desde
diversas visiones artísticas, pues en un solo siglo aparecieron muchas manifestaciones
artísticas como hasta entonces no se habían presentado.
Palabras claves: Historia, teatro, manifestación, contexto, conflicto
Introducción
El hombre habla de su realidad, el hombre habla de lo que vive, de lo que ve,
escucha y experimenta, acostumbra a relacionar sus acciones con sus ideas, gustos,
dificultades y conflictos internos o externos, por eso, el arte va acorde a las
vivencias de una sociedad o una persona, el arte refleja la identidad histórica del
artista.
El teatro, cómo toda acción artística, genera una relación importante entre el
artista que hace la obra y aquel que la aprecia, pero ninguna es tan cercana y tan
viva como la del actor y el público, pues el teatro tiene inmerso una acción humana,
corporal y cercana. El actor se hace experto en la medida que pueda tocar en el
público eso mismo que lo toca a él como actor; pero, aunque históricamente el
teatro siempre ha estado en esa función, ninguna época histórica tuvo tanto
movimiento emocional e impacto, cómo lo es el teatro en el siglo XX. Pero, ¿Qué
repercutió en el teatro para lograr tanto impacto en el público? ¿Qué sucedió para
lograr tantos movimientos teatrales en un solo siglo?
El ensayo quiere dar respuesta a estos interrogantes y tomar una postura
analítica frente algunas opiniones que se escuchan en la actualidad, pues para
muchos es incomprensible las formas artísticas que se desarrollaron en el siglo XX,
considerándolas como expresiones extrañas, crueles, desproporcionadas e incluso
diabólicas; para eso, se ve la necesidad de identificar las vivencias de los artistas
como personas humanas en medio de unas circunstancias sociales y culturales, que
marcaron sustancialmente la razón de sus obras y acciones artísticas. Para esto se
ubica el artista en un periodo histórico y en un lugar concreto, describiendo el
contexto que acompañó el surgimiento de dichas expresiones para descubrir la
relación entre el contexto y las formas de manifestaciones artísticas que se
desarrollaron.
Evidentemente el teatro refleja la identidad histórica de ese siglo XX,
caracterizado por grandes cambios, avances de todo tipo, considerado uno de los
siglos más violentos de la historia, “ha sido uno de los períodos de la Historia más
intensos y Convulsivos que le ha tocado vivir a la humanidad. Siglo de paradojas y
de contrastes” [ CITATION Urd05 \l 9226 ], y esto no queda desentendido para el teatro,
al contrario, buscó transmitir aquello que ha existido siempre pero se deja de lado,
el teatro rompe el velo que separa la escena de la vida real.
A finales del siglo XIX, el teatro hacía parte de la vida social y del ocio de la
sociedad europea, eran muy frecuentados los teatros, incluso se organizaban
horarios con sesiones continuas de las comedias para responder al numeroso público
que acudía, especialmente en España [ CITATION Oli \l 9226 ]. El teatro aún estaba
muy estático, es más, estaba acomodado al público fiel que frecuentaba las
comedias que por aquel entonces tenían tanta popularidad. Así como el teatro, el
mundo estaba totalmente centrado en el continente europeo, este continente tenía un
complejo de superioridad en relación con el mundo, que los llevó a tener unas
ansias de apropiación territorial por su deseo de querer crecer, llegar a una
industrialización y a un crecimiento económico de la sociedad por medio de la
urbanización, viendo en la economía el sentido de progreso, que era acompañado de
un sistema político militar que insistía en un nacionalismo. Todos tenían un afán de
progreso, de innovación y de cambio.
La llegada del nuevo siglo trajo a los pueblos la idea de derribar muchas cosas
del pasado, generando muchas agitaciones y revoluciones nacionales [CITATION
Neo03 \l 9226 ]. El arte también engendró un movimiento que deseaba derribar cosas
del pasado (el arte siempre está en paralelo con la historia), nació para ese siglo la
vanguardia, que “su objetivo no es provocar sino romper el sistema establecido”,
destruyendo el arte como hasta entonces se comprendía [ CITATION Con01 \l 9226 ].
¿De qué forma se destruyó el arte? Y ¿Qué cambió este movimiento en las
posibilidades expresivas del actor? Indudablemente las ansias de innovación
abrieron puertas de expresión, sensibilidad artística y simbolismo, dejando atrás el
vacío sentido de diversión que hasta entonces tenía el teatro y se sumergió en un
pensamiento más cuestionador y crítico; en la vanguardia, el creador es un
individuo de una sociedad concreta que expresa su propia tensión haciendo uso de
palabras, imágenes, conflictos, sentimientos, silencios etc. para materializar con
simbolismo su estado como persona afectada por la sociedad [ CITATION Con01 \l
9226 ], es así, como el actor (persona humana), también se enfrenta a una lucha
propia con su entorno, esencia que deja huella en las creaciones artísticas: las
agitaciones, enfrentamientos, guerras y el sentido revolucionario a los aspectos
político sociales que estaban viviendo en aquel entonces. El actor “define su
realidad, la crea, la combate y la destruye”[ CITATION Con01 \l 9226 ], pone en escena
sus actitudes personales y sus experiencias individuales, deja la fantasía cómica y
trasluce las heridas de la guerra.
Nadie imaginó estar sumergidos en una batalla de denigración humana, donde
muchas vidas sucumbieron; al inicio se imaginaba que era una batalla caballeresca
donde resultarían héroes y victorias, como las que se veían en los teatros, en la
literatura y en el arte; incluso se pensó en una guerra breve, pero esa utopía fue
desgarrada por una maldición real, todo se salió de las manos, en el año 1914 se
inicia la primera guerra mundial que terminó en el año 1918.
“Se ha apuntado que la terrible realidad de la guerra sumió en un profundo
silencio …, de tal modo que habrá que esperar años para que el arte reflejase el
horror del momento”[ CITATION Del15 \l 9226 ], aunque el mundo estaba lleno de
estupor y miedo por expresar en medio de una constante tensión de sospecha que
produce este tipo de conflictos, esta afirmación realmente no es cierta, en Suiza uno
de los países más industrializados, fue un país neutral durante la Guerra Mundial,
por esas características, Zurich, la capital de Suiza se convirtió en un refugio para
artistas e intelectuales, una de los espacios de reunión de los migrantes fue El
Cabaret Voltaire, fundado en 1916, donde hacían música, actuación, exposiciones
de arte, declamaciones poéticas, entre otros, pues el espíritu de entusiasmo con el
que habían iniciado la guerra se había desvanecido con la crueldad y el hambre, de
ahí la necesidad de buscar espacios para subir el humor y hacer la vida más
llevadera en medio de conflicto mundial. Los artistas tenían el ideal de combatir las
armas con el arte haciendo veladas de exposiciones de expresiones vanguardistas
(arte cubista, expresionista y futurista) y de esa forma nace un movimiento artístico
muy importante, el Dadaísmo, que busca unir el arte con la vida, el fundador fue
Hugo Ball, quien además realizó el primer performance del poema “Karawane”, él
estaba vestido con traje del clero hecho de papel mientras recitaba el poema de
forma fonética, el poema estaba impreso con una tipografía que no era armónica
expresando el caos de la época [ CITATION Tel20 \l 9226 ].
La idea de atesorar el arte se derroca con la propuesta expuesta por el
Dadaismo, como consecuencia de un arte que se desarrolla solamente en el
momento. El movimiento abarcó todas las formas de expresión artística, e incluso,
amplió la posibilidad de usar materiales que se consideraban inútiles para el arte,
entonces, ¿todo puede ser arte? Efectivamente, el arte podía serlo si así lo
determinaba el artista, eso permitió nuevas formas de expresión, como el
fotomontaje y el collage. De ahí que se piense que en el siglo XX se buscó matar el
arte.
El movimiento artístico naciente se expandió por Europa, el Dadaísmo se
encontró con una realidad distinta a Suiza ya que, el desastre dejó casi devastado los
países europeos, especialmente Alemania, uno de los países que perdió la guerra y
que se vio enfrentado a sufrir una crisis financiera por casi 10 años, su moneda
estaba devaluada, tenía una tasa alta de desempleo y se percibía una desestabilidad
política [ CITATION Pin19 \l 9226 ], Alemania vivía una difícil realidad humana pero
era un excelente escenario para tomar un matiz político y crítico en el arte, gracias a
el artista Richard Hülsenbeck, quien después de participar en las tertulias en El
Cabaret Voltaire lleva la ideología del Dadá a Berlín, creando el Club Dadá
[ CITATION Mor2 \l 9226 ]. Donde se formó el artista que revolucionó la escenografía
teatral en España, Sigfredo Bürmann, desarrollando “la decoración de simples
telones pintados a elementos corpóreos…, pero dispuestos en un juego de
volúmenes…Hizo posible que los autores rompieran con la obligación técnica de
partir la obra en tres actos”[ CITATION Con01 \l 9226 ], el carácter visual del teatro
empezó a tomar mucha relevancia.
La técnica interpretativa dio lugar a un mayor impacto, por la profundización
psicológica que se empezó a manejar a finales del siglo XIX, por el teatro
Naturalista desarrollado por el ruso Constantine Stanislavski, quien se dedicó a
buscar la verdad en la escena excitando los sentidos desde lo exterior para encontrar
el camino hacia el interior, el alma del actor. Stanislavski desarrolló una pedagogía
donde el director pudiera crear ambientes y relaciones con el actor propicios para
lograr la naturalidad en la escena, es el llamado Teatro Experimental; que consistió
en una serie de investigaciones en sí mismo y en los demás, donde descubrió como
las escenografías podían tomar un clima específico con el efecto luminoso y la
repercusión psicológica de la voz, la música, los movimientos y los efectos sorpresa
que ayudaban al actor a encontrar su estado creativo. Este actor fue testigo de un
tiempo conflictivo de su país, que además de participar en la Primera Guerra
Mundial en 1917 inicia la revolución rusa con la caída de la monarquía, esa guerra
civil duró hasta 1923 [ CITATION Roc15 \l 9226 ]. Al igual que todos los actores y
directores de teatro de ese entonces, vivenció un fracaso en el intento por acomodar
nuevos repertorios teatrales acorde a los hechos de guerra pues, las corrientes
teatrales de vanguardia hicieron que su forma de actuación no fuera aceptada como
antes; hasta que llevó sus técnicas teatrales a Estados Unidos, donde fue muy bien
recibido.
¿Qué hizo que el método de Stanislavski fuera tan bien recibido en el teatro de
Estados Unidos? Esa nación toma mucha influencia en el siglo XX, se observa en su
actuar un deseo de renovar y en cierta medida, aprovecha los eventos violentos que
se presenciaron en Europa para conseguir su proyección de progreso. Después de
ser considerado un líder en los asuntos internacionales, tras su participación militar
victoriosa en la Primera Guerra Mundial el año 1917, con el ideal de contribuir en el
fin de la Guerra[ CITATION Sha17 \l 9226 ], el índice de popularidad del país
americano incremento, el nivel económico incrementó, el valor de la moneda
incrementó y con ello, llegaron muchos migrantes a ese territorio con el ideal de
mejorar su vida. Al llegar los métodos propuestos por Stanislavski, los americanos
vieron que esa propuesta artística iba acorde a los intereses que se proponían
obtener, por lo que se crea el “American Laboratory Theathe” que se centró
principalmente en la memoria afectiva-emocional, donde los “sentimientos,
extraídos de nuestra experiencia actual, y transferidos a nuestro papel, son los que
dan vida a la obra” [ CITATION Sta361 \l 9226 ]
A diferencia del Stanislavski que centro las acciones en las emociones, el
actor ruso Chéjov, consideró que el actor requería de imaginación para lograr la
emoción y así realizar la acción; esos son los llamados ejercicios psicofísicos, que
permiten el control de las emociones de forma inducida [ CITATION Ten20 \l 9226 ].
Esos dos prestigiosos actores fueron los que aportaron al teatro estadounidense, para
el caso Chéjov, sus obras se popularizaron después de la primera Guerra Mundial
cuando se tradujeron al inglés. Es considerable afirmar, como esa técnica de la
imaginación permite un manejo emocional no solo para las escenas teatrales, sino
los aportes terapéuticos para la vida cotidiana, es indudable que estos maestros de la
actuación dieron un aporte de agudización sensitiva al teatro.
Por otro lado, los descubrimientos y las teorías que empezaron a desarrollarse
en la psicología durante ese siglo fueron muy amplias, trajeron consigo, una
profundización en la parte más interna del hombre encontrando relaciones con los
comportamientos del ser humano, el teatro supo aprovechar esas perspectivas
psicológicas y mentales para nuevas formas de creación artística, es así, como los
estudios realizados por Freud el padre del Psicoanálisis y su discípulo Jung son
retomados por el teatro y dan origen al Teatro Surrealista, que empieza a exaltar el
valor del mito y los sueños del hombre “Surge además como una necesidad del
hombre por buscar la libertad de pensamiento, y como una manera de oponerse al
capitalismo y sus clases dominantes”[ CITATION Bra10 \l 9226 ]; el movimiento
surrealista surge a partir de la publicación del “Primer Manifiesto” del francés
André Breton, en el año 1924.
El Teatro Surrealista se inspiró en el Expresionismo Alemán, al ver el tipo de
imágenes que usó el escenógrafo Alfred Kubin en la película “El gabinete del
doctor Callari” en 1919, quien da una mezcla de paredes inclinadas, curvas, techos
desproporcionados y simbolismo mágico, pues iba acorde al propósito de usar un
lenguaje del subconsciente. Otro referente fundamental para el teatro surrealista fue
Antonin Artaud, quien fue miembro de este movimiento, en su “Tratado de la
Crueldad” (1932) rescata la búsqueda de un teatro que provenga del inconsciente,
pues allí existe una relación entre el significado y el significante, permitiendo una
expresión orgánica de la palabra y el cuerpo, haciendo del teatro un rito, ve la
necesidad de involucrar el público en la escena para que logre soltar lo que está en
su inconsciente y pueda hacer catarsis transgrediendo las leyes sociales, por eso
implementó música, iluminación, máscaras, figuras monstruosas, movimientos,
ruidos, vestuarios rituales y un lugar enmarcado por cuatro paredes que ayude a que
el público a desconectarse. En cuestiones escenográficas surrealistas tuvo grandes
aportes el artista Salvador Dalí, quien desarrolló una trilogía de Ballets: “Bacanal”
(1939) “Laberinto” (1941) y “Sacrificio” (1943). Implementando el uso de
instalaciones y objetos descontextualizados, que reflejaban el enfrentamiento de
varios mundos [ CITATION Bra10 \l 9226 ].
Sin haber llegado ni siquiera a la mitad del siglo, el ruido de los cañones y los
proyectiles se vuelven a despertar tras la llegada de la Segunda Guerra Mundial en
el año 1939 a 1945, es considerada la guerra más sangrienta de la historia de la
humanidad. Posterior a ese hecho nace un movimiento dramatúrgico en Estados
Unidos y en Europa, fue popular en las décadas de los 40, 50 y 60, llamado el
Teatro de lo absurdo, estos textos dramatúrgicos no poseen una lógica estructural,
no hay un orden en el tiempo, hay un desorden en las frases, se caracteriza por la
ridiculez cómica que esconde en el fondo un mensaje que cuestiona en aspectos
políticos, religiosos, morales y sociales. Los dramaturgos más representativos
fueron: Samuel Beckett y su obra “Esperando a Godot” y Jean Genet y su obra
escrita cuando estaba en la carcel “Nuestra señora de las flores” [ CITATION Ari1 \l
9226 ].
Conclusiones
Estos fueron los movimientos teatrales más importantes del siglo XX que sin
lugar a duda, siempre fueron reflejo de las circunsatncias sociales que se
presentaron en la historia, fue valido remitirse a la historia para lograr un
acercamiento más profundo de la razón artística que esta inmersa en cada obra, en
cada artista, en cada movimiento… al fin y al cabo, es el contexto un escenario
donde los artistas deben relucir sus obras creadoras que expresen lo que son como
sociedad y como ser humano. El viaje historico que se desarrolló anteriomente da
claridad de porque las manifestaciones teatrales del siglo XX tienen unas
características revolucionarias y catastroficas, que durante esa época e incluso, en la
actualidad son consideradas como expresiones extrañas, crueles, desproporcionadas
e incluso diabólicas, pero ¿cómo no ser diabólica una expresión cuando se está
rodeado de infierno? La humanidad hizo del mundo una carnicería que traía
desilusión y un deseo profundo de acabar con lo que le había hecho daño, y con eso
¿cómo no desear incluso, acabar con el arte cuando se ven cañones y fusiles
destruyendo todo a su paso?
Aunque es desgarrador los acontecimientos que hicieron parte de este siglo, es
sorprendente la función del arte en medio de la guerra, que quiere cuestionar y
cambiar una persepción para generar paz de una forma creativa, el arte en el siglo
XX toma una posición de transformación social, de desarrollo crítico y político,
encuentra nuevas posibilidades, hace alianzas con otras ciencias, como la psicología
y sobre todo encuentra nuevos horizontes de expresión desde la propia humanidad.
A partir de entonces, el concepto, la intención, la simbología, los sueños, la
realidad, los hechos, los conflictos, la ritualidad, la ideología, la controversia, la
incoherencia, la visión del mundo… se hicieron arte.
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