ARTE ABSTRACTO

Arte abstracto, estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples
han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte
abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a
sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que

exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o
bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones
geométricas y constructivas.

ABSTRACCIÓN LIRICA

El comienzo de la abstracción se produce hacia 1912 con la obra de los artistas Kandinsky
y Klee (Kandinsky data en 1910 su obra titulada "Primera acuarela abstracta").

Esos dos artistas formaban parte del grupo expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul) y al
igual que los expresionistas de Die Brücke (El Puente), su afán estaba puesto en la
renovación del arte, la búsqueda de lo esencial y el rechazo del impresionismo y del
positivismo materialista imperantes en su época. Pero a diferencia del expresionismo de Die
Brücke, las obras de Der Blaue Reiter eran más líricas (predominando en ellas las líneas curvas
y los colores más suaves, en contraposición a las líneas quebradas y los colores más
exaltados de Die Brücke). Además los artistas de Der Blaue Reiter, especialmente Kandinsky,
tenían un deseo de recuperar el sentido espiritual del arte. Esto les llevo a orientar su obra
hacia una depuración reflexiva y serena de lo material con el fin de alcanzar y representar la
esencia de lo real.

A través de ese proceso de depuración espiritual sosegado, Kandinsky llegó a la abstracción.

Este proceso se manifiesta en múltiples obras en las que ensaya sus planteamientos estéticos
y en las que se aprecian elementos que conservan todavía relación con motivos concretos
(montañas, casas, árboles, etc.). A partir de 1913 esos motivos desaparecen y la obra
de Kandinsky es toda no figurativa.
 Características

- Rechazo de toda representación objetiva de la realidad.

- Valoración de lo subjetivo y lo simbólico (Kandinsky concibe la abstracción con un

planteamiento filosófico y místico cuyos presupuestos quedan recogidos en su libro "De lo
espiritual en el arte").
- Concepción gráfico-plástica apoyada en:

- la creatividad intuitiva (Kandinsky): formas abstractas surgidas de impresiones provocadas

por la observación de la naturaleza; de improvisaciones que responden a impulsos emotivos
espontáneos con intervención del azar; y composiciones surgidas de emociones internas
conscientemente calculadas con la ayuda de la razón.
- la reducción subjetiva de la realidad (Klee): formas abstractas extraídas de la realidad
mediante la reducción subjetiva de los contenidos aparenciales de las cosas a signos plásticos
simbólicos del mundo objetivo, en función de la fantasía y la sensibilidad espiritual.
- Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia.
 - En general, ausencia de contenido evidente (Kandinsky).
- Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de ilusión espacial.

- Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios.

- Color libre.
o Artistas representativos

Wassily Kandinsky (1866-1944) y Paul Klee (1879-1940).

WASSILY KANDINSKY (1866-1944)

Kandinsky nació en Moscú, en el seno de una familia acomodada, y aunque pasó más de la
mitad de su vida. en Alemania y Francia, conservó un fuerte vínculo emocional con su ciudad.
Durante sus primeros treinta años, la pintura sólo fue la afición apasionada de un joven
soñador y romántico, pero convencional. Estudió Derecho y Economía, y su brillante carrera
académica le deparó una cátedra en Estonia, a la que renunció para trasladarse en 1896 a
Munich y dedicarse a la pintura.

PAUL KLEE (1879 - 1940)

A pesar de haber nacido en el cantón de Berna y de que en sus últimos años solicitó y obtuvo
la nacionalidad suiza, Paul Klee era alemán. Esa era la nacionalidad de su padre, Hans Klee,
músico y profesor de la escuela estatal de Berna, en Hofwil, adonde se trasladó al casarse
con una estudiante de canto nacida en Basilea. La tradición musical de su familia pesó
extraordinariamente en la formación del joven Paul, que comenzó a tocar el violín a los siete
años y a los once era ya miembro extraordinario de la orquesta de la Sociedad Musical de
Berna. Su opción por la pintura y el dibujo hay que entenderla como una liberación de la idea
de continuidad cultural que representaba la música en su familia. Klee siguió siendo un
excelente violinista hasta su muerte, aunque nunca se interesó por las corrientes musicales de
vanguardia representadas por Schönberg, a quién conoció en Munich, ni por las conexiones
de música y pintura tan importantes para artistas cercanos a él como Kandinsky.
 Neoplasticismo
Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha
sido denominadoconstructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está
vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y
al futurismo).

Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de
un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la
revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado
el manifiesto neoplasticista. Artistas y arquitectos agrupados alrededor de la revista Stijldefendieron el
orden claro y geométrico del movimiento aplicando sus principios también en la construcción de
edificios.

Índice

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 1 Teorías

 2 Características

 3 Pintura neoplasticista

 4 Escultura neoplasticista

 5 Arquitectura neoplasticista

Teorías[editar · editar código]

Las teorías que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía,
reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a
líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.

Características[editar · editar código]

La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la

naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una
regularidad absoluta. Sus principales características son: Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje
plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado
temporal y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento
de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas,
planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas
y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando
ángulos rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado
por la compensación de las formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter
saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). Empleo de
fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres. Es una orientación artística
antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como
metáfora visual de armonía espiritual.

Pintura neoplasticista[editar · editar código]

Se trata de un artista principalmente teórico, destacando su obra Contraposiciones. Su aporte más

importante al mundo del arte tendrá que ver con su labor dentro del campo de la publicidad y como
investigador del movimiento. Si entramos de lleno a las realizaciones prácticas de este autor, nos
encontramos con obras como estas:

 Construcción espacio temporal: se interesa, sobre todo, por las construcciones espacio-
temporales → un tipo de construcciones, como si fueran contenciones modulares, que se
componen a través de planos que se cortan tanto vertical como horizontalmente, se interpenetran,
dando la sensación de planos asimétricos (como los que realmente se realizan en la arquitectura).

 Café Aubette: se trata de un lugar peculiar de Estrasburgo, ya que las paredes del café está
decoradas con paneles que han ido creando los distintos componentes del grupo. En las partes que
hizo Doesburg, donde abundan los grandes planos, las líneas verticales cortadas con las
diagonales, vamos a ver una novedad, la diagonal (ésta va a crear incluso toda una lucha en
Doesburg y Mondrian, ya que éste último decía que sólo había que usar verticales y horizontales,
aunque posteriormente acabará utilizando).

antes de hacer cuadros claramente neoplasticistas, estará vinculado con el cubismo. Esto lo veremos en
Bodegón con jarra de jengibre II, Composición con árboles o El árbol gris. Mondrian quería crear su
propia leyenda del artista neoplasticista, por ello se propuso destruir cuanto había hecho antes de
empezar esta corriente artística. El resultado es que en la actualidad hay muy pocas obras vinculadas a
otros estilos. En estas obras vamos a ver una simplificación de la imagen en formas geométricas, con un
aspecto reconocible → esencialidad a través de líneas negras (también con una mínima expresión de
color).

 Composición oval (1914): Vemos como Mondrian se adentra más allá del propio cubismo; su
composición ha quedado reducida a una trama de líneas horizontales y verticales donde han
desaparecido los colores intermedios (gris y marrón) para dar paso a la tríada azul claro, rosa y
ocre-amarillo. En esta obra, Mondrian se revela claramente como un pintor abstracto. Sin embargo,
un andadura por la pintura neoplasticista no había hecho más que empezar.
 Composición nº 10, muelle y mar (1915) : aquí encontramos la mínima expresión a través de
líneas verticales y horizontales. Si nos fijamos el ritmo de la obra se expresa de abajo a arriba
(abajo las líneas son más grandes y arriba más pequeñas y densas, para producir la sensación del
movimiento de las olas). En Composición nº16 sigue disminuyendo cada vez más con un
entramado de líneas cada vez más pequeñas, acompañados por distintos colores, principalmente
primarios.

 Composición en color A (1917): al llegar aquí, vemos una de las primeras composiciones
típicamente neoplasticistas. Vamos a ver cuadrados rojos, azules y toda una serie de motas negras.
A partir de este momento, Mondrian va a establecer unas premisas para el resto de cuadros que
vaya a hacer;

 El cuadro no tiene que representar nada identificable con la realidad

 Su valor está en sí mismo, en un juego de líneas, formas y colores → la diferencia

entre las obras serán sutiles variaciones

 Estamos ante un arte puramente abstracto → fuente de emociones y sentimiento

 Composición en tablero de damas, colores claros (1919): hace una especie de tablero o
cuadrícula. Lo único que cambia es el color y un poco la disposición de las líneas.

 Composición en rojo, azul, amarillo-verde: aquí empieza a hacer composiciones con cuadrados
muchos más grandes combinados con otros más pequeños, y las esquinas las empieza a hacer
más cortas. Con pequeñas variaciones podrá hacer miles de composiciones, y es que un solo
cambio de color puede hacer que el cuadro nos produzca una sensación distinta. En Composición
en rojo, amarillo, azul y negro (1921) vemos la tendencia que hará de colocar los colores a los
extremos dejando grandes cuadrados blancos, sin color en el centro de la composición. Esta
tendencia se repetirá en Composición, Composición I y Composición II.

 En Composición II con líneas negras decide eliminar todo rastro de color para hacer una
composición basada únicamente en un entramado de líneas negras. Algo parecido veremos en
Composición con dos líneas aunque con una importante variación, la introducción del rombo. Con
él, la obra de Mondrian cuenta con las tan discutidas líneas oblicuas. Y dentro de este rombo,
volvemos a ver las líneas hortizontales y verticales a las que nos tiene acostumbrados este artista.
Algo parecido volveremos a ver en Composición con líneas amarillas.

 Composición con azul: aquí vemos como la sencillez del cuadro radica en la disposición de una
serie de líneas horizontales y verticales, cada vez más separadas entre sí, y al final dándose un
toque de color, al rellenar un pequeño cuadro de un azul claro.

 New York City I: a partir de 1940, cambia la temática de sus cuadros. Se traslada de Holanda a
Nueva York donde inicia una serie dedicada a su nueva ciudad de residencia. Serán cuadros
titulados con el nombre de la ciudad ‘New York’. En ellos, vemos como traspone al cuadro la vida
 dinámica de la ciudad. Refleja en todos estos cuadros lo que le transmite la vida frenética de una
gran urbe, sus calles, los coches. Y efectivamente, los cuadros parecen como un diseño de la
ciudad a vista de pájaro. La temática continua con New York City II, Broadway Boogie-Woogie o
Victory Boogie-Woogie. Otro aspecto interesante de estas últimas obras es que los trazos de color
no son pintados directamente en el lienzo, sino que el artista recorta tiradas de papel coloreado (o
cintas adhesivas) y después las pega en el lienzo para crear todo un entramado multiculor. En la
última volvemos a ver la utilización del rombo.
Escultura neoplasticista[editar · editar código]

Tema principal:Escultura neoplasticista

Georges Vantongerloo: en escultura se va a tratar de hacer como en arquitectura, plasmar lo visto en

la pintura neoplasticista y aplicarlo a otros ámbitos. Esto mismo es lo que intenta hacer Vantongerloo.
En obras como Interrelación de volúmenes, Construcción de relación de volúmenes y Construcción Y =
AXZ + BK + 18 apreciamos formas geométricas, líneas horizontales y verticales que se cortan y se
interrelaciónan, buscando sensación de volumen cerrado, sin color, todo muy sencillo. Todos formados
a partir de bloques.

Gerrit Rietveld: el artista que ya vimos en arquitectura neoplasticista realizará también muestras de
diseño. Destacan la Silla roja y azul, Silla zigzag o Lámpara para el estudio del [Link] en Maarssen.
Aplica todas las características ya vistas en el movimiento neoplasticista a objetos utilitarios y
funcionales; líneas horizontales y verticales que se cortan, utilización de colores típicos de esta
corriente, etc. En la silla zigzag vemos un magnífico ejemplo donde la línea horizontal, vertical y oblicua
están fusionadas.

Arquitectura neoplasticista[editar · editar código]

Un ejemplo claro de arquitectura neoplasticista es la Casa Schröder del arquitecto holandés Gerrit

Rietveld en colaboración con la Sra. Truus Schröder-Schrader, quien encargó el proyecto para lo que
fue su residencia, y la de sus tres hijos, hasta su muerte en 1985. El requisito principal era un diseño
preferiblemente sin paredes. En esta obra podemos constatar a simple vista los elementos estéticos que
caracterizan a esta vanguardia, ya sea por el manejo de lineas horizontales y verticales, el manejo de
planos, además del uso de colores primarios,negro,blanco,y grises.
Purismo (arte)

Palacio de Carlos V (Granada, 1527), dePedro Machuca.

Para otros usos de este término, véase Purismo.

Purismo, en arte, es un término que se aplica a los estilos o movimientos estéticos o que pretenden
explícitamente o a los que se atribuye la intención de recuperar una supuestapureza (estética, cultural,
moral, etc.) existente en épocas anteriores; o bien que tienden a la depuración estilística, a un máximo
posible de simplicidad, sin perder por ello la calidad artística (por ejemplo usando en lo
posible colores, líneas y formas puras, sin rebuscamientos ni exceso de ornamentación, centrándose en
lo esencial o estructural.

Atendiendo a cualquiera de los posibles valores del término "purismo", en la historia del arte
occidental puede hablarse de varios movimientos "puristas" en distintas épocas. En el arte de la Edad
Moderna, el estilo purista fue una de las fases de la arquitectura del Renacimiento en España. Más
adelante, en el arte contemporáneo ha habido al menos dos estilos que recibieron la denominación
de puristas, bien diferenciados temporal y espacialmente y aún más diferenciados en lo formal: el
primero localizado en la Italia del Ottocento; el segundo en la Francia de losaños 1920, en plena época
de las vanguardias
 Futurismo
Para otros usos de este término, véase futurismo (desambiguación).

Diseño urbanístico futurista de Antonio Sant'Elia.

El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado

enItalia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el20 de
febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.

...un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que laVictoria de Samotracia.1

Índice

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 1 Historia

 2 Los futuristas italianos

 3 Escultura futurista

 4 Fotografía futurista

 5 Estética

 6 El futurismo en otros países

 7 Trascendencia del futurismo

 8 Véase también

 9 Notas

 10 Bibliografía

 11 Enlaces externos

Historia[editar · editar fuente]
El futurismo surgió en Milán, [Italia], impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba
romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como
elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el
movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente.
Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina,
el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito,
con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos
temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo
(artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un
verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la paz del mundo.

El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el

manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo
Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.

El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho,
cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por
representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.

El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1910
a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tommaso Marinetti. Se busca el
escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende
romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los
que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.

Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la
velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o
emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a
utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.

Los futuristas italianos[editar · editar fuente]

Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento. Intenta representar los
estados anímicos y el movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de
una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece, Estados del alma: los
que se van.

Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus
obras destacan: Penélope, Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan:
Perfume, La música, Recuerdos de una noche.

Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz
y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo
de golondrinas, Lámpara eléctrica.

Otros futuristas italianos fueron Gino Severini: Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur,

Bailarina azul; Giuseppe Cominetti: Amantes en el agua; Kasimir Malévich: El afilador de cuchillos;
y Enrico Prampolini: Composición.

Escultura futurista[editar · editar fuente]

En las esculturas futuristas también se intentará representar el movimiento. Para ello los planos se
desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son, generalmente, también escultores.
Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso
acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a
gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal
Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S.
Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini.

Fotografía futurista[editar · editar fuente]

El violonchelista.

En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen
tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o en Joven meciéndose.

En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio
Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista,
un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el
edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de
trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo
mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de
Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos comoMarcel Duchamp, Fernand
Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivoconstructivismo ruso.

En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un

batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba
la guerra "como la única higiene del mundo". Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás
radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919.

Estética[editar · editar fuente]

Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la patafísica de Alfred Jarry, en Remy de

Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de
ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper
absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por considerar que los museos, en
especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo
impregnaba todo.

Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la
mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la
fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.

En la literatura, el futurismo abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica.

Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho
de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan
energía y libertad.

El llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad
vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo
se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan pormetonimia.

La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora.
Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el sanamiento de un mundo
anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.
Con el correr de los años, Marinetti fue politizando el movimiento, hasta coincidir con las tesis
del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919.

El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo

expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino
Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en
otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (elruidismo del
compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).

El futurismo en otros países[editar · editar fuente]

El futurismo tuvo sus más notables seguidores en otras naciones, como Rusia (los poetas Vladímir
Maiakovski, Velimir Jlébnikov yAlekséi Kruchiónyj - éste último creador del "lenguaje transmental", en
ruso за́умь, зау́мный языk o záum, zaúmny iazyk, en:zaum -, y otros), en Bélgica (el escritor Émile
Verhaeren), en Portugal (Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revistaOrpheu,
1915), en España (el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en el Río de la Plata, donde algunos poetas
reflejaron temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita de Marinetti al Cono
Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto Hidalgo, en Buenos Aires, y Alfredo Mario
Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo.

Trascendencia del futurismo[editar · editar fuente]

La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear
una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios
artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias
artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el
panorama artístico en los albores del siglo XX.

Muchas de sus técnicas para "figurar, con medios estáticos, el movimiento real" han sido incorporadas
también al lenguaje de la historieta moderna.2