TEMA 59: ARTE ROMÁNICO

1. JUSTIFICACIÓN (PERSONAL DE CADA UNO):

2. INTRODUCCIÓN:

Origen del arte románico: es el primer estilo unitario y común en la Europa

medieval pero con notables diferencias regionales (contraposición regionalismo-
internacionalismo). El término románico fue inventado en 1818 por el arqueólogo
francés Charles de Gerville que propuso que la arquitectura románica procedía de la
arquitectura romana. El arte románico se había formado fundiendo la tradición clásica
con las aportaciones de los pueblos bárbaros. Esta teoría se ha visto depurada en la
actualidad. El románico es un estilo autónomo que nace y se desarrolla en el s. XI y la ª
mitad del XII, coincidiendo con el renacimiento de la orden monástica benedictina, con
el flujo de las peregrinaciones y con la épica de las cruzadas. En su génesis intervinieron
el arte romano, paleocristiano, germánica (carolingia, otomano), bizantino e incluso
califal.

Contexto histórico: S. XI y XII. Plenitud del feudalismo: fragmentación política y

debilidad de la monarquía. Importancia de la religión y de la iglesia. En el año 1000 la
sociedad vivía presa de temores y ansiedad a la espera del Juicio Final (Terror del año
1000) porque se creía que el fin del mundo ocurriría en ese año. Se construyeron
santuarios y templos en acción de gracias.

El restablecimiento de la paz física y espiritual llegó con los monjes benedictinos.

En sus grandes dominios monásticos incorporaron procesos agropecuarios y,
simultáneamente, alabaron a Dios con sus plegarias y con la belleza del arte. Dos
abadías de Borgoña -Cluny y Cîteaux- serían las encargadas de forjar el arte románico y
la mentalidad que lo sustenta, irradiando desde ambos cenobios franceses el nuevo
mensaje a toda Europa. En el s. CI, los monjes negros de Cluny, los cluniacenses,
favorecen el culto a las reliquias y crean la iglesia de peregrinación. El orgullo y la
riqueza decorativa de sus edificios motivan que en el s. XII se produzca una reforma
dentro de la propia orden, encabezada por San Bernardo y los monjes blancos de
Cîteaux, los cistercienses, postulantes de la primitiva humildad benedictina y de la
austeridad ornamental.

La fe en las reliquias iba a promover la peregrinación penitencial, que constituye la

mayor manifestación de masas de la Edad Media. Tres centros capitalizaban el interés:
los Santos Lugares de Jerusalén, Roma y Santiago. El camino de Santiago se convirtió
en la gran arteria medieval por donde transitaron personas, ideas y también artistas.
Surge la necesidad de crear templos más amplios y seguros para evitar incendios.

La religiosidad medieval abre un nuevo capítulo en el s. XII: las Cruzadas, un

episodio histórico pleno de locura, que culminó con la sangrienta toma de Jerusalén,
donde Europa testimonia su fuerza expansiva en Oriente, recibiendo las influencias
bizantinas. La recuperación al Islam de las tierras donde había vivido Cristo escondía
también intereses políticos y comerciales: la supremacía del papado frente a las
monarquías feudales y el control marítimo del Mediterráneo por los mercaderes
italianos.

3. LA ARQUITECTURA ROMÁNICA
La arquitectura es casi exclusivamente religiosa. A la iglesia y al monasterio se
subordinarán la escultura y la pintura.
a) Elementos formales y soluciones constructivas:
El sistema constructivo se basa en la bóveda de cañón en piedra, que es el gran
signo formal del Románico. Medidas de seguridad e intereses estéticos aconsejaron
construir la bóveda en piedra. Este material protegía al edificio del fuego, reduciendo
los riesgos de incendio de las techumbres de madera, y permitía fabricar estructuras más
perfectas y acústicas para la salmodia y el canto.
El hallazgo era sólido y hermoso, pero entrañaba nuevos problemas había que
combatir los empujes que el peso del cañón transmitía a los muros, amenazando con
desplomarlos. La solución fue fragmentar la cubierta abovedad en tramos, mediante
arcos fajones permitió elevar la altura y aumentar la longitud de la construcción. Las
dificultades se complican cuando el edificio tienes tres naves: entonces, el cañón central
se contrarresta con bóvedas de arista en las naves laterales, y se sitúa un contrafuerte
exterior en el eje de los fajones.
Elementos constructivos: el material es la piedra de sillería. Los elementos
sustentantes son los muros gruesos, macizos y con pocos vanos; los contrafuertes o
estribos exteriores para reforzar el muro; el pilar compuesto y cruciforme (recibe 4
arcos: 2 formeros y 2 fajones); y la columna (no clásica y con diversos tipos de capitel)
que sigue empleándose en diversas partes del edificio (naves, portadas, claustros,
criptas). Los elementos sostenidos son: los arcos de medio punto en la separación de las
naves, doblados y en portadas y vanos formando arquivoltas (arcos abocinados); y las
bóvedas; de cañón en la nave central, de aristas en las naves laterales, de cuarto de
cañón en las tribunas, de cuarto de esfera en ábsides y la cúpula sobre trompas o
pechinas en el crucero (linterna y cimborrio).
Elementos decorativos: la decoración es figurativa en capiteles y portadas. Las
bandas se decoran con figuras vegetales o geométricas en interiores y exteriores.
Valores plásticos: son la solidez (predominio del macizo sobre el vano) y la escasa
iluminación que invita al recogimiento y a la sumisión al poder de la Iglesia. En el
interior predomina la horizontalidad y la direccionalidad hacia el altar mayor. En el
exterior predominan los volúmenes nítidos y puros.
La iglesia: deriva de la basílica paleocristiana: planta de cruz latina (tres naves
longitudinales y transepto) y ábsides en la cabecera. Es el edificio predilecto de la
arquitectura románica. Un templo que está siempre orientado hacia la aurora y evoca en
su planta el cuerpo crucificado de Cristo: el ábside alberga la cabeza; el transepto, los
brazos; el crucero, el corazón; y las naves, los pies del Salvador. Su espacio interior se
concibe para el ceremonial. El esplendor de la liturgia y el culto a las reliquias
motivaron la aparición de soluciones constructivas inéditas: la cabecera con absidiolos
(para la celebración de misas privadas), el deambulatorio circunvalando el presbiterio,
la tribuna cabalgando sobre el transepto y el pórtico a los pies. La masiva afluencia de
visitantes obligó también a construir absidiolos y tribunas en los brazos del transepto
(mayor capacidad) y un pórtico interior en la fachada principal para resguardar a los
peregrinos.
Elementos exteriores: las portadas abocinadas con decoración escultórica, la
fachada flanqueada por torres, el cimborrio o torre de crucero y la decoración de
arquillos ciegos, bandas y canecillos.
b) La iglesia de peregrinación: La Catedral de Santiago de Compostela.
El Camino de Santiago: su origen se remonta a una tradición antiquísima que
proclamaba que Santiago el Mayor vino a predicar el Evangelio a España; luego regresó
a Palestina, donde fue martirizado. Sus discípulos embarcaron su cuerpo y lo trasladaron
a Galicia para sepultarlo, pero la tumba fue abandonada. A comienzos del s. IX, un
prodigio invitó a localizar los restos del apóstol Santiago en Galicia.
El pontífice difundió la noticia a toda la cristiandad exhortando a los fieles a viajar
hasta Galicia para venerar la reliquia exhumada. Francia inauguró la peregrinación
internacional abriendo el Camino de Santiago. Los peregrinos partían todos los años de
cuatro localidades galas: Tours (flamencos), Vézelay (alemanes), Le Puy
(centroeuropeos) y Arlés (italianos). Aprovechan las antiguas calzadas romanas que
cruzaban los Pirineos por los puertos de Roncesavalles y Somport, confluyendo los
senderos en Puente la Reina. A partir de aquí, el camino de unificaba, atravesando
Logroño, Burgos, León, Astorga y Ponferrada.
El trayecto de cada etapa era de unos 30 kms. diarios y la duración del itinerario
oscilaba entre uno y dos mesas. La necesidad de informar sobres los gastos del viaje al
incesante flujo de devotos hizo que el clérigo francés Aimeric Picaud redactara una guía
(Liber Peregrinationes). En ella se describe la infraestructura y los servicios de la red
viaria: cita las localidades urbanas y los albergues rurales donde se podía pernoctar. La
guía es también un catálogo del arte románico, al incluir y comentar los hospitales, los
monasterios y las grandes iglesias que salpicaban el recorrido.
Iglesias de peregrinación: cinco eran estas iglesias de peregrinación: San Martín de
Tours, San Marcial de Limoges, Santa Fe de Conques, San Saturnino de Tolosa y
Santiago de Compostela. Las cuatro francesas presidían cada uno de los itinerarios que
podían elegirse para emprender el camino a Galicia. Características arquitectónicas:
grandeza de dimensiones, con el propósito de acoger al mayor nº de fieles, y perfecta
circulación de entrada y salida en el templo, que se hacía por las naves laterales, tras
recorrer el ancho transepto y el deambulatorio que contorneaba la espaciosa capilla
mayor. La tribuna (galería sobre las naves laterales) está abierta a la nave central por el
triforio (arcos geminados).
Catedral de Santiago de Compostela: la meta de la peregrinación y la fórmula más
perfecta del edificio románico, capaz y funcional, se encontraba en la catedral
compostelana. la plante es de cruz latina, con girola con absidiolos y tribuna y triforio
sobre las naves laterales. Grandiosidad: 100 m. de longitud y 20 m. de altura
(luminosidad). Proporción entre espacios y elementos. Se inició en 1075 bajo los
auspicios del obispo Diego Peláez y la dirección arquitectónica de los maestros
franceses Bernardo el Viejo y Roberto. En 1088, cuando estaba construida parte de la
cabecera, las obras se interrumpieron, hubo que esperar a 1100, año de la designación
del obispo Diego Gelmírez, para que el maestro Esteban reemprendiera los trabajos. A
partir de esta fecha, el ritmo laboral se sigue con relativa precisión: en 1105 se consagró
el presbiterio. En 1112 se abrieron las puertas de las Platerías (sur) y Azabachería
(norte) en los costados del transepto. El siguiente paso fue levantar las naves, que en
1128 estaban concluidas en su mayor parte. Gelmírez decide colocar un coro para los
canónigos santiagueses en el eje central del templo, implantando una moda en el arte
español. Finalmente, entre 1168 y 1188, el maestro Mateo ampliaba con nuevos tramos
la longitud de los pies y dotaba a la fachada principal del Pórtico de la Gloria.
c) El monasterio:
El monasterio se organiza como una auténtica ciudad con fines materiales y
espirituales de acuerdo con los preceptos de la orden benedictina (ora et labora). El
núcleo germinal del monasterio es la iglesia, cuya planta muestra ya las diferencias
entre Cluny y Cîteaux. Mientras los cluniacenses proyectaron cabeceras semicirculares
con protuberantes absidiolos y deambulatorios anulares que se comunicaban con las
naves, a las que tenía acceso al pueblo, los cistercienses prohibieron la entrada a los
seglares y optaron por el testero plano.
Contiguo al templo se dispone el claustro, que simboliza el paraíso terrenal. Es un
gran patio adosado a la iglesia. Es lugar de paseo, de lectura y meditación. El claustro es
también el órgano distribuidor de las dependencias monásticas. Las áreas de servicio
que se abrían en sus cuatro galerías abiertas por arcos de medio punto sobre columnas
están representadas por la sala capitular, el refectorio, la cilla y el mandatum. En la sala
capitular se congregaba la comunidad, presidida por el abad, para discutir los asuntos
del monasterio y acusarse públicamente los monjes de sus faltas. Al lado se construía el
armariolum o biblioteca, el locutorium para conversar en privado con el superior, la
gran sala de trabajos manuales, las letrinas y dos accesos: el pasillo abovedado que salía
al huerto y la caja de escaleras que ascendía al dormitorio común, alojado en la planta
alta y amueblado con jergones tendidos en el suelo.
Las piezas que se edifican en la crujía del refectorio o comedor fueron la cocina, con
el horno de pan y el calefactorio. El corredor de la cilla o granero contenía las oficinas
de la administración monástica y las dependencias para comer y descansar de los
hermanos legos. Finalmente, en la panda del mandatum se alineaba un banco corrido,
donde los monjes se sentaban para recibir las órdenes del abad y se les distribuía un
libro cada año para que lo leyeran. Dentro del recinto amurallado se habilitaron
establecimientos: la enfermería, el cementerio, las bodegas y lagares, los establos y
cuadras, el molino, la fragua y los talleres artesanales. A la entrada, junto a la portería,
se elevaba una hospedería para transeúntes y una capilla para el pueblo.
d) Principales escuelas europeas:
Francia: conjunto de obras más importante del románico. En Borgoña se
encuentran el Monasterio de Cluny y la iglesia de la Madeleine de Vézelay. Es el
principal centro creador del románico. En Aquitania se encuentran Saint Front de
Perigueux y Notre Dame de Poitiers de influencia bizantina (pechinas, cruz griega,
escamas). En Provenza se encuentran San Trófimo de Arlés y San Gil de Gard de
influencia clásica (frontón triangular, capiteles corintios). En Auvernia se encuentran
Santa Fe de Conques, S. Sernín de Touloudr y S. Martín de Tours. Fijación de la iglesia
de peregrinación (tribuna y girola). En Normandía y Bretaña se encuentran el Mont
Saint Michel, San Esteban de Caen y la Trinidad de Caen que son procedentes del
gótico (gran altura, bóvedas de crucería).
Italia: en Italia hay triple influencia (cluniacense, clásica y bizantina). En
Lombardía se encuentran S. Ambrosio de Milán, Catedral de Parma y la Catedral de
Módena decorados con arcos y bandas lombardas y con pórtico sobre columnas y
figuras de animales. En Toscana se encuentran la Catedral del Pisa y S. Miniato al
Monte. Destaca la importancia de la columna como soporte y como elemento
decorativo, la decoración con mármoles de diferentes colores y la separación de la
iglesia, el baptisterio y el campanile. En Sicilia y en el sur de Italia se encuentran la
Capilla Palatina de Palermo y la Catedral de Monreale de influencia normanda
(decoración geométrica), musulmana (arcos entrelazados, mocárabes) y bizantina
(mosaicos).
Inglaterra: relación con Normandía (gran altura): Catedral de Durham.
Alemania: la Catedral de Spira y la Catedral de Worms de influencia Lombarda
(arquillos ciegos y bandas) y borgoñona. Elementos dela tradición otoniana: ábsides en
pues y cabecera, torres circulares, cimborrio.
e) Etapas y escuelas de la arquitectura románica en España:
Primer Románico o Prerrománico catalán: fines s. X y todo el s. XI de influencia
Lombarda como el uso del sillarejo, arquillos y bandas lombardas. Las iglesias son
pequeñas, sin bóvedas de piedra (excepto ábsides) y con elevada torre. Obras:
Monasterio de S. Pedro de la Roda, Sta. María y S. Clemente de Tahull.
Románico puro o cluniacense o del Camino de Santiago: s. XI. Obras: Catedral de
Jaca con decoración con taqueado jaqués (o ajedrezado). San Martín de Frómista
(Palencia) es un modelo de sencillez y pureza con tres naves y crucero con cimborrio y
torres circulares en los pies; San Isidro de León con arcos formero peraltados
(procedente de Santiago), y la Catedral de Santiago de Compostela.
Difusión del románico: escuelas regionales del s. XII: escuela casterllana: destacan
las iglesias de Segovia (San Esteban) y Ávila (San Vicente) con pórtico lateral. En Soria
sobresale la iglesia de Sto. Domingo de influencia francesa. En la cuenca del Duero
destacan la Catedral de Zamora y la Catedral Vieja de Salamanca de influencia
bizantina (cúpulas sobre pechinas, formas externas bulbosas y decoración con escamas).
En Galicia las obras están inspiradas en Santiago (Catedral de Tuy). En Cataluña
destacan la Catedral de Seo d’Urgel y el claustro catedral de Gerona con
perfeccionamiento y mejora de Primer Románico (sillerías, bóvedas).
4. LA ESCULTURA ROMÁNICA
Orígenes: Tras la caída del Imperio Romano la escultura monumental desaparece,
aunque es posible hablar de talleres simultáneos que bajo la influencia bizantina, crean
en el siglo XI la escultura románica monumental.
Evolución:
>La primera escultura se desarrolla en los frisos, dentro de un marco rectangular.
>La escultura del siglo XI se desarrolla en portadas con una decoración parca,
ajustándose a la forma cúbica del capitel, tímpano y jamba.
 >Las grandes portadas del siglo XII se caracterizan por la profusión , la riqueza en
movimientos y ropajes.
Características:
El principal papel de ambas manifestaciones artísticas es pedagógico y va dirigido a
una población analfabeta, por lo que se consideran evangelios en piedra o biblias
pintadas, dependiendo completamente de la arquitectura ("ley del marco").
Característica fundamental es la expresividad que, como ya sabemos, consiste en la
deformación deliberada de la realidad en aras de una acentuación de los contenidos, de
los significados; ello nace posible que las figuras sean excesivamente alargadas, con
anatomías defectuosas y extrañas perspectivas.
La ubicación de la escultura:
>Portada: Cargada de simbología (sentido cosmogónico y entrada al mundo divino:
"Yo soy la puerta, el que entra por mí se salvará"). En las jambas (estatuas alargadas de
apóstoles o santos), arquivoltas (motivos geométricos, vegetal o ancianos del
Apocalipsis), tímpano (Pantocrátor, Teofanía, Pentecostés), parteluz (Cristo, la Virgen o
el santo titular).
>Claustros: En los capiteles historiados (iconografía relacionada con: salvación,
liturgia y los dogmas).
>Altar: Todavía poco representativo, sólo en el románico: crucificados.
La iconografía románica: Cristo en majestad: la Maiestas Domini o Pantocrátor
bizantino, Jesucristo en un trono con los evangelios en la mano izquierda y bendiciendo
con la derecha dentro de la almendra mística -mandorla-, con expresión amenazante,
considerado más como el Yaveh vengador del Antiguo Testamento que como el Jesús
amoroso del Nuevo Testamento; se diferencia del bizantino en que éste muestra solo
mediocuerpo. Aparece rodeado por el Tetramorfos integrado por los símbolos de los
cuatro evangelistas: el ángel de s. Mateo, el águila de S. Juan, el león de San Marcos y
el toro de San Lucas. La Virgen: procede de la Teothocos bizantina, en posición sedente
como 'trono de Dios' y el Niño bendiciendo a la griega. El Crucificado: influencia
bizantina de tipo sirio, vestido con túnica larga - perizoma-, sin rasgos de dolor, la cruz
es símbolo de trono. Santos: adquieren protagonismo por el culto a las reliquias, se
identifican por los atributos diferenciadores -símbolo parlante-. Animales fantásticos y
monstruos: cargados de contenido moral, símbolos del mal y sacados de la literatura de
los "bestiarios" (Physiologus de Teobaldo, Speculum Ecclesiae, Speculus Majus).
Peculiaridades nacionales:
FRANCIA
>Borgoña: Las características de la escuela borgoñesa: alargamiento de las figuras,
movimiento expresionista, talla profunda y angulosa. Destacar: portada occidental de la
Magdalena de Vézelay (1130-40, tiene como tema la venida del Espíritu Santo y
presenta la misma disposición de Santiago, pero sus figuras arrebatadas son de un
alargadísimo canon lo que indica ansias de espiritualidad; desde la mandorla se mandan
rayos que son recibidos por los apóstoles entre grandes muestras de agitación,
evidenciado por los violentos plegados. En torno al tímpano se pueden ver pueblos
reales o fabulosos a los que llegará el mensaje divino). La portada occidental de la
iglesia de s. Lázaro de Autun (1140) es obra de Gilasbertus y decora su tímpano con el
tema del Juicio Final; a la derecha podemos ver a los salvados, representados por
figuras muy espiritualizadas, en medio de palacios celestiales y a la izquierda a los
condenados. En el dintel de la puerta lateral se encuentra la tentación de Eva, "primer
desnudo de Occidente”.
>Escuela de Languedoc: Las características: talla volumétrica y tosca, figuras
monumentales, acumulación en registros horizontales "honor vacui". Destacar: la
portada de s. Pedro de Moissac de 1100-1130; en el tímpano figura la visión del
Apocalipsis con una gran aglomeración de figuras entre las que hallamos al Pantocrátor,
Tetramorfos que vuelven sus miradas apasionadas hacia Dios, Serafines muy estilizados
que componen una especie de paréntesis y los 24 ancianos divididos en tres bandas a
semejanza de los sarcófagos paleocristianos. Es perfectamente apreciable el contraste
entre el arcaísmo del Maiestas Domini (riguroso frontalismo, expresión solemne y
deshumanizada, trazos sumarios del rostro, rigidez de los miembros, convencionalismo
en el tamaño, etc.) y el humanismo de los 24 ancianos: retorcimiento de líneas en ritmos
variados, contorsiones complicadas, volumen en sus cuerpos que explica claramente que
las frontalidad plana de Dios es un efecto buscado, gesticulación y rostros
detenidamente esculpidos.
>Escuela de Auvernia: Se caracteriza por numerosa escultura de madera recubierta
de panes de oro de influencia carolingia, como Nuestra Señora de Orcival (Virgen con
Niño). La escultura adaptada a la arquitectura se ciñe a capiteles con un sentido pobre y
arcaizante. Destacar el tímpano de su portada occidental de Santa F de Conques (1130-
35) encontramos el tema del Juicio Final con abigarramiento de figuras; en el infierno,
además de calderas de aceite hirviendo, hallamos tragicómicas figuras de demonios
basadas en los testimonios de los monjes quienes decían hallarlos en ocasiones entre los
catres y en las letrinas; su finalidad era aterrorizar a los fieles y hacerlos confiar en las
beatíficas figuras de los santos y en Dios.
>Escuela Poitou: Se caracteriza por: fachadas repletas de decoración con influencia
oriental proveniente de Armenia, los tímpanos no suelen decorarse, talla tosca.
Destacar: Nuestra Señora la Grande de Poitiers y Catedral de Angulema.
>Provenza: Se caracteriza a partir de la 2ª ½ del s. XII, son ya para algunos góticas
y sus características derivan de la tradición romana: inexistencia de monstruos, figuras
de gran dignidad, solemnes y majestuosas como las de los sarcófagos, carencia de
contorsiones y ropajes tranquilos, a modo de togas romanas. Destacar: S. Trófimo de
Arles es de finales del s. XII e incluye la visión apocalíptica de Juicio Final,
estructurado a modo del arco triunfal de Constantino, presenta además columnas encima
de leones " leones estilóforos", de influencia italiana; triple portada de Saint Gilles du
Gard, concebida a modo de arco triunfal con temática de la Epifanía, Pantocrátor.
>Îte de France: alrededores de París. De transición es el Pórtico Real de Chartres
(SW de París) construido entre 1145-60 está dotado ya de una serenidad propia del
periodo posterior. En la portada central figuran el Maiestas Domini, el Tetramorfos y
los 24 ancianos en las arquivoltas, todo ello organizado con gran claridad compositiva
aunque los pliegues aún son románicos. Una puerta lateral tiene como tema a la Virgen
con el Niño (Chartres presuntamente atesoraba el manto de María) y la otra la
Ascensión. En las jambas alargadas estatuas-columna como las de Vézelay sin su
arrebato pero, dotadas de una dulzura que preconiza el gótico; se diferencia del Pórtico
de la Gloria en que las francesas no están en relación entre sí.
ITALIA
>Región de Lombardía y Valle del Po: Destacar: fachada de la Catedral de
Módena, realizada por Wiligelmo entre 1110-20; fachada de Catedral de Verona
atribuida a Guglielmo; el Descendimiento de la Catedral de Parma de Benedetto
Antelami.
>Toscana: Las fachadas sustituyen las esculturas por los mármoles, relegándose
la escultura al interior sobretodo los púlpitos (púlpito de la Catedral de Pisa del s. XII de
Guglielmo) y pilas bautismales (del Baptisterio de Pisa).
>Sur de ltalia: conjuga la influencia bizantina con el pasado clasicista. Destacar:
Ias puertas de bronce (Porta Ranieri de la Catedral Monreal en Sicilia, con estructura de
casetones cuadrangulares y temas del Testamento).
INGLATERRA
La influencia normanda se expresa en la escasez de escultura monumental,
dedicándose sólo a capiteles con decoración geométrica y de vegetales estilizados,
también abundan las cruces de influencia irlandesa y las lápidas laicas con entrelazo
vikingo. Destacar como portada la del Prior de la Catedral de Elv.
ALEMANIA
Destacar el trabajo de fundición de influencia otónida, como las puertas
broncíneas de Hildesheim, crean escuela por su disposición en registros y su
expresividad; la escultura en madera se dedica a los crucificados (crucifixión de la
Catedral de Essem) y a las Virgen con Niño .La escultura monumental es tardía por la
influencia francesa del s. XIII, con una estilística gótica.
ESPAÑA
La escultura española del s. XI nos ofrece como muestra más importante La
Puerta de las Platerías, en el extremo del brazo sur de la Catedral de Santiago, obra del
Maestro Esteban cuyo estilo se caracteriza por la duplicación de líneas curvas
propagadas como si fueran ondas, la intensidad de las miradas logradas a base de
grandes y redondos ojos y por la abundancia de paños. Se sabe que el autor trabajó
también en s. Isidoro de León, en Navarra, en Toulousse, en Moissac, etc. en todos ellos
actuó como director y, a veces, como escultor, dejando de las mejores obras del estilo.
Se inició dicha portada a finales del XI y parece que fue terminada en 1103, aunque el
incendio de un siglo después puede explicar el desorden de las figuras y la inclusión de
otras de autores distintos. El tema de la puerta izquierda es la naturaleza divina de Cristo
y las escenas que aparecen aluden a las tentaciones que sufrió; llama la atención la
figura de la adúltera, obligada por el esposo a besar dos veces al día la cabeza putrefacta
del amante, quizás como simple alegoría de la lujuria o tal vez como venganza del
arzobispo Gelmírez contra Dña. Urraca, mujer, al parecer, asaz lujuriosa. El tema de la
puerta derecha es la naturaleza humana de Cristo y en ella figuran el prendimiento, la
flagelación y la coronación de espinas. En los estribos que flanquean la portada se
hallan personajes del Antiguo Testamento, especialmente el rey David tocando el arpa,
obra de abstracto geometrismo (aspa de sus piernas) y buen ejemplo del hacer del
maestro Esteban. Sobre los arcos y las enjutas, ángeles con trompetas llamando al Juicio
Final. En el centro presiden Cristo y Santiago (según el Codex Calixtinus significaría la
preponderancia de Santiago sobre los demás apóstoles por ser el único que asistió a la
transfiguración del Señor) rodeados de personajes más o menos desubicados de su lugar
original.
De este mismo siglo o principios del s. XII es el claustro del cluniacense
Monasterio de Silos en relación con Moissac, los capiteles representan cabezas de
animales reales o monstruos - arpías – de raigambre oriental, aunque también esté
presente el mudejarismo, pues la apretada red de tallos que aprisionan las figuras puede
estar en relación con las arquetas de la época califal. En los pilares de los ángulos del
claustro aparecen relieves con grupos escultóricos: la incertidumbre de Sto. Tomás, el
camino de Emaús, el Descendimiento, las Marías en el sepulcro, Pentecostés y la
Ascensión. Las características son el modelado suave y unos pliegues poco profundos
que provocan escaso claroscuro, esbeltez de proporciones que dan la sensación de cierto
movimiento, colocación de las figuras por simple yuxtaposición, etc.
Ya claramente del s. XII es la portada de la iglesia del Monasterio de Sta. Mª de
Ripoll (2ª ½) influenciada por el Maestro Gilasbertus de Autun. Se caracteriza por una
gran barroquismo: abigarramiento de figuras, líneas curvas, altorrelieve. En la franja
superior aparecen el Salvador y los 24 ancianos del Apocalipsis, en las tres inmediatas
santos y distintas escenas del Antiguo Testamento, en la franja quinta y bajo los arcos, a
la izquierda David y los músicos y a la derecha Jesús bendiciendo a los fundadores; en
las franjas inferiores se ven fieras devorando a tímidos animales (tema oriental clásico)
y medallones con los pecados capitales.
En los claustros catalanes se pueden apreciar figuras faltas de proporción pero de
gran fuerza expresiva como es el caso de s. Cugat, e incluso vemos en una de los
capiteles un autorretrato del autor, Arnaldo Castell. El de la catedral de Gerona,
destruida en el s. XIII para sustituirla por otra gótica, se dedica a escenas bíblicas,
aunque en un capitel figuran unos obreros trabajando en la construcción del templo que
por el naturalismo de la escena, inspirada en la realidad, y por ser una composición
liberada de la arquitectura, nos habla de un cambio de mentalidad de anuncia el Gótico.
El Juicio Final del tímpano del Monasterio de Sangüesa (Navarra) está integrado
por figuras alargadas que tal vez denoten la influencia de Autun. En las enjutas aparecen
escenas nórdicas del herrero Regin forjando la espada con la que Sigurd mataría al
dragón, obra del Maestro de s. Juan de la Peña. Del mismo autor es la parte superior,
con Cristo en majestad y los apóstoles en una perfecta adaptación al espacio, unos ojos
exagerados dan impresión de fuerza, pero los personajes son toscos y rechonchos, con
vestidos donde se multiplican los plegados planos. En la parte inferior hallamos la
influencia de Chartres.
S. Juan de la Peña tiene en los capiteles de su claustro figuras de gran rudeza y
de canon muy corto, con cabezas desproporcionadas y enormes ojos, aunque se atisban
ya gestos naturales. Plegados caligráficos.
La transición al gótico, además de las obras exentas, la podemos estudiar en tres
portadas: La de s. Vicente de Ávila, influenciada por Chartres, muestra en su parteluz a
Cristo y en las jambas a los apóstoles conversando, pero son aún excesivamente
delgados y curvados, con cabezas grandes y rostros alargados pero de noble aspecto y
con variados tratamientos del cabello.
Las columnas pareadas de la segunda planta de la Cámara Santa de Oviedo, de
fines del s. XII, se decoran con un apostolado casi de bulto redondo y distribuido en
parejas que se relacionan entre sí mediante torsión y gestos de las manos de forma más
perfecta que Chartres. Son figuras humanizadas por la variedad de posiciones de manos
y brazos, por la riqueza de pliegues, por la amabilidad de los rostros y la
individualización.
El Pórtico de la Gloria, iniciado en 1168 y acabado veinte años después por el
Maestro Mateo. Sus más de 200 figuras son de mármol y granito. Estructuralmente es
una gran puerta central y dos laterales (= planta del templo); en el tímpano central
hallamos a Cristo acompañado del tetramorfos presidiendo, ángeles con los símbolos de
la pasión en la fila inferior y a los ancianos radialmente dispuestos en las arquivoltas. En
las jambas los apóstoles y los profetas formando parejas (= Cámara Santa) continuando
por las portadas laterales. El Pórtico se caracteriza por la vida de sus imágenes que
radica en sus rostros, de expresión amable y bondadosa, los cuerpos están modelados
con blandura, el dinamismo no es nervioso como el de Oviedo, sino natural, las formas
llenas contrastan con el enflaquecimiento místico de Ávila, en riqueza de pliegues y
variedad en el tratamiento del cabello también la supera; con todo ello se anuncia un
sentido optimista de la vida que inspirará el gótico; en este sentido destacan los rostros
del profeta Daniel y de s. Juan ("primera sonrisa de occidente").
5. LA PINTURA ROMÁNICA.
Orígenes:
La pintura románica a diferencia de la escultura, presenta una unidad, tiene sus
orígenes en la miniatura carolingia y otoniana, con una aportación muy importante de la
influencia bizantina (antinaturalismo, ausencia de perspectiva, rasgos
convencionalizados y normalizados, simbolismos...), difundida a través del sur de Italia
y sobre todo por la Abadía cluniacense de Montecasino.
El desarrollo de la pintura románica corresponde a los siglos XI y XIII, siendo muy
escasos los restos conservados.
Características plásticas:
Se produce un gran proceso de abstracción de una gran expresividad.
>Tintas planas: los colores son puros y vivos con predominio de las gamas azules y
rojizas, con fuertes efectos cromáticos llenos de simbolismo (el blanco se sitúa
verticalmente y representa la vida eterna, el negro en horizontal es la muerte).
>Predominio del dibujo: grueso y seguro de color negro o rojo oscuro y el poco
modelado se gradúa la poca que hay por medio de franjas paralelas de colores diversos.
>Composición simple por yuxtaposición, nada rompe el plano, frontalismo total.
>Antinaturalismo: no paisaje o muy esquemático. Se expresan vivencias religiosas
antes que formas reales (expresionismo): grandeza dramática (Pantocrátor), infantilismo
narrativo (algunos martirios).
>Convencionalismos en la codificación (color por ejemplo).
Soportes pictóricos:
 >Pintura mural: La técnica no son verdaderos frescos ("fresco a secco" y
"semifresco") de acuerdo a ésta técnica se salpicaban los colores fundamentales,
después se realizaban toques definitivos al temple; consecuencia: al arrancar las
pinturas, lo que se hace es quitar la capa más externa con el temple íntegro mientras en
la pared queda una capa de fresco más profunda. La ejecución consta de varias partes:
1º silueta monocroma de las figuras, 2º con tonos pardos y oscuros se realizaba el
dibujo, finalmente se acentuaba el modelado de las caras y las vestiduras. En Cataluña
se añade un" solución grasa. La ubicación de la pintura mural es: ábside (Pantócrator en
mandorla con Tetramorfo, y a mitad s. XIII puede ser sustituido por Theotokos), parte
baja del ábside (en registros se ubican apóstoles, profetas o el santo titular), laterales del
ábside (escenas de la vida del personaje titular), bóvedas y muros (escenas del
Testamento o del Apocalipsis).
>Pintura sobre tabla: En el altar a partir de mitad s. XII aparecen los frontales o
antipendios naciendo a p. s. XIII las tablas pintadas detrás del altar, "retro-tabulum",
origen de los retablos góticos. Las maderas más utilizadas fueron: roble, álamo blando,
pino silvestre y encina; cortadas las tablas y tapadas las juntas (a veces con telas de
lino). El pintor preparaba la base: sobre una capa de yeso con cola (pastillaje), se
dibujaba luego con punzón o pincel y finalmente se iluminaba el dibujo con amarillos,
rojos, verdes y azules junto al blanco y negro, realizado con temple al huevo. Para
aumentar el brillo de los frontales se usaba la corladura que ahorra oro a base de adherir
una lámina de estaño o plata recubierta de barniz que adoptaba coloración de oro.
>Pintura en libros: La técnica se conoce como "iluminación", sobre soporte de
pergamino o vitela , se policroma al temple de huevo con colores planos y vivos,
dorándose con panes de oro algunas zonas. Esta técnica deriva de la influencia de la
miniatura carolingia y bizantina, extendiéndose por todos los países rápidamente
(miniatura italiana y la inglesa).
Peculiaridades nacionales:
FRANCIA
La mayoría de las pinturas son del siglo XII. Se distinguen dos estilos:
a) Estilo "italo-bizantino", se da en Borgoña, Auvernia y sureste. Los rasgos más
destacados son: fondo oscuro (azul o negro); figuras solemnes y estáticas con pliegues
abundantes y rígidos. Ejemplo: frescos de Berzé-la-Ville.
b) Estilo "franco-bizantino", se da en Poitou, en la cuenca media y baja del Loira y
en Turena. Los rasgos más destacados: pinturas más realistas; fondos claros; figuras
pequeñas y dinámicas (influencia de la miniatura carolingia) y libertad cromática.
Ejemplo: frescos de Saint Savin-sur-Gartempe (considerada según algunos historiadores
"la Capilla Sixtina del Arte Románico").
ITALIA
La influencia bizantina se acentúa más en Venecia e ltalia meridional, mientras que
en Roma pervive la tradición paleocristiana.
ALEMANIA
La característica más fuerte es el expresionismo, influencia de la pintura miniada
(libros) y prueba de ello son los conjuntos murales de Igl. De Lombach y abadía del
monasterio de Nonnberg.
 REINO ANGLO-NORMANDO
Se distinguen dos líneas estilísticas:
a) Italo-bizantina: El dominio de Sicilia por los normandos aporta la influencia
bizantina Llegando numerosos manuscritos bizantinos al reino. Se caracteriza por:
figuras monumentales donde el color modula el volumen. Ejemplo: Capilla de San
Anselmo de la Catedral de Canterbury.
b) Tendencia occidentalizante, por el contacto de la escuela de Reims. Ejemplo:
Pinturas de la Iglesia de Hardham.
ESPAÑA
Cataluña:
Los artistas se les conocen sólo por el nombre de su obra más representativa. A
pesar de los rígidos modelos, se dejan notar algunas características individuales. Son
ambulantes como lo demuestran sus estilos individuales en distintas iglesias.
>Maestro Pedret: probablemente italiano que trabaja en 2ª ½ s. XII, su estilo es
bizantino (figuras alargadas y cubiertas con ricas vestiduras), que transforma en
Cataluña hacia un enriquecimiento de gama de colores y recurriendo al natural cuando
la iconografía no aporta modelos, lo que produce rostros muy expresivos. Destacar los
ábsides catalanes del siglo XII, algunos como San Quirze de Pedret del XI continuación
de la pintura asturiana y mozárabe. Superpuso su pintura a la del siglo XI. Novedad
iconográfica: rápido movimiento de los jinetes del Apocalipsis blancos sobre fondo
verde. Autor también del fresco del ábside de Esterri de Aneu.
En las dos iglesias de Tahull se distinguen dos maestros:
El de Santa María llamado el Maestro de "Maderuelo" por haber pintado esta
iglesia de Segovia y también la de San Baudelio de Berlanga en Soria.
>Maestro de San Clemente: Reúne 3 corrientes: Bizantina (espiritualidad
solemne), árabe (su caligrafía ornamental contraria al hieratismo bizantino), mozárabe
con su poderosa fuerza expresiva. Estructura: Dos zonas horizontales: Superior con el
cielo, Cristo en majestad, evangelistas y ángeles. Inferior con Virgen (hierático y largo
rostro bizantino); apóstoles (intensos ojos y duros rasgos faciales).En la clave del arco
de acceso aparece la Mano del Creador mostrando su fuerza creadora (similitud con la
Capilla Sixtina). Intento de separarse de Bizancio: ondulación de los ángeles, deseo de
simetría, leve escorzo de los círculos de símbolos de los evangelistas, Pantocrátor: no
divinidad lejana e indiferente, muestra su poder con sus ojos, muestra su aproximación a
las criaturas con los gestos de sus manos. Veladura de los colores (tinta transparente
para conseguir mejor fusión tonal) como se aprecia en pie, cara y nuevos. Arquitectura
del cuerpo y rostro por su dureza; son las grandes líneas de la composición tendentes a
lo abstracto frente a pequeñas líneas de los rasgos faciales indican deseo de vida y de
gracia. (Impresión de vida aprisionada por el esquematismo del estilo).
En frontales de altar destaca el Maestro de Aviá en Cataluña que conserva algo
de la solemnidad de Tahull en la Virgen; sin embargo, el nacimiento es ingenuo-infantil.
Castilla-León:
Gran influencia de la miniatura mozárabe por la expresividad y matices
naturalistas; las diferencias con Cataluña son claras: se rehuyen los formalismos
siguiendo el artista su propia inspiración; carece de la grandiosidad de Tahull
compensada por el sentido narrativo; menor recurrencia a lo simbólico, se prefiere la
observación de la realidad manifestada hasta en la inclusión de notas paisajísticas.
>San Baudilio de Berlanga (Soria). Dos o tres artistas que aportan gran
originalidad temática: las escenas religiosas se sustituyen por escenas de caza dotadas
de movimiento aún con miembros rígidos. Variedad de animales (camello, elefante, oso,
etc). Las figuras son siluetas, manchas planas pero de gran fuerza expresiva.
>Vera Cruz de Maderuelo (Segovia). Lo mejor del conjunto es la creación del
hombre y el pecado original, con árbol como elemento paisajístico y simbólico: buenos
frutos en el lado de la creación y casi seco en el del pecado; el fondo de un solo color
(no bandas como en otras zonas) resalta las figuras angulosas, antinaturales y
esquemáticas, lo mismo que el paisaje.
>San Isidoro de León. Seis bóvedas decoradas con pinturas dotadas de gran
sentido narrativo así como notas bucólicas. Variedad de tipos humanos, independencia y
movimiento de los personajes que les independiza del marco, naturalismo del paisaje.
En definitiva: el vitalismo sustituye al cansado simbolismo bizantino.
6. LAS ARTES SUNTUARIAS ROMÁNICAS.
Relicarios:
La proliferación de reliquias en la Edad Media se debió a la necesidad de que no
se podía consagrar un altar o una iglesia si no se contenía como mínimo una reliquia. El
oro y plata fueron los materiales preferidos para relicarios, además de piedras preciosas
y existen dos modalidades: relicarios figurativos como el retrato-busto de Federico
Barbanoja (s. XI), y relicarios en forma de arqueta o iglesia, como el relicario con
cúpula del tesoro de los Welfs en Colonia.
Piezas de marfil:
El auge del marfil en la Edad Media llegó hasta el siglo Xll. Se usaban marfiles
africanos comercializados a través de Venecia, además de las dentinas de hipopótamos,
dientes de narvales, cachalotes y morsas. Se empleaba para decoración de relicarios con
pequeñas figurillas o relieves, para las cubiertas de libros, cruces y otros objetos
pequeños destinados a la liturgia.
Esmaltes:
El antecedente se encuentra en la tradición bizantina. La técnica del esmalte de
divide en dos: "cloisonné" (se vierte el esmalte entre laminillas verticales a modo de
tabiques. Esta fórmula bizantina se dio entre s. XI y p. XII, sobre todo en la zona del
Rin); "champlevé" (se vierte entre nichos, que se han excavado vaciando el fondo del
metal. Se desarrolla a partir de mediados del XII, destacando la escuela de Limoges).
Tapiz:
La artesanía del tapiz no aparece hasta finales del siglo Xll. Sin embargo, se
debe destacar la obra más importante, conocida como "tapiz" (impropiamente dicho, por
ser lino bordado sobre lana) de Baveux. Posee unas dimensiones de 50cm. de ancho por
70 mt. de largo, es de finales del XI, representa la batalla de Hasting (conquista
normanda por Guillermo de Normandía en las Islas Británicas). Su valor estético
conecta con el cómic, al presentar las escenas militares con gran detallismo,
acompañado de una inscripción aclarativa.
7. CONCLUSIONES (Personales de cada uno).
8. BIBLIOGRAFÍA
-BUGUER, R.: El conocimiento de la pintura, como verla y apreciarla, Noguer
S.A., Barcelona Madrid Méjico.
-CALABRESE, O.: Como se lee una obra de arte. Cátedra signo e imagen.
-WENTINCK, C.: Historia de la Pintura europea, Plaza & Janes S.A.,
Barcelona.
-PALOMERO PÁRAMO, J.: Historia del Arte, Ed. Algaida, Sevilla, 2003.
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