Exposiciones de Artes Plásticas y Fotografía
(Madrid y Barcelona)
PROGRAMACIÓN 2020
Fundación MAPFRE
Programa de exposiciones 2020
Madrid
(Sala Recoletos)
●Rodin-Giacometti .…………………………………………………………………………… pp. 4 y 5
4 de febrero – 10 de mayo de 2020
●Lee Friedlander …………………………………………………………………………………. pp. 6 y 7
28 de mayo a 6 de septiembre de 2010
●Leonora Carrington ……………………………………………………………………………… pp. 8 y 9
Madrid. 30 septiembre 2020 – 10 enero 2021
Madrid
(Sala Bárbara de Braganza)
●Richard Learoyd ………………………………………………………………………………. pp. 10 y 11
19 de febrero a 24 de mayo 2020
●Bill Brandt …………………………………………………………………………………… pp. 15 y 16
10 de septiembre 2020 a 10 enero de 2021
Barcelona
(Casa Garriga y Nogués)
●Pérez Siquier ……………………………………………………………………………. pp. 12 y 13
13 febrero a 17 de mayo 2020
(Centro de fotografía)
● Bill Brandt ……………………………………………………………………………………. pp. 15 y 16
Junio a 30 de agosto de 2020
●Paul Strand ……………………………………………………………………………………. pp. 17
Junio a 30 de agosto 2020
●Garry Winogrand …………………………………………………………………………. pp. 18 y 19
22 de septiembre de 2020 a 17 de enero de 2021.
●Archivo Histórico: Colección MNAC ……………………………………………………. p. 19
22 de septiembre 2020 a 17 enero 2021
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Fundación MAPFRE
Programa de exposiciones 2020
Madrid
(Sala Recoletos)
• Rodin- Giacometti
Comisarios: Catherine Grenier, Catherine Chevillot y Hugo Daniel
4 de febrero – 10 de mayo de 2020
Considerados dos de los más
grandes exponentes de la
creación, la exposición Rodin-
Giacometti trata de explorar por
vez primera tanto los paralelismos
como las disparidades entre la
obra de ambos artistas, generando
así un diálogo que nos muestra las
Patricia Matisse, Alberto Giacometti en el Parque de Eugène conexiones entre su trabajo.
Rudier en Vesinet psando junto a los Burgueses de Calais de
Rodin, otoño 1950.
El interés de Giacometti por la
escultura de Rodin se hace evidente sobre todo a partir de 1935, en el momento en que
la figura humana vuelve a cobrar protagonismo y sobre todo tras la guerra, cuando el
artista italo-suizo vuelve al modelado. Más que buscar un hilo conductor que una a los
dos artistas, la exposición trata de ensalzar algunas de las preocupaciones que tuvieron
en común: la importancia del modelado y la materia para el proceso creativo, el trabajo
en serie o el cuestionamiento constante del pedestal. La selección de obras –que se
plantea como una conversación en el espacio, muestra cómo ambos creadores
hallaron– en sus respectivas épocas, modos de aproximarse a la figura de manera
totalmente nueva, a la vez que enraizada en su tiempo: en Rodin el mundo anterior a la
Gran Guerra; en Giacometti, el inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial.
Rodin acompañó a Giacometti a lo largo de toda su carrera, pues su padre, un
reconocido pintor, le inculcó la admiración por el artista francés desde muy pequeño. La
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Programa de exposiciones 2020
capacidad de Rodin para resaltar la fragilidad, para metamorfosear su escultura y
reflexionar sobre ella, volviendo una y otra vez sobre los mismos motivos, son a su vez
algunos de los elementos fundamentales del trabajo de Giacometti, sobre todo a partir
de 1935, cuando se aleja de la obra de artistas considerados entonces “más
vanguardistas” como Zadkine, Lipchtiz y Laurens y vuelve a conceder importancia a la
figura humana. Las obras del suizo comienzan entonces a alargarse, parecen incluso
gastadas, a veces a punto de desaparecer, tanto aquellas figuras que aparecen solas
como en las de grupos en las que, a pesar de estar acompañadas, mantienen su
individualidad y permanecen “solas en la multitud”.
Esta exposición es fruto de la colaboración entre Fondation Giacometti, Musée Rodin y
Fundación MAPFRE.
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Programa de exposiciones 2020
• Lee Friedlander
Comisario: Carlos Gollonet (Conservador jefe fotografía Fundación MAPFRE)
28 de mayo a 6 de septiembre de 2010
En 1963, Lee Friedlander (Aberdeen, Washington, 1934) había definido su fotografía
como “el paisaje social americano”. De esta manera, se diferenciaba -junto a otros
importantes artistas del momento como
Garry Winogrand y Diane Arbus-, de los
fotógrafos documentalistas de décadas
anteriores. Tras las exposiciones New
Documents, organizada en el Museum of
Modern Art y Toward a Social Landscape en
la George Eastman House, quedó clara la
influencia que tanto Walker Evans como
Robert Frank ejercían sobre los tres. No
obstante, no hay que olvidar que, a pesar de
Lee Friedlander, Oregon, 1997
Plata en gelatina la definición de Friedlander sobre su propio
trabajo, los nuevos documentalistas
estaban sobre todo interesados en conocer más sobre ssí mismos y sobre los hechos
visuales de su entorno que en los problemas sociales que preocupaban a sus
antecesores.
New Documents tuvo un extraordinario impacto en la escena artística americana y la
obra de Friedlander se descubrió como una de las más importantes renovaciones del
arte del siglo XX. Sus imágenes rompían con los modos de representación tradicionales
y contrastaban con la seriedad de los antiguos fotógrafos. Su repertorio visual, a veces
banal, creaba argumentos visuales confusos y sacudían al espectador con un sentido de
la ironía derivado de yuxtaposiciones de objetos e ideas aparentemente inconexas. Sus
fotografías han cambiado nuestra manera de mirar, y lo más sorprendente es que
después de más de sesenta años fotografiando a diario, el artista sigue renovándose
continuamente y alterando nuestra visión ordinaria del mundo real. En esa aparente
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Programa de exposiciones 2020
cotidianeidad, en esa búsqueda de metáforas visuales de difícil comprensión, la mirada
crítica de Friedlander ha reflejado la enormidad y el caos de la sociedad americana.
La exposición que presentamos, hace un recorrido completo por su extensísima obra,
haciendo hincapié en proyectos concretos como American Monuments y asociaciones
temáticas que agrupan fotografías a lo largo de seis décadas de trabajo: retratos,
autorretratos, fotografías familiares, naturaleza, calle… En torno a 300 fotografías, más
de 50 libros y otros materiales documentales (revistas, vinilos, contactos…) nos acerca
a la extensa y compleja obra de uno de los más influyentes fotógrafos norteamericanos
del siglo XX.
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Programa de exposiciones 2020
• Leonora Carrington
Comisarios: Tere Arcq; Stefan van Raay; Carlos Martín, comisario jefe, Fundación
MAPFRE; Naja Rasmussen, comisaria, ARKEN Museum.
- Fundación MAPFRE, Madrid. 30 septiembre 2020 – 10 enero 2021
- ARKEN Museum of Modern Art, Copenhague. 6 febrero – 6 junio 2021
- Museo Picasso, Málaga. 28 junio – 3 octubre 2021
Pintora, madre, emigrante,
exiliada, feminista, intelectual y
escritora, Leonora Carrington es
una de las artistas más singulares
del siglo XX. La exposición
presentará su universo artístico y
su personalidad intelectual por
medio de un amplio y variado
Leonora Carrington repertorio de creaciones que
Transferencia, 1963
Tate Modern, Londres. incluirá pinturas, dibujos, tapices,
escenografía, vestuario teatral y
producción escrita. Junto a ellos,
podrá verse material de archivo, libros, películas y fotografías documentales que
proporcionarán el contexto histórico de la artista. El resultado será la primera gran
retrospectiva consagrada a Carrington tanto en España como en Dinamarca.
La producción artística de Carrington sitúa al espectador ante criaturas fantásticas e
historias extraordinarias que exploran múltiples emociones y sentimientos. Ya sea en
respuesta a ideas sociales y políticas, mitos y folklore, el cuerpo femenino o la psique
humana, Leonora despierta nuestra imaginación y estimula la curiosidad del
espectador por medio de un mundo extremadamente personal construido sobre
referencias interconectadas. Sus descripciones de la profundidad de la psicología no
sólo ofrecerán, presentadas en la exposición, un reflejo de su vida y su práctica
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Programa de exposiciones 2020
artística, también ciertos desafíos y aspectos de la condición humana contemporánea.
Todos podemos encontrar en la vida y obra de Carrington un espejo en el que vernos
reflejados.
Presentada por primera en España, la exposición Leonora Carrington sigue la carrera
de la artista desde los primeros dibujos hasta su obra tardía: formación y tempranas
influencias en Inglaterra y Florencia; surrealismo en París y época transcurrida en Saint-
Martin-d'Ardèche; la traumática experiencia en España; la emigración a Nueva York y,
por supuesto, México como nueva patria. El proyecto también explora las múltiples
visitas realizadas a Chicago, Nueva Orleáns y Nueva York desde finales de la década de
1960 hasta la década de 1980. El recorrido por este viaje vital y artístico hacen posible
el objetivo de reconectarla con Europa, el continente donde tuvo alguna de las
experiencias que más le marcaron y también una parte del mundo que abandonó
físicamente pero que recordó y siguió siendo parte de su producción creativa a lo largo
de toda la vida.
Comisariada por un equipo internacional; Fundación MAPFRE (Madrid), el ARKEN
Museum (Copenhague) y el Museo Picasso Málaga se han unido para ofrecer lo que
será la primera gran retrospectiva consagrada a la figura de Leonora Carrington en
Europa continental.
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Programa de exposiciones 2020
Madrid
(Sala Bárbara de Braganza)
• Richard Learoyd.
Comisario: Sandra Phillips (Conservadora emerita del San Francisco Museum of Modern
Art)
19 de febrero a 24 de mayo 2020
Richard Learoyd (Nelson, Reino Unido, 1966), es uno
de los fotógrafos contemporáneos más destacados en
la actualidad. La obra de Learoyd hunde sus raíces en
el pasado y tiene múltiples referencias a la historia de
la pintura, tanto por los temas como por la técnica. Sus
fotografías en color y en blanco y negro son resultado
de un proceso artesanal con una cámara oscura
construida por él mismo.
El artista inglés ha sido reconocido por sus obras
Richrard Learoyd
Jasmijn hacia la luz, 2008 fotográficas únicas que ha realizado durante más de
Fotografia única en paper
una década y que consisten, principalmente, en
Ilfochrome, 147,3 × 121,9 cm
retratos de modelos vestidos o desnudos hechos en su
estudio. Sin embargo, tal y cómo podemos ver en el recorrido expositivo, también ha
abordado otros temas: fotografía de animales, paisajes o espejos oscuros. Todos ellos
reciben la misma atención seria y tierna. Muchos de los animales ya no están vivos, el
artista los ha envuelto en alambres o aparecen tensados mediante hilos para ser
examinados. No son el material de un bodegón habitual, se trata más bien de
experimentos realizados con objetos ordinarios en ocasiones poco comunes.
Los espejos son quizás las obras más abstractas: parecen constelaciones del espacio
exterior profundo. Recientemente, ha realizado fotografías a gran escala, en blanco y
negro e incluso ha llevado su enorme cámara al exterior para fotografiar paisajes y viejos
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Programa de exposiciones 2020
edificios que encuentra en pequeñas ciudades de Europa del Este. En algunos casos,
regresa al mismo lugar para fotografiarlo en diferentes estaciones del año.
Esta exposición presenta a Richard Learoyd en el punto álgido de su trayectoria, con una
selección de 51 obras en color y en blanco y negro que resume lo mejor de su trabajo
realizado a lo largo de una década. La dificultad de reunir estas obras únicas de Learoyd,
procedentes tanto de colecciones públicas como privadas, hace de esta exposición la
más grande del artista organizada hasta la fecha. Además, se incluye uno de los paisajes
realizados en España (Lanzarote), resultado de un encargo de Fundación MAPFRE y que
se incorpora a su Colección de Fotografía, que ya cuenta con otras dos obras del artista.
La obra de Learoyd ha sido expuesta recientemente en el Victoria & Albert Museum de
Londres (2015) así como en el J. Paul Getty Museum de Los Ángeles (2016). Sus
fotografías se encuentran en colecciones de los principales museos del mundo, entre los
que destacan el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Centre Pompidou de
París, el Victoria & Albert Museum o la Tate de Londres.
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Programa de exposiciones 2020
Barcelona
(Sala Garriga y Nogués)
• Carlos Pérez Siquier
Comisarios: Carlos Gollonet (Conservador jefe fotografía Fundación MAPFRE), Carlos
Martín (Conservador jefe Fundación MAPFRE)
13 febrero a 17 de mayo 2020
Nacido en Almería, donde ha
residido a lo largo de toda su vida,
Carlos Pérez Siquier (Almería,
1930), ha mantenido desde los
inicios de su trabajo en la década de
1950, una condición de artista
periférico. Esta situación, no le ha
impedido plantear violentas
rupturas a contracorriente con su
Carlos Pérez Siquier, La Chanca, Almería, 1960
Copia posterior, plata en gelatina.
tiempo y, a la vez, erigirse como
35x24 cm. catalizador del colectivo
fotográfico más influyente de su
momento, el grupo Afal, reunido en torno a la revista homónima, en activo entre 1956
y 1963. Su obra destaca en el panorama español como pieza clave en la
profesionalización del medio, primero desde propuestas cercanas al neorrealismo y más
adelante como pionero de la fotografía en color. Tanto en el panorama nacional como
en el internacional, la obra de Pérez Siquier resulta fundamental para la consolidación
de la fotografía moderna.
Desde ese espacio limítrofe y lejano, Pérez Siquier ha creado, a lo largo de seis décadas
de trabajo, un corpus fotográfico que se adentra de manera tangencial y al tiempo
profunda y mordaz en los debates de su momento. Por sus series fotográficas discurren
la periferia social, las alteraciones visuales surgidas del conocido “segundo franquismo”,
el choque cultural producido por la llegada masiva del turismo foráneo a España y la
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Programa de exposiciones 2020
penetración de una nueva cultura visual, colorista y sensual, condensada tras el eslogan
Spain is Different -que viene a sustituir superficialmente el trauma posbélico en las
costas del país-, hasta su reciente repliegue hacia ámbitos más personales. Pero es en el
paso que va de aquellas imágenes de crítica social a las que celebran –de forma
escéptica y curiosa- la sociedad de consumo, en las que el espectador puede contemplar
el cambio de paradigma en la sociedad europea de posguerra. Y es a través de esas
imágenes como su obra se conecta obra con las propuestas del arte pop más crítico, con
el cine de autor de los años sesenta y con la literatura de su generación.
Esta gran retrospectiva sobre el artista almeriense, se plantea como un recorrido a
través de sus series más señaladas, realizadas entre 1957 y 2018, con una importante
aportación de imágenes inéditas y con el fin de promover el reconocimiento
internacional de una figura que fue galardonada en 2003 con el Premio Nacional de
Fotografía concedido por el Ministerio de Cultura español.
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Fundación MAPFRE
Programa de exposiciones 2020
Centro de fotografía
Fundación MAPFRE abrirá en junio de 2020 un nuevo centro de arte enfocado
fundamentalmente a la fotografía. Este proyecto da, por un lado, continuidad a la línea
expositiva desarrollada hasta el momento, con retrospectivas de los grandes maestros
de la fotografía del siglo XX, junto a completas panorámicas de autores contemporáneos
que han alcanzado una temprana e indiscutida consolidación internacional. Por otro,
impulsará iniciativas hasta ahora inéditas dentro de la actividad fotográfica de la
Fundación, como, entre otras, la inclusión en la programación expositiva de colecciones
y fondos fotográficos de ámbito catalán, públicos o privados; la puesta en marcha de un
programa educativo dirigido al ámbito escolar y familiar; la programación de ciclos de
conferencias o la convocatoria de un premio.
Este nuevo espacio, que reemplazará a la sede actual, estará situado en el conocido
como “Edificio Vela”, a los pies de uno de los edificios más representativos de la
Barcelona contemporánea: la Torre MAPFRE. La nueva sede dispondrá de un total de
1.400 m2 distribuidos en dos plantas y contará con dos salas de exposiciones y espacios
destinados a otros usos (librería, actividades educativas y un auditorio).
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Programa de exposiciones 2020
• Bill Brandt
Comisario: Ramón Esparza
-Fundación MAPFRE, Centro de fotografía, Barcelona, de junio a 30 de agosto de 2020
-Fundación MAPFRE, Sala Bárbara de Braganza, Madrid, 10 de septiembre 2020 a 10
enero de 2021
Aprendiz en el estudio de Man Ray e influido por su
contemporáneo Brassaï, Bill Brandt (Hamburgo, 1904-
Londres, 1983) es considerado actualmente uno de los
fundadores de la fotografía moderna junto a Walker
Evans o Cartier-Bresson. Las imágenes de Brandt, que
exploran la sociedad, el paisaje y la literatura inglesa,
resultan indispensables para entender la historia de la
fotografía e incluso la vida británica de mediados del
siglo XX. El fotógrafo se encuentra así entre los
Bill Brandt, Street Scene London, 1936,
Plata en gelatina
visionarios que basan el potencial creativo del medio
fotográfico en la contemplación del mundo que les
rodea, un mundo que el espectador podrá contemplar en España gracias a esta gran
retrospectiva de más de doscientas obras.
En 1919, Freud publicó un ensayo sobre lo siniestro (das Unheimliche), un término que,
en su pensamiento sobre la mente humana, opone a la idea de lo familiar. Un concepto
que intenta definir recurriendo a la obra de E.T.A. Hoffmann Los elixires del diablo. Lo
siniestro, para Freud, es aquello que nos produce desasosiego, nos causa tanta
extrañeza como atracción y que según el filósofo Eugenio Trías –basándose en la
descripción de Freud-, representa “la condición y el límite de lo bello”.
Esa definición de lo siniestro de Freud y recogida por Trías, se hace patente al
contemplar en su conjunto la obra de Bill Brandt y se constituye en línea argumental de
una producción profesional y artística que, en un principio, parece errática y dispersa.
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Programa de exposiciones 2020
Desde sus primeras fotos, todavía como aficionado, en los años treinta, a sus últimos
retratos y desnudos, Brandt demuestra una permanente atracción por lo extraño, por
ese trasfondo que deja entrever el mundo cotidiano a nada que le dediquemos cierta
atención. No es una lectura radicalmente innovadora de su obra. Sir Tom Hopkinson,
uno de sus más antiguos amigos, decía, en un programa radiofónico emitido en 1984,
con motivo de su muerte que «no estaba interesado en nada que no le llevara al
misterio. El misterio estaba en Bill, y él lo proyectaba en cualquier cosa que fotografiase.
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Programa de exposiciones 2020
• Paul Strand.
Colecciones Fundación MAPFRE
Comisario: Carlos Gollonet (Conservador jefe fotografía Fundación MAPFRE)
Principios de junio a 30 de agosto 2020
Fundación MAPFRE presenta por primera vez su colección de
fotografías de Paul Strand de forma individual, la más extensa
que se conserva del artista fuera de Estados Unidos. Más de
70 obras (de las cerca de 140 que posee la Fundación) que
conforman un completo recorrido por la trayectoria de uno
de los fotógrafos más importantes del siglo XX.
Nacido en Nueva York, Strand empezó estudiando con el
fotógrafo de temática social Lewis Hine en la Ethical Culture
Paul Strand, Mujer ciega, Nueva
York, 1916, plata en gelatina School de Nueva York, entre 1907 y 1909 y, posteriormente,
entabló una estrecha amistad con Alfred Stieglitz, también
fotógrafo y pionero en la introducción del arte moderno en Estados Unidos. Strand logró
fusionar estas dos influencias. A partir de entonces exploró el potencial de la fotografía
como instrumento de superación de la visión humana a través de retratos íntimos y
detallados y de la captación de matices en formas mecánicas y naturales. Desde la
década de 1930, en sus diversos viajes al suroeste de Estados Unidos, Canadá y México
desarrolló proyectos centrados en comunidades específicas, estudios de pueblos a
través de sus gentes y de los elementos culturales que los identifican. Strand continuó
centrándose en este tipo de trabajos basados en el viaje y el conocimiento que del
mismo se deriva durante el resto de su carrera. El artista examinó las posibilidades de la
cámara más a fondo que ningún otro antes de 1920. En 1916 ya había realizado una
serie de retratos de personas anónimas pertenecientes a las capas más bajas del tejido
social, que causaron un gran desconcierto, pues estaban dotados de una espontaneidad
y una franqueza nunca vista con anterioridad, retratos expresión de un tiempo con los
que Strand construye los cimientos de la fotografía moderna, adelantándose a lo que en
años posteriores se conocerá como “fotografía directa” o straight photography
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Programa de exposiciones 2020
• Garry Winogrand
Comisario: Mr. Drew Sawyer, Phillip Leonian, Edith Rosenbaum Leonian (Curator of
Photography Brooklyn Museum) 22 de septiembre de 2020 a 17 de enero de 2021.
Fotógrafo de las calles americanas, Garry Winogrand (Nueva York, 1928 1984), ha sido
reconocido junto a Diante Arbus y Lee
Friedlander como una de las figuras
fundamentales en la renovación de la
fotografía documental.
La gran retrospectiva que presentamos,
tras la que organizamos en Madrid hace ya
algunos años, quiere incidir en la
importancia que para el estudio de la
fotografía, tienen algunos de los mejores
Garry Winogrand
New York, años 1950, plata en gelatina fotógrafos de la segunda mitad del s. XX.
Winogrand, considerado “cronista de América” puebla sus imágenes con hombres de
negocios, mujeres, atletas y actores famosos, hippies, rodeos, políticos, soldados,
aeropuertos, manifestaciones o zoos, por citar sólo algunos de los temas; entre ellas,
encontraremos varias que pertenecen a las Colecciones de Fundación MAPFRE. Además,
no hay que olvidar que de forma paralela a su trabajo en blanco y negro, Garry
Winogrand fotografió con carretes de diapositivas en color en la década de los años
cincuenta y sesenta, un trabajo inédito que podrá verse por primera vez en España
mediante la proyección las mismas.
Si en sus comienzos Winogrand trabajó en revistas tan populares como Life, Look o
Sports Illustrated, pronto abandonaría el fotoperiodismo para volcarse en una nueva
cultura fotográfica vinculada al mundo del arte. A partir de 1955, impulsado por un
interés personal, viaja desde Nueva York y recorre Los Ángeles, San Francisco, Dallas,
Houston, Chicago, Ohio, Colorado y el suroeste del país. Recoge las manifestaciones y
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Programa de exposiciones 2020
los movimientos pacifistas y contraculturales de la década de los sesenta, derivados de
la Guerra de Vietnam, o la crisis de los misiles, reflejando en sus fotografías un
sentimiento de desintegración nacional.
Su modo de fotografiar, casi de forma compulsiva, refleja el caos y la vitalidad de la
sociedad norteamericana de los años sesenta. Tres decenios de un trabajo extenso
realizado “en y entre” el flujo urbano, renovando una visión del mundo y representando
una realidad que se muestra tal y cómo es, sin juicios morales, como si de un catálogo
de la vida cotidiana se tratara.
En 1963, en la solicitud de su primera beca Guggenheim, había escrito «he estado
fotografiando Estados Unidos para intentar […] averiguar quiénes somos y cómo nos
sentimos, observando nuestra apariencia mientras la historia se producía y se sigue
produciendo a nuestro alrededor en este mundo» y hablaba de la consternaciónn que
le producía descubrir que los sueños de los estadounidenses eran «baratos y triviales»
y estaban construidos sobre «apariencias y fantasías».
• Archivo Histórico: Colección MNAC
Comisaria: Roser Cambray, Coordinadora Técnica de Plan Nacional de Fotografía del
MNAC)
22 de septiembre 2020 a 17 enero 2021
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