MIMESIS - REGLAS - FINALIDAD

Entre las reglas mas conocidas, y también las que más polémica han causado, están la
llamada Ley Del Decoro y la Ley De Unidad De Tono. Esta ultima ley esta considerada como
fundamental, y a la cual debía atenerse toda obra y según la cual de conseguía un equilibrio
entre forma y contenido.

TEORÍA DE LA LITERATURA-24

A través de ella los teóricos propugnaban una adecuación entre todos los elementos, no era
una norma que ello crearon, procedía de Horacio, pero los teóricos la reviven y le dan una
mayor fuerza. La Unidad De Tono indicaba que existía una relación entre la forma
y el contenido. Ej. Los versos breves(hasta ocho(8) sílabas) son muy ágiles y dinámicos, se
entendía que eran muy adecuados para contenidos alegres. Los versos largos(hasta
catorce(14) sílabas) son de carácter trágico, para expresar sentimientos profundos.

Los autores del barroco tendieron a romper esta Ley, era algo que debía cumplir unas
exigencias. La Unidad De Tono exigía que algunos géneros se diferenciaran unos de otros; el
humor representaría la risa, la tragedia representaría la tristeza, ... no se podían mezclar, iba
en contra de la Unidad De Tono.

Otra regla importante seria la Regla De Las Tres(3) unidades, esta regla es realmente una
invención de los comentaristas del clasicismo, porque formulaban este regla de forma muy
flexible basándose en la Poética de Aristóteles, cuando Aristóteles no había formulado todos
los elementos de dicha regla(solo la de Unidad De Acción), y a partir de ella el carácter
unitario.

Esto le llevó a diferenciar la acción principal de las acciones secundarias. Aristóteles señaló
algunas indicaciones sobre el tiempo, pero fueron imprecisas, no hizo ninguna indicación
sobre la unidad de lugar(o puede decirse que la Regla De Las Tres(3) Unidades sea de
Aristóteles).

Son autores como Castelvreto, Maggi, ... los que establecieron estas reglas uy
minuciosamente, apoyándose en fuentes extra-literarias con mucho rigor.

En la Unidad De Acción los comentaristas hacen unas afirmaciones que vienen a repetir las de
Aristóteles, debe haber una acción principal complementada con varias acciones secundarias.

Son estrictos a la hora de señalar que deben ir unidas a la acción principal. Esto hace que
entiendan que no pueden ser suprimidas las acciones secundarias sin modificar el sentido de
la acción principal. Esto es en general coherente y se ajusta a la Teoría de Aristóteles.

Este hecho llegó a confundir la Unidad De Acción con una única acción. Por tanto trata de
especificar una ley bajo el valor artístico de la obra.

Respecto a la Unidad De Lugar no aparecía en Aristóteles, para ellos era preferible que la
representación teatral se desarrollase en un solo y preciso lugar, debía estar en la ciudad y
ser pequeño, tratar de situar la obra en un lugar muy claro.

Respecto a la Unidad De Tiempo cabe decir que tampoco aparece en Aristóteles, y en general

los teóricos preferían que la duración coincidiera con el tiempo real de la acción. El tiempo
debía limitarse a una(1) o dos(2) horas. Estos teóricos empezaron por abogar por una
duración de doce(12) o veinticuatro(24) horas, la acción podía aludir a un máxima de
veinticuatro(24) horas. Los más flexibles permitían hasta treinta(30) horas. El exceso de
tiempo podía invalidar la obra.

TEORÍA DE LA LITERATURA-25

FINALIDAD DE LA OBRA.

Toda finalidad se vincula con la enseñanza, y como algo inseparable de ella el deleite.
Siempre hay una dicotomía entre enseñanza y deleite(docere/delectare).

La mimesis es el origen del arte, pero hay un desplazamiento del interés porque en general
los críticos entienden que la mimesis tal como es realizada por el autor debe seguir unas
reglas.

En realidad esta crítica se caracteriza por una orientación pragmática. Es una crítica
organizada, atendiendo al auditorio, a favor del lector. Lo que sucede es que hay un
desplazamiento del énfasis, se desplaza hacia el receptor, él es lo más importante. Para
producirse este desplazamiento ha debido ser a causa de cambios del contenido, del
pensamiento, ... Poner el énfasis en el receptor significa atender especialmente a los efectos
que se pretenden conseguir en el auditorio.

Los teóricos siguen basándose en las, mismas fuentes de siempre, en Horacio, Aristóteles y
Platón. Se entiende que la literatura piensan que es una imitación, pero imita como medio
para lograr un fin, ese fin es el deleitar al receptor, y a su vez el  deleite es un medio para
conseguir el fin ultimo del arte, que es enseñar. Entre esos fines están las Reglas De
Composición, para que el autor las use para lograr esas metas.

/ DELEITE.

IMITACION - REGLAS - FIN

\ ENSEÑANZA.

En este esquema se juega con los dos(2) elementos del docere/delectare. La doble finalidad
donde ninguno de estos dos miembros han sido puestos en duda, la duda únicamente recae
sobre el énfasis que se le da a cada uno de ellos, para unos la finalidad era la Enseñanza y
para otros el Deleite.

Ninguno de los autores llego a dudar de esta doble finalidad del arte, todos consideraron que
había un cierto equilibrio, ninguno niega el placer y todos ponen énfasis en la enseñanza. La
diferencia entre Enseñanza y Deleite se disolvió en un cierto equilibrio que estaba presente en
Platón. Pero el que mejor lo presento fue Aristóteles. Platón se decantó por la Enseñanza del
arte resultaba esencial, pero reconocía también en carácter hedonista de la obra, así abrió
una corriente negativa en que el placer que puede dar el arte se considera negativo, poco útil
y nada didáctico.

Aristóteles recoge el planteamiento reconciliador en que también la finalidad del arte era el
equilibrio entre el placer y el didactismo. Aristóteles justifica el deleite, y lo hace mediante un
concepto fundamental, la Catarsis(justificación de la finalidad placentera). Aristóteles dice que
la función propia del arte es el placer, se trata de un placer elevado, puro, no grosero. Gracias
a ese placer la visión de la tragedia mueve al espectador a dos pasiones; el temor y la
compasión.

Más tarde el aspecto placentero del arte quedo un poco marginado, la catarsis no volvería a
surgir hasta principios del siglo XVI, cuando se vuelve a descubrir la Poética de Aristóteles, en
ese momento surgen nuevas interpretaciones de la catarsis, representativas de diferentes
tendencias estéticas de la catarsis, un ejemplo es la interpretación moralista y mitridática.

Gracias a esta revitalización de Aristóteles se recupera el aspecto de la catarsis y el análisis y

la visión del Deleite, de esta manera en todo el siglo XVI están presentados los dos(2)
términos (enseñanza y deleite), y se equipara su estudio, así surgen numerosos grupos que
ponen énfasis en uno u otro. Pero sin negar el otro.

TEORÍA DE LA LITERATURA-26

DEFENSORES DE LA ENSEÑANZA SOBRE EL DELEITE.

Estos defensores forman el grupo más numeroso de la época, de hecho la finalidad didáctico-
moralizante llegó a considerarse como fundamental. Estos partidarios del docere nunca
negaron el placer que puede suscitar el arte, pero contribuyeron a difundir un concepto
didáctico. La finalidad de utilidad para la vida humana.

Al predominar el docere sus defensores invocaban a Horacio, a Aristóteles y a Platón, para

ellos los grandes autores mantenían esta postura. La Enseñanza había sido la finalidad ultima
de la literatura, no niegan el placer del arte, y para justificarlo acuden a la catarsis de
Aristóteles.

Pero interpretan la catarsis de una forma peculiar, dándole un aspecto moralista respecto al
placer.

Esta tendencia mayoritaria que propugnaba la supremacía del docere, pero que negaba
el deleite era partidarios de una interpretación moralista de la catarsis. Según esta
interpretación Aristóteles habría querido indicar que la tragedia purifica, libera de esas dos
pasiones, pero no serian las únicas, sino también lo liberaría de otras pasiones nocivas de la
Naturaleza Humana, purificaría de la ira, de la lujuria, ...(los pecados capitales).

Esta es una tendencia, y no una interpretación de la catarsis, que resume el interés de los
teóricos de la época, por esa finalidad moralizante del arte.

A partir del Renacimiento(s. XVI) también fue frecuente el que unos teóricos buscaran una
síntesis entre docere/delectare, que hablaran de una solución de compromiso entre los dos
componentes del arte.

Tanto una finalidad como otro son igual de importantes. Hay una única finalidad del arte. Estas
teorías realizan un planteamiento conciliador y de equilibrio. En la practica estos teóricos
vienen a ser una vertiente de lo anterior. Su posición oculta un cierto moralismo. Para ellos el
bien y la virtud desplazan el placer. Los principios superiores terminan siendo lo mismo que lo
anterior.
En la época clasicista además aparece una tercera tendencia caracterizada por realizar una
defensa abierta del deleite, los defensores del deleite acuden a las mismas fuentes, a Horacio,
porque según ellos este prefería esta finalidad la finalidad placentera. Para él, el placer era
más importante que la enseñanza, aunque no lo ha dicho expresamente.

Para defender el deleite tenían que cambiar un poco el pensamiento de la época que estaba
implantado. Esta tendencia rechaza la identificación que se hacia entre lo útil y lo bueno. Eran
términos sinónimos que se identificaban.

La literatura o la visión del arte eran uno de los placeres primeros que se extraían del arte.
Esta tendencia empezó siendo minoritaria, defendida por unos pocos. Pero a partir de
mediados del S.XVI fue aumentando progresivamente.

Surgieron nuevos partidarios que se unieron a defensores de la forma o verba artística, y eso
hizo que a finales del S.XVI y principios del S.XVII hubieran muchos teóricos que defendieran
la importancia del deleite y la forma que llevaba aparejada.

Utilizaron a principios del S.XVII un argumento muy frecuente, la independencia. Ni la moral

cívica ni la religión necesitaban el apoyo de la literatura. Ambos campos se justificaban por sí
mismos. Si son antónimos entre sí, lo importante de esa literatura es el placer.

TEORÍA DE LA LITERATURA-27

Hablar de la independencia del arte frente a la vida ha llevado a proclamar la superioridad del
arte sobre la vida. Sin embargo los creadores partidarios de esta tendencia llevaron a la
practica un arte bastante vacío, basado en unos argumentos que lo acercaban a lo
intranscendente, a lo cotidiano. De hecho la intranscendencia de este arte es una de las
consecuencias de la prioridad del placer en el arte.

Esta tendencia defensora del hedonismo fue aumentando en partidarios, pero a pesar de ello
a mediados del S.XVIII sigue siendo una tendencia minoritaria. A mediados del S.XVIII,
cuando se produce un cambio en el sistema artístico(ROMANTICISMO), la prioridad de la
moral sigue siendo prioritaria.

El arte tiene una doble finalidad, donde todo se enfoca a la enseñanza y el placer, siendo el
primero el dominante.

La interpretación mitridática es una racionalización del dolor. La tragedia consigue una

especie de placidez interior, ya que la mente puede razonar esos problemas. A esa liberación
ayuda también el hecho de saber que esa problemática es algo que les sucede a otros
muchos.

COMENTARIO(COMO EL EXAMEN).

Habiendo mostrado así que la imitación gusta, y porque gusta en ambas partes, se sigue de
ello que algunas reglas de imitación son necesarias para obtener la finalidad de deleitar, pues
sin reglas, no puede haber arte, como no podría haber casa sin puerta que conduzca a su
interior.

El texto puede dividirse así;

 Desde el principio hasta “... porque gusta en ambas partes.”

 Hasta “son necesarias”.

 Hasta “para obtener la finalidad de deleitar”.

 Hasta “pues sin reglas no puede haber arte”.

El texto comienza con una referencia a la imitación. Dice que con anterioridad se ha referido
ya a la mimesis, teniendo en cuenta que se ha hablado de que gusta. Podemos ver que se
trata de Aristóteles, porque da una visión positiva del arte. Si se tratara de Platón daría una
visión negativa.

Dryden pertenece al clasicismo y sabemos que la influencia durante esa época venia de
Aristóteles.

Dryden al término “gusta” le ha dado importancia porque lo menciona dos veces.

La relación entre la imitación y gustar es importante porque demuestra que la alusión a la

mimesis se realiza desde un punto de vista pragmático, es decir, teniendo en cuenta la opinión
del receptor. La teoría del clasicismo es una visión que atiende preferentemente a los gustos
del receptor. Tiene una visión de la mimesis orientada desde el auditorio explicando las
razones en ambas partes(autor/publico). La imitación esta vinculada al gusto del autor, pero
además importa el gusto del autor y del receptor.

TEORÍA DE LA LITERATURA-28

La imitación implica el seguimiento de unas reglas, pero dice el autor: algunas reglas de uso
general. Es más flexible con reglas de uso particular. Esto para conseguir una finalidad que es
el deleite.

I-R-D

El autor sigue unas reglas pensando en el deleite, pero esto no hace un rechazo hacia el
aprendizaje, aunque parece que el autor es partidario del deleite, que es la ultima finalidad del
arte.

Es la ultima parte del texto, el autor vuelve a mencionar las reglas como el soporte del arte y
los demás aspectos quedan enlazados por esas reglas. Las reglas son importantes porque de
adaptan a una imitación y se adaptan a una imitación porque se basan en el gusto del publico.

En conclusión, el texto trata el tema central de las reglas de composición y tan importantes
son que se vinculan a la finalidad del arte.

Uno de los mayores defectos en la reflexión sobre el mundo del arte es que atendía a la
creación respecto del gusto del receptor. Se hacia necesario explicar el gusto, ¿cómo se
podía explicar?. Podría conducir a aun acercamiento entre teoría y critica.

La primera explicación que se da es clara y coherente, se da en la obra de Kant. Kant es el

filosofo que sistematiza el idealismo del S.XIX y el que pone de manifiesto los valores de la
teoría del S.XVIII y los rasgos que produce la decadencia del S.XVIII. Sirve de enlace entre
teoría clasicista(S.XVIII y el idealismo(S.XIX).

Pone de manifiesto las pautas que triunfaran en el mundo del arte en el S.XIX. algunas de
esas pautas llegan a ser patrimonio de la humanidad. La obra de Kant es compleja pero para
la critica la más valiosa es la Critica Del Juicio(1798), en la que aborda los problemas más
importantes entre la teoría y la creación, y entre ello el tema del gusto, es esencial porque
juzga si una obra es bella o no.

El juicio del Gusto para que tenga algún valor tiene que tener la pretensión de ser universal y
en el caso del gusto este Juicio no puede darse como universal, no puede demostrarse de
forma racional. Kant parte de la posición del hombre ante el arte, y si tiene algún valor estético
o no.

Kant llega a la conclusión de que no se puede determinar mediante conceptos científicos lo

que es la belleza. La belleza es algo personal, el carácter subjetivo es lo único que puede
determinar la belleza. Kant dice que buscar un principio del gusto universal es algo inútil. No
puede existir una ciencia de lo bello, pero si existe la critica de la belleza, eso es lo que hace
el hombre ante una obra de arte. El hombre ante una obra ha de ser consciente que la obra de
arte es una producción humana y por tanto es producto de un acto humano, no esta sujeta a
las reglas que limitan la naturaleza a ningún tipo de reglas voluntarias.

Para Kant el arte es aquello que se caracteriza con la belleza, y como tal producto humano es
consecuencia de la subjetividad del hombre, de la genialidad de ese hombre. El arte es
producto de un genio, y por eso es particular de alguien, y en consecuencia ha de ser original,
personal.

TEORÍA DE LA LITERATURA-29

Con estas ideas Kant llega a tres consideraciones románticas;

 El gusto es subjetivo.

 Cada uno tiene el suyo.

 Habrá uno mayoritario, que procede del gusto personal.

Kant difundió el concepto de belleza y arte, y destaco algo tan importante como el carácter
que el arte tiene de sentimiento, de imaginación, de espontaneo. El arte para Kant es siempre
aquello que surge de la originalidad de un genio creador. Kant ha puesto de manifiesto otra
cuestión, y es que el arte está siempre dentro de una tradición, y para Kant es preciso seguir
esa tradición, ya que permite valorar con más facilidad los méritos de la obra, y también facilita
incluirlo dentro del ámbito del arte. Seguir la tradición no quiere decir imitar, son términos
antagónicos, seguir la tradición es esencial porque apartarse sería una actividad que perdería
el sentido, pero imitar significa copiar, renunciar a la originalidad del genio.

Así Kant reconoce la tradición artística propia de una época, y niega la imitación de la
antigüedad. Plantea la ruptura con lo anterior, pero que no sea brusca. El arte en cuanto que
lo entendemos forma parte de la tradición, la ruptura se debe a que no copia de lo anterior.
Las opiniones de Kant se construyen sobre algunos aspectos importantes, que en muy pocos
años(entre 10 y 15) acaba por basarse en estructuras totalmente diferentes a las anteriores. El
primer cambio viene con lo que se ha denominado Teorías Expresivas Del Arte(cambio de
doctrina de inspiración poética).

A lo largo del S.XVIII toda la imaginación dependía de una serie de modelos que el artista
tenía que imitar. Debía realizar la imitación ajustándose al gusto del publico, porque lo
importante era deleitar para luego enseñar.

Gradualmente ese acento en el auditorio fue progresivamente desplazándose hacia el autor,

va destacándose el genio natural del autor, su imaginación, su espontaneidad. Aquellas
cualidades que remiten al propio autor. El autor y sobre todo el poeta pasa a ser el centro de
toda la creación artística; el artista muestra sus sentimientos, su visión. Él es la causa
predominante del arte y es lógico que todo el interés del arte se desplace desde el publico al
artista.

Esta nueva manera de ver el arte de le conoce como Teorías Expresivas Del Arte. Durante el
dominio de estas teorías expresivas se entiende básicamente que el arte es algo interno que
se hace externo siguiendo un proceso creador que surge en el sentimiento, en la emotividad
de creador, en su interioridad. A partir de ese momento el arte pasa a mostrar sentimientos y
pasiones del hombre. Las descripciones externas son una muestra de la interioridad del
creador, las descripciones son como una foto tal y como es vista por el creador, es
simplemente un producto de la interioridad.

Cada disciplina lleva sus propios cambios, en la literatura estos cambios, en la literatura este
cambio conduce a un tratamiento deferente, y dan una mayor importancia al aspecto del
lenguaje, sobre todo a las figuras del lenguaje. Las metáforas se vuelven esenciales, en
general al lenguaje siempre se le atendió bien, la única forma de exteriorizar algo exige un
lenguaje coherente, que demuestre bien ese interior, y las metáforas dejan de ser adornos y
pasan a ser un vehículo esencial de los sentimientos del autor. Por eso la importancia del
autor se realza.

Con estos cambios ya o se trata de que el artista haga una obra acorde con la naturaleza, ya
no tiene que (la obra) adecuarse a unas normas prefijadas, ahora la obra tiene que adaptarse
sólo al artista, ha de ser sincera; cuanta más espontaneidad más sincera es la obra, y mejor
refleja el interior, que tiene que ser original(sentido Kantiano), reflejo del autor.

TEORÍA DE LA LITERATURA-30

La obra pasa a ser un reflejo de la personalidad del autor, como realmente la obra es una
imagen del autor, el foco de atención de la crítica tiene que estar en el artista. La crítica ha de
reflejar el estado de ánimo de ese creador, porque dicen que la literatura no es otra cosa que
interioridad.

Por otro lado ese ensalzamiento de la interioridad del artista conduce a un cambio en la
comparación de la literatura en otras artes que manifiestan esa modificación general. La
literatura se comparaba con la pintura, pero en el momento que dominan las Teorías
Expresivas la literatura pasa a compararse con la música, ya que siempre se entendió que la
música era una manifestación de sentimientos.

Esta equiparación permite constatar que esa importancia que se pone en el autor produce una
cierta desvalorización del auditorio. La atención en el artista, hace que la reacción del publico
tenga un plano secundario. El arte destaca las emociones del artista, él o conoce las
emociones del receptor, por eso no deben ser tenidas en cuenta.
Una SEGUNDA(2ª) característica es la Exaltación Del Yo Creador. Todo eso pasa a centrarse
en la figura del creador, han conducido a entender que el creador es el elemento fundamental
de la literatura, y que el Yo de la ficción sea como una especie de Dios Todopoderoso; el
creador se muestra como algo absoluto, con un poder total.

También destaca la figura de Fichte y su teoría del YO ABSOLUTO, preconizaba un dominio

de determinadas personas sobre todas, llevaba una idea de absoluto, de predominio de
cuestiones determinadas o valoraciones de otras. Esta teoría pasa a influir en el arte, y los
artistas identifican el YO con el YO ABSOLUTO, de manera que el artista es como un Dios
Todopoderoso de toda su obra.

Él puede manejar todo lo que introduce en la obra. Si las Teorías Expresivas es algo que se
da dentro del poeta y que él tiene que exteriorizar. La Teoría Del Yo es algo que viene de
afuera y que se interioriza y repercute en la obra.

Esta Teoría Del Yo se refleja en literatura en una búsqueda de la interioridad del artista
atendiéndolo a lo sobrenatural; los problemas más profundos de la naturaleza humana. De
esta interiorización procede el misterio de las obras del romanticismo, la nostalgia, deseos
imposibles de cumplir.

La literatura y la poesía para caracterizarse por temas individuales y muy subjetivos, son
temas que buscan la perfección interior del creador, y como esta es inalcanzable, prevalece
una cierta insatisfacción. Hay siempre una búsqueda angustiosa de la verdad. La exaltación
del YO CREADOR se refleja en la figura del héroe romántico.

Este es la traslación al mundo de la ficción del personaje real(el creador romántico). El héroe
posee características similares en todas las obras:

 Rebelde.

 Orgulloso, altivo.

 Desdeñoso, vanidoso.

 Luchador contra todo; normas, religión, ...

Es un ser genial y como tal posee los defectos que se atribuyen a los genios. Este héroe suele
ser solitario, suele buscar unos valores absolutos que en muchos casos están por encima de
los valores sociales. Ejemplo típico; la ironía es un recurso que permite mostrar estas
características y por otra distanciarse de ese mundo. Separación de lo real y lo ficticio.