Historia, repertorio y características organológicas de la viola
Primera versión
HISTORIA DEL INSTRUMENTO
La viola es un instrumento que pertenece a la familia de las cuerdas frotadas o arcos.
Se considera que es la heredera directa de la viella de cuerda (la viella era como un
violín cuyas cuerdas se ponían en vibración por medio de un teclado, que en lugar de
arco tenía una cuerda pulida y frotada con resina de colofonia). Tras haber comenzado
a desarrollarse en el siglo XIV, se empezó a utilizar de forma continua y toma su valor
artístico a partir del siglo XV. De esta época datan las denominaciones de “ viola da
braccio “( viola de brazo) que es la más parecida a la actual, que se sujetaba sobre el
hombro para ser tocada, y “ viola da gamba” (viola de pierna, de tesitura y modo de
ejecución similar al violonchelo), que se apoyaba en la pierna. En 1543, Silvestro
Ganassi dal Fontego publicó Regola Rubertina (1542-43), un tratado sobre la ejecución
de la viola da gamba y el laúd. De la viola da braccio surgió la viola d"amore ("viola de
amor"), a la que se le añadieron unas cuerdas de latón que, descansando en el
puentecillo debajo de las de tripa, vibraban por simpatía, ampliando con este
procedimiento la sonoridad del instrumento. Más adelante, en el lugar de la llamada
«rosa» (abertura practicada en la mitad de la tabla armónica o caja de resonancia al
igual que el laúd, la vihuela, la guitarra, etc. o sea los instrumentos cuyas cuerdas se
pellizcan o puntean), aparecen unas pequeñas aberturas conocidas con el nombre de
oídos o efes. Además de las violas antes mencionadas se fabricó la viola pomposa. Esta
fue utilizada por Johann Sebastian Bach y construida por el luthier de Leipzig,
Hoffmann. Su tamaño es algo mayor que la actual viola y tenía cinco cuerdas que se
afinaban por este orden, de grave a agudo: do, sol, re, la, mi.
En el siglo XVII el papel de la viola se limitaba a reforzar la línea del bajo o completar la
armonía. En el siglo XVIII la viola tiene un papel más expuesto (por ejemplo en el Sexto
concierto de Brandemburgo, de Bach). En este siglo Telemann compone el primer
concierto para viola en 1731 llamado Koncert g - dur (concierto en sol mayor). En los
cien años siguientes se alcanza la edad dorada de la historia de la viola. Se componen
varios conciertos por compositores como Stamitz, Hoffmeister, Benda, Zelter, Rolla...
Los compositores del romanticismo comenzaron a escribir partes orquestales y de
cámara de mayor dificultad para la viola, con lo cual la técnica del instrumento fue
desarrollándose cada vez más y diferenciándose de la del violín. Richard Wagner, por
ejemplo, se lamentaba de que los violistas que tocaban en las orquestas fuesen en
realidad violinistas tocando la viola, ya que las partes que él asignaba al instrumento
eran de una complejidad mayor a la de las obras previamente escritas. No obstante, si
bien compositores románticos como Mendelssohn y Brahms ya escribieron sonatas
para viola, no será hasta el siglo XX que se compondrán los grandes conciertos para
este instrumento. Comisionados por violistas muy importantes y de alto nivel
técnico,como Lionel Tertis (1876-1975); Vadim Borísovski (1900-1972) y William
Primrose (1904-1982) ,componen conciertos para viola: Paul Hindemith, Bela Bartók,
William Walton, Samuel de Lange, entre otros.
Cabe destacar que la viola que se tiene en la actualidad, así como de todos los demás
instrumentos de la familia de cuerdas fue estandarizada en cuanto a su diseño de
construcción por Antonio Stradivari o Antonius Stradivarius
ASPECTO ORGANOLÓGICO
El instrumento es básicamente una caja de madera, sobre la cual se tensan cuatro
cuerdas, y un mango o mástil sobre el que se digita. La caja está compuesta por; una
tabla armónica o tapa, que es la parte superior, generalmente de abeto; una tabla de
fondo, en general hecha de arce, y los aros, fajas o costillas, también generalmente de
arce, que conectan la tapa con el fondo. La tapa tiene dos aberturas en forma de efe
que cumplen la función de boca de la caja de resonancia; se hacen con esta forma
porque se considera que con este diseño es como menos destruyen las líneas de fuerza
vibratoria de la tapa. Dentro de la caja hay una barra armónica (pegada a la tapa) y un
alma, ambas piezas de madera que tienen la función de reforzar y transmitir los
sonidos a través de toda la caja. El alma es una varilla de madera dispuesta
verticalmente dentro de la caja, que hace contacto con la tapa y con el fondo, y no se
pega ni se ubica a presión, sino que se coloca en el punto justo y permanece ubicada.
En el extremo superior de la caja se coloca un taco que conecta con el mango; sobre el
mango se encola la tastiera o mástil, pieza de ébano sobre la que se digita. En el
extremo del mango se encuentra el clavijero con las cuatro clavijas y terminado en una
voluta o rulo. Cada clavija es una pieza, en general de ébano, que atraviesa el clavijero
de forma transversal y tiene un orificio a través del cual se coloca la cuerda. La cuerda
está sujeta, en su extremo superior, por la clavija, y en el extremo inferior, por un
cordal. El cordal es una pieza triangular que se ubica en la base de la caja y se sujeta a
la misma por medio de un tiracordal sostenido por un botón (una pieza de madera en
forma de clavo que penetra directamente en un orificio en la faja,en la base del
instrumento). Si bien la cuerda se tensa (y por ende se afina) desde la clavija en el
extremo superior, en muchos cordales hay microafinadores, piezas de plástico o metal
que permiten una afinación más exacta una vez que ya se ha hecho una afinación
aproximativa con las clavijas. A la altura de la mitad de la caja se ubica un puente,una
pieza con un extremo superior curvo sobre la cual se tensan las cuerdas y que las
divide en dos partes. La extensión útil de la cuerda es la que se encuentra entre el
puente y el extremo superior del mástil (donde hay una cejilla). La cuerda es frotada
por medio de un arco; éste consta de una cinta, hecha con crines de caballo o cerdas, y
de una vara estrecha o baqueta, de curva suave, normalmente de madera de
pernambuco (recientemente se construyen arcos de materiales compuestos, como la
fibra de vidrio y la fibra de carbono). El arco se tensa por medio de un tornillo ubicado
en su extremo inferior. La sección en donde se encuentra el tornillo se llama talón o
nuez, que es un elemento que permite sujetar las cerdas para que mantengan su
tensión, y también sirve para apoyar los dedos del ejecutante. El talón suele tener un
ojo de nácar o plástico. La baqueta puede ser adornada en su extremo inferior, cerca
de la nuez, por un entorchado en plata, níquel, seda o plástico; y el extremo superior o
punta también puede tener un acabado en plástico o hueso. Las crines o cerdas deben
ser impregnadas con resina de colofonia, para asegurar el agarre a las cuerdas del
instrumento. La tensión de las cerdas es de suma importancia debido a que, cuando se
tensan las mismas,la calidad elástica le proporciona al arco la capacidad de ejecutar
cualquier clase de arcada. Cabe destacar que el arco de la viola es un poco más amplio
y pesado que el empleado para el violín. Como las cerdas se cortan el arco requiere ser
reencerdado periódicamente.
Las cuerdas de la viola, al igual que las del violín o el cello ( y a diferencia del
contrabajo) se afinan por quintas; del agudo al grave, la, re, sol, do. La afinación de la
viola es similar a la del violoncello, a la octava superior.
El rango de la viola parte desde un Do2 hasta un Mi5 y sus armónicos llegan hasta un
Mi6. Su clave es la de contralto o clave de Do y solo cambia a clave de Sol cuando la
escritura ameritaría muchas líneas adicionales ascendentes, esto con el fin de facilitar
su lectura.
MODALIDADES Y TÉCNICAS DE EJECUCIÓN
La viola pertenece a la familia de los instrumentos de arcos o cuerdas frotadas. Como
todos estos instrumentos, hay dos grandes variables para la producción del sonido; se puede
tocar 1)pizzicato (del italiano, pizzicare, pellizcar) pulsando la cuerda con el dedo, o 2)con arco.
Una forma particular del pizzicato es el pizzicato Bartók, que consiste en tirar de la cuerda con
los dedos índice y pulgar y liberarla para que rebote. El resultado es un sonido cortante similar
al de un látigo.
El movimiento del arco tiene dos direcciones posibles: hacia abajo o tirando y hacia
arriba o empujando. En las ocasiones en que se debe indicar la dirección del arco se
hace mediante estos símbolos: para tirando, para empujando.
Las distintas formas de ataque y emisión que se posibilitan con el arco reciben el
nombre de golpes de arco. Existen varias denominaciones para los golpes de arco, en
distintos idiomas, pero en general se sobreentiende que una determinada articulación
se corresponde con un determinado golpe de arco. En algunos casos la palabra
empleada para la articulación es la misma para el golpe de arco.
1) El toque básico, liso, recibe el nombre de détaché, que significa en francés suelto o
separado. Es el tipo de movimiento de arco más elemental, en el cual cada vez que
éste se mueve, se emite una sola nota. Si se cambia la nota, tiene que cambiarse la
dirección del arco para emitir el siguiente sonido. Cuando no hay indicación de
articulación se asume en principio que este es el toque que se ha de emplear. Es
también la articulación fundamental en música barroca.
2) Legato o ligado: se interpretan notas diferentes mientras se mueve el arco en un
solo sentido, es decir, tocar notas distintas en un solo arco. Con esta técnica se obtiene
un sonido continuo y, como su nombre indica, ligado. En la partitura, el legato se
representa colocando una ligadura encima (o debajo) de todas las notas que se
quieren tocar en un solo arco. Legato y ligado son términos similares pero que no
siempre se corresponden: legato alude al hecho de tocar ligado en términos de
articulación (es decir de conectar las notas) y “ligar”, para el cuerdista, es
específicamente el hecho de tocar varias notas en el mismo arco. Se puede tocar
“legato” sin tocar “ligando” las notas. Por ello para el cuerdista “legato” y “ligado” son
dos instrucciones distintas: legato es una indicación de articulación, ligado es una
indicación de arco. Por otra parte a veces en una partitura aparecen bajo una ligadura
más notas de las que sería posible tocar en un solo arco. En este caso el instrumentista
o director determina cuándo es conveniente “cortar”(cambiar de dirección) el arco
para que suene lo mas “legato” posible.
3) Staccatto: es lo opuesto al legato. Las notas se tocan con un ataque firme y con
separación entre nota y nota. Dentro del staccato existen las siguientes variantes:
.-Staccatto volante: varias notas staccato, sin cambiar el arco de dirección, adherido a
la cuerda. El spiccato volante es similar pero levantando el arco de la cuerda entre nota
y nota.
.-Spiccato y saltellato: son golpes de arco con rebote controlado. Se toca generalmente
en el centro del arco, haciendo que el arco rebote por sí mismo. En esencia ambos son
el mismo golpe: el saltellato es un spiccato rápido. Es el golpe de arco propio del
Clasicismo.
4) Ricochet: se tocan varias notas con el arco rebotando, pero en una sola dirección
(tirando). El efecto visual es que se está golpeando la cuerda con el arco, para luego
permitir que éste rebote sobre aquella. Técnicamente es una serie de spiccatos
tirando.
5) Col legno: tocar la cuerda con la baqueta del arco.
6)Tremolo: el arco “tiembla” en la punta (se mueve rápidamente el arco en ambas
direcciones, para obtener un sonido “tremolado”).
7)Sul tasto: significa en italiano "sobre el mástil" o "sobre el diapasón". Consiste en
desplazar el arco lo más alejado posible del puente, por encima del fragmento de las
cuerdas que queda por encima de la parte inferior del diapasón. De esta manera, se
consigue un sonido muy suave y con menos proyección que en condiciones normales.
En francés se indica sur la touche, en alemán, am Griffbrett.
8)Sul ponticello: significa en italiano "sobre el puente". En esta técnica, se desplaza el
arco lo más cerca posible del puente, produciéndose de esta manera un sonido muy
metálico con armónicos, es un sonido muy característico. Se ha usado para diferentes
obras, tanto orquestales como solísticas, pero solamente en obras contemporáneas.
En francés: sur la chevalet. En alemán: am Steg. Tanto en el sul tasto como en el sul
ponticello se debe indicar en la partitura cuándo se desea dejar de obtener ese efecto
y retornar al sonido normal; esto se indica poniendo “modo ordinario” (abreviado
“ord.”) o “posizione naturale”( P.N.).
9)Sordina: es un pequeño objeto de madera, plástico u otros materiales que se ubica
sobre el puente y tal y como lo dice su nombre mitiga el sonido del instrumento, un
efecto deseado en ocasiones por los orquestadores. Esto se indica en la partitura con
sordino ( en francés, mettez la sourdine, en alemán, mit Dämpfer). La indicación para
retirar la sordina es via sordina (ottez la sourdine en francés, ohne Dämpfer o Dämpfer
absetzen en alemán).
MANO IZQUIERDA
Los dedos que digitan son cuatro; el pulgar sólo se ubica detrás del mango y sostiene el
instrumento. Cuando no se digita, es decir, cuando se toca una cuerda sin intervención
de ningún dedo de la mano izquierda, se dice que se está tocando una cuerda al aire:
de lo contrario, estamos pisando o digitando. Según su ubicación a lo largo del mástil
se considera que la mano está en una determinada posición; cuando la nota digitada
por el primer dedo (el índice) es un tono entero por sobre el sonido de la cuerda al
aire(ej; cuerda al aire la, primer dedo si), se considera que la mano está en primera
posición. Si la mano se acerca al ejecutante y la nota es, por ejemplo, una cuarta por
encima del sonido de la cuerda al aire(en este caso re), la mano está en tercera
posición.
2) Armónicos. Existen dos clases de armónicos; los naturales y los artificiales. Los
primeros se obtienen, por ejemplo, en la octava y en la quinta de la cuerda al aire, y
para anotarlos generalmente se escribe la nota a digitar y sobre ella un 0. Los
armónicos artificiales se obtienen presionando con el primer dedo de la mano
izquierda una nota determinada, y con el cuarto u otro dedo rozando apenas una n ota
a un intervalo de tercera, cuarta o quinta por encima de la nota digitada (por ejemplo,
sobre la cuerda de la si presiona un si con primer dedo, y con el cuarto se roza la
misma cuerda a la altura del mi). Esto se anota de la siguiente manera: se escribe la
nota que el primer dedo va a digitar y sobre ella un rombo a la altura de la nota que
roza el otro dedo.
3)Vibrato. Es la oscilación del sonido hacia arriba y hacia abajo. Se obtiene moviendo el
dedo a un lado y a otro sin abandonar la nota que está digitando.
4) Pizzicato de mano izquierda: los propios dedos de la mano izquierda se ocupan de
tañir las cuerdas. Se indica con un signo + o con la indicación “m.s.” (mano sinistra, en
italiano, mano izquierda).
