DEPARTAMENTO DE CIENCIAS HUMANAS

CARRERA INGENIERÍA PETROQUÍMICA

APRECIACIÓN MUSICAL

ACTIVIDAD ENTREGABLE 2

NRC: 2422

ESTUDIANTE: Alex Garzón

2018
ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.2

2.1.1 BARROCO MUSICAL

CARACTERISTICAS
LA
LA MONODÍA:
MONODÍA: Los Los compositores
compositores del
del Barroco
Barroco consideraron
consideraron excesiva
excesiva la
la
complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya
que
que así
así no
no se
se podía
podía expresar
expresar ningún
ningún tipo
tipo de
de sentimientos.
sentimientos. Por
Por ello,
ello, una
una
de
de las
las innovaciones
innovaciones queque van
van aa crear
crear eses el
el uso
uso de
de lala monodía
monodía
acompañada
acompañada (una(una sola
sola melodía
melodía con
con acompañamiento
acompañamiento instrumental).
instrumental).
ETAPAS Esta
Esta técnica
técnica les
les permite
permite comprender
comprender elel texto
texto yy transmitir
transmitir una
una mayor
mayor
expresividad
expresividad
-BARROCO
-BARROCO TEMPRANO (1580-1630).
TEMPRANO (1580-1630).  Se  Se da da un un mayor
mayor
predominio
predominio dede la
la música
música vocal
vocal sobre
sobre la la instrumental.
instrumental. SeSe
produce
produce un
un rechazo
rechazo alal contrapunto
contrapunto renacentista.
renacentista. Las Las obras
obras EL
son, EL BAJO
BAJO CONTINUO:
CONTINUO: EsEs una
una línea
línea dede notas
notas graves
graves que
que se
se interpreta
interpreta dede
son, todavía,
todavía, de
de poca
poca extensión.
extensión. Comienza
Comienza la la diferenciación
diferenciación manera
manera ininterrumpida
ininterrumpida desde
desde el el inicio
inicio hasta
hasta el
el final
final de
de la
la composición.
composición.
entre música vocal e instrumental. Los compositores más La  melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo,
destacados
destacados son: en
son: en Italia
Italia C.
C. Monteverdi,
Monteverdi, J.
J. Peri,
Peri, G.
G. Frescobaldi,
Frescobaldi, pero
y en Alemania M. Praetorius pero el
el intérprete
intérprete puede
puede improvisar
improvisar sobresobre las
las mismas,
mismas, creando
creando unun
relleno
relleno armónico
armónico que
que vava cambiando
cambiando durante
durante todatoda la la obra.
obra.
Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo
-BARROCO
-BARROCO MEDIO(1630-1680).
MEDIO(1630-1680). Es Es la
la época
época de
de la
la ópera
ópera yy la
la serán
serán instrumentos
instrumentos polifónicos
polifónicos comocomo el el órgano,
órgano, el
el clave
clave oo el
el arpa.
arpa. El
El
cantata,
cantata, yy concon ella,
ella, la
la distinción
distinción entre aria,
entre aria, arioso
arioso yy bajo continuo se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita
recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se para un instrumento solista. Es la característica que define y distingue
para un instrumento solista. Es la característica que define y distingue
pone
pone aa la
la altura
altura de
de la
la vocal.
vocal. Se
Se produce
produce una
una vuelta
vuelta hacia
hacia el
el a la música barroca
contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época
son: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia. TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical  se
llama monodía
llama monodía acompañada.
acompañada.
-BARROCO
-BARROCO TARDÍO
TARDÍO (1680-1750).
(1680-1750).  Se
 Se da
da un
un predominio
predominio dede la
la
música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se
dimensiones ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se
dimensiones másmás largas,
largas, aparece
aparece el estilo
el estilo concertado,
concertado, ya
ya bien
bien establece
establece el
el concepto
concepto de
de tonalidad
tonalidad tal
tal yy como
como lo
lo conocemos
conocemos hoy.
hoy. Se
Se
constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La formulan formulan tratados
tratados de
de armonía
armonía enen los
los que
que se
se establecen
establecen unas
unas estrictas
estrictas
tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más normas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo
representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando
alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman. largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando
compases. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba
cualquier atisbo de ritmo libre.

NACIMIENTO
NACIMIENTO DELDEL ESTILO
ESTILO CONCERTATO:
CONCERTATO: Es Es una
una técnica
técnica que
que nacerá
nacerá
sobretodo
sobretodo para
para la
la música
música orquestal,
orquestal, aunque
aunque también
también aplicable
aplicable aa la
la
música
música vocal.
vocal. Se
Se basa
basa en
en contraponer
contraponer distintos
distintos planos
planos sonoros
sonoros yy
timbres
timbres de
de un
un grupo
grupo de
de instrumentos
instrumentos (tutti,
(tutti, concertino,
concertino, soli,…).
soli,…). Es
Es un
un
recurso
recurso para
para dar
dar mayor
mayor expresividad
expresividad aa la
la música.
música. El
El barroco
barroco busca
busca el
el
contraste
contraste

EL POLICORALISMO. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de

manera
manera sustancial
sustancial al
al canto.
canto. Se
Se trata
trata de
de relacionar
relacionar no
no cuatro
cuatro oo cinco
cinco
voces,
voces, sino
sino hasta
hasta doce
doce oo más. 
más.  Con
Con ello,
ello, la
la sonoridad
sonoridad llega
llega aa unas
unas
novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos;
novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos; se forman se forman
diferentes
diferentes coros
coros yy se
se responden
responden unos
unos aa otros.
otros.
Se
Se intensifica
intensifica la
la fuerza
fuerza emocional
emocional de de las
las palabras
palabras dentro
dentro de
de la
la música
música
vocal.
vocal. Creando
Creando tres tres maneras
maneras de de cantar
cantar el el texto: recitativo,
texto: recitativo,
arioso y aria.

2.1.2 AUDICIÓN MUSICAL

Realice la audición musical y observación del video de las obras: “La flauta mágica”
“Aria de la reina de la noche” de Wolfgang Amadeus Mozart, determine el periodo y
país al que pertenecen las mismas, indique los instrumentos musicales que usted logra
apreciar en la audición, resalte breves datos biográficos del compositor y exprese un
comentario de lo apreciado sustentándose en su juicio estético.
“Música Acuática” Suite No 2 de George F. Haendel

Contexto histórico

George Friederic Haëndel, creó enero 1715 esta pieza llamada “Música acuática” formada
por tres suites que se supone que fueron compuestas para una fiesta que el rey Jorge I
celebraría sobre el río Támesis (que como todos sabéis es que pasa por Londres), en 1717
y posiblemente destinadas al viaje río abajo, la cena y el viaje de vuelta.

La primera Suite en Fa mayor para oboe, fagot, trompas, cuerda y bajo continuo, comienza
con una típica obertura barroca al estilo francés. Una introducción lenta es seguida por un
allegro en fuga. Para mantener la tradición del concerto grosso, este movimiento da forma a
un pequeño concertino de dos violines y oboe que se alterna con la orquesta completa.

La segunda Suite en Re contiene la música más festiva, majestuosa y salpicada de detalles

líricos con el protagonismo de las trompetas.

La tercera Suite en Sol es la más íntima, destinada a acompañar la cena, e incluye bellos
movimientos en modo menor, mientras las barcazas quedan ancladas.

También incluye Haëndel en esta obra tres tipos de danzas de la época: una chirimía, que
aparece en dos de las suites, es una danza popular inglesa de la época. El rigodón es una
danza francesa originaria de Provenza. La bourrée es también francesa, como lo son la giga
y la sarabanda.

Esta obra pertenece al subgénero música clásica-barroco, donde intervinieron 50 músicos

con todo tipo de instrumentos: trompetas, oboes, fagots, flautas alemanas y francesas,
violines y violonchelos. En el video se puede observar que en la suit N°2 se utiliza las
trompetas y los violines.
 Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel (1685-1759), nació en el seno de una

familia sin tradición musical, el 24 de febrero de 1685 en Halle, Alemania, aunque después
se nacionalizó británico.

Su primer trabajo, a los 17 años, fue como organista de iglesia en Halle, sus gustos
musicales no correspondían con ese cargo. En 1703 se trasladó a Hamburgo, donde conoció
el mundo de la ópera, por ser el centro operístico de Alemania por aquel entonces. Fue allí
donde, en 1704, compuso su primera ópera, Almira, que obtuvo gran éxito al año siguiente.

Händel abandonó Italia en 1710 y comenzó a trabajar como compositor y director de

orquesta de la corte del príncipe elector Georg Ludwig de Hannover, Alemania. En el
otoño de ese mismo año viajó a Londres donde compuso y estrenó su ópera Rinaldo.

En 1727 Händel obtuvo la nacionalidad británica. El año 1728 la Royal Academy se

derrumbó; no obstante, al año siguiente fundó una nueva compañía. En 1734 se vio forzado
a trasladarse a un nuevo teatro por las presiones de la Opera of the Nobility, compañía rival,
y continuó componiendo ópera. En 1737, un ataque de parálisis le obligó a permanecer una
temporada inactivo y se retiró a Aquisgrán.

Murió en Londres el 14 de abril de 1759; la última representación musical que escuchó fue
El Mesías, el 6 de abril de ese mismo año. A su muerte, Händel fue enterrado en presencia
de unos 3 mil dolientes en la abadía de Westminster, en Londres.

COMENTARIO

Mi criterio es que es una obra demasiado brillante, se puede apreciar los instrumentos
sonando simultáneamente, nada desafinados. Escuchar este tipo de música nos enseña que
las mejores obras se crearon en el pasado algo que en la actualidad ha ido desapareciendo.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.2

1.- Realice un organizador gráfico en el que se destaquen las características
principales de las siguientes formas musicales: La música programada, nocturnos,
corales, obras para piano y Lied, pertenecientes a los periodos Romántico y
Nacionalismo: poema sinfónico, variaciones sinfónicas y danzas.

2.2.1 MÚSICA CLÁSICA

El Clasicismo reflejó al hombre como un ser armónico y a la humanidad como una

sociedad ideal y sin problemas.

El Clasicismo musical fue un movimiento que ocupó relativamente poco tiempo en la

historia del arte occidental. Los musicólogos (persona que estudia la historia y la teoría de
la música) suelen tomar el año 1750 para indicar su comienzo y hacen coincidir su término
con el 1800. La primera fecha se consideró como inicio debido a que ese año murió Johann
Sebastian Bach, cuya obra es considerada como la cumbre del Barroco. La segunda, en
cambio, fue mucho más arbitraria, por cuanto el Clasicismo no experimentó una ruptura,
sino más bien se fundió con la corriente que lo sucedió, llamada Romanticismo. De hecho,
algunos autores participan de ambos períodos e incluso se dice que Beethoven es el último
de los clásicos y el primero de los románticos.

Los tres nombres que podemos recordar como máximos representantes del ideal clásico son
los de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Habitualmente
se denominan como los tres grandes maestros vieneses o la Primera Escuela de Viena.

Las formas musicales durante el Período Clásico

Lo esencial en el período clásico es el respeto a las formas y a las leyes musicales. Es así
como en esta etapa adquiere una enorme importancia la interpretación de las formas
conocidas como sonata y sinfonía.

La sonata

La sonata (del italiano suonare = sonar) es una composición musical creada para uno o más
instrumentos, que consta de varios tiempos.

En la sonata cada tiempo se compone de tres secciones conocidas como exposición,

desarrollo y recapitulación.

El término sonata se aplica en distintos sentidos. Uno de ellos se refiere a la estructura

musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados con ella
en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII, la sonata se ha
utilizado para denominar las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos
instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista), o con la sonata para violín
(para violín con un instrumento de teclado). Se suelen usar términos distintos al de sonata
en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras
combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama “sinfonía”, la
sonata con un instrumento solista se llama “concierto”, y la sonata para un cuarteto de
cuerdas se denomina “cuarteto de cuerdas”.

La sinfonía

La sinfonía (del griego syn = juntos; y phone = sonido) es una composición orquestal que
suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas
ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los
interludios (composición breve que sirve como introducción o intermedio) instrumentales
de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la “Sinfonía
pastoral del oratorio El Mesías” (1742), de Georg Friedrich Haendel.

En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general
de la sonata.

Aun cuando las principales formas musicales del período clásico-romántico musical están
determinadas por la sonata y la sinfonía, también se desarrollaron otras de gran
trascendencia, como la cantata, la ópera.

La cantata es una composición vocal con acompañamiento instrumental. Tuvo su origen a

principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. Entre los
compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio
Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió
en una composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente para las iglesias, esta
forma se conocía como cantata da chiesa (cantata de iglesia). Sus máximos exponentes
italianos fueron Giacomo Carissimi, verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti.
En Alemania, durante este período, la cantata da chiesa se encuentra representada por
Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude y Johann Sebastian Bach
entre otros compositores.

La ópera es un drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas,
interludios y acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales
estrechamente relacionados con la ópera, como el musical y la opereta.
 Wolfgang Amadeus Mozart

Su nombre completo era Johannes Crysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, fue un

compositor austriaco, el gran maestro del Clasicismo y está considerado 

La obra de Mozart alcanza más de seiscientas creaciones, la mayoría son consideradas

obras maestras de la música. Ya a los cinco años, Mozart tenía todos los conocimientos
necesarios de solfeo para componer obras musicales y sus interpretaciones instrumentales
encantaban a la aristocracia y la realeza de toda Europa. Con diecisiete años fue contratado
como músico en la corte de Salzburgo. Siguió componiendo hasta el día de su muerte, a una
edad temprana y en extrañas circunstancias, lo que le ha convertido casi en un mito.uno de
los músicos más influyentes y destacados de la historia.

Su padre Leopold fue su maestro. Leopold hacía giras por toda Europa mostrando a sus
hijos Wolfgang Amadeos y Nannerl (la hermana de Mozart) como niños prodigio. Sus
viajes le pusieron a tocar delante de príncipes y grandes músicos de la época.

Podemos considerar a Mozart un gran genio de la música. La música casi nacía de él.
Actualmente se conservan innumerables borradores de partituras que no gustaron a sus
compositores, pero no de Mozart. Se dice que cada cosa que él escribía simplemente era
una obra maestra, sin tachones ni cambios. Fue un amante de la vida social y de sus amigos,
por eso tenemos entre sus composiciones varios brindis y demás canciones que cantaban a
viva voz en sus fiestas y reuniones. 
Ludwig van Beethoven

Compositor, director de orquesta y pianista alemán. Sus últimas obras son del romanticismo
musical. Otro de los grandes compositores de la historia de la
música. 

El padre de Beethoven estaba muy impresionado con Mozart y

el hecho de que diera conciertos con 7 años, así que intento que
su hijo siguiera sus pasos. Comenzó a enseñarle piano, órgano y
clarinete desde muy temprana edad, pero este estudio musical
obligado hizo que el pequeño Ludwig apenas se relacionara con otros niños. Es considerado
el último representante del clasicismo y con su muerte se da por terminado este período en
la historia de la música.

Además, Beethoven sufrió una creciente sordera que le convirtió, junto a sus problemas en
la infancia, en un hombre irascible y malhumorado. Esto no impidió que tuviera un gripo
íntimo grupo de amigos que le ayudaban. Una anécdota nos cuenta que Beethoven, ya
sordo, podía afinar un piano utilizando una vara de ébano (un tipo de madera) que sujetaba
con la boca. Sus años de práctica, sus conocimientos y el hecho de que era un gran
superdotado para la música, le habían ayudado a memorizar las vibraciones que cada nota
producía en la vara de su boca y así podía afinar no sólo un piano, sino cualquier
instrumento.

Pese a todos estos problemas Beethoven es uno de los grandes compositores de la historia.
Componía en una amplia variedad de géneros y una amplia gama de instrumentos.
Componía desde enormes sinfonías para toda una orquesta (en la 9ª añade el coro a su
combinación) hasta obras para piano.

Una de estas obras para piano, de las muchísimas que tiene, es Para Elisa (Fur Elyse). Es
sin duda una de sus obras más conocidas.
Instrumentos Utilizados En El Clasismo Musical

Instrumentos de viento metal

Trompa: Instrumento de viento metal, con boquilla cónica, un largo tubo también cónico,
estrecho y enrollado sobre sí mismo en forma circular y que acaba en un ancho pabellón.

Trombón: Instrumento musical de viento, de gran flexibilidad sonora. Hay 2 tipos de

trombones: trombón de pistones, aquel en que la variación de notas se obtiene por el juego-
combinación de tres pistones; trombón de varas, aquel en que la variación de notas se
obtiene gracias al movimiento de un tubo movible que puede modificar la longitud del
instrumento.

Instrumentos de viento madera

Oboe: Instrumento musical de viento, formado por un tubo cónico de madera, con agujeros
y llaves, dividido en tres piezas, se toca con una embocadura de caña, y es de timbre áspero
en las notas graves y muy tenues y delicadas en las agudas

Clarinete: Instrumento musical de viento, compuesto de un tubo cilíndrico con agujeros que
se tapan con los dedos o con llaves, boquilla en la que se aplica una lengüeta de caña, y
pabellón en forma de campana.

Fagot: Instrumento musical de viento, formado por un tubo de madera, que se toca con una
boquilla de caña puesta en un tudel encorvado. Su sonoridad característica se combina con
excelente efecto al de otros instrumentos.

Instrumentos de cuerda

Violín: Instrumento musical de cuerda y arco, el más pequeño y agudo de los de su clase.
Por su sonoridad y perfeccionada técnica constituye el instrumento más importante de la
orquesta.

Instrumentos de teclado

Clave: Instrumento musical de cuerda parecido al clavicordio, cuyas cuerdas están tañidas
con puntas de plumas, o con láminas de cobre por medio de un teclado. La sequedad de su
sonoridad no admitía matices dinámicos.
Piano: Instrumento musical de cuerda, sucesor del clave, cuyo inventor fue Cristofori quien
le dio el nombre de “gravicembalo col piano e forte”. Sus cuerdas están golpeadas por
pequeños martillos por medio de un teclado que consta, generalmente, de 88 teclas (50 de:
hueso, marfil, material plástico; blancas y 38 de: ébano u otra madera oscura). Al contrario
que su antecesor este puede generar matices dinámicos.

Celesta: La celesta es un instrumento musical de composición similar al piano, pero cuyos

martillos activados por teclas percuten placas de metal en lugar de cuerdas tensas. Estas
placas al ser percutidas provocan una resonancia sobre una caja de madera destinada a este
fin, produciendo un sonido muy dulce y bello.

2.2.2 AUDICIÓN MUSICAL

2.- Realice la audición musical y observación del video de las obras: “La flauta
mágica” “Aria de la reina de la noche” de Wolfgang Amadeus Mozart, determine el
periodo y país al que pertenecen las mismas, indique los instrumentos musicales que
usted logra apreciar en la audición, resalte breves datos biográficos del compositor y
exprese un comentario de lo apreciado sustentándose en su juicio estético.

“La flauta mágica” “Aria de la reina de la noche” de Wolfgang Amadeus Mozart

Contexto histórico

La ópera del clasicismo llegaría a su máxima expresión con Mozart que, reuniendo lo mejor
de la ópera francesa, italiana y alemana, cultivaría tanto ópera seria, buffa, como el
Singspiel, un tipo de ópera escrita en alemán, cuyo argumento exaltan las virtudes del
pueblo llano, muy popular en Alemania y Austria en los siglos XVIII y XIX. Si cabe algún
tipo de paralelismo y salvando las distancias, sería algo parecido a nuestra popular
Zarzuela.

La Flauta Mágica es un singspiel en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y
libreto del empresario teatral Emanuel Schikaneder, su cuñado. Está considerada la primera
gran ópera alemana, donde destacan los elementos de la naturaleza, los personajes
misteriosos y los argumentos fantásticos que se desarrollaran en el siglo XIX por
compositores como von Weber o Wagner. Con 35 años y a dos meses de su muerte, sería la
última ópera que Mozart estrenaría en vida, siendo en la actualidad, probablemente, la
ópera que más se representa en todo el mundo.

Sin embargo, a pesar de su naturaleza llana, su argumento es tan complicado como la vida
del propio Mozart; allí donde algunos ven un simple cuento de hadas, otros la ven llena de
simbología masónica, donde el culto al idealismo, al amor fraternal, a la pureza de corazón
y a la amistad construyen la felicidad del ser humano. Lo cierto es que la lucha entre la luz
y el humanismo representados por Papageno y la oscuridad y perversidad de La Reina de la
Noche –¡Hört, Hört!, ¡Escuchad, Escuchad!– son, aún hoy, motivos moralizantes,
recurrentes en la historia de la música. Aunque tanta oscuridad argumental contradice los
principios vitales de compositor y libretista, es perfectamente lógico que la influencia
masónica estuviera oculta a propósito entre los vericuetos de la trama, habida cuenta de que
la masonería estaba implacablemente perseguida por las autoridades austrohúngaras en el
momento de escribirla.

Esta obra pertenece al clasismo musical y fue realizada en Alemania.

Instrumentos: Este Aria está interpretada por una voz de soprano de coloratura
acompañada por una orquesta, formada por: 2 timbales, 2 flautas, 2 oboes, 2 fagots, 2
trompas, violines I, violines II, violas, Chelos y contrabajos.

COMENTARIO

Esta obra es la mejor interpretación de este papel icónico, una obra musical y teatral muy
representativa del clasismo, los instrumentos sincronizados y el canto impecable; la
increíble actuación de Diana Damrau pintan a la reina en su verdadera forma: el mal.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.3

1.- Realice un organizador gráfico en el que se destaquen las características

principales de las siguientes formas musicales: La música programada, nocturnos,
corales, obras para piano y Lied, pertenecientes a los periodos Romántico y
Nacionalismo: poema sinfónico, variaciones sinfónicas y danzas.
 2.3.1 ROMANTICISMO Y NACIONALISMO
MUSICAL
es la música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente,
representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo. Al contrario, se entiende
por música absoluta aquella que se aprecia por ella misma, sin ninguna referencia particular al
MUSICA mundo exterior a la propia música. El término se aplica exclusivamente en la tradición de la
PROGRAMATICA música clásica europea, particularmente en la música del periodo romántico del siglo XIX

Pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación

"nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a
momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. Algunas veces llevaba
consigo el equivalente italiano, notturno, con trabajos como el Notturno en D para cuatro
orchestras, K.286, y la Serenata Notturna, K. 239, de Mozart. En aquella época, estas piezas no
NOCTURNO eran necesariamente inspiradas o evocadoras de la noche, sino que habían sido escritas para que
se tocaran de noche, como sucede con las serenatas.

Al igual que un oratorio o una ópera, una sinfonía coral es una obra musical
para orquesta, coro y, a menudo, voces solistas, aunque se han compuesto algunas para voces
sin acompañamiento.1​ Berlioz, que en 1858 acuñó el término para describir a su Roméo et
MUSICA CORAL Juliette.

El Lied. Es una forma para cantante y piano creada a partir de la elaboración musical de un
poema. La forma mas generalizada de Lied es ABA, donde la primera y última estrofa tienen la
OBRAS PARA misma melodía. Tomemos como ejemplo el lied de Schubert llamado la trucha. 
PIANO Y LIED

La finalidad del Poema Sinfónico es describir con música la trama de una historia que cuenta con
un programa. En muchos Poemas sinfónicos los personajes son representados cada uno por un
instrumento que es ejecutado cuando se hace referencia al personaje en cuestión. Esta forma
POEMA musical está escrita en un sólo movimiento y para ser ejecutada por una orquesta.    El poema
SINFONICO sinfónico también es conocido como: Cuento sinfónico, Leyenda sinfónica, cuadro sinfónico, etc.

Danzas Lachianas para orquesta, son el primer resultado de las investigaciones

folclóricas de Janacek y se inscriben en la tradición de las danzas eslavas de Dvorak.
DANZA
2.3.2 AUDICIÓN MUSICAL

2.- Efectúe una audición de las obras: “Concierto para violín y orquesta en mi (E)
menor OP. 64” de Félix Mendelssohn y “Sueño de amor” de Franz Liszt, compositores
del periodo romántico. Determine las características particulares de cada una de las
obras y emita un cometario personal, basado en su juicio estético.

“Concierto para violín y orquesta en mi (E) menor OP. 64” de Félix Mendelssohn

Características

Felix Mendelssohn logra en su Concierto para violín en Mi menor conquistar una

aspiración estética que se fue haciendo realidad bajo el asesoramiento de un gran
instrumentista.

Esta partitura testimonia la madurez de quien resumiría un Romanticismo fértil, perfilando

ideas y técnicas en favor de una orquestación formidable; música donde los intérpretes
actuales siguen encontrando el norte.

Una característica de este concierto es la manera en cómo se unen los tres movimientos
evitando las interrupciones musicales que tanto disgustaban a Mendelssohn. La escritura
del concierto es densa y presenta fragmentos líricos que alternan con otros pasajes de tipo
dramático. Otra particularidad de este concierto es que por primera vez la cadenza del
solista alcanza un total desarrollo por escrito y no se deja a la libre improvisación. La obra,
extraordinaria desde el punto de vista compositivo, pronto se convirtió en una de sus
creaciones más conocidas e interpretadas. Ferdinand David, a quien le está dedicada la
obra, ayudó al compositor a resolver las dificultades técnicas de la parte solista. Es uno de
los conciertos más significativos del género, con dos elegantes movimientos extremos y
uno lento de gran delicadeza sentimental. Con esta obra, que requiere una interpretación
llena de sobriedad, el autor pareció recobrar los magistrales impulsos creativos de su mejor
época de adolescencia.

COMENTARIO

Esta obra ha sido el repertorio para grandes violinistas, gracias a sus pasajes de virtuosismo,
la melodía y su tonalidad. Una gran afinación en el violín hace que esta obra sea agradable
para los espectadores.

“Sueño de amor” de Franz Liszt

Características

Un conjunto de tres nocturnos, que subtituló "Sueños de amor". De ese conjunto, la pieza
que ha sobrevivido en el tiempo es el Nocturno N° 3, popularmente conocido como el
Sueño de amor de Liszt, relegando los otros dos al olvido. La pieza, ideal para acompañar
el temprano dolor de Carolyne y Franz, tiene tres secciones, separadas por breves
fragmentos de alto nivel técnico. La sección media es la más agitada y donde el nivel de
tensión es más elevado y exigente. La última sección, más tranquila, es un perfecto reflejo
del piano romántico de mediados del siglo XIX.

COMENTARIO

Bueno esta sin duda es una gran pieza del romanticismo en música, donde los sonidos son
tan armoniosos entre sí y que te permite sentirte bien contigo mismo. Franz Liszt fue una de
las personalidades más importantes de su época, incluso llegó a emocionar y cautivar a
Beethoven.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.4

1. Realice un cuadro explicativo con los movimientos nacionalistas de la música

contemporánea del siglo XX: impresionismo y expresionismo, considere cuatro
características principales sobre la base de su cronología, obras, compositores y países
donde desarrollo esta manifestación cultural.
 MOVIMIENTOS NACIONALISTAS DE LA MÚSICA
CONTEMPORÁNEA DEL SIGLO XX

INTRODUCCION:
Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música contemporánea y tiene su
origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto
modo continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo.

CONTEXTO HISTORICO
El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las
tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo. Como la Primera y
Segunda Guerra Mundial, La revolución rusa e Industrial.
El auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro
planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo
entero.

CONTEXTO CULTURAL
El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del arte se van a dar con
gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto proliferar tal cantidad de escuelas,
movimientos y novedades como ahora. Los cambios y las tendencias se suceden de forma acelerada.
Estamos ante una época de replanteamiento estético y formal del arte. Todos los movimientos que
surjan tendrán un nexo común: el deseo de ruptura con el pasado.

CONTEXTO MUSICAL
El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. Gran cantidad de
estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en busca de la
novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar a las composiciones
más variopintas.
La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música culta el
protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo
en una música de minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo,
la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Los medios
electrónicos e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Aunque es complicado establecer unas características generales al abordar la multitud de corrientes
que se van a dar en este siglo, cada una de ellas con sus propios fundamentos, vamos a destacar
algunas ideas generales:

La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo de
expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje
musical para expresarse.

La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del lenguaje tonal, que parece
haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.

Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que experimentar con
todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.

El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del oyente, por lo tanto, nos
encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada que ver con la música que se había
realizado hasta entonces.

En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el compositor acompaña su obra con
textos explicativos propios para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se
usan sistemas de notación no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los avances
electrónicos e informáticos
2.- La música contemporánea del siglo XX también tuvo corrientes compositivas
populares como el: blues, jazz, rock and roll y tango. Exprese dos características por
cada género citado, base su formación considerando compositores, artistas, obras e
instrumentos musicales utilizados en dichos géneros.

El blues (‘melancolía’ o ‘tristeza’, en idioma inglés) es un género musical vocal e

instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que
suele seguir una estructura de doce compases. El blues se originó a principios del siglo
XX en las comunidades de afroestadounidenses esclavizados en el sur de los Estados
Unidos (especialmente al delta del río Misisipi).

Orígenes culturales
Originario de las comunidades afroamericanas del sur en los Estados Unidos a
principios del siglo XX; para los años sesenta este género se convierte en una de las
influencias más importantes para el desarrollo de la música popular estadounidense y
occidental, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz,
bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country
y pop.
Características principales
Todas las canciones del blues presentan un momento de guitarra, ya sea largo o corto;
el canto es opcional. Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número
de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las
características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una
serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues
moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se
corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron
como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y
alejados de la formalidad de cualquier estructura musical».

Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de
campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un solo intérprete
con contenido emocional».
El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una
estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África
occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente
definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas
blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como «How Long Blues»,
«Trouble in Mind», y «Key to the Highway» del músico Big Bill Broonzy. También se
podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema
instrumental de Ray Charles «Sweet 16 Bars» y en el de Herbie Hancock «Watermelon
Man». También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como
la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf «Sitting on Top of the
World». El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en
el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o
(raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un
compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).

Jazz
Características del Jazz

Interprete de Jazz.
La armonía y los ritmos del jazz son muy especiales. Los músicos de jazz supieron,
desde un principio, dar a sus creaciones un carácter personal que las diferenciara de
otros estilos musicales.

Es un estilo que da gran libertad a los intérpretes, pero, a la vez, exige un profundo
conocimiento de la música y mucha originalidad para desarrollarla.

Desde sus comienzos, el jazz ha tenido muchas ramas distintas, como el Blues, que
desciende directamente de los cánticos de los esclavos negros que fueron llevados a
Estados Unidos, el boogie-woogie o el ragtime, entre otras.

Instrumentos musicales del Jazz

Los instrumentos típicos del jazz son el Piano, el Contrabajo, la Batería y los
instrumentos de viento: especialmente el Clarinete, la Trompeta, el Saxofón y el
Trombón de varas.

También la Guitarra, sobre todo la eléctrica y la acústica, ha desempeñado un papel

importante, y con el paso del tiempo, otros instrumentos se han unido a este estilo,
como el violín o algunos instrumentos electrónicos.

La voz es otro elemento importantísimo del jazz, de forma que los cantantes han sido
algunas de las grandes figuras históricas de este arte. Solo hay que pensar en Ella
Fitzgerald, Billie Holliday o el cantante, pero también gran trompetista, Louis
Armstrong.
Grandes músicos del Jazz

A lo largo de los siglos XX y XXI, han surgido grandes intérpretes de jazz en cada una de
sus variantes y épocas. Entre los grandes cantantes de este estilo podemos destacar a
Bessie Smith, Louis Armstrong, Billie Holliday, Ella Fitzgerald o Betty Carter.

Grandes pianistas de jazz han sido (o son) Earl Fatha Hines, Art Tatum, Duke Ellington,
Count Basie, Thelonious Monk, Herbie Hancock, Chick Corea, Keith Jarrett o el español
Tete Montoliú.

Rock and roll

Es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros
de música folclórica estadounidense, y popularizado desde la década de 1950. Su
cantante más influyente fue Elvis Presley; su guitarrista más influyente, Chuck Berry, y
sus bandas más representativas, Eddie Cochran, Little Richard y Bill Haley and The
Comets, entre otros.
La expresión rock and roll ya venía utilizándose en las letras del rhythm and blues
desde finales de la década de 1930, pero fue el disc jockey estadounidense Alan Freed
quien comenzó a utilizarla para describir el estilo.
1. Historia:
a) Origen del Término: El disc jockey estadounidense Alan Freed comenzó a
transmitir por radio rhythm and blues y música country para una audiencia de diversos
orígenes étnicos. A Freed se le ha atribuido ser el primero en utilizar la expresión rock
and roll para describir la música que difundía.
La expresión a su vez, fue tomada por Freed de la propia música negra que difundía,
que solía contenerla en las letras de las canciones. Tres diferentes canciones con el
título Rock and roll fueron grabadas a fines de la década de 1940. Para entonces la
expresión era de uso común en las letras del R&B.
b) Primeros Cantantes y Orígenes: En la década de 1950, en Estados Unidos, los
adolescentes buscaban nuevos sonidos. Por primera vez, una música se dirigía
directamente a ellos: el rock and roll.
En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras
desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y
ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que
habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos
africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se
materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde
revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los
músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la
guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock
and roll.
Tango
Origen de la música

Pareja bailando Tango

La música del tango tiene un origen no muy claro. Según estudios que no cuentan con
numerosa documentación, desciende de la habanera y se interpretaba en los
prostíbulos de Buenos Aires y Montevideo, en las dos últimas décadas del siglo XIX,
con violín, flauta y guitarra. El escritor y polemista argentino Jorge Luis Borges afirmó
que por sus características el tango sólo pudo haber nacido en Montevideo o Buenos
Aires. El bandoneón, que actualmente caracteriza el tango, llegó hasta la región del
Río de la Plata hacia 1900, en las valijas de inmigrantes alemanes. No existen muchas
partituras de la época, porque los músicos de tango no sabían escribir la música y
probablemente interpretaban sobre la base de melodías existentes, tanto de
habaneras como de polkas.

Características
La musica del tango

Los más antiguos compositores e interprétes de tango que se conocen aparecieron en

las dos primeras décadas del siglo XX. En el Museo de la Partitura Histórica (de
Rosario) se encuentra el primer tango registrado como tal, La Canguela, de 1889. El
primer tango con autor conocido es El entrerriano, de Rosendo Mendizábal, publicado
en 1898. Ángel Villoldo, Roberto Firpo y Francisco Canaro fueron famosos y populares
autores e intérpretes de tango.

En aquellos años, en los que los hijos de familias ricas llevan a París el tango que
habían aprendido en su frecuentación de los lupanares, comienza una nueva era para
el género, con el aporte de músicos mejor preparados y la incorporación de letras
evocativas del paisaje del suburbio, de la infancia y de amores contrariados.

Carlos Gardel

Ástor Piazzolla
Carlos Gardel es el mejor y el más recordado cantante de tango de los años veinte y
treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso él mismo y encargó sus
letras a su inseparable compañero Alfredo Le Pera. Gardel, que comenzó su carrera en
comités políticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cantó en París y en Nueva
York, filmó varias películas en los Estados Unidos y murió en un accidente de aviación
en Medellín, Colombia. Entonces se convirtió en un mito para los argentinos.

Otra figura muy notable es Ástor Piazzolla: influido por músicos como Igor Stravinski y
Béla Bártok, Piazzolla, introduce armonías disonantes y bases rítmicas intensas y
nerviosas en un género cuyos cultores tradicionales se abroquelaron para criticar esas
 innovaciones, finalmente aceptadas. Muchos de los músicos de tango posteriores
siguen la senda piazzolliana, sin olvidar a grandes músicos anteriores, principalmente
Troilo y Pugliese, y a un virtuoso incomparable, Salgán.

Sobre sus instrumentos se conforma la orquesta típica de tango, inventada

originalmente por Julio de Caro en los años veinte y consolidada principalmente en
forma de sexteto con la siguiente integración: piano, dos bandoneones, dos violines y
contrabajo. La orquesta de tango, propiamente dicha, sigue el mismo esquema,
ampliando el grupo de bandoneones, y agregando violas y violonchelos al grupo de las
cuerdas.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.5

1. Redacte con sus palabras las características de la música ecuatoriana, considerando

la música indígena, mestiza, afroecuatoriana (Esmeraldas-Valle del Chota) y música
académica; incluya instrumentos musicales, compositores, obras, géneros y el aspecto
social.

Música indígena

Escala defectiva: son las trifónicas, de tres notas; tetrafónica, de cuatro notas; pentafónica,
de cinco notas.

Melodía: basada en las escalas mencionadas; por tanto, ofrecen poca variedad en las
combinaciones de los sonidos. Su melodía es monótona.

Armonía: ellos no la conocían; su música es monódica (a una sola voz), pero como es
cantada por varias personas a un mismo tono, se dice que es al unísono.

Ritmo: repetido, cansador; a pesar de esto, tiene un encanto especial.

INSTRUMENTOS MUSICALES

Melódicos: existen de diversos tamaños; algunos de ellos son ejecutados en forma

horizontal, y otros, en forma vertical.

Rítmicos:

 tambores: hechos con troncos ahuecados.

 maracas: hechas de porongo con objetos en su interior.
 sonajas: hechas de pezuñas de animales.

DANZAS
Ellos no bailaban por simple placer; las danzas eran de carácter ritual, realizadas en
distintos acontecimientos religiosos, guerreros y festivos

Compositores

Salvador Bustamante Celi Segundo Cueva Cel

Nicasio Safadi Angel Leonidas Araujo

Blanco-mestiza
 Fueron introducidas por los colonizadores y los esclavos africanos, desde las primeras
épocas de la conquista.
 En tiempos republicanos, la música de España, Inglaterra, Alemania, Francia e Italia
estuvo representada en el repertorio de salón y popular urbano de nuestro país por
cuadrillas, valses, contradanzas, minués, lanceros, polcas, mazurcas, etc.; y dentro del
ámbito americano, fue la habanera la que alcanzó gran difusión.
 Han sido la guitarra, el arpa y el piano los principales instrumentos de este grupo
cultural, sin olvidarnos eso sí de la banda militar y popular, como agrupación que por
antonomasia representó a la música popular de nuestro país en el siglo XIX hasta la
segunda mitad de este siglo.

Música afroecuatoriana de Esmeraldas y Valle del Chota

 La marimba es el instrumento característico de los costeños y la bomba (instrumento y
género musical) lo es de los negros de la sierra andina, elementos en base a los cuales se
construye una sonoridad muy particular para cada uno de estos asentamientos.
 En las últimas décadas del siglo XX, la música negra recién se inserta, en escala
reducida, dentro del circuito de consumo masivo di las grandes urbes del país,
compartiendo el espacio con la producciones blanco mestizas
 Las expresiones musicales de la población negra del valle del Chota conservan una
serie de elementos tradicionales y un fuerte contenido étnico; son además, exclusivas de
este grupo. Se trata de música hecha por los negros del Valle.
 La música bomba, la expresión musical más tradicional y característica de los afro-
choteños, es interpretada normalmente por un trío o un cuarteto: una bomba, dos
guitarras y, en ocasiones, maracas.
5. Escuche el pasillo “Reír llorando” de Carlos Amable Ortiz, seguidamente,
describa la melodía, armonía y ritmo de la pieza escuchada, además, realice un
breve análisis estético de la misma, considerando categorías y valores estéticos.

El pasillo es uno de los géneros musicales más controversiales del Ecuador, pero sin
duda, uno de los más trascendentes dentro de lo que se denomina la música
ecuatoriana: “El pasillo (…) más que ningún otro género, marcó la dinámica de la
música popular del siglo XX; el pasillo recibió los más importantes aportes en lo
136 musical y en lo literario y llegó a ser considerado como la expresión más
destacable de la canción e identidad musical ecuatoriana.”93 El pasillo es un género
musical urbano que llega a territorios ecuatorianos con las guerras independentistas
en el siglo XIX. Después de atravesar todo un proceso de adaptación y
reconstrucción, el pasillo se caracteriza por el acompañamiento de guitarras y
requinto, y también existen versiones para piano, bandas militares, orquestas,
grupos de cámara, las cuales son instrumentales. Según Ketty Wong “el pasillo
tradicional es en esencia un poema de amor musicalizado cuyos textos están
influenciados por la poesía modernista, una corriente literaria que tuvo su apogeo en
Ecuador con los poetas de la "Generación Decapitada" en la década de 1910.”94, El
pasillo se origina en el siglo XIX, como una innovación del vals europeo, traído por
los españoles para animar sus fiestas aristocráticas. El vals fue un ritmo que causó
mucho furor en las épocas pre republicanas por el peculiar baile que lo acompañaba,
una danza de pareja entrelazada, donde el hombre le tomaba la mano y la cintura a
la mujer, algo nunca antes visto en la Real Audiencia de Quito, que generó
impresiones positivas para los criollos y mestizos, que necesitaban una nueva
propuesta ética y estética, como lo afirma Mario Godoy, para enfrentar toda esa
dura etapa de la Independencia hispanoamericana
Este hermoso pasillo aporta sigificativamnte la consolidación del pasilo
ecuatoriano, pues la música veracula se inicia con este gran autor Carlos Amable
<Ortiz quien es el precursor del acionalismo y quien fijo el pasillo como uno de los
 ritmos nacionales a través de ua prolifera obra creadora, este pasillo que expresa un
alto grad fr dificultad técnica interpretatica

2.- Escuche el pasillo “Reír llorando” de Carlos Amable Ortiz, seguidamente, describa
la melodía, armonía y ritmo de la pieza escuchada, además, realice un breve análisis
estético de la misma, considerando categorías y valores estéticos.

Todos los componentes de este pasillo son realmente extraordinarios transmiten paz al
oyente logran deleitarse por su melodía especialmente. Los principales valores estéticos que
se pueden diferenciar son belleza exquisitez misterio alegría y delicadeza creando de esta
manera una obra de arte.