El vanguardismo —también conocido por su nombre en francés, avant-garde—1 se refiere a las personas y a las

obras experimentales e innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y
la literatura; representa un empuje de los límites de lo que se acepta con la norma o statu quo, sobre todo en el
ámbito cultural.2
La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, la cual se manifiesta alterando la
estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros creativos. En la poesía se rompe con
la métrica y cobran protagonismo aspectos considerados irrelevantes, como la tipografía.
La noción de la existencia del vanguardismo es considerado por algunos como una característica del modernismo, a
diferencia de la posmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento vanguardista y aun continúan
haciéndolo, trazando una historia a partir del dadaísmo, y pasando por los situacionistas hasta
artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje, alrededor de la década de los 1980.3 Estos movimientos
artísticos renovadores —generalmente dogmáticos— se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX;
desde donde se extendieron al resto de los continentes. —Principalmente hacia América, en donde se enfrentaron
al modernismo—.
El término también se refiere a la promoción de reformas sociales radicales; fue este sentido el que evocó el
adherente a Saint-Simon, Secante Rodrigues, en su ensayo «L'artiste, le savant et l'industriel» («El artista, el científico
y el industrial», 1825), el cual contiene el primer uso registrado del término «vanguardia» en su sentido ahora
habitual: allí, Rodrigues pide a los artistas «servir como el vanguardismo [de la gente]», insistiendo en que «el poder
de las artes es, de hecho, la forma más inmediata y rápida para la reforma social, política y económica».4
Contexto histórico y cultural[editar]
Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos
entre las potencias europeas. Por su parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) y la Revolución
Soviética (en octubre de 1917) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado.

El vuelo de los hermanos Wright.

Tras los años 1920, época de desarrollo y prosperidad económica conocida como los  años locos, vendría el gran
desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volvería una época de recesión y conflictos que, unidos a las difíciles
condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra, provocarían la gestación de los sistemas
totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la Segunda Guerra Mundial.
Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y
tecnológico: la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo, el gramófono, etc. El principal valor fue, pues,
el de la modernidad o sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado tecnológicamente.
Por su parte, en el ámbito literario era precisa una profunda renovación. De esta voluntad de ruptura con lo anterior,
de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y del
individualismo nacerían las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.
Muchos artistas de este periodo participaron en la Primera Guerra Mundial.
Europa vivía, al momento de surgir las vanguardias artísticas, una profunda crisis. Crisis que desencadenó la Primera
Guerra Mundial, y luego, en la evidencia de los límites del sistema capitalista. Si bien «hasta  1914  los  socialistas  son
los únicos que hablan del hundimiento del capitalismo», como señala Arnold Hauser, también otros sectores habían
percibido desde antes los límites de un modelo de vida que privilegiaba el dinero, la producción y los valores de
cambio frente al individuo.
Resultado de esto fue la chutara intelectual, la pobreza y el encastillamiento artístico contra los que reaccionaron
en 1905: Pablo Picasso y Georges Braque con sus exposiciones cubistas, y el futurismo que, en 1909, deslumbrado
por los avances de la modernidad científica y tecnológica, lanzó su primer manifiesto de apuesta al futuro y rechazo a
todo lo anterior.
Así se dieron los primeros pasos de la vanguardia, aunque el momento de explosión definitiva coincidió, lógicamente,
con la Primera Guerra Mundial, con la conciencia del absurdo sacrificio que esta significaba, y con la promesa de una
vida diferente alentada por el triunfo de la revolución socialista en Rusia.
En 1916, en Zúrich (territorio neutral durante la guerra), Hugo Ball, poeta alemán, decidió fundar el Cabaret Voltaire.
Esta acta de fundación del dadaísmo, explosión nihilista, proponía el rechazo total:
El sistema DD os hará libres, romped todo. Sois los amos de todo lo que rompáis. Las leyes, las morales, las estéticas
se han hecho para que respetéis las cosas frágiles. Lo que es frágil está destinado a ser roto. Probad vuestra fuerza
una sola vez: os desafío a que después no continuéis. Lo que no rompáis os romperá, será vuestro amo.
Louis Aragón, poeta francés.
Ese deseo de destrucción5 de todo lo establecido llevó a los dadaístas, para ser coherentes, a rechazarse a sí mismos:
la propia destrucción.
Muchos autores vanguardistas ven en el poeta Arthur Rimbaud a un padre intelectual.
Algunos de los partidarios de Dadá, encabezados por André Breton, pensaron que las circunstancias exigían no solo
la anarquía y la destrucción, sino también la propuesta; es así como se apartaron de Tzara, lo que dio punto final al
movimiento dadaísta, e iniciaron la aventura surrealista.
La furia Dadá había sido el paso primero e indispensable, pero había llegado a sus límites. Breton y los surrealistas, es
decir: superrealistas, unieron la sentencia de Arthur Rimbaud que, junto con Charles Baudelaire, el Conde de
Lautréamont, Alfred Jarry, Vincent van Gogh y otros artistas del siglo XIX, sería reconocido por los surrealistas como
uno de sus «padres»: «Hay que cambiar la vida» se unió a la sentencia de Carlos Marx: «Hay que transformar el
mundo».
Surgió así el surrealismo al servicio de la revolución que pretendía recuperar aquello del hombre que la sociedad, sus
condicionamientos y represiones le habían hecho ocultar: su más pura esencia, su Yo básico y auténtico.
A través de la recuperación del inconsciente, de los sueños (son los días de Sigmund Freud y los orígenes
del psicoanálisis), de dejarle libre el paso a las pasiones y a los deseos, de la escritura automática (que más tarde
cuestionaron como técnica), del humor negro, los surrealistas intentarían marchar hacia una sociedad nueva en
donde el individuo pudiese vivir en plenitud (la utopía surrealista).
En este pleno ejercicio de la libertad que significó la actitud surrealista, tres palabras se unieron en un solo
significado: amor, poesía y libertad.
Características del vanguardismo
Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que
se atacaba todo lo producido con anterioridad, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se
reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.
Surgendiferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayo
nismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores
comunes:
 La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación
 Audacia y libertad de la forma.
 El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras.
En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se
expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños
geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.
En la literatura, y concretamente en la poesía, el texto se realizaría a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de
imágenes. Se rompió tanto con la estrofa, la puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis, alterando por
completo la estructura tradicional de las composiciones (por ejemplo, en el Finnegans Wake o en el final
del Ulises de James Joyce). Surgió el caligrama o poema escrito de modo tal que formara imágenes, con el objetivo
de acabar con la tóxica sucesividad del hecho escrito o leído.
 El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía, tenía que buscar
un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba viviendo, apoyándose en la novedad original
que lleva dentro.
 Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para el individuo nuevo.
 En algunos movimientos había una tendencia a hacer plástica en la coloración de las palabras.
 En la poesía se jugaba constantemente con el símbolo.
 Las reglas tradicionales de la versificación necesitaban una mayor libertad para expresar adecuadamente su
mundo interior.
 Reaccionaba contra el modernismo y contra los imitadores de los maestros de esta corriente; una conciencia
social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino.
 Nuevos temas, lenguaje poético, revolución formal, desaparición de la anécdota, propuesta de temas como
el anti-patriotismo.
 El punto de vista del narrador comenzaba a ser múltiple.
 Un vínculo estrecho entre el ambiente y los gustos del personaje.
 Comenzaba a profundizarse en el mundo interior de los personajes, presentados a través de sus más
escondidos estados del alma.
 No era el tiempo cronológico el que tenía importancia, sino el tiempo anímico, y comenzó a tomarse en
cuenta el aspecto de presentación, pues se limitaba a sugerir para que el lector complete; el autor comenzó a exigir
presencia de un lector atento que fuese desentrañando los hechos presentados y fuese armando inteligentemente
las piezas de la novela de nuestro tiempo. Uno de los mayores exponentes y mejores representantes de esta
condición "psicológica" temporal fue Marcel Proust en su célebre obra En busca del tiempo perdido (1913-1927) en
donde el protagonista de la historia recuerda los veranos de su niñez a través del olor y el gusto que le evoca una
magdalena impregnada en té.

Los representantes del vanguardismo más influyentes

1- Salvador Dalí
Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España. Desde muy pequeño se animó a practicar arte, por lo
que finalmente fue a estudiar a Madrid. En la década de 1920, se trasladó a París y comenzó a interactuar con
artistas como Picasso, Magritte y Miró.
Dalí es quizás mejor conocido por su pintura de 1931 “La persistencia de la memoria”, que muestra relojes derretidos
en un ajuste del paisaje. El ascenso del líder fascista Francisco Franco en España condujo a la expulsión del artista del
movimiento surrealista, pero eso no lo detuvo para seguir creando. Muere en su ciudad natal en 1989.
2- Pablo Picasso
Pablo nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España. Fue un pintor español, escultor, ceramista, grabador y
escenógrafo. Es reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el creador del cubismo junto a
Georges Braque.
Su inusual habilidad para dibujar comenzó a manifestarse alrededor de los 10 años de edad, cuando se convirtió en
alumno de su padre, a quien logró superar en habilidades. A los 13 años el pintor realizó su primera exposición con el
apoyo de su progenitor.
Durante casi 80 años, Picasso se dedicó a una producción artística que contribuyó significativamente y paralelamente
a todo el desarrollo del arte moderno en el siglo XX. Picasso falleció el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia.
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3- Pierre Alechinsky
Nació en Bruselas, donde recibió formación en ilustración de libros y tipografía en la École Nationale Supérieure
d’Architecture et des Arts Décoratifs. Trabajó en diversos medios, desde la pintura hasta la poesía y el cine.
Fue miembro original de COBRA, un grupo internacional de artistas daneses, holandeses y belgas que se desarrolló
entre 1948 y 1952. En camaradería con otros artistas, tenía grandes expectativas de una nueva sociedad de
posguerra y una nueva escuela de arte.
A mediados de los años cincuenta, Alechinsky estudió el arte de la caligrafía en Japón, adoptando algunas de sus
técnicas para su propio trabajo, así como los materiales de pincel y tinta sobre papel.
En sus pinturas y grabados, desarrolló un vocabulario pictórico personal y accesible de formas que sugieren animales,
aves, volcanes, cascadas, plantas y cuerpos humanos.
Uno de sus trabajos es «Gong», el cual está poblado por formas biomórficas que fluyen unas a otras, y redactado con
líneas gestuales de tinta y franjas de color utilizando una paleta monocromática de varios blues.
4- Wolf Vostell
Nació en 1932 en Leverkusen, Alemania. Estudió en la Escuela Nacional Supérieur de Bellas Artes de París.
Desde principios de los años sesenta, Vostell utiliza una variedad de medios y materiales en sus acontecimientos,
acciones e instalaciones sin ser artista de medios en sentido estricto. Su concepto de Dé-collage difiere de “collage”
en que destaca el aspecto agresivo y destructivo de las estructuras encontradas y visuales.
A partir de 1963, utiliza los televisores en su arte y publica siete números de la revista «Dé-collage / Boletín aktueller
Ideen» de 1962 a 1967, un foro importante en ese momento. Muere en Berlín en 1953.
5- Igor Stravinsky
Igor Fedorovich Stravinsky nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum cerca de San Petersburgo, Rusia.
Su padre era un cantante estrella de la Ópera Imperial, que esperaba que su hijo se convirtiera en un burócrata, por
lo que Igor realizó un curso universitario de derecho antes de tomar la decisión de convertirse en músico.
Era un buen pianista aficionado, un entusiasta lector de puntajes vanguardistas (no tradicionales) de Francia y
Alemania, y un aficionado a los idiomas (sabía italiano, francés y ruso).
Su acercamiento a la composición musical era de renovación constante, siendo el ritmo el ingrediente más llamativo.
Su instrumentación y sus formas de escribir para las voces también eran distintivas e influyentes.
Sus armonías y formas eran más evasivas y difíciles de entender. Reconoció la melodía como el elemento «más
esencial». Stravinsky murió el 6 de abril de 1971, en la ciudad de Nueva York y fue enterrado en Venecia.
6- Luigi Russolo
Nació en Portogruaro (Véneto) en 1885. Después de unirse a su familia en Milán en 1901, decidió adentrarse en la
pintura. En 1909 mostró un grupo de grabados en la Famiglia Artistica en Milán, donde conoció a Umberto Boccioni y
Carlo Carrà.
Sus obras periodísticas divisionistas fueron influenciadas por Previati y particularmente por Boccioni. Después de su
encuentro con Marinetti, Russolo firmó tanto el «Manifiesto de Pintores Futuristas» como el «Manifiesto Técnico de
Pintura Futurista». Posteriormente, participó en todas las veladas y exposiciones futuristas.
Sus lienzos, futuristas maduros, están abiertos a la influencia cubista y se basaban principalmente en los ejemplos del
foto-dinamismo de Anton Giulio Bragaglia y la crono-fotografía de Etienne-Jules Marey.
Realizó su último concierto en 1929 con la apertura de un espectáculo futurista en París en la Galería 23. Después de
un período en España, donde estudió filosofía oculta, regresó a Italia en 1933, estableciéndose en Cerro di Lavenio
en el Lago Maggiore. Russolo murió en Cerro di Lavenio en 1947.
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7- Will Alsop
Will Alsop es un prominente arquitecto y artista nacido en 1947 en Northampton, Inglaterra. Ha sido galardonado
con el Premio RIBA Stirling de la Biblioteca Peckham de Londres y el primer Premio Mundial RIBA por el Centro Sharp
de Diseño (OCAD) de Toronto.
Su trabajo abarca todos los sectores de la arquitectura, incluyendo el diseño urbano y la planificación. Su práctica de
estudio también incorpora pintura y diseño de producto, y además es profesor de arquitectura en la Universidad de
Viena y de la Canterbury School of Architecture, UCA.
Se ha encargado de la regeneración del distrito londinense de Hounslow. Desarrollando esquemas para la
regeneración de Vauxhall y trabajando internacionalmente en China, Canadá y Europa.
Los diseños icónicos de Alsop, como la planta de energía de Glenwood en Yonkers, Nueva York y el centro de Sharp
para el diseño para la universidad de Ontario del arte y del diseño en Toronto lo han establecido como visionario en
el campo de la arquitectura.
8- Allora & Calzadilla
Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla, son conocidos como Allora & Calzadilla, un dúo colaborativo de artistas visuales
de San Juan, Puerto Rico.
Han producido una amplia gama de esculturas, fotografías, arte de performance, sonido y video. Su práctica artística
se relaciona con la historia y la política, abordando las cuestiones socioculturales y territoriales, haciendo hincapié en
las fracturas de la línea en la sociedad.
Se conocieron como estudiantes mientras estudiaban en el extranjero en Florencia y han estado viviendo y
trabajando juntos desde entonces.
Representaron a los EEUU en la 54ª Bienal de Venecia en 2011 con una exposición llamativa organizada por el Museo
de Arte de Indianapolisa a la que titularon «Gloria». La exposición incluyó actuaciones de atletas, gimnastas y
medallistas olímpicos.
9- Martin Boyce
Nació en en 1967 en Hamilton, Escocia, y actualmente vive y trabaja en Glasgow. Asistió a la Escuela de Arte de
Glasgow, donde recibió un BA en Arte Ambiental en 1990 y un MFA en 1997. En 1996, también estudió en el Instituto
de California para las Artes en Valencia, CA. Es ganador del Premio Turner 2011 de Tate, Boyce.
Desde el comienzo de su carrera, ha incorporado una paleta de formas que frecuentemente recuerdan las
estructuras familiares del entorno construido: una cabina telefónica, una parrilla de ventilación, una valla ligada a la
cadena, de una manera totalmente nueva.
En 2009, Boyce representó a Escocia en la 53ª Bienal de Venecia con una presentación de pabellón en solitario
titulada «No Reflections», que viajó a Dundee Contemporary Arts en Escocia de 2009 a 2010.
Su obra está representada en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate en Londres, Museum
für Moderne Kunst de Frankfurt, Alemania, entre otras instituciones en todo el mundo.
10- Martin Creed
Martin Creed nació en Wakefield, Inglaterra, en 1968 y asistió a la Slade School of Art en Londres. Ha tenido
numerosas exposiciones individuales y proyectos alrededor del mundo.
Las palabras y la música siempre han sido parte integral de la práctica de este artista. La simplicidad con el uso de
pocas notas y palabras, demuestran un acercamiento simple pero intelectual.
Creed escribió una pieza de cuatro minutos, «Work No. 955» para la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham,
siendo una pieza complementaria para una exposición individual en la Galería Ikon de Birmingham. Este trabajo se
repitió en un concierto dado en Japón para la Orquesta Sinfónica de Hiroshima.
Actualmente, como curioso que combina diferentes formas de arte, Creed sigue creando obras con gran ingenio.

11- Mike Kelley

Mike Kelley nació en 1954 en Detroit, Michigan, y murió en 2012 en Los Ángeles. Tuvo aspiraciones tempranas de ser
un novelista, pero dudó de su talento como escritor y consideró que la escritura era demasiado difícil, así que le dio
una vuelta a sus energías por el arte a través de la pintura y la música, extendiéndose luego a otras áreas.
Comenzó a crear instalaciones multimedia que sintetizaron dibujos y pinturas a gran escala, a menudo incorporando
su propia escritura, junto con esculturas, vídeos y actuaciones.
A mediados de la década de 1980, ya estaba ganando la atención nacional e internacional. Su carrera despegó antes
en Europa que en los Estados Unidos.
En 2005, tuvo su primera exposición individual en la galería Gagosian de Nueva York. Las obras de Kelley incluyen
importantes colecciones públicas y privadas, entre estas el Museo de Arte Moderno y el Museo Solomon
Guggenheim de Nueva York.
12- Beatriz Milhazes
Es una artista brasileña que nació en 1960 en Río de Janeiro. Milhazes utiliza predominantemente el principio del
collage, combinando el dibujo de su conocimiento sobre las tradiciones de América Latina y Europa. Sus influencias
provienen de su propia fascinación por las artes decorativas, la moda, y la geometría.
Milhazes ha descrito su propio trabajo como geométrico, pero sin poner todo en un cuadrado o en un círculo. Utiliza
colores brillantes que también abarca un estilo femenino de la obra.
Ha tenido exposiciones individuales y colectivas en algunos museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el
Museo de Arte Moderno de París.
13- Giuseppe Penone
Es un artista italiano que nació en 1947. Comenzó a trabajar profesionalmente en 1968, siendo el más joven del
movimiento italiano conocido como “arte pobre” (arte povera), ya que con apenas 21 años de edad realiza su
primera exposición.
En sus obras utiliza materiales no convencionales, siendo el árbol un elemento central en la obra de Penone.
El artista tiene una visión paradójica y empática del mundo visible. No trata de mostrar obras agradables o hermosas,
aunque su tacto y su estética elegante, revela la belleza interior del medio ambiente.
14- Anri Sala
Nació en Albania en 1974. Su trabajo se basa principalmente en el vídeo y el sonido con historias íntimas y
entrelazadas.
En poco tiempo, su trabajo se convirtió en una de las expresiones más importantes del vanguardismo, con
exposiciones por todo el mundo. Así pues, en 2001 recibe en la Bienal de Venecia el Premio Joven Artista.
15- Tino Sehgal
Nació en 1976 en Londres, Inglaterra, pero también tiene nacionalidad alemana. Su obra existe tan solo en el
momento de su realización, porque el artista no está interesado en producir objetos materiales. Su trabajo no está
documentado de ninguna forma, son para él “situaciones construidas”.
Es el artista más joven que ha representado a Alemania en la Bienal de Venecia. Sus exposiciones han visitado los
lugares y museos más importantes del mundo.

LOS MOVIMIENTO DE VANGUARDIA POETICA DOMINICANA

LA VANGUARDIA POETICA DOMINICANA.-
Figuras postumistas:
Tendencia literaria responsable de la introducción del verso libre a la poesía dominicana.
Movimiento literario aparecido en 1921, el cual cambió radicalmente el sentido del discurso poético dominicano.
A partir de éste se comenzó a hablar de poesía dominicana tradicional y de poesía dominicana moderna, debido a
que los postumistas pusieron en práctica una nueva forma de poetizar la realidad dominicana.
Representantes del vendrinismo:
EL postumismo.-
LA VANGUARDIA POETICA DOMINICANA.-
Otilio Vigil Diaz Zacarias Espinal
Arabesco El arañaso.'
Domingo Moreno
Promesa
Andres Avelino
Nacio en St. Dgo. Como creador, se limitó a la búsqueda de una transformación formal en la poesía mediante la
utilización del verso libre, olvidándose de que casi todo lo que se escribía en la República Dominicana en aquel
momento estaba íntimamente ligado al modo de pensar europeo. La importancia de Vigil Díaz en la literatura
dominicana está patentizada por el hecho incuestionable de haber introducido el verso libre en la misma, como lo
confirma la publicación del poema "Arabesco", el 10 de noviembre de l9l7.
Rafael Augusto Zorrilla
El vendrinismo:
Vilgil Diaz
Se le considero como uno de los grandes poetas de la literatura dominicana del siglo XX. En 1916 publico sus
primero libros:
 Promesa -1914
 Vuelos y duelos-1915
 Psalmos -1924
 El diario de la aldea -1925
Fue un movimiento literario en el que se abandona la rima, se desordena el ritmo y las ideas se expresan de igual
forma que se producen en la mente del escritor. Se podría definir como una comunicación simple, honesta y poco
rebuscada. Este movimiento surge como un arma de denuncia y reproche social ante la ocupación
norteamericana. Los postumistas se unieron entorno a Domingo Moreno Jiménez, y publicaban sus ideas en la
revista "El Día Estético".
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