MINISTERIO DE EDUCACIÓN
REPÚBLICA DE PANAMÁ
CENTRO EDUCATIVO LA SAGRADA FAMILIA
TEMA:
CLARO OSCURO
MATERIA:
ARTES PLÁSTICAS
NOMBRE:
SCARLETH VILLAREAL
PROFESORA:
LILY ÁLVAREZ
NIVEL
VIII
AÑO:
2019
INTRODUCCIÓN
El claroscuro es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes
fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar
más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores
flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el
barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.
En este trabajo conoceremos algunos pintores que utilizaron esta técnica.
Además, presentaré imágenes de las técnicas del claroscuro, monocromático, full
color, policromático y puntillismo.
PINTORES QUE UTILIZAN LA TÉCNICA DEL CLARO
OSCURO
REMBRANDT HARMENSZOOM VAN RIJN
Pintor y grabador holandés nacido en Leiden el 15
de julio de 1606 y muerto en Amsterdam el 4 de
octubre de 1669. Su nombre completo era el de
Harmenszoon Van Rijn Rembrandt. Está
considerado como uno de los mayores genios
pictóricos de todos los tiempos, un gran maestro
en el uso de la luz, el claroscuro, el dibujo y el
grabado. Artísticamente Rembrandt fue el mayor
exponente del arte barroco en Holanda.
Aprendizaje
A pesar de pertenecer a una familia humilde y
numerosa, su padre era molinero y quizá tuvo
siete o más hermanos, recibió una buena
educación. Empezó sus estudios en la escuela
latina de Leiden y con catorce años fue admitido en la universidad de su ciudad
natal, algo bastante frecuente en la época. Pese a lograr entrar en la universidad
Rembrandt abandonó pronto los estudios para dedicarse por entero a su gran
pasión, el arte.
En 1621 inició sus estudios artísticos bajo la tutela de Jacob van Swanenburg y
más tarde (1624), ya en Amsterdam, como discípulo de Lastman. Seis meses más
tarde regresó a Leiden y se estableció como pintor independiente (1625) en
sociedad con su amigo Jan Lievens. Su éxito fue rápido y pronto empezó a contar
con discípulos propios, entre los que se encontraba Gerrit Dou (a partir de 1628).
Las primeras pinturas y grabados que realizó, en esta época la mayor parte de
temas religiosos, se encontraban bajo la influencia de Pieter Lastman y de los
seguidores de Caravaggio en Utrecht. Evidente en obras como Cristo y los
peregrinos de Emaús, donde presentaba una agitación casi violenta de personajes
y grandes efectos teatrales de luz. La distancia respecto a Lastman empezó a ser
muy significativa a partir de 1630, en obras como Jeremías profetizando, La
destrucción de Jerusalén y la Presentación de Jesús en el templo; donde los
violentos contrastes lumínicos se redujeron a una evocación de sombra que
envolvía a los personajes y los temas representados adquirieron una mayor
interpretación emocional.
El triunfo en Amsterdam
Si en Leiden alcanzó rápido el éxito, en Amsterdam fue clamoroso. Retratos como
el de Nicolaes Ruts (1631) pronto le convirtieron en el pintor de moda entre la
burguesía. Su éxito no se limitó a los retratos sino que se extendió también al
resto de su obra. Sus cuadros de carácter mitológico, e incluso los religiosos,
tuvieron una gran acogida. A este periodo corresponden obras como La lección de
anatomía del doctor Tulp (1632), Descendimiento (1633) o Sansón cegado por los
filisteos (1636). A medida que aumentó su fama su taller se fue llenando de
discípulos, algunos de los cuales tuvieron un importante papel en la realización de
muchas de las obras del maestro, hasta el punto de que ha habido grandes
dificultades para atribuir algunas de sus obras.
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
Caravaggio, fue considerado uno de los padres de la
pintura moderna. Por lo que, su trabajo llegó a ser
popular por la técnica del tenebrismo en la que utiliza
la sombra para acentuar áreas más claras.
nació en Milán, el 29 de septiembre de 1571 y murió
en Porto Ércole, el 18 de julio de 1610, muy joven a
los cuarenta años. Fue un pintor italiano bastante
activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los
años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer
y gran exponente de la pintura del Barroco. Su
trabajo se fundamentó en la producción de pinturas
religiosas. Sin embargo, muchas veces fue
rechazado por sus clientes debido al realismo de sus
figuras religiosas casi del naturalismo
temprano. Por lo general, escogía sus modelos entre la gente de muy baja
condición, por lo que, Michelangelo Merisi Da Caravaggio prefería para posar en
sus trabajos, prostitutas, mendigos quienes posaban los personajes de sus
cuadros.
En 1584 Michelangelo Merisi Da Caravaggio comenzó a trabajar como aprendiz
del pintor lombardo Simone Peterzano, discípulo de Tiziano. Tras concluir su
formación se cree que visitó Venecia, y fue acusado de copiar las obras del pintor
Giorgione y Tiziano. El conocimiento del patrimonio artístico y cultural de Milán se
lo debió a su familia en su ciudad natal, ello también le permitió familiarizarse con
la obra de La última cena de Leonardo da Vinci. Así del arte milanés llegó a
valorar la simplicidad y la atención al detalle naturalista. Por lo que se consideró
que estaba más próximo al naturalismo de Alemania que a la formalidad y la
grandeza del manierismo romano.
La pintura de Michelangelo Merisi Da Caravaggio se caracteriza por
su naturalismo y tenebrismo. Pintaba mayormente bodegones, temas
mitológicos y con más frecuencia temas religiosos, para lo que siempre tomaba
como modelos a gentes sencillas y humildes del pueblo, por lo que sustrae a sus
personajes el carácter sagrado.
En este sentido, la etapa de madurez de Michelangelo Merisi Da
Caravaggio destaca por ser en la que más utiliza el recurso del tenebrismo y el
naturalismo. Igualmente, en los diferentes planos, introduce la luz por uno de los
ángulos superiores dejándola caer diagonalmente. Este contraste luminoso se usa
también para exagerar los gestos y hacerlos más teatrales, en el caso del
Tenebrismo en Italia. Se sabe entonces que, en España, este sistema lumínico se
empleó para destacar la sobriedad del tema o del gesto. Así, el pintor representa
las divinidades humanizadas, tomando modelos de la vida cotidiana.
LEONARDO DA VINCI
(Vinci, 15 de abril de 1452 Amboise, 2 de mayo de 1519) fue
un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la
vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, artista, botánico, científico,
escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Murió
acompañado de Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.
Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el pintor
florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron
creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en
Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por
invitación del rey Francisco I.
A pesar de la relativa toma de
conciencia y la admiración que
Leonardo despertó como científico e
inventor en los últimos años, su fama
ha descansado sobre sus creaciones
como pintor de varias obras,
autentificadas o que se le atribuyen, y
que han sido consideradas como
grandes obras maestras del
patrimonio universal.
Sus pinturas son célebres. Por un
lado, han sido copiadas e imitadas
por los estudiantes, y por otro han
sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. Entre las
cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó, el
sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el
conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la
geología, la utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad
de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las
expresiones gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del esfumado y la
combinación de sombras y luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en
obras como La Gioconda, La Última Cena y La Virgen de las rocas.
PEDRO PABLO RUBENS
También conocido como Pieter Paul, Pieter
Pauwel, Petrus Paulus, y, en
español, Pedro Pablo Rubens, fue
un pintor barroco de la escuela flamenca. Su
estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el
color y la sensualidad. Sus principales
influencias procedieron del arte de la Antigua
Grecia, de la Antigua Roma y de la pintura
renacentista, en especial de Leonardo da
Vinci, de Miguel Ángel, del que admiraba su
representación de la anatomía, y sobre todo
de Tiziano, al que siempre consideró su
maestro y del que afirmó «con él, la pintura
ha encontrado su esencia».
Trató una amplia variedad de temas
pictóricos: religiosos, históricos, de mitología
clásica, escenas de caza, paisajes, retratos;
así como dibujos, ilustraciones para libros y
diseños para tapices (series de La Historia de
Decio Mus, La Historia de Constantino, El Triunfo de la Eucaristía y La Historia de
Aquiles). Se conservan aproximadamente mil quinientos cuadros suyos. Una
producción tan elevada fue posible a la extensión de su taller, tanto de integrantes
como de proporción, donde al parecer trabajaban en cadena. Fueron discípulos o
ayudantes suyos: Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van
Thulden, Erasmus Quellinus el Joven, Cornelis de Vos y Anton van Dyck, cuyo
trabajo fue completar varios encargos para la Corte española en Madrid. Se
conocen hasta hoy casi nueve mil dibujos de mano suya.
Fue el pintor favorito del rey Felipe IV de España, su principal cliente, que le
encargó decenas de obras para decorar sus palacios y fue el mayor comprador en
la almoneda de los bienes del artista que se realizó tras su fallecimiento. Como
consecuencia de esto, la mayor colección de obras de Rubens se conserva hoy en
el Museo del Prado, con unos noventa cuadros (la cifra concreta varía según las
fuentes puesto que la autoría de algunas de las obras está en discusión), la gran
mayoría procedentes de la Colección Real. Otros museos con destacada
representación de su arte son el Museo Real de Bellas Artes de Amberes
(Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen), la National Gallery de
Londres, la Alte Pinakothek de Múnich y el Museo de Historia del Arte de Viena.
Poseía una amplia formación humanista y tuvo siempre un profundo interés por
la Antigüedad clásica. "Estoy convencido de que para lograr la mayor perfección
en la pintura es necesario comprender a los antiguos", afirmaba. Dominaba
diversas lenguas, incluido el latín, y llegó a ejercer como diplomático entre
distintas cortes europeas. Fue además ennoblecido tanto por Felipe IV de España
como por Carlos I de Inglaterra. El también pintor Eugène Delacroix, gran
admirador suyo, lo calificó como el "Homero de la pintura", apodo con el que es
citado en ocasiones.
DIEGO DE VELÁSQUEZ
Conocido como Diego Velázquez, fue un pintor
barroco español considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española y maestro de
la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde
desarrolló un estilo naturalista de
iluminación tenebrista, por influencia
de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se
trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del
rey Felipe IV y cuatro años después fue
ascendido a pintor de cámara, el cargo más
importante entre los pintores de la corte. A esta
labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo
consistía en pintar retratos del rey y de su familia,
así como otros cuadros destinados a decorar las
mansiones reales. Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de
pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció
tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias
determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas
rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes
obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más
esquemático y abocetado, alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este
período se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo
viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las
meninas y Las hilanderas.
Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. El reconocimiento como pintor
universal se produjo tardíamente, hacia 1850. 2 Alcanzó su máxima fama entre
1880 y 1920, coincidiendo con la época de los pintores impresionistas franceses,
para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su obra y le calificó
como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido». La
parte fundamental de sus cuadros que integraban la colección real se conserva en
el Museo del Prado en Madrid.
TÉCNICAS DE PINTURAS
CLAROSCURO
MONOCROMÁTICO
FULL COLOR
POLICROMÁTICO
PUNTILLISMO
CONCLUSIÓN
En el arte es una técnica de dibujo y pintura que se basa en producir el efecto de
contrastes entre la luz y las sombras. El claroscuro busca una conveniente
distribución de luces y sombras en una obra, de modo que se opongan y
complementen mutuamente.
El claroscuro es una técnica pictórica consistente en el uso de contrastes
acusados entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para
destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los
pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez
en el barroco, en especial con Michelangelo Caravaggio, dando lugar al estilo
llamado tenebrismo.
El maestro del claroscuros fue Rembrandt, pintor holandés, es sin duda alguna
el maestro del claroscuro. Sólo utilizará la luz en su composición para mostrar lo
que el quiere mostrar. Rembrandt usa el claroscuro para representar dos cosas:
primero, para representar la psicología del personaje que retrata, es decir, su
estado anímico; y segundo, para representar sus facciones. Lo más importante en
las obras de Rembrandt es el rostro. No hay obra de él que no tenga luz en el
rostro y eso demuestra el afán de Rembrandt de ir más allá, de pintar la psicología
del personaje.
BIBLIOGRAFÍA
AAVV (1987). Diccionario Larousse de la Pintura, vol. I. Barcelona: Planeta-
Agostini. ISBN 84-395-0649-X.
Chilvers, Ian (2007). Diccionario de arte. Madrid: Alianza
Editorial. ISBN 978-84-206-6170-4.
Fatás, Guillermo; Borrás, Gonzalo (1990). Diccionario de términos de arte y
elementos de arqueología, heráldica y numismática. Madrid: Alianza. ISBN 84-
206-0292-2.
Fuga, Antonella (2004). Los Diccionarios de Arte. Técnicas y materiales de
arte. Barcelona: Electa. ISBN 84-8156-377-3.
MINISTERIO DE EDUCACIÓN
REPÚBLICA DE PANAMÁ
CENTRO EDUCATIVO LA SAGRADA FAMILIA
TEMA:
LA CULTURA CONGO
MATERIA:
DANZA
NOMBRE:
SCARLETH VILLAREAL
PROFESORA:
LILY ÁLVAREZ
NIVEL
VIII
AÑO:
2019
INTRODUCCIÓN
Se remonta a la época de la colonia, cuando los europeos trajeron los primeros
esclavos al nuevo continente, para relatar el origen de los congos.
“Con ellos llegó una nueva estructura cultural llena de ritmo y sensualidad, pues
llevaban la música del tambor en la sangre y la utilizaban como medio de
expresión”.
En Santa Isabel, cuenta que a mediados del siglo XV algunos negros,
provenientes en su mayoría de las naciones africanas de Guinea y Congo, se
sublevaron y se refugiaron en la selva caribeña. Se les conoció como cimarrones
(esclavos prófugos, rebeldes) y desde sus emplazamientos o aldeas utilizaban el
tambor para poder comunicarse con sus hermanos en cautiverio.
“Otro medio de expresión utilizado por los negros de aquella época y que aún
practican los grupos congos es el saludo con los pies y el hablar en revesina, una
mezcla del francés, portugués y castellano o hablar al revés”.
Durante la colonia, tanto el negro esclavo como el cimarrón se reunían en los
palenques para realizar su danza o juego congo, donde a través de la música y el
baile recordaba sus orígenes, exteriorizaban su solidaridad, su nostalgia y su odio
hacia el blanco opresor.
En esta investigación se conocerá 5 perdonajes de este baile, donde señalaremos
su vestimenta, papel en el baile y el porqué se le dio ese nombre.
CULTURA CONGO
PERSONAJES DE LA CULTURA CONGO
Reina: es la autoridad más alta. Sale durante la fiesta vestida con una
falda amplia o pollera sencilla, una blusa parecida a la de la pollera, y lleva
sus pies descalzos como todos los demás personajes del drama.
Representa a la mujer fuerte que guio al éxodo y administró el gobierno y la
justicia en el establecimiento fugitivo o palenques en la selva.
Rey: esposo de la reina. Lleva una corona vistosa, bastón de mando y
faja de color con insignias. Viste pantalón negro con una pernera
remangada, camisa blanca y corbata con el nudo hacia atrás. Representa al
señor de la guerra, de la estrategia y de la economía.
Arcángel: es uno de los personajes irreales o imaginativos con el cual se
halagaba a los esclavos, asegurándoles su protección contra el temido lucifer
si eran sumisos. Representa al espíritu benévolo que protege a los congos de
los diablos. Visten con un vestido blanco y llevan consigo una soga para
capturar a los diablos.
Pajarito: es el príncipe, viste una túnica corta amarrada en la cintura, con
mangas rojas y oscuras. Como pajarito lleva una pluma simbólica de color
vino, y como príncipe, una corona. Representa al negro arriesgado que explora
el campo, descubría al adversario, atisbaba sus movimientos y señalaba a los
fugitivos el lugar más seguro para establecer sus palenques. El pajarito es el
mensajero del grupo, que usa su silbato para avisar a los demás sobre la
llegada del diablo.
Diablo: con una presencia muy realista, vestido de malla roja, con cuernos
y uñas, cola, alas y disfraz, trata de llenar su cometido que es aterrorizar a
la gente y ayudar a mantenerla sometida. Fue el gran auxiliar del amo y del
catequizante. En la tradición Congo el diablo no representa a Satanás, sino
al mal representado a su vez por los españoles que capturaron y vendían a
sus ancestros como esclavos. En el juego de Congo, al bautizar y vender al
Diablo Mayor, se parodia este trato.
CONCLUSIÓN
El Congo viene de esa tierra de infinitas formas, contrastes y matices llamada
África, y que también se funde en el suelo panameño, sobreviviendo como una
llama que se enciende, como un espíritu indomable y que no se rinde, de colores
rojos y negros, de sonrisa amplia y ojos oscuros. Una llama que suda cuando se
posa sobre el cuerpo de uno de los danzantes en los bailes que se reconocen hoy
como una de las tradiciones de mayor riqueza e interpretación artística, visual y
espiritual en la provincia de Colón.
Las costumbres de los Congos consisten en actuaciones tradicionales no escritas,
con personajes mitológicos, rituales, disfraces, arquitectura, música, gastronomía
y danza. La interpretación de la danza Congo rememora metafóricamente la era
de sus ancestros y describe la victoria del bien sobre el mal.
Los vestidos de los congos están llenos de colorido. Las mujeres utilizan una
pollera de dos piezas, una camisa con arandina y un pollerón hecho de retazos.
además adornan su cabeza con coloridas flores.
Los hombres utilizan la ropa al revés, un sombrero de estopa de coco adornado
con plumas, conchas, espejos o cuentas y se pintan la cara con carbón.
El baile congo se realiza con los pies descalzos, como símbolo de la relación del
negro con la tierra.
Los personajes principales del juego congo son la reina, el rey o Juan de Dios, el
pajarito y las mininas, mientras que como personajes secundarios aparecen las
ánimas, el diablo y el holandés o el gallego, los cuales representan la lucha
permanente entre el bien y el mal.
BIBLIOGRAFÍA
WEBSCOLAR. La Historia y Origen: Descripciones de Personajes,
indumentaria, cantos y Baile del Congo en Panamá.
https://www.webscolar.com/la-historia-y-origen-descripciones-de-
personajes-indumentaria-cantos-y-baile-del-congo-en-panama. Fecha de
consulta: 3 de diciembre de 2019.
