Evolucion de la composición medieval

La composición musical medieval se expresó principalmente a través de la

monodia (composición a una sola voz). Pese a la existencia desde el siglo XI de
técnicas de notación musical bastante precisas con respecto a las alturas (no así
con respecto al ritmo), en muy pocas ocasiones estas creaciones fueron escritas
en el momento mismo de su concepción, entre otras razones, porque la tradición
oral constituyó siendo el principal mecanismo de transmisión musical.

Las fuentes escritas solo llegaron a ser puestas en notación cuando hubieron
alcanzado una difusión y celebridad que justificara su recopilación en forma de
cancionero. En algunos casos (por ejemplo, en el de los trovadores más antiguos)
pudo transcurrir hasta un siglo y medio entre la composición y la transcripción de
las canciones. En muchísimos otros casos lo único que se transcribió fue la letra,
en cuyo caso estas composiciones se habrían perdido para siempre.

Música y poesía

En la tradición oral, la poesía es inconcebible sin la música. Es decir, la poesía

es siempre canción. Este fenómeno se ha mostrado con una insistente continuidad
entre los mundos antiguo y medieval, con ramificaciones que alcanzan incluso a
nuestros días. Las razones que explican este maridaje son muy semejantes a las
apuntadas en la Unidad 1 en relación con el canto llano (memoria, amplificación,
expresión), y los ejemplos abundantísimos:

1. La poesía narrativa (o épica), cuya presencia en Occidente se extiende

desde Homero hasta la balada inglesa y balcánica, el romance castellano o
el corrido mexicano. Las grandes poesías épicas medievales se
denominan, de forma significativa “cantares de gesta”, como es el caso del
Cantar de Roldán francés ([Link]), el Cantar del mío Cid castellano (ca.1200)
o el Cantar de los nibelungos alemán ([Link]).
2. La poesía lírica, cuya presencia en Occidente se extiende desde la poesía
lírica griega (“lírico” derivado de “lira”, el instrumento con el que se
acompañaba el canto de esta poesía) hasta la canción de autor
contemporánea. La poesía lírica medieval ofrece numerosos ejemplos de
este arte en los trovadores occitanos, los troveros franceses, las cántigas
galaico-portuguesas y los Minnesänger germanos, entre otros.
3. La poesía dramática o teatro, cuya presencia en Occidente se extiende
desde la tragedia griega (que era parcialmente cantada) hasta la
ópera moderna. En el mundo medieval encontramos el drama litúrgico (en
latín) y los misterios medievales.

La idea de poesía (y teatro) como forma exclusivamente literaria -es decir,

concebida para ser recitada o leída, pero no cantada- supone un concepto
relativamente moderno cuyo origen se remonta al Renacimiento. La poesía
medieval pertenece principalmente al ámbito de la memoria (tradición oral) y de la
música (canto).
Autenticidad e inautenticidad en la interpretación de la música medieval

La poesía narrativa (de la cual el romance castellano es un ejemplo) se

caracteriza por los largos textos y la versificación sencilla. Las melodías de la
poesía épica suelen tener forma de letanía, una o dos breves frases musicales
que se repiten una y otra vez. La melodías medievales nos son desconocidas
porque no se transcribieron y la tradición oral se encarga de remplazarlas según el
gusto de cada época y lugar.

La poesía lírica medieval (de la cual las Cántigas de Santa María son un
ejemplo) se caracteriza por las formas estróficas y una versificación variada y a
veces sofisticada. En muchos casos las poesías contaron con una melodía a
medida, pero en muchos otros casos eran cantadas utilizando melodías ya
existentes o intercambiables (contrafactum).

Algunos dramas litúrgicos medievales han seguido representándose de forma

ininterrumpida hasta nuestros días, como es el caso del Misterio de Elche, ejemplo
que incluye fragmentos en polifonía incorporados en el siglo XV. La tradición oral
resulta en estos casos poco fiable en cuanto al contenido musical, adulterado con
el paso de los siglos pese a la existencia de fuentes originales escritas.

Romance del conde Olinos. Este célebre romance datado en el siglo XV narra
los desventurados amores del conde Olinos. Está interpretado aquí en un arreglo
moderno por Alalumbre Folk. La melodía utilizada fue recopilada en Mojados
(Valladolid) por el folclorista Joaquín Díaz.

Cántiga de Santa María nº149 – “Fol é a desmesura” [[Link]]. Pese a que la

poesía lírica medieval es monódica y las fuentes medievales insisten en que eran
cantadas sin acompañamiento, los intérpretes modernos (como el grupo alemán
Triskilian) suelen añadir arreglos y armonizaciones con sabor medieval.

El drama litúrgico medieval [s.X-XV]. Nacidos como simples tropos de cantos de

las misas de Navidad y Semana Santa, los dramas litúrgicos vivieron su mayor
desarrollo durante el siglo XII con composiciones enteramente originales, algunas
de las cuales se han seguido representando hasta nuestros días.

Pintura medieval es el término genérico con el que puede designarse a las

producciones pictóricas del arte medieval. La Edad Media es un periodo histórico
que tiene validez fundamentalmente para la civilización occidental (siglo V al siglo
XV).

En las civilizaciones no occidentales se desarrolló contemporáneamente, aunque

sin relación entre sí, el arte pictórico; sobre todo en Extremo Oriente (pintura
china, pintura japonesa -arte del Japón-), y también en zonas de la América
Precolombina (pintura maya -cultura maya-). El arte islámico estuvo mucho más
directamente vinculado con el arte occidental, y con una extendida presencia en
Próximo Oriente y el Norte de África (desde el siglo VII) y en la península ibérica
(desde el siglo VIII -arte andalusí-); pero la pintura islámica no tuvo (por razones
religiosas -prohibición de representar figuras humanas-) un desarrollo comparable
al efectuado en el arte cristiano a partir de la pintura paleocristiana (arte
paleocristiano).

A pesar de que pueden rastrearse algunos vagos recuerdos o elementos de

continuidad de la pintura medieval con el arte clásico grecorromano (como por
ejemplo, el drapeado de los paños o algunas convenciones de representación de
la figura humana), lo que predomina es una radical discontinuidad entre ambos,
resaltando los fuertes rasgos de personalidad propia del periodo.

La pintura medieval es sobre todo una pintura religiosa (arte religioso) salvo
excepciones, que se hacen más numerosas al final de la Edad Media (retratos,
sobre todo como donantes que aparecen en una composición principalmente
religiosa). La representación de paisaje suele limitarse al fondo de las
composiciones, que en muchas ocasiones se limita a un color plano (dorado
simbolizando la eternidad) o se llena con figuras de forma casi obsesiva (horror
vacui) que se agolpan en el primer plano, se yuxtaponen en horizontal o incluso en
vertical, sin buscar efectos de profundidad. No se utiliza la perspectiva geométrica
hasta los periodos finales (se insinúa en el gótico -escorzos imperfectos de
muebles o arquitecturas- y se culmina con su estudio matemático consciente en el
renacimiento); y la perspectiva aérea está del todo ausente. Suele usarse la
perspectiva jerárquica (representación a un mayor tamaño de la figura más
importante en rango teológico o social, sin consideración de su ubicación en el
espacio). Es muy importante la utilización de simbolismos y un complejo
lenguaje iconológico.

Alta Edad Media

Prerrománico

La pintura prerromanica (desde el año 500 hasta el año mil) es la correspondiente

al arte prerrománico, concepto propio de la Europa Occidental sujeta a las
invasiones bárbaras y el establecimiento de los reinos germánicos y el Imperio
carolingio. Los escasísimos restos se limitan casi exclusivamente a las miniaturas
con que se ilustraban los manuscritos en los scriptorium de los monasterios
(Evangelario de Kells en el arte anglo-celta o hiberno-sajón,1 Beatos en la pintura
mozárabe -arte mozárabe-).
Bizantino

La pintura bizantina se desarrolló a través de dos ve principales: los mosaicos (en

paredes y cúpulas) y los iconos (en tablas, cuyo lugar en las iglesias era el
iconostasio que separa a los fieles del altar). La mayor parte de la producción de
su primera época ha desaparecido como consecuencia de varias oleadas de
destrucciones, con motivo de la querella iconoclasta (un enfrentamiento interno),
las sucesivas invasiones islámicas (árabes en Siria, Palestina y Egipto; turcos en
Anatolia y los Balcanes), y las cruzadas (en que el saqueo fue a manos de los
cristianos latinos). Testimonios excepcionales son los mosaicos bizantinos de
primera época localizados en Rávena (San Vital de Rávena, San Apolinar de
Rávena) y los de San Marcos de Venecia. En Oriente se han conservado algunos
de época posterior (Mistra, Hosios Loukas). El Monasterio de Santa Catalina del
Monte Sinaí, respetado a pesar de los siglos de dominio musulmán, conserva una
extraordinaria colección de iconos. La tradición de pintura de iconos, que se
conservó con rígidos convencionalismos, se continuó en los países eslavos
(pintura rusa) con una evolución en sutiles variaciones. .

Plena y Baja Edad Media

Aunque la ilustración de manuscritos se siguió realizando durante todo el periodo

(Las muy ricas horas del Duque de Berry, Libro de horas de Isabel la Católica), la
pintura se desarrolló como forma de cubrir grandes superficies arquitectónicas o
en soportes exentos, tanto fijos como muebles. Un arte pictórico muy particular fue
la confección de vidrieras, en las que el artista trabaja directamente con la luz y
sus efectos en el espacio arquitectónico. Los tapices fueron objeto en la época de
un aprecio superior al que se tributaba a lo que hoy consideramos pintura (Tapiz
de Bayeux, colección del Museo Cluny). En los últimos siglos medievales, la
invención del grabado produjo una revolución en el campo del dibujo y las artes
gráficas, con decisivas consecuencias, sobre todo a partir de la invención de la
imprenta.

Románico

Pintura románica (siglo XI y siglo XII). Se caracteriza por frescos de vivos colores y
líneas marcadas, con gran expresividad y esquematismo, que cubren las paredes
del interior de las iglesias, sobre todo en los ábsides. Los temas más repetidos son
de tradición bizantina, representados con gran hieratismo (pantocrátor,
tetramorfos, theotokos), así como las representaciones narrativas de escenas
bíblicas o vidas de santos.

Gótico

 Pintura gótica (siglo XIII y siglo XIV). Sin dejar de utilizar el fresco, es más
abundante el uso del soporte tabla, aislada o en retablos, al temple. Las
figuras se dulcifican o buscan una mayor expresividad. Se representan
 escenas de la vida de Cristo, muy humanizadas (natividad, crucifixión). La
técnica se hace más compleja, buscando la representación de la tercera
dimensión del volumen (sombreado, colores menos planos).

 Gótico internacional.
 La Pintura del Duecento italiano (Duecento: años 1200s o siglo XIII)
tiene características peculiares, que en perspectiva histórica se
consideran un precedente del Renacimiento.
 La Pintura del Trecento italiano (Trecento: años 1300s o siglo XIV)
se afirma en la misma evolución.

Evolución de la composición contemporánea

El término arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el

arte y la arquitectura realizados durante el S. XX. El cuestionamiento de los
principios artísticos que se inició en las últimas décadas del S. XIX tuvo una
influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del S XX. Esta
revolución estética no depende de los arbitrios de una generación de artistas, ya
que estos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales de
un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y políticos
los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.

A finales del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en una situación

caracterizada por la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las
distintas naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda
productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y
empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron "ismos", eran las
diferentes rupturas con los modelos de belleza dominantes en la época. No todas
las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son
coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden
entender intentando establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial
tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o vanguardias históricas, mientras
que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.

Las raíces del arte contemporáneo las encontramos a finales del S. XIX. El
Impresionismo y el Postimpresionismo constituyen un punto de partida para las
corrientes del S. XX. Dentro de las vanguardias históricas, las más destacadas
fueron el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo,
el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo. Todas tienen una serie de
elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico. Existe una
conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus
respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo
basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El
deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la
composición.
El fovismo sustituyó la paleta de tonos naturalistas empleada por los
impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear
un mayor énfasis expresivo. George Braque y Henri Matisse fueron algunos de
sus integrantes.

Los expresionistas valoraron los contenidos y las actitudes emocionales, la

expresión del propio yo, por ello la composición se hace desgarrada y el color más
violento, con contenidos simbólicos. El primer grupo expresionista se fundó en
Alemania y fue conocido como Die Brûcke (El Puente). Destacan Emil Nolde,
Ernest Kichner, Kart Schmidt - Rottluft y Erich Heckel. A finales de 1910 se
constituyó Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), formado por Kandinsky, Franz Mare y
El Lissitsky.

El cubismo enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone

una forma de perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista. En una
primera fase, denominada cubismo analítico los artistas buscaron la
descomposición de las formas tridimensionales en múltiples elementos
geométricos a partir de la fragmentación de elementos cúbicos y proyecciones
planas. En una segunda fase, denominada cubismo sintético, se desarrollaron
experiencias con el collage. Materiales como la madera, papeles de periódico,
fotografías o plumas se combinaron con pigmentos planos en la composición del
cuadro. Las obras son más decorativas y las evocaciones figurativas más
explícitas.

Robert Delaunay, Picasso, Juan Gris y Frantisek Kupka son destacados

exponentes del cubismo pictórico y Pablo Gargallo y Julio González de la
escultura cubista en España.

Los artistas del futurismo italiano, especialmente Gini Severini, Humberto Boccini,
Carlo Cará y Giacomo Balla, trabajaron un estilo que se ha denominado cubismo
dinámico porque se interesaron por la representación del movimiento y la
velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.

El cubismo también influyó en la aparición del arte no figurativo o abstracto. El

suizo Paul Klee produjo algunas acuarelas abstractas. Los artistas rusos como
Maliévich, Rodchenko y Vladímir Tatlin, evolucionaron hacia un arte abstracto
construido geométricamente.

De forma paralela a Rusia, en los Países Bajos se produce un movimiento

denominado Neoplasticismo. Sus principios se divulgaron a través de la revista De
Stijl, encabezada por Theo van Doesburg y Piet Mondrian. El método de
composición de Mondrian parte de la utilización de líneas rectas que delimitan
rectángulos de colores primarios. Su meta es destacar la bidimensionalidad de la
superficie del lienzo con el fin de expresar su ideal basado en la pureza del arte,
despojado de lo particular y acorde a las leyes universales del equilibrio.
El movimiento dadaísta representa la antítesis del racionalismo de Mondrian y
otros teóricos de la abstracción. Disconformes con el sistema de valores burgués,
eligieron una palabra sin sentido, dada, para designar su actividad de protesta y
sus obras antiestéticas. Marcel Duchamp, el artista más conocido, fue el inventor
del ready-made, que es la consideración de objetos cotidianos como obras
artísticas, generalmente esculturas. El más célebre de éstos fue el famoso urinario
titulado Fuente.

Los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la

superioridad del subconsciente y la importancia de los sueños en la creación
artística. Trabajaron con un estilo figurativo Marx Ernst, Salvador Dalí, René
Magritte y Van Ray, mientras que a la corriente abstracta pertenecieron Jean Arp,
André Masson, Yves Tanguy y Joan Miró.

Tras la II Guerra Mundial surgen las segundas vanguardias. La sociedad de

consumo y el capitalismo se desarrollan, el coleccionismo se dispara y el arte se
convierte en un objeto de especulación. Surge tendencias en contra de estos
aspectos, la ironía y el sentido del humor aparecen en el arte con movimientos
como el Pop, mientras que por otra parte se exaltan los materiales de desperdicio
de la sociedad de consumo en el Arte Povera o Nuevo Realismo Francés. El Arte
Conceptual o Minimal nace con la voluntad de intelectualizar el arte, de llegar
directamente al intelecto del espectador y el Expresionismo abstracto de utilizarlo
como medio para exteriorizar los sentimientos del artista.