PRODUCCIÓN MUSICAL

CAMILO ZAQUE – MC KAIL

 CURSO DE PRODUCCIÓN MUSICAL

La Post-Producción Musical
Digamos que ya acabaste de grabar todos los tracks para tus canciones y
por fin saliste del estudio con algo con lo que estas contento/a. ¿Ahora qué
sigue?, Sigue nada más y nada menos que la fase de la post-producción.
La fase de la post-producción musical cubre todo lo que sucede después
de que ya se grabaron todos los tracks para la canción. Esta etapa incluye
tres procesos fundamentales que se tienen que tomar con mucha precisión
para que al final nuestra canción/canciones terminen sonando
profesionales.
A estos tres procesos se les llama: La edición, la mezcla, y la masterización.
Lo importante de estos tres procesos es que a todos se les tiene que dar el
mismo nivel de importancia. Si los basamos en un 100%, a cada uno se le
tiene que dedicar el 33.3% ya que co-existen uno con el otro.
¿De qué se trata cada uno de estos procesos?

La Edición
Todos los softwares profesionales de grabación ofrecen funciones de edición
de audio. ¿Qué hace la edición?, La edición de audio es una herramienta
la cual permite manipular el audio de muchas maneras. Algunos se
preguntarán ¿para qué me sirve editar el audio? Uno de los escenarios que
se presentan comúnmente en la post-producción es: que la ejecución de
varios instrumentos esté fuera de tiempo. Como mucha gente que empieza
a grabar no cuenta con músicos de sesión profesionales, algunas veces los
músicos que no se dedican a hacer trabajos de sesión no están
acostumbrados a ejecutar con un metrónomo, por lo tanto, muchas veces
estas ejecuciones pueden estar fuera de tiempo.
Aquí es donde entra el proceso de la edición. La edición te va permitir:
cortar, mover, pegar, etc. las pistas de audio para que las pongas a tiempo
con los demás instrumentos, de tal manera que al final suene todo en
conjunto sónicamente profesional.
Otra de las ventajas que te ofrece la edición son:
 Remover sonidos no deseables o espacios sin sonido en una
grabación, o aislar secciones cortas de audio para un proceso
correctivo o creativo
 Crear loops rítmicos de una sección pequeña de audio
 Emplear la misma sección de audio más de una vez en el mismo
proyecto, quizá para cambiar el arreglo.
 Ajustar la duración de un sonido para que quepa en un espacio
determinado
 Cambiar la estructura de la canción después de que fue grabada,
por ejemplo, remover un verso, acortar la introducción, duplicar el
coro, etc.
 Compilar las mejores partes de diferentes ejecuciones del mismo
material
 Crear efectos creativos interesantes o inusuales.
Aunque este proceso puede ser un poco cansado y tedioso a la vez, es muy
importante que le dediquen su debido tiempo, si no lo llegan a tomar en
cuenta su producto final puede llegar a sonar muy amateur.

La Mezcla
Una vez que ya hayas hecho la edición de las pistas y tengas la ejecución
final sonando como una canción, entonces pasas al proceso de mezcla.
¿Qué es la mezcla?, La mezcla de audio tiene toda una profesión detrás. A
estos ingenieros de audio se les llama ingenieros de mezcla. Ellos son los
encargados de crear una canción balanceada y unificada que será
entregada posteriormente a un Ingeniero en Masterización. (Entrare a
detalle en el siguiente punto.)
El proceso de mezcla es la combinación de las pistas de audio y el ajuste de
las mismas en la posición del campo estéreo, mientras controlando el
contenido de frecuencias y dinámica del sonido a través de ecualización y
compresión. También incluye la aplicación de efectos creativos como
Reverb, Delays, etc, los cuales le brindan a la audiencia una mejor y más
placentera experiencia al escuchar la música.
El hecho de que haya toda una carrera detrás de mezclar música no
significa que solamente la gente que lo estudio lo puede hacer. Mayoría de
los Ingenieros en audio saben grabar y mezclar música. La única diferencia
que te trae un Ingeniero dedicado exclusivamente a mezclar es: un par de
oídos frescos y su talento creativo. Hay que aceptar que alguna gente es
más creativa que otras, entonces estos Ingenieros le brindan una nueva
experiencia a tu canción.
Aun así, es muy importante que sepas mezclar audio, porque así, si le
mandas una sesión a un Ingeniero de mezcla previamente mezclada por ti,
él se basará en tu mezcla para darle una cierta dirección a la canción,
después el determinará qué elementos le agrega para mejorarla.

La Masterización
Masterizar el audio es el procedimiento final donde tus mezclas estéreo son
comprometidas al medio de entrega final, este puede ser un CD listo para
duplicación, archivos de audio codificados correctamente. En cualquier
evento es el trabajo del Ingeniero en Masterización asegurarse que la
música sea ecualizada y procesada de tal manera que la mezcla se
traduzca a el mayor rango de sistemas de reproducción de audio.

¿Por Qué Masterizar?

Hay numerosas razones por las cuales masterizar tu audio. Largas y cansadas
sesiones de mezcla significan que algunos detalles pueden pasar
desapercibidos. Muchos cuartos de mezcla no tienen el beneficio de tener
monitores de formato grande con alta resolución, en cuartos tratados
acústicamente. Esto significa que puede haber una imprecisión sónica que
necesite corrección antes del lanzamiento. El Ingeniero en Masterización
será un experto en trabajar con archivos de audio estéreo y tendrá un
paladar de herramientas y una finura auditiva que le brindará mayor valor a
la canción.

Errores Comunes al Masterizar

Hay que tener mucho cuidado con la masterización ya que si no se ejecuta
bien puede destruir por completo una buena mezcla. Mucha gente a veces
comete el error de pensar que, porque ya sabe mezclar, entonces también
puede masterizar. Esto es un completo y rotundo NO. La masterización es un
arte por sí mismo, se requiere de otro tipo de habilidades más direccionadas
a una visión general de la canción.
Para saber masterizar se necesita de mucha experiencia y horas de
práctica, entonces si ustedes mismos van a mezclar y masterizar su proyecto
tengan mucho cuidado de poner mucha atención a la hora de hacerlo,
porque como les dije anteriormente, si la masterización no está bien hecha
puede llegar a destruir una buena mezcla.

¿Que NO es la Masterización?
 La masterización no es poner un Limiter al final de nuestro Master Fader
y subir el volumen hasta que quede a niveles comerciales. Aunque
este es parte del proceso de masterización, mucha gente lo confunde
con que es el único paso requerido
 La masterización nunca va a poder hacer que una mala mezcla
suene bien. Simplemente no se puede. Quizá y pueda mejorarla un
poco, pero una mala mezcla siempre será una mala mezcla.
 La masterización no es ajustar el balance de frecuencias de ciertos
instrumentos en la mezcla, al contrario, la masterización se encarga
de un balance de frecuencias de la canción total.
Esta etapa de la post-producción al igual que las dos anteriores, es
extremadamente importante para tener un producto final que se escuché
de calidad profesional. Conforme se vayan involucrando en todo el proceso
de producción musical se irán dando cuenta de que alguna etapa les gusta
más que la otra, aquí es donde es importante asegurarnos de que el tiempo
invertido a cada etapa sea hecho con el mismo esmero que las demás, de
lo contrario el producto final va a carecer de profesionalismo. Quizá si
sienten que no pueden con todo el paquete consideren en colaborar con
otras personas, aquí inicia la magia.
La Importancia De Tener Un Portafolio
Como probablemente ya te has dado cuenta, tener un portafolio es
extremadamente importante cuando se trata de obtener trabajos de
grabación, ingeniería, producción, mezcla y master.

¿Por qué?
Vamos a pensar en un escenario simple para que veas la importancia de
tener un portafolio:
Un escenario común…
Imagina que quieres comprar tu primer auto. Haz estado ahorrando dinero
por un rato, intentando sacarle hasta el último kilómetro a tu auto antiguo.
Ya que estas listo para hacer la compra, decides ir al lote de autos más
cercanos para ver si algún auto te llama la atención y poder comprarlo.
Digamos que traes la idea de comprar un lujoso BMW.
Cuando llegas al lote, entablas conversación con el vendedor y le
preguntas si puedes llevar a prueba varios de los autos para ver cuál se
ajusta mejor a lo que estás buscando.
El vendedor te dice: “No, pero te prometemos entregarte el mejor auto
posible. ¡Es más, te rebajaremos un porcentaje del precio final!”
Obviamente te quedas en shock y decides pasar en la oferta ya que es una
compra muy importante y sería absurdo no probar el auto antes de
comprarlo.
En vez, decides ir al siguiente lote de autos en donde te permiten probar
todos los autos que elijas para que hagas la compra sin remordimientos y
seas un cliente satisfecho.

La moraleja
El ejemplo pasado fue simplemente para dejarte ver que, si los clientes no
pueden obtener una probada de lo que les estás ofreciendo, es muy poco
probable que inviertan en él.
Al igual que comprar un auto, los artistas retienen su música, canciones y
arte bastante cerca y solamente quieren lo mejor para ella.

¿Qué puedes hacer al respecto?

Es muy importante tener algo que enseñar a tus clientes potenciales.
Pero no cualquier cosa, tienes que asegurarte de que sea tu mejor trabajo
de calidad y un portafolio lleno de excelentes canciones que hayas
producido, mezclado, masterizado, y que realmente cumplan el objetivo.
Suscribiéndote a la membresía audioproduccion, podrás recibir contenido
exclusivo para miembros, así como multitrack de alta calidad, los cuales
podrás usar para mezclar por ti mismo y añadirlo directo a tu portafolio,
sabiendo que puedes tener una retroalimentación directa del equipo de
Audioproducción, para que estés en una mejora constante.
De igual manera, te puedo ayudar a obtener excelentes pistas y obtener
mejor aún, excelentes mezclas con mis 2 cursos premium profundizados.

Cómo Mis Mejores Alumnos Han Mejorado Sus

Mezclas Exponencialmente
En la ingeniería en audio, ya sea mediante la grabación, mezcla, o master,
así como en cualquier otro ámbito, la práctica constante y dedicada te
lleva a mejorar tus habilidades sin duda alguna.
En este caso te quiero demostrar cómo mis mejores alumnos han mejorado
sus mezclas exponencialmente.

El trayecto que tenía que seguir un ingeniero de

audio emergente
Anteriormente, el típico camino que seguía un ingeniero de audio, era pedir
trabajo en algún estudio de grabación establecido y esperar poco a poco
ir escalando a través de los diferentes puestos dentro de el.
Ósea esto significaba que seguramente iniciabas limpiando baños,
trapeando, y haciendo el café, para después pasar por asistente de estudio,
ayudando a recoger el estudio, soldar cables, limpiar la consola etcétera.
Después, pasabas a ser asistente del ingeniero, en donde para mi gusto es
donde podías aprender bastante, y después te llegaba tu oportunidad, y si
la aprovechabas, tu carrera empezaba a despegar.
En texto se dice fácil, pero todo este trayecto podía durar de 2-3 años y
además con horas de trabajo bastante intensas dependiendo del estudio.

El trayecto actual de un ingeniero de audio

emergente
Los estudios de grabación poco a poco han empezado a desaparecer
debido a que los avances tecnológicos de ahora en día han permitido a
muchos usuarios a montar su home studio.
Y, además, tomando en cuenta que, con la información adecuada y las
herramientas correctas, se pueden lograr resultados de una excelente
calidad en el home studio.
Entonces el trayecto que tiene que ser un ingeniero de audio moderno, ya
no tiene que ser como antes. Seguramente si quieres trabajar de esa forma
pudieras seguir el trayecto antiguo, pero ahora tienes otra alternativa.

¿Cómo puedes mejorar desde tu home studio?

Yo te puedo hablar un poco sobre mi experiencia ya que soy una persona
a la cuál le gusta estar en constante modo de aprendizaje.
Verás, tuve la oportunidad de ir a una escuela a estudiar producción e
ingeniería en audio, pero aunado a mis clases tradicionales, siempre
regresaba al departamento a seguir aprendiendo desde mi home studio.
Me apoyaba en muchísimas páginas, artículos y videos tutoriales en
YouTube para seguir mi aprendizaje. Algo exactamente igual a lo que hago
aquí en Audio Producción para ti.
Todo esto me ayudó bastante y me nutrí de bastante información. Pero a
diferencia de la escuela en donde tenía un maestro que me iba guiando
por el proceso, eso jamás lo tenía desde casa, ya que aprendía yo solo,
entonces jamás supe si lo que estaba haciendo estaba correcto o
incorrecto.

La solución que ofrezco para ti

Sé que probablemente no tengas el tiempo o no estés dispuesto a
descargar económicamente una gran cantidad para ir a una escuela
formal.
Y aunque estoy completamente convencido que el contenido gratuito que
ofrecemos en Audio Producción te puede ayudar a mejorar bastante, ahora
la recién Membresía Audio Producción es el mejor salón de clases que
puedes obtener en aprendizaje en español desde tu Home Studio.
Al hacerte miembro es como si estuvieras en una escuela con un maestro
particular, enfocándose en evaluar y ayudarte a mejorar tus habilidades
cómo ingeniero de mezcla y master simplemente que a un precio
excesivamente bajo y conveniente para ti.
Esto lo hacemos ofreciéndote:
 Nuevos multitracks mensuales
 Videos tutoriales de mezcla detallados
 Evaluación y crítica constructiva de tus mezclas
 Webinars mensuales y acceso a una comunidad exclusiva de
miembros
 Contenido exclusivo que no encontrarás en ningún otro lado
Actualmente contamos con más de 100 miembros cursando la membresía
y déjame te digo que mes con mes mis mejores alumnos han mejorado
exponencialmente el resultado de sus mezclas.
Hablo sobre mis mejores alumnos porque no solo basta con hacerte
miembro para mejorar, sino, participar, hacer tu mezcla del mes y esperar la
crítica constructiva de ella para evaluar tus errores, modificarlos y mejorar.
¡Todo esto que te mencioné anteriormente por solo $15 Dólares mensuales!!!
(Una ganga para todo el valor de contenido)
Conclusión
La Membresía Audio Producción es el producto del cual me he estado
orgulloso de todo lo que he propuesto en Audio Producción.
El poder desarrollar una amistad con mis alumnos, verlos participar día con
día, y verlos mejorar cada vez que entregan una nueva mezcla, me llena
completamente de satisfacción.
Así que se te interesa mejorar e integrarte a esta bonita comunidad, estoy
seguro que al unirte no te defraudaremos en ningún momento.

10 Mitos De Mezcla Desenmascarados

La cantidad de mitos de mezcla que he escuchado a lo largo de mi
experiencia profesional y que además alguna vez creí, no me alcanzan para
contar con los dedos de las manos.
Sin embargo, hay algunos de ellos que he escuchado más que otros y
algunos que sigo escuchando de profesionales emergentes que todavía no
tienen una idea clara de lo que es mezclar.
La verdad es que nos los culpo ya que es normal. La gran mayoría de estos
mitos de mezcla son creados cómo falsas “soluciones” o creencias para
respaldar la falta de experiencia o de tiempo invertido.
Cuando vamos iniciando, las cosas generalmente no nos salen cómo
queremos y tratamos de buscar excusas para ello. Ahí es donde entran a
soportar nuestros pensamientos los mitos mezcla.
Aquí te quiero aclarar 10 de ellos que he escuchado muy a menudo.

Mito #1: Necesitas monitores grandes para poder

mezclar frecuencias bajas
Si, obviamente entre más grande sea el woofer del monitor va a poder
reproducir más frecuencias bajas. Sin embargo, eso no significa que los
monitores más chicos puedan ayudarte a hacer el trabajo.
Muchas veces los monitores más chicos de 5 o 6 pulgadas pueden
ayudarnos a hacer un mejor trabajo.

¿Por qué?
Porque cómo los monitores más grandes producen más frecuencias bajas,
esto se traduce en más problemáticas en cuestión de acústica.
Si no estamos en un estudio tratando acústicamente de buena forma, unos
monitores más pequeños nos ayudarán a tener menos problemáticas y por
ende mejores mezclas.

Mito #2: Necesitas comprimir todas las

pistas por default
Esto es totalmente absurdo.
Para mí la compresión es cómo un atenuador automático el cual nos ayuda
a que una pista esté más consistente en la mezcla.
Pero para aplicar la compresión, primeramente, tenemos que evaluar para
saber si realmente se necesita.
Si después de tu balance inicial, el elemento se pierde en algunas partes de
la mezcla, usa compresión.
Al contrario, si lo alcanzas a percibir correctamente con un solo balance, no
la uses.

Mito #3: No necesitas a nadie que evalúe y

critique tu trabajo
Si crees que esto es real, al único que estás afectando es a ti mismo.
La crítica constructiva siempre te hará un mejor profesional. Ya sea si eres un
Ingeniero de mezcla profesional o mezclas tu propia música, este tipo de
evaluación siempre es buena.
Por un lado, si lo haces profesionalmente, la crítica siempre la recibirás de
parte del artista.
La verdad es que muy pocas veces te encontrarás en la situación en donde
envías la mezcla y te responden con cero cambios.
Si mezclas tu propia música, siempre es bueno que alguien más con oídos
frescos la escuche para que te dé su opinión y puedas publicar tu mejor
trabajo.
De hecho, en la Membresía Audio Producción hago justamente esto para ti
y tu trabajo.

Mito #4: Es imposible obtener buenas mezclas

en un home studio
Los home studios siempre presentarán más retos y dificultades que un estudio
hecho profesionalmente por obvias razones.
La acústica siendo el principal factor afectante.
Esto no significa que no puedas lograr excelentes grabaciones y mezclas
desde un home studio.
Al contrario, ahora en día muchísimos ingenieros profesionales han tomado
la decisión de hacer todo su trabajo desde home studios y son trabajos que
escuchas actualmente de forma comercial.
Como bien dicen: No es el barco sino su capitán.

Mito #5: Las buenas mezclas requieren de

mucho tiempo
Si vas iniciando, quizá esto sea verdad hasta cierto punto.
Todo depende de la magnitud de la sesión y de la calidad de la grabación.
Cuando vas comenzando, es más difícil saber exactamente hacia donde ir
y cómo lograrlo, pero conforme adquieres más experiencia te vuelves más
rápido.
Esto no significa que aún con experiencia algunas mezclas te tomen más
tiempo que otras.
En mi experiencia te puedo decir que hay mezclas que me he tardado 2-3
horas que me encantaron y hay mezclas que me he tardado 2 días.
Es muy variante.
Mito #6: Mezclar en mono ya no sirve para
nada
Si bien generalmente ya es muy raro que la gente escuche la mezcla en
mono, hay muchas situaciones donde si es posible que suceda y es
importante que tu mezcla se sostenga en este formato.
A pesar de esto, mezclar en mono no solamente te sirve para tu mezcla se
sostenga, sino te ayuda a tomar decisiones más acertadas a la hora de
mezclar.
En este video te muestro: “Cómo Mezclar En Mono”

Mito #7: Necesitas tener equipo especial

para lograr buenas mezclas
Este es uno de los mitos de mezcla más grandes que escucho actualmente.
Cómo te comentaba al principio, esto es solamente una excusa para avalar
falsamente la falta de experiencia.
De cierta forma es un placebo para pensar que si tenemos x cosas seremos
automáticamente mejores.
Temo decirte que el talento siempre se sobrepone al equipo. SIEMPRE.
Haz lo mejor con lo que tengas, te prometo que puedes lograr excelentes
resultados.
Si no me crees, en mi Curso De Mezcla Básico: “El Arte Del Balance” te
enseño a mezclar una canción de principio a fin solo con plugins de fábrica.

Mito #8: Las fechas límite inhiben a la

creatividad
En mi experiencia las fechas límites me hacen lograr un mejor trabajo debido
a la presión que ejercen.
Pero esto lo tienes que probar por ti mismo.
Lo que si te puedo decir es que, si estás buscando hacer esto
profesionalmente, tienes que acostumbrarte a las fechas límites.
Siempre habrá algunas veces donde te piden la mezcla terminada para
ayer y está en ti en hacer un excelente trabajo.
Si lo haces, ten por seguro que el teléfono sonará de nuevo.
En este video te muestro: “Cómo Mezclar Una Canción En 30 Minutos.”

Mito #9: Puedes aprender todo tú solo.

La práctica hace al maestro.
Muchas veces cometerás errores que te harán aprender nuevas técnicas y
que te despierten nuevas ideas.
Sin embargo, la música siempre se beneficia cuándo varias mentes están
involucradas.
Así como he aprendido muchas cosas por mí mismo, muchísimas otras las he
aprendido de mentores, músicos y compañeros ingenieros.
No te cierres en tu propio mundo y sal al mundo exterior.
La comunicación con gente que piensa y le gusta lo mismo que a ti, siempre
es bastante placentera y trae buenas cosas.

Mito# 10: Cualquier error se puede

arreglar en la mezcla
Este mito es una vez más creado para los que carecen de determinación y
de deseo de trabajo.
Te voy a ser muy sincero. Cómo ahora los softwares de grabación te
permiten un increíble y fácil manejo del audio, creemos que todo lo
podemos “arreglar” después.
Sin embargo, esto es falso.
Si las pistas que tienes de fuente suenan a basura, lo máximo que puedes
lograr con una buena mezcla es un sonido a basura pulida.
Al contrario, si las pistas desde el principio suenan increíbles, a la hora de
mezclar podrás lograr que las pistas suenen aún mejor.
Si te interesa y estás buscando pistas de alta calidad para mezclar y exponer
en tu portafolio, en la Membresía Audio Producción recibes pistas de
excelente calidad para mezclar mes tras mes.

Conclusión
¿Y tú? ¿Cuántos de estos mitos de mezcla crees o creíste en algún momento
que eran verdad?

Estructura De Ganancia Apropiada Al Mezclar

Mantener una estructura de ganancia apropiada al mezclar es imperante
para obtener una buena mezcla. Pero ¿qué es la estructura de ganancia y
por qué importante tanto?
La estructura de ganancia en palabras sencillas es el aprovechamiento del
rango dinámico en relación a la proporción de señal y ruido. Ósea
asegurarte de que los niveles en tus pistas no estén ni muy bajos (donde el
ruido de piso puede empezar a notarse) ni muy altos donde se empiece a
notar la distorsión.

El Escenario Ideal
Una buena estructura de ganancia idealmente inicia desde el proceso de
grabación. El obtener buenos niveles desde el principio, utilizando buenas
técnicas de microfoneo, harán que el proceso de mezcla sea mucho más
sencillo y sobre todo sonará de una manera mucho más clara y limpia.
Entonces, lo más ideal sería que si tú eres el Ing. de mezcla o grabación,
tengas todas tus pistas de instrumentos con una estructura de ganancia
apropiada para que al momento de elevar tus atenuadores a ganancia de
unidad, la señal en el Master Fader no distorsione.

Pero Muchas Veces No es así…

Si, desafortunadamente y a pesar de que existe buena información sobre la
estructura de ganancia, muchos ingenieros de audio siguen olvidándose de
este paso tan importante.
Muy a menudo me entregan pistas con niveles distorsionando o a punto de
distorsionar y esto es una receta para desastre. Quizá te imaginarás que es
un error que cometen los amateurs, y sí, claro, sucede más a menudo con
ellos, pero te sorprenderás de la cantidad de sesiones de mezclas de
profesionales donde esto también sucede.
El problema al recibir pistas con estructura de ganancia pobre es que
primeramente el mezclar se vuelve mucho más complicado porque como
las pistas tienen mucha energía en cuanto a señal, en el momento en que
empiezas a balancear una con otra, a subir niveles, la energía se dispara
rápidamente y para pronto ya estás distorsionando.
Aunado también que, si estás mezclando digitalmente, los plugins fueron
codificados con un punto dulce en relación a la señal y si está demasiado
fuerte o baja el sonido no será igual.

Qué Puedes Hacer Al Respecto

Para esto hay una solución, y es más sencilla de lo que te imaginas. Pero
primero que nada quiero aclararte que si una pista viene impresa con
distorsión notable es muy difícil o casi imposible remover la distorsión. Por
más que ajustes la ganancia de esa pista, la distorsión siempre quedará ahí
impresa.
Ya dicho esto, la manera más sencilla de ajustar tu estructura de ganancia
en la mezcla es simplemente ajustando la ganancia de todas las pistas.
En el video te explico a detalle cómo.

Presets De Plugins – ¿Usarlos o No Usarlos?

¿Cuántas veces no haz usado presets de plugins alguna vez?
Personalmente, sobre todo cuando iba iniciando, usaba los presets miles de
veces.
Eran mi salida perfecta para lograr resultados que quizá no hubiera podido
hacer por mí mismo.
Ahora en día los sigo utilizando, pero de una forma un poco distinta a cómo
quizá estés pensando.
Me imagino que te estarás preguntando: ¿qué tan buenos son los presets de
plugins? ¿debo usarlos o estoy totalmente equivocado?

¿Por qué realmente existen los presets?

Yo lo veo de la siguiente manera:
Detrás del funcionamiento de un plugin, existe todo un equipo especializado
que se encargó en desarrollarlo y en probarlo en cuantos miles situaciones
te imagines.
Después de todo, si es un buen plugin, debieron asegurarse de que su
funcionamiento fuera el más óptimo posible antes de lanzarlo al público.
Los presets de plugins, son puntos de partida para diferentes situaciones en
específico establecidos por la misma gente que desarrolló los plugins.
¿No crees que sería buena idea usarlos?

Cómo no usar los presets

Si estás pensando que la mejor forma de usar los presets es activarlos y
dejarlos así cómo están, temo decirte que 9/10 veces estarás equivocado.

¿Por qué?
Porque independientemente de que los ajustes se puedan acoplar y
aproximar a tus pistas dentro de la mezcla, la realidad de las cosas es que
es muy improbable que desde el punto inicial suenen bien.
El material que los desarrolladores usaron para hacer los presets, obviamente
es completamente diferente al tuyo.
Por eso es que siempre hay que ajustar.

Cómo sacarles el mayor provecho

Para mi gusto, hay 2 formas principales en las cuáles puede aprovechar el
funcionamiento de los presets:
 1. Para ayudarte a entender ajustes típicos de parámetros que no
conoces a la perfección.
2. Forma creativa para encontrar nuevos sonidos.

Para ayudarte
Cuándo iba iniciando en mi carrera cómo Ingeniero de mezcla, había
muchos temas y muchos tipos de procesamiento que no sabía utilizar, o no
sabía para qué servían.
Aquí es donde me respaldaba muchísimo en los presets de plugins.
Por ejemplo, la compresión siempre fue un tema MUY complicado para mi.
No sabía realmente cómo y cuándo aplicarla, y si la usaba no sabía cómo
establecer los diferentes parámetros.
Los diferentes presets que venían en los compresores siempre fueron la
salvación para mí.
Si estaba buscando cómo comprimir una guitarra acústica, simplemente me
iba a algún preset que tuviera un nombre similar, lo aplicaba y de ahí
empezaba a ajustar.

De forma creativa
Ahora en día que ya tengo los conceptos básicos bien digeridos, y que se lo
que quiero lograr y cómo lograr con un sonido, uso los presets de forma
creativa.

¿A qué me refiero?
En vez de tratar de apoyarme en los presets para entender el
funcionamiento básico del plugin, los uso cuando estoy tratando de buscar
o encontrar un sonido nuevo.
En este video te muestro “Cómo Usar El Waves MondoMod Para Ampliar Una
Pista” en donde uso uno de los presets del plugin.
Así cómo existen presets básicos que nos ayudan cómo punto de partida,
existen también plugins más exagerados y agresivos que pueden cambiar
un sonido por completo.
Uno de los mejores consejos que te puedo dar si estás buscando usarlos de
esta forma es: no hagas caso a sus nombres.
Si el preset dice “Acoustic Lush Guitar” por ejemplo. Intenta usarlo en todo
menos en las guitarras acústicas.
Estoy seguro que te sorprenderás cuando suene increíble en algo que jamás
pensaste.

En resumen
A final de cuentas yo solo te puedo platicar sobre mi experiencia y sobre lo
que a mí me gusta hacer en torno a los presets de plugins.
No te voy a mentir, hay Ingenieros que los detestan y se les hace una pérdida
de tiempo, a mí personalmente me gustan y trato de sacarles provecho.
¿A ti qué te parecen los presets? Deja un comentario aquí debajo.

¿Cuál Es El Volumen Perfecto Para Mezclar?

Alguna vez te has hecho la pregunta, ¿cuál es el volumen perfecto para
mezclar? Si no lo has hecho, las posibilidades de que estés mezclando a
volúmenes inapropiados puede ser bastante real.
Esto es muy normal sobre todo cuando vamos iniciando ya qué nuestra
naturaleza es siempre querer mezclar a volúmenes muy altos. Pero, ¿cuál es
el problema al mezclar a este tipo de volúmenes?

Volúmenes Altos
Personalmente me siento una víctima de este fenómeno. Sobre todo,
cuando apenas iba iniciando mi aventura cómo Ingeniero de Mezcla.
La verdad es que esta información no la descubrí hasta más adelante y fue
parte de él porque mis mezclas empezaron a mejorar y por eso es muy
importante que lo sepas.
El mezclar con volúmenes altos produce mucha satisfacción. Sentimos y
percibimos que todo suena increíble. Pero esto puede ser un completo
engaño a nuestros oídos.
La cosa está en que existe un estudio hecho por los físicos Fletcher y
Mundson el cual nos dice que la percepción del sonido para nuestros oídos
cambia en relación a él volumen. Esto quiere decir que entre más fuerte
tengamos el volumen más fuerte vamos a percibir las frecuencias bajas y
más claras vamos a percibir las frecuencias agudas en pocas palabras.
Si, percibirlas es una cosa, pero el que sea real es otra. ¿Alguna vez te ha
sucedido que después de terminar tu increíble mezcla en tu estudio, vas y la
pones en el auto o en otras bocinas y la mezcla se destruye por completo?
Pues puede ser que el mezclar a un volumen alto sea parte del problema
principal.

Volumen Adecuado
El volumen adecuado para mezclar por 8 horas durante un día es 85 dB de
acuerdo a una investigación realizada por la OSHA. Esto te permitirá no
tener ningún tipo de afectación a tus oídos.
85 dB es un volumen medio en donde puedes estar escuchando la música
y teniendo una conversación a la vez sin tener que esforzarte por escuchar.
Al principio a es difícil, la tentación de querer subir el volumen siempre estará
ahí, es como una adicción, pero tienes que superarla.
Para saber que estás mezclando a 85 dB necesitas hacer una medición de
presión con un medidor de presión de sonido. En tiendas cómo RadioShack,
Steren o incluso ya con aplicaciones del celular lo puedes lograr.
Para mí el punto en el que empecé a entender que mezclar a estos
volúmenes era lo correcto fue cuando mis mezclas empezaron a sonar mejor
y a traducirse mejor.
Cómo refuerzo a mi opinión Chris Lord Alge publicó en un artículo en la
revista Sound On Sound lo siguiente:
“Bueno, tiene que ver con utilizar compresores antiguos y el EQ SSL y la
manera en que la consola pega bastante fuerte. Obtener ese sonido se
vuelve mucho más sencillo. Pero lo más importante de todo es que escucho
a volúmenes muy bajos. Cuando llevas haciendo esto por un buen tiempo,
tiendes a escuchar a volúmenes muy bajos porque para que realmente la
mezcla te golpeé en la cara necesitas empujarla bastante. Mis monitores de
referencia con los Yamaha NS-10, los originales, más un Subwoofer Infinity de
12 pulgadas que me costó $300 USD para poder escuchar las frecuencias
ultra bajas. Escuchar a volúmenes bajos previene la fatiga al oído y puedes
escuchar mejor lo que está sucediendo. Cuando lo haces a volúmenes
altos, después de un rato todos tus movimientos empiezan a ser engañosos.
Así que cuando estés haciendo movimientos críticos hazlo a volúmenes
bajos.” -Chris Lord Alge

La Clave
La Clave para mi está en mezclar un poco de los dos. Por ejemplo:
Estoy de acuerdo que muchas veces cuando vamos en el auto escuchamos
con volúmenes relativamente fuertes. Y es importante saber cómo se va a
traducir la mezcla en este aspecto. Tómate unos minutos para realmente
subirle el volumen a la mezcla y sentir el punch en las frecuencias bajas y la
claridad en las frecuencias medias y agudas. PERO, solo hazlo unos minutos.
Después pasa la mayoría del tiempo haciendo los movimientos críticos de
balance en volúmenes bajos.
Si logras conseguir que tu mezcla tenga punch y claridad en volúmenes
bajos, te lo prometo que cuando la explotes sonará in-cre-í-ble.
Así que pruébalo en tu siguiente mezcla y verás cómo este concepto lo
adoptarás rápidamente.

10 Errores Más Comunes Al Mezclar (Parte 1)

Llamo mi atención un artículo en la página de Universal Audio escrito por
Dan Keller y Pete Doell que menciona los errores más comunes que cometen
los Ingenieros de Mezcla a la hora de hacer su trabajo. Al leerlo me di la
tarea de buscar otras fuentes de información para saber que opinaban otros
expertos sobre estos errores. Después de leer varios artículos, hice una lista
de los 10 errores al mezclar en los cuáles estos expertos coincidían.
Aquí les comparto esta información…

1.) Falta De Emoción y Energía

Hay un error muy común en muchos Ingenieros y no solamente amateurs
que es: Mezclan a volúmenes muy altos. Esto, aunque nos guste el
sentimiento y la emoción que causa, puede ser una receta para que tu
mezcla realmente no suene como tú crees que suena.
Lo que pasa es, que, al escuchar a volúmenes muy altos, nuestra percepción
de los bajos y los agudos se incrementa. Esto, nos crea una falsa ilusión de
algo que realmente no está ahí.
Dave Pensado, uno de los Ingenieros más exitosos de esta época,
recomienda que hagan referencia de la mezcla en bocinas que le quiten
ese elemento nítido que tienen los monitores profesionales. De esta manera,
realmente uno puede saber si la mezcla está transmitiendo el sentimiento y
la emoción deseada.

2.) Determinar Los Elementos Más Importantes

Otro de los errores más comunes es, que las mezclas suenen lineares y con
nada interesante. Esto, se debe principalmente a que el Ingeniero no se
toma el tiempo adecuado para determinar cuáles son los elementos más
importantes en la canción, de tal manera que la mezcla termina sonando
bastante aburrida.
Una de las soluciones a este error es simple. Toma el tiempo necesario para
diseccionar cada elemento de la canción, para que así puedas hacerlos
resaltar en la mezcla y crear un sonido único y espectacular para cada uno
de ellos. ¿Sencillo, ¿no?

3.) Tener Un Plan Enfocado

No tener un plan con enfoque es como lanzarse a la guerra sin alguna
táctica planeada. Es la receta del desastre.
¡Muchas veces los Ingenieros De Mezcla cometen el error de recibir los tracks
de audio, meterlos a la sesión y manos a la obra! ERROR.
Antes de tocar cualquier fader hay que determinar: ¿Que género es la
canción?, ¿Cuáles son las características de las mezclas en este género?,
¿Quieres que suene moderna, vintage, futurística?, ¿Cuáles son las
especificaciones que dio el artista?, y un sin fin de otros aspectos que hay
que tomar en cuenta antes de mover un dedo.
Siempre hay que tener un plan para todo. OJO

4.) El Momento De Ser Inventivo

Un error muy común, sobre todo en los Ingenieros amateurs, es, querer ser
inventivo en toda la canción y demostrar todas sus habilidades de mezcla
en los 3-4 minutos de duración de esta.
Esto es un error fatal, ya que el único beneficio que está haciendo esto es
alimentar el ego del Ingeniero sin aportar absolutamente nada a la canción.
Para resolver esto, hay que escoger las áreas para ser inventivos
detalladamente. No tiene que ser algo sofisticado, puede ser algo tan
simple como una repetición de Delay y con eso puede bastar para toda la
canción.
Acuérdense que calidad es mejor que cantidad, así que asegúrense de que
ese momento que demuestre su creatividad, realmente sea una experiencia
que valga la pena.

5.) Balance
He escuchado bastantes mezclas donde la ecualización suena
increíblemente bien, pero hace falta algo en respecto al balance.
No se dejen engañar por las reglas o teorías que dicen los libros. En este
mundo no existen las reglas.
Una buena recomendación para obtener un buen balance es, ajustar los
niveles de acuerdo a tus sentimientos y emociones. Si sientes que el nivel del
Kick está muy alto pero tu sentimiento te dice que ahí es donde debe de
estar, entonces ahí es.
Otra buena técnica que pueden aplicar para saber si tienen un buen
balance es, salirse del cuarto en donde estén mezclando y escuchar la
mezcla desde afuera. Está técnica revelará los detalles de balance al
instante.

Conclusión
Por cuestiones de longitud del artículo no puedo incluir los 10 aspectos
solamente en uno.
Estos son solo 5 errores de los 10 que les compartiré, pero son bastante
reveladores para muchos. Quizá tú ya hayas caído en alguno de estos
errores, así que para tu siguiente mezcla asegúrate de no caer en alguno de
estos baches y verás cómo todo fluirá mucho mejor.

10 Errores Más Comunes Al Mezclar (Parte 2)

Continuando con la primera parte de los errores más comunes al mezclar,
aquí les comparto la segunda parte con problemas que para mi punto de
vista son aún más comunes y más problemáticos. En este artículo entraré
más a detalle en la parte técnica, así que continúa leyendo…

6.) Errores de Paneo

Este es un error que muchos Ingenieros cometen ya que no llegan con un
plan detallado, y lo más importante, no visualizan el espacio donde se
encuentran los instrumentos. ¡Por este motivo muchas mezclas terminan
sonando muy cargadas para el centro, el lado izquierdo o derecho!
Hay varios métodos de paneo. Uno de los métodos más antiguos es el de
ICD (Izquierda, Centro, Derecha). Este método regresa a los primeros días de
grabación donde los Ingenieros solo tenían disponible el paneo en las tres
posiciones dichas anteriormente.
Para los que empiezan esta puede ser una buena manera de limitarse y de
hacer funcionar los instrumentos en estos espacios.
Para los más avanzados, una buena recomendación es, visualizar el espacio
en donde se encuentran los instrumentos y jugar con el escucha atrayendo
su oído a diferentes lugares, para de tal manera mantener la mezcla más
interesante.

7.) Ecualizar Sin Razón

Este es otro de los errores más comunes sobre todo en los principiantes y de
nivel intermedio.
Muchachos pongan atención. ¡No por el hecho de que su Ingeniero de
Mezcla favorito aplicó ecualización en el Bus Maestro significa que ustedes
también lo tienen que hacer!
Estos Ingenieros profesionales toman decisiones respecto a la mezcla por
alguna razón en específico, no simplemente porque los libros dicen que lo
tienen que hacer o porque las personas a las que ellos admiran lo hacen.
Si el instrumento o la mezcla les suena bien, así como está entonces así
déjenlo…no porque no ecualizan algo significa que están cometiendo un
error.
Los invito a que escuchen más atentamente la siguiente vez y si deciden
ecualizar que sea por alguna razón que beneficiará a la mezcla.

8.) Mal Uso De Efectos

Este error es de los más usuales. Ingenieros que apenas van iniciando tienen
el falso concepto de que los efectos como el Reverb o Delay tienen que ser
escuchados por el escucha. Esto está totalmente equivocado. Por este
problema, muchas mezclas terminan sonando inundadas en Reverb o
Delay, lo que hace una mezcla menos placentera y amateur.
Dave Pensado, uno de los Ingenieros más exitosos de la época actual dice
que los efectos tienen que contribuir y mejorar el sentimiento y la emoción
de la canción.
Dice que los efectos no son para que sean escuchados sino, que sean
sentidos, a menos que sea un efecto creativo, entonces de esa manera sí,
pero de otra forma lo mejor es que el escucha no perciba que están siendo
usados porque el mal uso de efectos distraerá al escucha.
Una buena forma de saber que tanto nivel de efectos usar es:
 Primero subir el nivel del efecto bastante alto para escuchar lo que
está haciendo el efecto
 Bajar el efecto a zero y empezarlo a subir gradualmente hasta que lo
percibas muy bien
 Una vez que ya percibas bien el efecto entonces redúcelo a la mitad
y ese puede ser un buen spot para mantener tu efecto.

9.) Compresión Sin Razón

Este problema al igual que el de ecualización es muy común. Hay mucha
gente que realmente no sabe utilizar bien un compresor y termina haciendo
mal uso de él o simplemente alguien que si lo sabe usar termina sobre
comprimiendo la señal.
Esto es señal de desastre ya que un elemento muy importante en las mezclas
es que tengan dinámica. Si sobre comprimen los instrumentos o el Master
Bus, simplemente están matando todas las dinámicas y eso no es bueno
para la canción.
Algunos habrán escuchado sobre la guerra del volumen más alto. Algunos
abogan por tener más dinámicas en la canción, otros abogan el hecho de
que si no suenan a ese nivel tan alto la gente lo percibirá como malo o
menos bueno. Todo esto se debe a la sobre compresión en la mezcla y el
mastering.
En conclusión, si van a comprimir que sea por una buena razón. El punto de
la compresión es nivelar las dinámicas. Empiecen primero con un buen
balance, si después de este punto necesitan comprimir para que el
instrumento resalte y sea escuchado, adelante.
En cuestión de los Limitadores finales, tengan mucho cuidado de no matar
la dinámica por completo. Tengan un punto medio entre normal y muy alto,
así podrán conservar más dinámica y a la vez impresionar a sus clientes.
 10.) Compite Sobresaliendo De Alguna
Manera
Traten cada mezcla como si estuvieran entrando a una competencia entre
muchos Ingenieros. Aun así sea algo personal, entrar en este estado mental
de competencia beneficia bastante el resultado final.
No asuman que porque ustedes escuchan algo en la mezcla, todo mundo
lo va a escuchar. Nosotros lo escuchamos porque nosotros lo hicimos, así
que una buena manera de asegurarse de esto es hacer referencia de la
mezcla en otros dispositivos.
Intenten involucrar algún elemento creativo que los haga resaltar sobre los
demás, pero acuérdense que todo sea por una razón, y que esa razón
beneficie a la canción.

Conclusión
Estos son solo algunos de los errores más comunes a la hora de mezclar,
aunque haya más yo creo que estos 10 son los más cometidos usualmente.
Lean bien los problemas y la manera de solucionarlos. Si se identifican con
uno trabajen en el en su siguiente mezcla.
Les aseguro que si se enfocan en mejorar estos 10 errores de los cuáles yo he
cometido muchos sus mezclas se beneficiarán y gradualmente la gente los
empezará a buscar más para su aportación.

5 Cosas Que Hago Antes De Empezar Todas Mis Mezclas

Conforme uno va desarrollando su carrera profesional cómo Ingeniero de

mezcla, los trabajos cada vez se vuelven más demandantes, y uno tiene que
cumplir con los diferentes límites de tiempo de cada cliente, siempre
tomando en cuenta en no sacrificar la calidad.
Para eso, uno con la experiencia poco a poco va construyendo hábitos
antes de cada mezcla para que el proceso se vuelva mucho más rápido y
eficiente.
Por eso mismo, aquí te comparto 5 cosas que hago antes de empezar todas
mis mezclas.
1. Organización y Ajustes
Para mí la organización es una de las partes claves antes de empezar mis
mezclas para poder hacer las cosas rápidas y eficientes.
Si me saltara este proceso, literalmente me tardaría lo doble o triple en
terminar el trabajo.
¿Qué es lo que involucra este proceso?
Para empezar, lo primero que hago al crear la sesión es importar mi plantilla
de mezcla.
En esta plantilla ya tengo todas las pistas que suelo utilizar habitualmente
organizadas por color y con plugins de uso probable insertados.
La codificación de color es una parte importantísima que es importante
adoptes ya que me sirve como una guía visual extra a la hora que estoy
mezclando para saber exactamente que estoy procesando y que me falta
por procesar.
Es importante que conserves un mismo código de color para todas tus
sesiones para que siempre estés familiarizado.
Además, todas estas pistas ya están previamente routeadas a los subgrupos
adecuados para que, a la hora de vaciar los archivos de audio de la
canción, todo se escuche correctamente.
Cabe recalcar que todo este proceso lo hago un día antes de iniciar a
mezclar ya que encuentro que si lo hago el mismo día simplemente pierdo
eficiencia porque mi cerebro está pensando más de una forma técnica que
creativa.
Si quieres conocer más sobre mi plantilla de mezcla y descargarla, te invito
a que te unas a la Membresía Audio Producción.

2. Estructura De Ganancia
Tener una estructura de ganancia correcta antes de iniciar es clave para
obtener mezclas de buena calidad y de un margen saludable de sonido.
Si no te aseguras de esto desde el principio, cuando vayas más avanzado
en la mezcla, te podrás enfrentar con muchos problemas de saturación en
el mixbus, y esto simplemente alentará tu proceso.
Por esto mismo, a mí me gusta siempre analizar todas mis pistas a través del
plugin Defaulter y establecerlas a un nivel promedio de picos de -18dBFS.
De esta forma me aseguro de tener una mezcla súper saludable y además
con el mejor comportamiento sonoro de los plugins a través de la señal.

3. Escuchar La Mezcla Demo

Una vez que ya terminé todo el proceso técnico y tedioso, entonces es
momento de escuchar la mezcla demo.
Idealmente, si estás mezclando para un cliente, le pedirías que te enviara
una mezcla demo para tener una referencia y una guía inicial.
Jamás subestimas el poder de este tipo de mezclas ya que, aunque no lo
creas, la información que puedes obtener de ahí es increíblemente valiosa.
¿Por qué?
Porque te permite escuchar y entender las necesidades y direcciones
sonoras que está buscando el artista.
De esta forma, al entender lo que el artista busca, te asegurarás de que tus
decisiones de mezcla más adelante sean acertadas y en sintonía con sus
expectativas.
Mi proceso al escuchar la mezcla demo es:
Tener a la mano un cuaderno de notas, poner la canción en modo
repetición y empezar a tomar apuntes de todo lo que se me venga a la
mente.
Desde ideas creativas que pueda aplicar a mi mezcla, elementos que estén
dentro de la mezcla demo que necesite conservar, cosas que me gustan y
me disgustan de esa mezcla, balances de instrumentos, paneos, etcétera.
Otra de las cosas que hago muy importantes es poner ubicaciones de
memoria para marcar las diferentes secciones de la canción.
Esto ayuda bastante a la hora de estar mezclando porque puedes pasarte
rápidamente a cualquier sección con un simple click.
4. Familiarización Con Las Pistas
Una vez que ya escuché la mezcla demo e hice mis apuntes, entonces si es
hora de empezar a familiarizarme y conocer las pistas una por una.
De esta forma se exactamente con la instrumentación con la cuál voy a
trabajar y me empiezo a dar una idea de cómo es que voy a empezar a
construir la mezcla.
El familiarizarme con las pistas demás de ayudarme a conocer el material,
también me sirve para encontrar posibles pistas de desecho.
Con desecho me refiero a pistas que quizá estén ahí pero que en realidad
no contribuyan tanto a la mezcla y que al final de cuentas me puedan
afectar en el resultado final.
Creo que este paso de familiarización muchos se lo brincan y empiezan
directamente a mezclar, cuando creo que el conocer las pistas
individualmente es indispensable para saber cómo lograrás el sonido que
buscas en tu cabeza.

5. La Mezcla De 10 Minutos
Ya que conocí las pistas individualmente, entonces ahora sí paso a mi último
proceso al cuál llamo: la mezcla de 10 minutos.
Esta es una práctica que he adoptado desde hace ya tiempo y me ha
servido e maravilla ya que nos permite enfocarnos en nuestros primeros
instintos.
Generalmente cuando empezamos a subir atenuadores, nuestros primeros
instintos, que generalmente suceden en este lapso de tiempo, nos permiten
elegir los balances de volúmenes correctos.
Ya después de que empezamos a juguetear más con la mezcla, es cuando
podemos empezar a perder un poco el enfoque.
Por este motivo me tomo este tiempo para jugar con los volúmenes y paneos
de las diferentes pistas, dejando a mis instintos actuar y elegir mis decisiones.
La gran mayoría de las veces, ya con toda la información recopilada
anteriormente, me permite obtener mucho mejores resultados.

En resumen
Estas 5 cosas que hago antes de empezar todas mis mezclas, de verdad me
sirven para ser un Ingeniero de mezcla confiable, rápido y eficiente.
De lo contrario, si no adoptara estos hábitos funcionales para mí, no podría
entregar todos los trabajos a tiempo y de buena calidad.
Ahora, esto no significa que tengas que adoptar los mismos hábitos que yo,
pero si encontrar tus propios hábitos que te hagan un verdadero profesional.

5 Tips Para Superar El Miedo Al Mezclar

Vamos a ser completamente francos aquí. ¿A poco nunca te ha sucedido
que tienes miedo a iniciar una mezcla por qué temes que el resultado final
sea desastroso?
Si no estoy mal, a mí me pasa alrededor de 9/10 veces que inicio una
mezcla.
Pero déjame decirte que es completamente normal. Hasta los mejores
Ingenieros de mezcla de las grandes ligas les sucede esto. Quizá un poco
menos a menudo, pero les sucede.
Cada uno de nosotros tenemos nuestras propias inseguridades que nos
hacen dudar de nuestras habilidades y de lo que podemos llegar a lograr.
De pronto nos pasan por la cabeza pensamientos cómo: ¿Debería de seguir
dedicándome a esta profesión? ¿Y si la mezcla no es lo buena suficiente
para el cliente? ¿Qué van a pensar los demás de mi?
Millones de veces me han pasado estos pensamientos por la cabeza, pero
a final de cuentas después de echar un vistazo desde fuera y al dejar a un
lado las inseguridades, el miedo se hace a un lado y me doy cuenta que
quizá no soy tan malo.
Por este motivo, aquí te comparto 5 tips para superar el miedo al mezclar

Tip #1: Elige metas alcanzables

Si apenas vas iniciando a mezclar, no esperes que tus mezclas vayan a sonar
cómo las de Dave Pensado en un instante.
Para eso necesitas muchísimas horas de dedicación y práctica al mezclar.
Trata de ir eligiendo metas alcanzables para superar el miedo al mezclar.
Y quizá inicia por tu área de mayor problemática o de menos
entendimiento.
Por ejemplo:
Si se te dificulta el procesamiento en el mix bus, dedica un buen rato a
probar diferentes procesamientos.
¿Qué sucede si pongo el compresor antes del EQ o vice versa? ¿Qué tipo
de compresor voy a utilizar? ¿Tiempos de ataque, liberación?
Quizá puedes ver un poco de videos tutoriales sobre el tema:
“Mis 5 Plugins Favoritos En El Mix Bus”
Si eliges metas pequeñas realmente alcanzables, de pronto notarás una
gran mejoría en tu trabajo y empezarás a tener más confianza.

Tip #2: No le temas al fracaso

Te voy a ser completamente sincero.
A lo largo de mi experiencia cómo Ingeniero de mezcla, creo que he hecho
muchísimo más mezclas malas que buenas.
Pero a final de cuentas, estas son las que me han hecho aprender de mis
errores y a poder corregirlos para lograr buenas mezclas.
Aquí lo importante es que no le temas al fracaso, en este medio el fracaso
no es el resultado entre la vida y la muerte.
Si fallas, que importa, nadie está esperando a que falles. Simplemente
aprendes, corriges, y lo vuelves a intentar.
Te lo prometo. Vas a hacer MUCHAS malas mezclas, pero las buenas, te
sacarán el ánimo y te recordarán por qué es que estás ahí.
Si te interesa, aquí te platico un poquito acerca de la historia de Audio
Producción:
“4 Tips Para Ser Exitoso En La Industria Musical.”

Tip #3: Salte de tu zona de confort

Tu zona de confort, es ese espacio en donde te sientes cómo ángel libre por
tu casa, pero desafortunadamente eso solo te llevará a la monotonía y no
te dejará cumplir tus aspiraciones.
Para superar el miedo al mezclar necesitas enfrentarlo, necesitas salirte de
esa zona de confort y entrar a la jungla de la incertidumbre.
Aquí, el qué es más fuerte es el que sobrevive.
En nuestro ámbito me refiero a:
Intenta nuevos tipos de procesamiento en los instrumentos, atrévete a
probar cosas inusuales porque nunca sabes cuando sucede algo de magia
y te quedas con algo especial.
Quizá te gusta el sonido de voz que obtienes con una cierta cadena de
plugins, pero no estás 100% satisfecho.
¿Qué es lo que te falta? ¿Tienes miedo a usar algún tipo de compresor o
EQ? Pruébalo, enfrenta ese miedo y supéralo.
Mientras más te salgas de tu zona de confort, mejor te vas a sentir al lograr
buenos resultados.
Esto definitivamente te hará superar el terrible miedo al mezclar.
Tip #4: No hagas las cosas inciertas, ciertas
Con esto me refiero a que tienes que trazar tu propio camino.
Muchas veces el escuchar mucho las opiniones de los demás, nos hacen
creer que las cosas inciertas son ciertas, cuando no es así.
Cada uno de nosotros somos un mundo completamente diferente, y si algo
no le funcionó a una persona, no significa que no te va a funcionar a ti.
A mí por ejemplo me sucedía mucho que la gente no creía en mí y me decía
que jamás iba a poder levantar un blog de audio en español por qué ya
había mucha competencia.
Lo creí mucho tiempo y no me atrevía hacerlo, hasta que decidí construir mi
propio sendero y gracias a Dios, Audio Producción ahora en día es uno de
los blogs de audio en español más grandes en todo Latinoamérica.
Así que, si tú quieres ser un Ingeniero de mezcla, productor, compositor, o lo
que tú quieras, sí toma en cuenta la opinión de los demás, pero al final toma
tus propias decisiones basadas en lo que tu creas correcto para ti.

Tip #5: Aprende a romper el ciclo

Cuando estás mezclando, hay un punto (diferente para cada quién) en
donde te empiezas a romper emocionalmente.
Aquí es donde empiezas a dudar de ti mismo, donde empiezas a escuchar
defectos que quizá ni siquiera existen.
Necesitas aprender a reconocer este punto para que en el momento en el
que llegues, pares y dejes descansar la mezcla un rato.
De lo contrario, el miedo al mezclar se irá haciendo cada vez más latente
conforme va pasando el tiempo.
En mi caso particular, generalmente no puedo estar más de 1 hora y media
mezclando seguido. Necesito tomarme un descanso de unos 10-15 minutos
entre cada lapso para poder sobrevivir.
Si no lo hago, me empiezo a cansar, empiezo a tratar de “arreglar” cosas
que no necesitan arreglo y de pronto empiezo a destruir mi mezcla.
Así que muy importante. Reconoce este ciclo y manéjalo para que funcione
a tu favor.
El Secreto Para Mezclar Más Rápido En Tu Estudio
Personalmente, una de las cosas que siempre busco en el estudio es la forma
de ser más eficiente y rápido a la hora de mezclar.
Esto obviamente sin dejar a un lado el nivel de esfuerzo invertido para poder
entregar una excelente mezcla.
A lo largo de mi experiencia y de haber intentado varias maneras para lograr
hacerme más eficiente, me he dado cuenta del secreto para mezclar más
rápido en el estudio.
¿Cuál es?

El Secreto
Para mí, el secreto para mezclar más rápido es utilizar una plantilla de
mezcla hecha a la medida.
Con hecha a la medida me refiero a que no sea cualquier plantilla
descargada del internet hecho por alguien que quizá mezcla
completamente diferente a como estás acostumbrado.
Cuando apenas iba iniciando, la verdad es que me gustaba descargar
muchísimas plantillas, pero la desventaja de esto era que primero, jamás me
asenté con una y segundo, no se ajustaba a mi forma de trabajo.
Además, cuando descargaba plantillas, muchas veces no tenía muchos de
los plugins que venían insertados, entonces se volvían inútiles.
Y otra desventaja es que, al descargar la plantilla, nadie te explica su
funcionamiento y tienes que deducir todo por ti mismo, lo cual a veces
puedes ser muy complicado dependiendo de tu nivel de experiencia.

Hecha a tu medida
Entonces, ya dicho lo anterior, probablemente te ha sucedido lo mismo que
me pasó a mí y no creo que quieras perder tu tiempo con eso.
Por eso, te quiero enseñar cómo las plantillas hechas a tu medida son el
secreto para mezclar más rápido.
Para lograr hacer una plantilla a tu medida, primeramente, tienes que
conocer la forma en la cuál te gusta trabajar.
 ¿Te gusta mezclar a través de subgrupos?
 ¿Qué plugins te gusta usar para el procesamiento de baterías?
 ¿Cuál es tu cadena favorita de plugins para mezclar voces?

Tener estos factores claros, te ayudarán a saber cómo desarrollar tu plantilla

perfecta.
Si vas iniciando en el mundo de la mezcla, quizá sea complicado saber
exactamente cómo te gusta trabajar, ya que apenas vas adquiriendo
experiencia.
Pero conforme vayas viendo tutoriales y haciendo experimentos mezcla tras
mezcla, empezarás a notar un patrón de trabajo.
Yo personalmente, tardé un buen rato para encontrar y desarrollar una
plantilla a mi medida, pero te prometo que ahora con la que uso soy mucho
más eficiente.

Espacio para cambio

Ya que desarrollaste tu plantilla, es importante que sepas que esto no
significa que te tengas que quedar con ella para siempre.
De hecho, yo personalmente siempre hago diferentes versiones de la misma,
si es que descubro un nuevo plugin o una nueva forma de trabajo que crea
me pueda beneficiar.
Los cambios la mayoría de las veces son mínimos, uno que otro plugin, pero
los fundamentos siempre los conservo, por ejemplo, el siempre usar 5
subgrupos auxiliares para procesar todos los elementos en conjunto.

¿Cómo te puedo ayudar?

No es por nada, pero a mí me encanta mi plantilla de mezcla.
Quizá es porque está hecha a mi medida, y si tú tienes la tuya
probablemente sea la que más te gusta, lo cual es excelente.
Pero si acaso todavía estás en búsqueda de una forma de trabajo que te
pueda hacer más rápido, entregar mejores mezclas y entender por qué
detrás de todo el procesamiento, yo te puedo ayudar.

¿Con qué?
A través de la Membresía Audio Producción.
Al hacerte suscriptor, por solo $15 dólares mensuales, recibes acceso a
multitracks de alta calidad para mezclar, videos tutoriales, acceso a una
comunidad exclusiva, webinars, entrevistas, y OBVIAMENTE A MI PLANTILLA
DE MEZCLA EN DIFERENTES VERSIONES. (Todos los plugins, plugins de fábrica,
plugins de Waves)
Cómo te comentaba al principio, no es solamente el poder descargar la
plantilla, si no que la sepas utilizar a la perfección.
Y eso, te lo muestro a detalle en 2 videos de 1 hora donde voy explicando
cada plugin y el porqué de la elección de cada uno.
Además, al ver los videos tutoriales de mezcla de la canción del mes, me
verás usando la plantilla en un formato real, y verás cómo a veces la
modifico para que se ajuste a la temática de la canción.
Sí aún no tienes un formato de trabajo y estás buscando el secreto para
mezclar más rápido en tu estudio, vale la pena que eches un vistazo a la
membresía.
¡Sé que te va a encantar!

Cuándo Volver A Empezar A Mezclar Desde Cero

Una de las cosas que más me aterrorizan en mi trabajo es terminar mi
mezcla, escucharla en otros sistemas de reproducción, dejarla descansar y
qué al volver a escucharla no me guste para nada.
A veces cuando esto sucede hay que volver a empezar a mezclar desde
cero.
Déjame platicarte lo que me sucedió hace algunas semanas.
Estaba haciendo la mezcla de la canción Vida Real producida e
interpretada por mis amigos Abdi Blanco, Yorman Bush y Frank Merc, para la
nueva Membresía Audio Producción.
Qué por cierto si no sabes de que trata te invito a que visites el enlace
porque está bastante divertido todo lo que hacemos ahí.
Bueno. Pues resulta que terminé la mezcla y simplemente al escucharla mil
veces no estaba convencido con mi trabajo.

¿Qué decisión tomé?

Decidí volver a empezar a mezclar desde cero.
Sí, la verdad es que no es fácil tomar esa decisión. Después de tantas horas
de trabajo invertidas, uno siempre trata de poder arreglar lo más posible
para ver si la mezcla mejora.
Te soy sincero, en casi el 70-80% de las mezclas que me sucede esto, logro
tornar la mezcla de OK a EXCELENTE con solo algunos movimientos.
Pero después esta ese 20% restante que por más que le modifiqué la mezcla
está hundida en lo más profundo del planeta.
Aquí es donde tienes que aguantarte el orgullo, y decir, ni hablar hay que
volverlo a hacer todo otra vez.

¿Cuál fue la problemática?

La 1er problemática que identifiqué con mi mala mezcla fue que sobre
pensé y procesé las cosas.
Desafortunadamente, en este tema algunos instrumentos no estaban
grabados de la mejor calidad posible y esto me puso rápidamente en un
modo de solución.
¡El problema fue que me quedé mucho tiempo en este modo y de pronto
ya tenía más de 10 plugins en mi cadena de voz!
Independientemente de la cantidad de plugins, si el resultado final hubiera
soñado bien no tendría ningún problema, pero no fue así, todo en general
sonaba sobre procesado.
Obviamente en esta situación me iba a tardar más evaluando cómo
arreglar los movimientos que hice a volver a empezar a mezclar desde cero.

¿Cómo lo solucioné?
Ok, empecé de cero de nuevo, pero después de haber pasado tanto
tiempo con esa mezcla, ¿cómo logré revertirla y hacer algo completamente
diferente?
Lo 1ero que hice fue ver un tutorial. Literalmente hablando.
Me fui al portal de Mix With The Masters, encontré algunos videos de Tony
Maserati, uno de mis Ingenieros de mezcla favoritos y me relajé.
De pronto me di cuenta que estaba logrando una excelente mezcla y sin
casi nada de plugins o muy pocos en las pistas individuales.

¿Por qué?
No porque Tony es un flojo y lo deja todo tal cual, sino porque evaluó cada
pista individualmente y en contexto antes de hacer cualquier
procesamiento.
Ahí fue el momento en el cuál me llegó la luz y dije:
“Ok, ahora en vez de ponerme a procesar y corregir cada una de las pistas,
las voy a evaluar cuidadosamente y tomaré en cuenta si es necesario
procesarlas o no.”
¡BOOM! Cambio completo del sonido final de mi mezcla solo por tomar en
cuenta este aspecto.

Cuando sí y cuando no volver a empezar

Creo que esta es la pregunta del millón.
Mi primer instinto primero sería tratar de identificar si hay algo específico lo
cual me esté molestando y me esté haciendo escuchar mi mezcla de mal
forma.
Si después de cierto tiempo de estar intentando modificar siento que no
estoy llegando al resultado adecuado, entonces es que tomo la decisión de
volver a empezar a mezclar desde cero.
A veces esta decisión será más obvia que otras, pero solo toma en cuenta
que, si llegas a esta decisión, tomate algunas horas o un día antes de volver
a iniciar a mezclar.
Y, sobre todo, lo más importante, intenta identificar cuál fue tu problema
general por el cuál no pudiste lograr una buena mezcla la primera vez y
modifícalo para el segundo intento.

¿Cómo te puedo ayudar?

Cómo te comentaba al principio, una de las formas en las que yo me volví
a inspirar y me volví a encaminar hacia un resultado positivo fue viendo un
video tutorial de alguien que lleva haciéndolo más tiempo que yo.
Por eso es que te invito a la Membresía Audio Producción.
Aquí mes tras mes recibes nuevos archivos multi-track para practicar,
acceso a una comunidad exclusiva de miembros, tutoriales detallados y
muchos más beneficios.
Estoy muy contento con la respuesta que hemos tenido y vale la pena le
eches un vistazo para que veas de que trata.

Cómo Sobresalir Adversidades En Tus Mezclas – 4 Tips

Estoy 100% seguro que en algún punto cuando estabas mezclando,

pensaste que tu mezcla no servía para nada, que quizá serías mejor
haciendo otra cosa, y que simplemente no estás al nivel.
Créeme, no eres el único. Yo también he pasado por esos pensamientos y
hasta los Ingenieros más reconocidos también.
En este artículo quiero ayudarte a saber cómo sobresalir adversidades en tus
mezclas con 4 tips sencillos.

1. Toma descansos
Esto ya lo he dicho varias veces en mis artículos, pero no me canso de
enfatizar la importancia de tomar descansos.
Los oídos, después de un rato de estar trabajando arduamente, se cansan y
nuestra mente empieza a engañarnos a escuchar cosas que realmente no
están ahí.
Si no me crees, te reto a que mezcles una canción por 6 horas seguidas y
luego regreses a escucharla al siguiente día, te prometo que te sorprenderás
con los resultados.
Lo mejor que puedes hacer es tomar descansos periódicos de 10-15 minutos
después de cada hora o 45 minutos de estar trabajando.
Esto lo permitirá a tus oídos descansar y aclimatarse de nuevo, lo que
resultará en mejores tomas de decisión a lo largo de la mezcla.

2. Identifica las problemáticas

Generalmente cuando empiezas a caer en un círculo vicioso de
procesamiento, tu mezcla se empieza a ir para abajo.
Pero la verdad es que es muy raro que el problema esté en toda la mezcla
y tengas que empezar todo de nuevo.
En muchos de los casos, solo son algunos elementos problemáticos que son
los causantes de que la mezcla no esté traduciendo correctamente.
Intenta encontrar estos elementos problemáticos y quizá vuelva a pensar en
su procesamiento individual y colectivo en relación a las demás pistas.
8/10 veces, después de identificar y modificar estos elementos, tus mezclas
cambian por completo.
Si vas iniciando a mezclar y necesitas una guía profesional, te recomiendo
mi Curso De Mezcla Básico: El Arte Del Balance
3. Enfócate en lo que funciona
Una vez que ya encontraste las problemáticas y que idealmente las
corregiste, ahora es importante que te enfoques en los elementos que
funcionan.
Los elementos que funcionan me refiero a los elementos más importantes.
Esto varía dependiendo de la canción y del género, pero 9/10 veces el
elemento más importante en la mezcla es la voz.
Después vienen los elementos de importancia secundaria que ayudan a
darle soporte a la voz. Haz que estos salgan a relucir sin opacar a la voz.
Por aquí te comparto algunos artículos donde te muestro cómo me gusta
mezclas las voces:
 Cómo Mezclar La Voz Con Un Solo Plugin
 Cómo Mezclar La Voz Con Cuerpo y Presencia

4. Usa referencias externas

Este tip es uno de los más valiosos y más “sencillos” de llevar a cabo.
Si tus oídos están fatigados o simplemente no encuentras el camino que te
lleva a la salida correcta, puedes apoyarte con mezclas de referencia.
Primeramente, te ayudarán a despejar un poco tu mente. Segundo,
ayudarán a tus oídos a cambiar de perspectivas. Y tercero, son una
excelente guía para comparar tus balances de volúmenes.
Otra cosa que puedes hacer si sientes que vas en caída libre es pedir
opiniones externas.
OJO* intenta que la gente que vaya a criticar tus mezclas sea alguien que
lo vaya a hacer objetivamente y no simplemente te diga lo que quieres
escuchar. Ósea evita a tu (madre, novia, abuelita, etcétera) 😉

En este caso te puedo recomendar también la nueva Membresía Audio

Producción. Aquí encontrarás a una excelente comunidad de profesionales
y amantes de la música que pueden ayudarte a mejorar tu trabajo.
Compresión En Tus Mezclas – ¿Por Qué Utilizarla?
Todo mundo parece hablar sobre la compresión y cómo puede ayudar o
arruinar tus mezclas si es utilizada inapropiadamente, pero la pregunta
es ¿por qué necesitas compresión en tus mezclas? ¿qué es y que hace la
compresión para beneficiar tus resultados?
Un poco de historia…
La gran mayoría de los instrumentos musicales o fuentes de audio pueden
cambiar de dinámica en un abrir y cerrar de ojos, por lo que esta señal por
donde sea que se esté transmitiendo o siendo grabada, puede resultar en
una fatal distorsión.
Anteriormente, los ingenieros de audio tenían que hacer todos esos ajustes
de volumen de forma manual para que esto no fuera a suceder, hasta que
alguien se dio a la tarea de resolver esta problemática y crearon el
compresor.

¿Qué hace un compresor?

Es como si tuviéramos un atenuador automático que, al detectar la señal de
entrada, dependiendo de qué tan fuerte o suave sea al sobrepasar el
umbral (threshold) sube o baja el volumen.
Y lo mejor de todo es que lo puede hacer a tiempos mucho más rápidos y
precisos que lo que pudiera hacer un humano manualmente.
Para mí, esta es una de las razones principales de usar compresión en tus
mezclas, para nivelar y darle un sonido más uniforme a cualquier pista de
audio que lo requiera.
Más o menos punch…
El compresor, aunado a poderte dar control automático de volumen,
también te permite darle a un sonido más o menos punch dependiendo de
cómo manipules los diferentes parámetros dentro de el.
Uno de los parámetros principales de un compresor se llama el Tiempo de
ataque. Este tiempo de ataque es el que regula que tan rápido o lento
actúa un compresor después de rebasar el umbral.
Entre más rápido sea el ataque, significa que vas a reducir bastante la
transiente inicial de la fuente, entre más lenta sea, significa que dejará pasar
más información de la transiente inicial y por ende un poco de más punch.
Entonces dependiendo de lo que estés buscando conseguir con un
instrumento específico en tu mezcla, son las decisiones que tomarás en
respecto a los parámetros.
En este video te muestro: Cómo Ajustar Un Compresor Correctamente

Caja de tono y carácter

Cada compresor, dependiendo de sus transistores o bien su codificación en
el mundo digital, tiene características tonales diferentes que puede imprimir
a la señal.
Por eso en este video te muestro: Cómo Usar Un Compresor Cómo Un EQ
O también por ejemplo en este video puedes ver cómo varios compresores
sirven para darle un sonido único a una voz: Método De Mezcla De Voz A La
Michael Brauer
Conforme vas adquiriendo experiencia y conociendo tu equipo, empezarás
a elegir compresores no solo por sus capacidades que te mencioné
anteriormente, sino también por su sonido.

¿Cómo saber cuándo usar compresión?

Si vas iniciando, el paso más intuitivo es el primero que te mencioné: usar
compresión en tus mezclas para regular el volumen automáticamente.
Pero para eso, no quiero que mal interpretes el uso del compresor y pienses
que tengas que poner un compresor en todas tus pistas, al contrario, habrá
muchas veces que las pistas no necesiten compresión.
Pero para saber eso, primero tienes que evaluar las pistas en contexto.
En contexto me refiero a no escuchar la pista sola por sí misma, sino como
se relaciona con los demás instrumentos en la mezcla.
De hecho, en este video te muestro mí: Técnica De Mezcla De 10 Minutos
Si después de encontrar un balance ideal para todas tus pistas, sientes que
alguna de ellas todavía se esconde o sale a relucir mucho en ciertos
momentos, entonces es indicación de que la pista se beneficiará de
compresión.

Desglosando El Funcionamiento De Los Compresores

Si alguna vez ha trabajado con plug-ins, haz ido a algún estudio de

grabación o bien a algún recinto donde se haga música en vivo, te habrás
encontrado con Compresores.
Los compresores en el audio son una pieza fundamental para llevar acabo
buenas mezclas. ¡Estos procesadores de audio al principio pueden parecer
temibles ya que cuentan con muchas diferentes perillas con nombres raros
para ajustar! Pero tranquilos que no son tan complicados de entender.
Esta semana quiero desglosar un típico compresor para que sepan que tan
poderoso puede ser este procesador.

¿Qué hace un compresor?

La manera más fácil de entender qué es lo que hace un compresor es
comparándolo con la automatización de volumen. El compresor
básicamente automatiza el volumen del audio automáticamente en base
a los parámetros que el usuario establezca.
Es decir, el compresor hace que una misma señal de audio que cuenta con
diferentes niveles de dinámicas, ósea niveles fuertes y bajos, se convierta a
una señal más balanceada.
Todo este proceso se lleva a cabo en el compresor de distintas maneras
dependiendo de los parámetros que se ajusten, se los explico a
continuación. (Se los pondré en inglés ya que mayoría de estos
procesadores vienen en este idioma.)

Threshold
El Threshold es el parámetro que determina el punto en el cual el compresor
va a empezar actuar. Ósea que si la señal no pasa de este punto
establecido el compresor no va a tomar acción. En cambio, si la señal
rebasa este punto el compresor empezará a actuar.
Si ajustas el threshold a que este muy abajo, tendrás mucha compresión de
la señal, si lo ajustas muy arriba solamente los picos de la señal serán
comprimidos.

Attack Time
El ataque es el tiempo que tarda el compresor en actuar con la señal
recibida. Generalmente el ataque lo van a ver mostrado en mili segundos y
puede llegar hasta los segundos, aunque hay algunos compresores que
cuentan con tiempos de ataque de hasta nanosegundos.
Pondré un ejemplo para dejarlo más claro.
Digamos que queremos comprimir una voz. Y determinamos que queremos
que el ataque de nuestro compresor sea de 16 mili-segundos. En el momento
en que la señal pase el punto que determinamos en nuestro threshold, 16
mili-segundos después el compresor empezará a actuar.
Esto quiere decir que depende del tiempo determinado de nuestro ataque
es que tan rápido o lento actuara el compresor sobre el audio.

Release Time
El release es el tiempo que tarda el compresor en dejar de actuar sobre la
señal. Así como el tiempo de ataque también este parámetro se expresa en
mili-segundos o segundos.
Entre más largo tengamos nuestro tiempo de release más tiempo se
mantendrá la señal comprimida y vice-versa, entre más corto tengamos el
tiempo menos durará la señal comprimida.
Hay ocasiones en las que queremos usar diferentes combinaciones de
tiempos de attack y release, generalmente un buen punto de partida es
mantener el attack y release en un punto medio y luego experimentar con
tiempos de attack y release drásticos para que se pueda apreciar
exactamente el efecto.

Ratio
La ratio es el parámetro que determina cuanto se va a comprimir la señal.
Se expresa de la siguiente manera: 2:1, 3:1, 4:1, 20:1
Una proporción de 2:1 significa que el compresor atenuará cualquier señal
que sobrepase el threshold a la mitad. (Por ejemplo, si la señal cruza el
threshold por 6db de volumen una proporción de 2:1 atenuará la señal 3db
solamente arriba del threshold) Entre más grande sea la diferencia de la
proporción más compresión habrá sobre la señal.

Gain
El gain es simplemente un parámetro para regresar la señal después de ser
comprimida a su volumen original.
Cuando comprimimos una señal, estamos reduciendo la dinámica del nivel
original de nuestro audio, esto quiere decir que estamos atenuando la señal
para que tengamos un volumen más balanceado, pero por consecuencia
cuando comprimimos el volumen de nuestro audio se ve reducido.
Para compensar este nivel reducido tenemos el parámetro de Gain.
Es decir, si estamos comprimiendo una voz 3 decibeles, en nuestro
parámetro de Gain tenemos que compensar esos 3 decibeles reducidos e
incrementarlos con la misma cantidad, ósea aumentar 3 decibeles a la señal
comprimida.
La manera más fácil de hacer esto es con el botón de bypass, el botón de
bypass lo que hace es que prende o apaga el compresor. Al momento de
estar apagado podemos escuchar cómo suena la señal sin procesamiento
y vice-versa al momento de estar encendido.
Lo único que tienes que hacer es habilitar y deshabitar el bypass
simultáneamente hasta que el volumen de cuando este apagado y este
prendido sea el mismo, ahí sabrás que ha compensado el volumen
correctamente.
OJO hay que ser muy cuidadosos en este paso ya que el oído siempre va a
preferir el sonido de la señal que este más fuerte. (Más adelante comentaré
sobre esto) Entonces no hay que dejarse engañar simplemente por esto, ten
cuidado y ajusta para que el volumen sin compresión y con compresión sea
el mismo y de ahí puedes hacer una decisión justa de que es lo que suena
mejor para tu oído.
Cómo Ajustar Un Compresor Correctamente
La compresión es un tema bastante místico y complicado. Especialmente
para todos aquellos que van iniciando en este mundo tan subjetivo de la
ingeniería en audio. Recuerdo mis inicios cuando realmente no tenía ni la
más remota idea de lo que estaba haciendo, sobre ecualizaba muchísimas
pistas, sobre comprimía muchísimas pistas, todo era bastante agresivo
porque “Pensaba que así tenía que ser.” Sinceramente no me arrepiento de
nada porque los errores fueron los que me han llevado a estar donde estoy
ahora. Lo que si recuerdo muy bien es que la compresión desde que la
conocí fue un tema que se me complicó muchísimo y hasta la fecha de
pronto batallo con algunas cosas: S Recuerdo haber extrañado que alguien
me explicara a detalle “Cómo Ajustar Un Compresor Correctamente.” y
desafortunadamente no existían tanto recursos como hay ahora en día.

Los 4 Tipos De Compresores Principales Y Cómo Usarlos

La compresión es una de las herramientas que a mi parecer es indispensable

que sepamos dominar para una buena mezcla, pero hay que saber que
existen diferentes tipos de compresores principales.
El hecho de poder comprimir y ajustar una señal al grado de que todo se
mantenga a cierto volumen o con algunas características iniciales o finales
controlables, realmente es una ventaja bastante grande con la que hoy en
día contamos para que nuestra música suene bastante agradable para el
oído.
Aunque existen diferentes, hoy quiero enseñarte los 4 tipos de compresores
principales y cómo usarlos, ya que cada tipo de compresión es
completamente diferente en cuanto a practicidad y uso, aparte del sonido
que cada uno puede darnos es muy variable.
Es por eso que cundo hablemos de compresión, es mucho mejor que lo
hagamos de una manera más específica para así poder tener un mejor
control sobre cómo queremos que suene nuestra mezcla, y que no
caigamos en los principales errores de compresión.
Los 4 tipos de compresores principales
Como muy probablemente ya habrás escuchado, existen 4 diferentes
familias de compresores que se han desarrollado y popularizado a lo largo
de los años, sin embargo, es importante saber que cada uno tiene sus
características que lo hacen muy diferente al otro.
Un tipo de compresor puede ser muy útil para alguna función en específico,
pero no tan bueno para otra, por lo que es bueno tener en cuenta para qué
puede servirnos cada uno y evitar usar un compresor para algo que puede
no beneficiarnos.
Los 4 tipos de compresores principales son:
 VCA
 Opto
 Vari-Mu
 FET

Compresión VCA
Este es uno de los tipos de compresores principales que podrá servirnos para
diferentes usos específicos. Las siglas VCA significan “Voltage Controlled
Amplifier”, lo cual significa voltaje amplificado controlado.
Este tipo de compresión está basado en la detección de picos, con un
ataque y relajación más rápidos.
Probablemente es el compresor con procesamiento analógico más usado,
por lo que muchos plugins están basados en él.
Estos tipos de compresores tienden a actuar de manera muy rápida, debido
a que son muy sensibles a las pequeñas dinámicas y transientes.
Como comenté al principio, usar un VCA puede resultar muy útil para ciertos
fines, pero no tan beneficioso para otros. La curva de respuesta es
generalmente lineal (hard knee) pero algunos incluyen el soft knee para
adaptarlo al mix bus.
¿Cuándo usarlo?
El VCA resulta útil cuando se tienen transientes de una magnitud mayor al
rango dinámico en el que tienen que estar.
Por ejemplo, para algún elemento de percusión puede resultar muy útil,
debido a que el compresor VCA puede controlar sus picos de una manera
muy eficiente.

¿Cuándo no usarlo?
No es bueno usarlo cuando estás tratando de ajustar el nivel medio de una
mezcla. Es bueno para tratar con cambios instantáneos, pero no lo
recomiendo para tratar de ajustar la dinámica general de una mezcla.

Compresión Opto
Este es uno de los tipos de compresores principales que es bastante suave y
lento. La compresión Opto usa foto-células como detectores y una bombilla
de luz para determinar la reducción de ganancia. Cuando la señal pasa a
través del foco, hace que éste brille más o menos, dependiendo de la
intensidad de la señal. La intensidad de la luz es lo que hace funcionar a la
compresión óptica.
Esto hace que la compresión opto sea menos sensible a las transientes y a
los picos, por lo que se puede usar un radio mayor.

¿Cuándo usarlo?
El compresor Opto, a diferencia del VCA, puede hacer un trabajo excelente
al controlar el nivel medio de una mezcla. Puede ser útil para esconder
algunas transientes y darle suavidad a algún elemento. Por ejemplo, si se
aplica la compresión Opto a una mezcla general, puede que al principio
(donde probablemente la canción no es tan ruidosa) no se note mucho la
compresión, pero conforme va creciendo la canción y va incrementando
el volumen general, la compresión se va aplicando y el nivel medio de la
mezcla se suaviza drásticamente.
¿Cuándo no usarlo?
Cuando se tienen picos o transientes muy grandes. Esto debido a que de
cierta manera éste compresor no lo va a soportar, ya que los dejará pasar y
de cierta manera no va a notarse mucha diferencia puesto que el
compresor va a tronar en una manera muy obvia.

Compresión FET
Este es uno de los tipos de compresores principales que pueden usarse
correctamente para diferentes usos. Si lo que buscas es darles un empuje a
tus mezclas, este puede ser el compresor indicado.
Este compresor actúa bastante rápido, por lo que definitivamente al usarlo
no puede pasar desapercibido.

¿Cuándo usarlo?
Este compresor resulta muy útil al momento de mezclar batería, voces, bajo,
y cualquier otro elemento que necesite cierto grado de empuje. La distorsión
que este compresor puede otorgar es bastante cálida y rica
armónicamente, por lo que produce un sonido agradable al aplicarle y al
cual se le pueden dar distintos fines creativos.

¿Cuándo no usarlo?
No recomiendo usarlo en el bus de mezcla a menos que se tenga un filtro
de paso alto en el side-chain, a menos que realmente quieres darle un
empuje drástico al bombo o al bajo.
Compresión Vari-Mu
La compresión Variable Mu quizá es uno de los tipos de compresores
principales más antiguos que podemos encontrar, debido a que
fue el primer diseño del compresor. Puede ser utilizado para hacer de una
válvula vari-mu, un amplificador de ganancia variable.
Este tipo de compresor produce una compresión bastante suave. A
diferencia del compresor VCA u otros, la curva no es lineal. Esto significa que
mientras más intensa sea la transiente, más fuerte se va a comprimir.
Otra característica importante de este tipo de compresión son las
constantes de tiempo. No responde de una manera tan rápida como otros
compresores. Esta compresión nunca sobre-comprime ni tiene una
respuesta exageradamente rápida, por lo que es una excelente opción
para darle sincronía a una mezcla.

¿Cuándo usarlo?
Cuando necesites que una mezcla adquiera coherencia dinámica, es
bueno procesarlo a través de este tipo de compresión de bulbos para darle
una riqueza armónica auténtica y un sonido bastante cálido, dándole un
nivel medio a la mezcla bastante saludable. Este compresor va a apretar y
suavizar el sonido de tu mezcla.
Por ejemplo, una guitarra o un bajo que se grabaron de manera muy
agresiva, pueden suavizarse y apretarse si aplicas correctamente este tipo
de compresor.

¿Cuándo no usarlo?
No recomiendo usar este compresor para corregir errores de dinámica o
para agregar punch a algún elemento. Este no es un compresor diseñado
para esos funcionamientos. La velocidad de respuesta de este compresor
es bastante suave como para darle una utilidad creativa, por decirlo de
alguna manera. El aplicarlo para estos fines puede darte problemas
dinámicos con los que quizá no quieres meterte.
Resumen
Estos diferentes tipos de compresores pueden usarse con distintos fines, pero
es importante saber cuál sirve mejor para cada cosa. Por eso la importancia
de conocer los 4 tipos de compresores principales y para qué puede servirte
cada uno.
Lo importante es que tú como profesional del audio sigas experimentando,
ya que en este tipo de artículos puedes encontrar recomendaciones, pero
al final del día quien está frente a la mezcla eres tú, y si tú encuentras una
manera más eficiente o creativa de llegar a un resultado, sigue haciéndolo
de esa manera.
Recuerda que no existe un método o una ruta estándar para mezclar una
canción, cada mezcla es única y diferente y cada intención creativa
también. Nunca trates de darle el mismo sonido a todas tus canciones,
porque existen miles de géneros musicales y cada estilo tiene su propia
manera de mezclarse.
Es por eso que es importante que conozcas el tema de compresión y sepas
cómo aplicarlo a tus mezclas para conseguir cada día mejores resultados.

EQ: Controles y Funciones

El EQ es uno de los procesadores principales en el mundo del audio.
Este es utilizado para moldear un sonido, filtrar ruido no deseable, para
balancear las frecuencias entre diferentes instrumentos, o bien para crear
texturas sonoras bastante únicas.
En un mundo ideal, con un espacio de grabación ideal, uno no tendría que
necesitar un EQ ya que la elección correcta del micrófono, posicionamiento
correcto del micrófono, y posicionamiento del instrumento ideal en el
espacio para grabación, harían de este elemento uno no utilizable.
Pero, como en la mayoría de las situaciones este no es el caso, un EQ es la
herramienta básica para tener de cualquier Ingeniero.
Si no lo sabes utilizar, es como querer ir a taladrar una pared sin un taladro.
Por eso aquí te comparto una gráfica informativa detallada del EQ:
Controles y Funciones. Si quieres conocer más a detalle sobre la EQ visita
nuestro canal de YouTube
Cómo Entender Las Bandas De Frecuencias Principales

Si necesitamos ecualizar cualquier pista en una mezcla, generalmente es

porque algunas frecuencias están chocando con las frecuencias de otro
instrumento que quizá es más importante que se distinga en una mezcla.
Probablemente este instrumento sea la voz ya que es el más importante en
las canciones contemporáneas.
Cuando vamos iniciando como Ingenieros de mezcla se vuelve un poco
complicado la ecualización ya que tenemos que primero identificar la
frecuencia o frecuencias problemáticas y después usualmente hacer
ecualización sustractiva para la limpieza. Puede sonar sencillo, pero el
problema es que cómo nuestros oídos no están entrenados a distinguir las
diferentes bandas de frecuencias este proceso se vuelve una búsqueda
incansable y además una búsqueda dudosa al no saber a ciencia cierta si
estamos limpiando las frecuencias correctas o no.
Aquí te voy a enseñar cómo entender las bandas de frecuencias principales
para que tengas una guía bastante clara a la hora de hacer cualquier tipo
de ecualización. Generalmente dividimos las frecuencias en 6 bandas que
son las siguientes:
 Sub Sónicas- Las frecuencias muy bajas entre 16 y 60Hz que cubren los
sonidos que usualmente los sentimos en vez de escucharlos cómo un
trueno del cielo a la distancia. Estas frecuencias le dan a la música un
sentido de poder aún y si solo suceden infrecuentemente. Si se hace
mucho énfasis en este rango la música se puede volver un poco sucia
y borrosa.
 Bajo – El bajo vive entre los 60 y 250Hz el cual contiene las notas
fundamentales de la sección rítmica así que la ecualización de este
rango de frecuencias puede cambiar el balance musical haciéndolo
más grueso o más delgado. Incrementar mucho en este rango puede
hacer que la música tenga mucho boom.
 Medias Bajas – Las frecuencias medias bajas viven entre 250Hz y
2kHz. Estas contienen mucho de los armónicos bajos de la gran
mayoría de los instrumentos musicales y pueden introducir una calidad
de efecto de teléfono y se incrementa mucho. Si se incrementa la
octava de 500Hz a 1kHz puede hacer que los instrumentos suenen
como una corneta, mientras que si se incrementa entre 1 y 2kHz
 puede hacer que un sonido suene muy pequeño. Si hay mucha
ganancia de salida en este rango puede causar fatiga al oído.
 Medias Altas – Las frecuencias medias altas viven entre los 2 y 4kHz y
pueden enmascarar la parte más importante del reconocimiento de
la voz si se incrementa demás. Además, puede introducir un efecto
poco placentero de ceceo a la voz haciendo sonidos que se formen
con los labios como la ‘m’, ‘b’, y ‘v’ indistinguibles. Mucho incremento
en este rango, especialmente en 3kHz, también puede causar fatiga
al oído. Si se hace un pequeño corte en el rango de 3kHz en
instrumentos de fondo y un pequeño incremento de 3kHz en las voces,
puede hacer que las voces suenen audibles sin la necesidad de tener
que bajar el nivel de volumen en los instrumentos.
 Presencia – El rango de la presencia vive entre los 4 y 6kHz y es
responsable de la claridad y definición de las voces e instrumentos. Si
se incrementa en este rango puede hacer que la música sea
percibida como más cercana al escucha. Si se reduce el contenido
de 5kHz puede hacer que una mezcla suene más distante y
transparente.
 Aire – El rango de aire vive entre los 6 y 16kHz y controla el brillo y la
claridad de cualquier sonido. Mucho énfasis en este rango puede
producir mucho ceceo en las voces.
Aunque muchas veces refinamos nuestra ecualización a bandas un poco
más limitadas, creo que esta lista es un buen punto de partida para recordar.
Una buena práctica si vas iniciando es copiar esta información a un
documento, imprimirlo y tenerlo siempre a la mano en el estudio para saber
exactamente que buscar, escuchar, y arreglar.
No te olvides de dejar tus comentarios, platícanos si te ayuda esta
información o si la podrías plantear diferente.

Como Ecualizar Con Técnica De Barrido

La ecualización en una mezcla como ya lo habíamos visto en anteriores
artículos, es un paso importantísimo y súper esencial para poder crear el
balance perfecto entre toda la instrumentación. Hay que recordar y tratar
de imaginar que nosotros somos los escultores de una pieza sin forma y que
tenemos que irla esculpiendo poco a poco hasta que quedemos con
nuestra obra maestra. Hay varias técnicas de Ecualización como lo
explicamos en nuestro video “La Ecualización Sustractiva” pero aunado a la
EQ Sustractiva el día de hoy quiero enseñarte una nueva técnica la cuál va
a complementar exactamente a la técnica dicha anteriormente. Hoy te voy
a enseñar “Como Ecualizar Con Técnica De Barrido”
¿Qué es la técnica de barrido? Es un proceso muy sencillo en el cuál
elegimos una banda, ponemos una Q bastante angosta, y aumentamos la
ganancia de esta banda hasta encontrar las frecuencias problemáticas
que tenga la señal afectada. En el video te muestro exactamente cómo
hacerlo correctamente y también te enseño el error que cometen muchos
Ingenieros al aplicar esta técnica. De verdad es muy importante que veas
este video porque si cometes el error de hacerlo erróneamente lo más
probable es que encuentres problemas y quieras arreglar problemas que en
un principio jamás estuvieron ahí.

Truco De EQ En El Mix Buss

A veces, cuando nos acercamos al final de nuestra mezcla sentimos que nos
falta todavía un algo para que tenga ese último toque de profesionalidad y
que la mezcla evolucione de un simple ‘OK’ a un ‘Excelente’. El truco de eq
en el mix buss nos permite lograr precisamente esto. El día de hoy les quiero
enseñar este ‘truco’ de ecualización que utilizo en la mayoría de mis mezclas
y que me ha funcionado bastante bien. Con un simple movimiento se limpia
la mezcla y las vocales y la tarola suelen resaltar más hacia el
escucha. ¡Toma 5 minutos de tu día para aprender este concepto en este
video tutorial! ¡Disfruta!

Cómo Usar Un EQ Dinámico

La EQ y la compresión son dos procesos que van de la mano.
Ambos, si se utilizan correctamente, hacen una excelente mancuerna para
lograr moldear un sonido al gusto.
¿Te imaginas ahora cómo funcionarían ambos dentro de un mismo
procesamiento?
Te presento el EQ Dinámico.

¿Qué es el EQ Dinámico?
Te lo voy a poner de una forma sencilla.
Si ya estas familiarizado con lo que es un Compresor Multibandas, un EQ
Dinámico es muy parecido.
El compresor multibandas prácticamente te permite controlar la dinámica
de un cierto rango de frecuencias en una señal utilizando filtros cruzados
(crossovers).
El EQ Dinámico, te permite hacer lo mismo solamente que con los filtros
tradicionales de EQ.

¿Cómo te puede ayudar?

El EQ Dinámico te permite mucho mayor control sobre la dinámica de no
solo un rango de frecuencias, sino también frecuencias muy específicas.
Y lo mejor de todo es que suena bastante natural y suave.
En este ejemplo usamos el plugin “Dynamic EQ” del Izotope 7
específicamente en una voz.
Para mi gusto, este tipo de ecualizador se ajusta perfecto para poder
controlar la voz a lo largo de una canción.
A diferencia de un EQ tradicional, en donde remueves o agregas
frecuencias constantemente.
El EQ Dinámico hace el trabajo de compresión o expansión solamente
cuando la señal lo requiere, permitiendo un sonido mucho más natural y
menos procesado.
Así cómo te puede servir en pistas individuales, también es una excelente
opción para trabajos de masterización.

En mi opinión
La verdad es que hasta hace poco descubrí este nuevo tipo de EQ y cada
vez me siento más familiarizado con él y con el sonido que busco y logro
obtener.

¿Remplaza por completo a la EQ y Compresión?

Yo creo que no al 100%. Pero definitivamente para mí, ya va cómo
procesamiento predeterminado en mis voces y en otro tipo de pistas que lo
requieran.

Los 5 EQs Favoritos De Los Pros

Ahora más que nunca mezclar y crear música dentro de la computadora es
una realidad muy latente. Poco a poco los Ingenieros profesionales han ido
migrando su forma de trabajo 100% análoga a una híbrida entre lo análogo
y lo digital, y otros, han migrado completamente al ámbito digital. Esto se
debe a que los IV (instrumentos virtuales) y plugins han mejorado a tal grado
que algunos son buscados por el carácter que le imprimen al sonido, y otros
por su emulación tan precisa y cercana a modelos ejemplares de equipo
análogo. Nuestro amigo Justin Smith de la página [Link]
se dio a la tarea de entrevistar a 10 profesionales para conocer sus EQs
favoritos y tomamos a los 5 eqs favoritos de los pros que creemos tienen las
respuestas más interesantes.

1.) Phil Tan

Phil Tan tiene créditos tan importantes como (Mariah Carey, Rihanna, Snoop
Dogg, Katy Perry, etc.) el comenta:
” El EQ-3 de Avid es el que probablemente utilizo más. También utilizo el MH
Channel Strip, que tiene que ver más con la familiaridad que tengo con él.
Cuando todo esto iba empezando y el DSP era bastante costoso, no tenía
tanto espacio para poner 5 diferentes plugins en el canal y el MH tenía el EQ
y el compresor, etc. Por este motivo siempre lo utilizaba y lo sigo utilizando
muchísimo. También utilizo el Focusrite D2″
2.) Gary Noble
Gary noble tiene créditos importantes con artistas como: (Jessie J, Amy
Winehouse, Estelle, Nas) el comenta:
“UAD tiene el plugin Neve 88rs el cual he venido utilizando desde los días de
la tarjeta UAD-1, con ese plugin puede hacer básicamente lo que sea.
Suena bien en vocales, baterías, bajos, cuerdas y pianos; suena bien en
todo. Este plugin esta emulado de una consola Neve Flagship la cual no
mucha gente tiene familiarizada, pero cualquiera que la haya escuchado
sabe lo increíble que es. No era tan popular porque costaba como un millón
de dólares (risa) así que no mucha gente termino comprándola, pero
realmente suena muy bien.
Tiene una función que se llama histéresis donde estableces una compuerta
bastante justa y ajustas la histéresis para que la compuerta se abra un poco
antes que el sonido, de esta manera no cortas el ataque, pero sigues
manteniendo esa firmeza que quieres del sonido. Es una función que no
muchas secciones dinámicas tienen.
Si acaso estuviera perdido en una isla y lo único que tuviera fuera mi
Macbook Pro y mi tarjeta UAD Satellite, entonces estaría muy bien. Pero sí, la
88rs sería mi EQ y compresor favorito.”

3.) Luca Pretolesi

Luca Pretolesi tiene créditos bastante importantes en el medio del Hip-Hop
y la música electrónica con artistas como: (Diplo, Skrillex, Major Lazer, Lil Jon,
Snoop Dog) el comenta:
” Creo que el ProQ2 de Fabfilter es el mejor para lo que estoy haciendo por
el momento. Tal vez no mucho para adición. Usualmente lo utiliza para
controlar la información de Mid/Side. Tiene 72dB así que realmente te
puedes deshacer de cosas. Ahora también estoy experimentando mucho
con EQ’s dinámicos, que son un poco más únicos que la compresión
multibandas. El que estoy utilizando ahorita es uno de Melda Productions y
lo he estado probando en los últimos meses.”

4.) Lu Diaz
Lu Diaz es un Ingeniero que tiene créditos importantes con artistas como: (P
Diddy, Beyoncé, 50 Cent, May J Blige, etc.) él nos comparte su opinión:
” Realmente me encanta el EQ de Izotope Ozone 5, creo que es el EQ más
transparente que he escuchado en un plugin. No lo utilizo tanto porque me
gusta mucho también como suena el canal de SSL – lo utilizo para agregar
color. Hay veces que me voy directo a un EQ regular de fábrica como el
Avid EQ7 dependiendo de qué es lo que esté sucediendo. Lo utilizo mucho
para quitar las frecuencias bajas y agregar un poco de algo crujiente por
ahí y por allá. Pero mi EQ al que siempre acudo es el Canal SSL de Waves y
lo utilizo mucho solo porque es muy bueno para mi primer paso por la
mezcla.”

5.) Ethan Mates

Ethan Mates es un Ingeniero reconocido por sus créditos con bandas
importantes como: (Linkin Park, Red Hot Chilli Peppers, Tupac, Black Eyed
Peas, entre otros) él nos comparte sus gustos:
” En términos de EQ tiene un poco de truco, pero yo te diría que algo que
es más interesante para mí que un EQ pasó nada más es algo como el
Soundtoys Radiator o el Decapitator. Estos plugins agregan carácter y
saturación, más que un EQ normal, y esto se me hace muy interesante.
Tengo muchos EQ’s análogos, entonces soy afortunada de no tener que
hacer mucha EQ en la computadora. Algo que si utilizo mucho es el Canal
SSL de Waves para aplicar los Filtros De Paso Alto y Bajo y a veces las
compuertas de ruido.”

Conclusión
Estos son solo algunos de los plugins más utilizados por algunos profesionales.
Obviamente hay muchísimos más, pero es un adentramiento a la forma de
pensar de algunos que hacen este trabajo todos los días, pero que además
de eso tienen un éxito rotundo. Es importante recalcar aquí también que
algunos siguen regresando a los plugins de fábrica, cosa que podría
sorprender a muchos, pero que realmente nos deja ver que no importa tanto
el barco si no el capitán.
Cómo Usar Ecualización Mid Side
Hay muchas razones por las cuáles queremos lograr que nuestras mezclas
suenen bastante amplias. Una mezcla que perceptiblemente suene más
llena y más amplia sonará “mejor” para el escucha. Crear una mezcla que
suene más presente, pero con una textura sonora más interesante puede
agregar interés a las diferentes secciones de una canción o en sí mejorar el
arreglo de una pista.
Una mezcla amplia puede ser lograda con una variedad de técnicas de
paneo e ampliación de la imagen estéreo, incluyendo un arma secreta del
Ingeniero de Mezcla: Procesamiento Mid Side. Mid Side es una manera
altamente efectiva de hacer ajustes a la especialización de una mezcla o
master.
El canal Mid es el centro de una imagen de audio estéreo. Cuándo el Mid
se incrementa, el escucha percibe un sonido más cargado hacia el centro,
más monoaural.
El canal Side son los extremos de la imagen estéreo. Cuándo el Side se
incrementa, el escucha percibe un sonido mucho más espacioso.

Básicos De Reverberación
La reverberación es una herramienta indispensable para nuestras mezclas
ahora en día, de hecho, desde siempre ha sido parte fundamental para
cualquier mezcla.
La reverberación es la que nos permite posicionar a los diferentes
elementos/instrumentos dentro de la mezcla dentro de un mismo espacio, y
además nos permite crear efectos especiales para darle un sonido
auténtico a nuestras mezclas.
Por eso, en este video quiero mostrarte los parámetros básicos de
reverberación para que tengas un entendimiento más claro de ellos y
puedas aplicarlos correctamente para el sonido y espacio que estés
buscando crear.

Básicos de reverberación
Aunado al tiempo de duración de la reverberación, el cuál es el parámetro
más conocido, hay muchos otros parámetros manipulables que te ofrecen
los diferentes plugins para moldear el sonido a tu gusto.
Te encontrarás y te explicaré parámetros cómo:
 Early Reflections
 Pre-Delay
 Tiempo de reverberación
 Reverb Damping
 Diffusión
 Densidad
Entre otros parámetros que, al entenderlos, tendrás ese momento de
iluminación y de aquí en delante podrás ahora entender claramente cómo
funciona un reverb.

Los 5 Principales Tipos de Reverberación

Una herramienta muy subestimada y a veces poco comprendida hoy en día
es el uso de la reverberación en las mezclas.
Digo esto debido a que, en mi opinión, la reverberación es un factor clave
para darle vida a una mezcla, y es un error de principiantes dejarlo pasar.
La cosa aquí es. ¿Cuáles son los tipos de reverberación? Es importante saber
que es una herramienta que nos puede dar una cantidad grandísima de
opciones, y simplemente pensar “voy a agregarle reverberación a este
canal” sin saber qué intención quieres darle al sonido, puede llegar a ser un
poco ambiguo.
Es importante que conozcas los parámetros básicos de la reverberación,
para que tengas una noción de cómo funciona y cómo controlar un poco
el sonido al que quieras llegar.

¿Qué es la reverberación?
Antes de conocer los 5 principales tipos de reverberación, primero hay que
definir un poco este concepto.
La reverberación es un efecto que nos permite posicionar los diferentes
elementos/instrumentos dentro de una mezcla en un mismo espacio,
permitiéndonos crear efectos espaciales para darle un sonido auténtico a
nuestras mezclas.
Como una definición más detallada, la reverberación es el sonido que
rebota dentro de un espacio, pero los sonidos que rebotan son más
complejos de lo que parecen, ya que desde la reflexión inicial hasta lo último
que se escucha, es una acumulación de reflexiones que tienen variaciones
al mismo tiempo.

Diferencia entre reverberación y eco

De igual manera, es importante conocer la diferencia entre la reverberación
y el eco, lo cual es muy común que se confunda, sobre todo cuando
hablamos con gente que no conoce muy bien estos términos de mezcla.
Sí. Todos hemos escuchado ese “Oye, ¿puedes agregarle un poco de eco
aquí?” que nos parte un poco la cabeza al no saber si hablan de eco o
reverberación.
La diferencia principal es el número de repeticiones del sonido por
milisegundo. La reverberación es percibida cuando la onda de sonido llega
al oído en menos de .01 segundos después de que el sonido original se
emitió.
Tipos de reverberación principales
Los tipos de reverberación dependerán del tamaño y de la forma del cuarto
donde el sonido esté rebotando.
Por ejemplo... Un cuarto pequeño hace mucho menos reflexiones que una
sala de conciertos, y la sensación del espacio definitivamente va a ser
mucho mayor en la segunda opción.
Es importante mencionar que estos tipos de reverberación pueden
controlarse digitalmente, por lo que es recomendable que el sonido al cual
le agreguemos este efecto tenga poca reverberación natural, ya que, si
cuenta con reverberación natural exagerada, el resultado puede llegar a
ser desastroso.
Existen 5 tipos de reverberación con los que podrás encontrarte:
 Reverberación de cuarto (Room)
 Reverberación de cámara (Chamber)
 Reverberación de sala (Hall)
 Reverberación de placa (Plate)
 Reverberación de resorte (Spring)

Reverberación de sala (Hall)

Este es uno de los tipos de reverberación que hacen referencia al sonido
que se escucha en una sala de conciertos.
Normalmente, las salas de conciertos están hechas de manera que se
produzca una reverberación de 1.2 a 1.3 segundos o mayor.
Ya que es muy poco probable o puede resultar terriblemente costoso el
acceder a una sala de conciertos para grabar este sonido natural, la mejor
opción es manipularlo digitalmente.
Como su nombre lo dice, este tipo de reverberación puede ser una
excelente opción para mezclar cuerdas y dar esa sensación de concierto
en vivo, dándole a la mezcla mucha autenticidad.
Reverberación de cuarto (Room)
Este es uno de los tipos de reverberación que hacen referencia al sonido
que puedes escuchar en un cuarto.
El sonido de este tipo de reverberación variaría dependiendo del tamaño
del cuarto y las características físicas que éste posee.
Este tipo de reverberación puede escucharse en las canciones de rock
clásico, tales como Aerosmith o Led Zeppelin.
Esta reverberación puede grabarse de manera natural si contamos con un
cuarto que tenga reverberación controlada, tal como un live room.
Por ejemplo, si estamos grabando una batería o un amplificador es muy
buena opción poner un micrófono condensador en el cuarto para captar
la reverberación natural, y controlando el volumen de éste en la mezcla.
De igual manera este tipo de reverberación puede producirse de manera
digital, así que siempre es bueno conocer ambas opciones.

Reverberación de cámara (Chamber)

Este es uno de los tipos de reverberación que hace referencia a un espacio
más pequeño que una sala en la que el sonido puede escucharse con más
claridad, produciendo también una mezcla armónica y la dispersión del
sonido original.
Una cámara es normalmente de forma rectangular, construido con
materiales como cemento y madera, lo cual afecta directamente el sonido
original.
La reverberación de cámara típica varía entre .4 y 1.2 segundos.
Esta reverberación se ha usado a lo largo del tiempo en pequeños
ensambles de cuerdas, dando la sensación de que se están escuchando en
un cuarto con madera y vidrio, lo cual hace que cada instrumento pueda
escucharse con claridad sin perderse en una reverberación tan grande.
Reverberación de placa
Este es uno de los tipos de reverberación que es artificial, el cual hace
referencia al sonido de una
placa de metal que vibra cuando un sonido rebota contra su superficie.
Cuando se produce de manera analógica, con el procesador físico tiene un
transductor que produce una onda de sonido, la cual se propaga a través
de metal, seguido de otro transductor que recibe el sonido en diferentes
tiempos y niveles dependiendo material de construcción de la placa.
De igual manera, ya contamos con formas de producir este tipo de
reverberación de manera digital y usarlo según nuestras intenciones
creativas dentro de nuestras mezclas.

Reverberación de resorte
Este es otro de los tipos de reverberación artificial, el cual es parecido a la
reverberación de placa debido a que también es un aparato el cual utiliza
transductores para producir y recibir las ondas de sonido a través de un
dispositivo físico, en este caso un resorte.
Este tipo de reverberación es comúnmente usado en amplificadores de
guitarra. Un ejemplo clásico es el Fender Twin Reverb.
Este tipo de reverberación puede ser una excelente opción para mezclar
guitarras y voces, al igual que instrumentos de viento.

Resumen
El uso de la reverberación es de suma importancia para transmitir el mensaje
de una canción. El hecho de no usar reverberación puede resultar en una
canción que no suene agradable para escuchar, dando una sensación de
sequedad o de un sonido muy “muerto”.
La reverberación puede generar ambiente y emoción a tus mezclas, y
puede darte a ti una opción para expresar tu creatividad.
Por ejemplo, si tienes una canción muy emocional, tal como la de “Hello”
de Adele, añadir reverberación a la mezcla puede ser una opción para
darle un toque más emotivo a la canción, a diferencia de si tuviéramos una
canción con una intención mucho más feliz.
Como Ecualizar y Comprimir Un Reverb
Los efectos en una mezcla para mi forma de verlo son tan importantes como
la ecualización y compresión. Obviamente que los efectos caerían en el
tercer lugar entre los procesamientos que nombré previamente, pero creo
que aun así su importancia es inevitable. La gran mayoría de las
producciones/mezclas discográficas cuentan con algún tipo de efecto, ya
sea reverb, delay, chorus, etc. Algunas mucho más notables que otras, pero
todas tienen algún tipo de efecto impreso. En este video tutorial de hoy te
voy a enseñar la importancia de saber “Como Ecualizar y Comprimir Un
Reverb.”

EQ y Compresión
¿Por qué utilizar ecualización y compresión en un reverb? Te explico. En una
mezcla tenemos un rango de frecuencias con las que podemos trabajar,
algunas frecuencias las percibimos, algunas no, pero independientemente
de eso si la información de esas frecuencias que no percibimos está ahí, la
mezcla se puede ver afectada aún.
Generalmente un efecto como un Reverb tiene a reproducir un rango de
frecuencias bastante extenso. Sobre todo, las frecuencias obviamente más
problemáticas con las frecuencias bajas y frecuencias agudas. Si dejamos
muchas frecuencias bajas en el reverb la mezcla puede tornarse bastante
sucia, sin definición, el bombo y el bajo perderían claridad y general la
mezcla sonaría muy amateur. Al contrario, si dejamos mucho de las
frecuencias agudas, el Reverb puede parecer muy prominente y puede
distraer mucho al escucha a identificar el efecto y el mensaje de la canción
perdería todo su sentido.
Por eso es que la ecualización y la compresión son muy importantes. Para
lograr moldear este efecto en la mezcla debidamente y que nuestras
mezclas suenen profesionales. Realmente el proceso es súper sencillo, no
necesitas ser un profesional para poder llevarlo a cabo así que estoy seguro
que será una herramienta más para agregar a tu arsenal y lo podrás utilizar
al instante.
Técnicas de Delay: Delay Dinámico
El delay es una de mis herramientas de efectos favoritas, si no es que la que
más me gusta.
Para mi gusto, siento que, a diferencia de un reverb, el nivel de creatividad
que puedes explayar a través de la manipulación adecuada de sus
parámetros, te puede llevar a conseguir sonidos muy interesantes.
Lo importante es que una vez que vas forjando tu camino cómo Ingeniero
de mezcla, empiezas a aprender nuevas técnicas que te hacen mejor, en
este caso nuevas técnicas de delay fuera de lo común.
Conforme te vas haciendo de más experiencia, tu capacidad creativa y tu
nivel de habilidad te permiten experimentar más y más, hasta que logras
resultados sonoros bastante auténticos.
En este caso una de las técnicas de delay que te quiero mostrar es el delay
dinámico.

¿Qué es el delay dinámico?

Si aún no sabes que es un delay, te recomiendo primero leas este
artículo: “Delay: Controles y Funciones.”
O bien también puedes ver este video: “4 Efectos Básicos De Delay.”
Si ya tienes un entendimiento claro, entonces sabrás que el
delay generalmente lo ponemos a través de un auxiliar para poder enviar
señal a través de él y que sucedan las repeticiones.
En este caso no hago nada fuera de lo común, simplemente que después
del delay aplico un compresor de una forma bastante peculiar que te va
ayudar a cumplir un objetivo.
¿Qué objetivo cumplirás con esta técnica de delay?
Repeticiones limpias y sin obstruir y enmascarar a la demás instrumentación.
¿Cómo funciona?
En vez de explicártelo aquí en palabras, mejor te invito a que veas el video
donde te muestro paso por paso cómo lograrlo y además lo escucharás en
un ejemplo.

3 Trucos De Delay Diferentes

Hoy te comparto un tutorial en donde te enseño 3 trucos de delay diferentes.
Estos los puedes usar de manera habitual o creativa en tus mezclas.

¿Qué tiene de especial el delay?

El delay es una herramienta que te brinda muchos colores en una mezcla,
desde la falsa imaginación de un espacio a través de los slap delays, hasta
eventos creativos bastante memorables con su variedad de repeticiones a
diferentes tiempos.

En este video te vamos a mostrar:

 Por qué a veces es bueno poner el delay de inserto en la pista
individual en vez de en un canal auxiliar.
 Delay como un efecto de modulación para darle más movimiento a
cualquier instrumento.
 Cómo utilizar el efecto a través de un canal auxiliar para crear
repeticiones creativas después de una frase
Realmente creo que estos 3 trucos de delay diferentes son básicos para que
lleves a cabo una buena implementación de ellos en tu mezcla.
4 Efectos Básicos De Delay
El delay es una excelente herramienta que, si la sabes utilizar
apropiadamente, puede transformar tus mezclas amateurs en mezclas
mucho más profesionales.

¿Por Qué?
El delay puede brindarte una amplia paleta de texturas y de efectos que
casi ningún otro efecto puede brindarte.
¿Cuáles son las ventajas del delay?
Para mí, el delay es mi recurso y efecto favorito porque con una misma
herramienta puedes lograr diferentes sonidos cómo:
 Repetición de frases
 Sensación de espacio y profundidad
 Movimiento
 Chorus
En este tutorial quiero compartirte 4 efectos básicos de delay que puedes
utilizar fácilmente en tus mezclas:

1.) Slap Delay

Este es el delay más básico, con un efecto vintage que es muy parecido a
un Reverb, ya que brinda una sensación de profundidad y espacio utilizando
tiempos de delay muy cortos.

2.) Delay Sincronizado

Este es, probablemente, el delay más común que estés acostumbrado a
escuchar. Los tiempos de delay van en sincronización con el tempo original
de la canción y pueden variar entre semicorcheas, corcheas, negras,
blancas, redondas, con puntillo, tresillo, etcétera.
3.) Delay Doblado
Este delay utiliza tiempos aún más cortos que el Slap Delay y produce un
efecto muy interesante de chorus y doblado, dándole a las pistas un rol
protagonista.

4.) Delay Ampliador

Un excelente recurso cuando quieres hacer una pista mono a un efecto
pseudo-estéreo. Basado en un efecto psicoacústico revelado por el físico
Helmut Haas, el delay ampliador siempre lo termino utilizando por lo menos
alguna vez en mis mezclas.
Aquí te comparto varias maneras creativas para utilizar delays:
 Cómo Usar Un Ping Pong Delay Creativamente
 Cómo Usar Un Delay – 3 Trucos Diferentes


En Resumen…
Si utilizas apropiadamente estos 4 efectos básicos de delay en tus mezclas,
notarás una gran diferencia en tu resultado final.
Pero también, no solo es importante saber cómo utilizarlos, sino entender
cuándo y por qué.
Si te interesa aprender más a fondo, te recomiendo el nuevo Curso De Delay
Profundizado, donde te enseñaré cómo utilizar estos y muchos otros tipos de
delay, pero más importante, el por qué y cuándo utilizarlos en diferentes
situaciones de mezcla.
Como Mezclar La Voz Con Un Solo Plugin
Como Mezclar La Voz
La voz es uno de los instrumentos más hermosos, pero a la vez uno de los más
difíciles cuando se viene la hora de grabar y de mezclar. ¿Por qué? Porque
si te pones a pensar es el instrumento más único y dinámico que existe.
Algunos cantan con gran proyección, otros cantan un poco más tímidos,
algunos cantan con una voz más rasposa, otros con una más airosa, en fin,
entiendes mi punto. Aunado a esto tenemos que agregar al reto que la voz
de las personas es algo que estamos acostumbrados a escuchar día con
día, entonces cualquier pequeño detalle extraño en la mezcla o grabación
de una voz nos llamará la atención de inmediato.
¡En este video te mostramos Como Mezclar La Voz, CON UN SOLO
PLUGIN! ¡¿Pero cómo?!! ¡¿No se supone que es lo más difícil de mezclar y me
estás diciendo que lo vas a lograr con un solo plugin?! Precisamente así lo
haré. Te pido por favor veas este video y juzgues por ti mismo/a.

Cómo Mezclar La Voz Con Más Cuerpo y Presencia

En este video tutorial el título lo dice todo “Cómo Mezclar La Voz Con Más
Cuerpo y Presencia” creo que no necesita más explicación. Lo que sí te
puedo decir es que el truco que te voy a enseñar realmente es algo que
quizá no te esperes y es un truco que va ayudar a que la voz en tu mezcla
suene súper presente y no se pierda ninguna frase. Sobre todo, es muy
importante esto cuando tienes una mezcla contemporánea en la que la voz
tiene que estar súper al frente.
Para darte un pequeño resumen el truco que utilizamos involucra un plug-in
que juguetea un poco con la entonación de la señal, en este caso la voz.
Lo más increíble es que con este truco vas a aprender a cómo crear vocales
pseudo-dobladas sin haber grabado una sola toma doble. También te
enseño como procesar estas ‘nuevas’ voces para que embonen
perfectamente con la voz original y le den ese “cuerpo y presencia” En fin,
no quiero arruinártelo todo porque creo que el video está mucho más
sencillo y mucho más informativo.
Como Mezclar La Voz Con Una Pista Instrumental
A lo largo de mi experiencia como Productor e Ingeniero y mi trabajo en
muchos estudios de grabación me he dado cuenta que cada vez más y
más gente acude a los estudios de grabación a grabar su voz encima de
una pista instrumental. ¿Qué quiere decir esto? Que el cliente trae consigo
la pista instrumental en estéreo y graba su interpretación encima de ella. Por
eso es que en el video del día de hoy te voy a enseñar “Como Mezclar La
Voz Con Una Pista Instrumental.”
¿Por qué es importante que sepas hacer esto? Te lo voy a poner súper
sencillo. Como ya sabes la mezcla es un proceso el cuál involucra dos partes
importantes, la parte técnica y la parte creativa. Dentro de la parte técnica
yace el proceso de que tenemos que crear espacio con ecualización,
compresión, etc, para que cada instrumento pueda ser percibido
adecuadamente. La parte creativa involucra más el crear ciertos sonidos y
efectos distintivos para mantener al escucha interesado en la canción.
El mezclar la voz contra una pista instrumental creo que involucra un poco
más la parte técnica, aunque sin dejar a un lado la parte creativa, déjame
te digo por qué. La finalidad de mezclar la voz con una pista instrumental es
hacer que suene como si es voz fue grabada exactamente para esa pista.
El problema es que la mayoría de las veces nosotros no podemos saber
exactamente qué tipo de procesamiento se utilizó para mezclar la pista
instrumental, por lo que tenemos que ‘adivinar’ cómo hacer que suene lo
más integrada posible. En este video te voy a enseñar exactamente cómo
hacerlo:

Cómo Usar Compresión Paralela En La Voz

La voz, como siempre lo he dicho, es el elemento más importante en una
mezcla. Al mezclarla en conjunto con toda la demás instrumentación, sea
muy densa, o muy escasa, necesitamos asegurarnos de poder escuchar
cada palabra y cada detalle de la ejecución para que la emoción se
transmita correctamente. Hay veces que solamente con los procesamientos
simples como la EQ y la Compresión, no podemos lograr ese resultado. En
este video te voy a enseñar Cómo Usar Compresión Paralela En La Voz.
¡Este procesamiento agresivo mezclado detrás de la pista original hará que
la voz suene mucho más consistente y uniforme a lo largo de toda la canción
lo que te hará ver como un Ingeniero de mezcla rockstar!

Cómo Usar Un Compresor Multibandas En La Voz

Probablemente siempre te has preguntado, ¿Cómo le hacen los
profesionales para obtener esas mezclas de voz tan nítidas, claras y
definidas?
Pareciera que todo es un misterio.
Pensamos que quizá es porque muchos mezclan en consolas analógicas a
las cuales obviamente no tenemos acceso por su alto costo, o quizá,
simplemente es por equipo que nosotros no tenemos.

¿Será realmente eso?

La verdad, es que la respuesta a este dilema está muy lejos de ser
simplemente el equipo, sino más bien, el saber utilizar las herramientas
adecuadas de forma adecuada para lograr un excelente trabajo.
En este tutorial te quiero demostrar cómo usar un compresor multibandas en
la voz; una herramienta que ha hecho que mis voces suenen mucho más
profesionales.

Los procesos comunes

Mezclar la voz correctamente no es tarea fácil, a decir verdad, es un
elemento bastante complicado.
Todo depende del cantante, el micrófono que utilizó para la grabación, su
textura, entre otras cosas.
Ninguna voz es exactamente igual, por lo que su procesamiento en cada
mezcla siempre será distinto a la de alguien más.
Para empezar, es importante tener los procesamientos comunes cómo EQ,
Compresión y efectos bien amaestrados.

¿A qué me refiero con esto?

A que tengas un plan en mente.
Que realmente sepas el porqué de tus acciones y el resultado objetivo al
cuál quieres llegar.
Si todavía no te sientes muy seguro de esto, te recomiendo mi Curso De
Mezcla Básico: El Arte Del Balance donde te enseño a dominar todos estos
procesos fundamentales.

La compresión multibandas
Ya que tienes un entendimiento claro de los procesos comunes, te invito a
que explores con este tipo de compresión un poco más avanzada.
¿Por qué más avanzada?
Porque prácticamente en la compresión multibandas tienes múltiples
compresores esparcidos a lo largo de distintas bandas que cubren todo el
rango de frecuencias de una señal.
Esto te permite mucho más control sobre una señal en donde un uso
excepcional es la voz.
Tony Maserati, uno de los Ingenieros de mezcla top, comenta: “El compresor
multibandas me permite compensar la dinámica de una voz conforme va
pasando a través de diferentes registros en la canción.”
En este ejemplo, te mostraré cómo usar un compresor multibandas en la voz
en una situación en donde se estaba saliendo un poco de control en solo
unas partes de la mezcla.
Este tipo de compresor fue la solución perfecta.
Cómo Usar Reverb En La Voz Correctamente
La voz, como ya lo hemos venido platicando en videos y artículos anteriores
es el instrumento más importante en una mezcla. Es el instrumento que
transmite el mensaje al escucha para que él/ella se sienta identificados o no
con la canción. Para lograr una buena mezcla de voz se necesitan tener
todos los eslabones de la cadena bien fuertes y saludables. Todo empieza
por una buena grabación para después poder llevar a cabo una buena
mezcla con procesamiento como EQ’s, Compresores, y Efectos. En este
video te voy a enseñar “Como Usar Reverb En La Voz Correctamente”
El reverb en la voz es uno de los efectos más utilizados en las mezclas desde
que empezaron a existir. Es el efecto que le brinda a la voz una sensación
de espacio, profundidad y realismo. Además, es el efecto que puede hacer
que una voz se despegue por completo de la instrumentación si es mal
utilizado o bien, que embone perfectamente si se utiliza correctamente.
En este video te voy a enseñar como manipular los parámetros adecuados
para lograr que tu voz logre ese embone perfecto con la instrumentación.
Recuerda que si quieres entrar más a detalle en todo lo que respecta a
efectos para la voz y demás aplicaciones tenemos disponible nuestra
academia Audioproduccion Academy a un precio de introducción de solo
$11.99 USD mensuales. Si das click en el enlace te llevará a la página donde
te explicamos a detalle todos los beneficios que obtienes al hacerte
miembro de la academia.