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Danza del Baila viejo

Danza- prehispánica originaria del municipio de Nacajuca, de

carácter religioso, celebrada en las fiestas dedicadas a los Santos
Patronos de las comunidades. Es una manifestación para dar gracias
y pedir por los difuntos, participando en su escenificación de cuatro a
cinco personas.

Biografia- a música y danzas que una comunidad crea y ejecuta a lo

largo del tiempo y de generación en generación, constituyen sólo una
muestra de la variedad de expresiones que conforman lo que hoy en día se
denomina patrimonio cultural inmaterial. En ambos casos su reproducción
suele acompañar ceremonias, ritos, fiestas u otro tipo de eventos de carácter
público o privado, desarrollados por un pueblo como parte integral de su
cultura. Desafortunadamente, los diferentes procesos de globalización, el
fenómeno de migración ―en especial del género masculino―, el costo para
la realización de las fiestas, la escasez de materias primas para elaborar
instrumentos musicales, entre otros aspectos, han dado lugar a la pérdida
paulatina del patrimonio cultural inmaterial de la población yokot’an ―o
mayas chontales de Tabasco―, de ahí la importancia de hacer un registro de
estas expresiones a partir de las cuales es posible sugerir algunas acciones a
realizar para su conservación. L Una de las danzas más antiguas de Tabasco
que evidencian fuerte raigambre prehispánica es el “Baila Viejo”,2 que al
igual que la “Danza de las Sardinas” y la del “Pocho”, se diferencian del resto
de danzas tradicionales practicadas en el estado, porque éstas últimas
recrean pasajes bíblicos como la lucha de David y el gigante Goliat, o son
escenificaciones que relatan el momento de la conquista, como la danza del
Caballito Blanco,3 mientras que las primeras están relacionadas con el culto a
la fertilidad y la agricultura.
Fernando Hernández Isidro

Danza del Caballito

Danza-Esta danza es originaria de la población de Tamulté de

las Sabanas en el municipio de Centro. Tiene un carácter guerrero de
tiempos de la Conquista, y pertenece al grupo de las danzas de
conquista y teatro ritual. También conocida como "danza del Caballito
Blanco" representa el combate entre los indígenas tabasqueños contra
los españoles, en la batalla de Centla. De clara acepción mestiza,
escenifica la lucha entre dos guerreros bravíos, se baila generalmente
en las festividades a San Francisco de Asís, patrono de la comunidad.
Participan en esta danza, un danzante indígena con máscara, quien va
a pie; un danzante a caballo representando a un español y
el "promesero" o "Señor de las Promesas" que son las personas del
pueblo que siguen la peregrinación con una ofrenda, por lo que se
baila a dos tiempos.
BIOGRAFIA- Esta danza es originaria de la población
mexicana de Tamulté de las Sabanas en el municipio de Centro.
Tiene un carácter guerrero de tiempos de la Conquista, y pertenece
al grupo de las danzas de conquista y teatro ritual. También
conocida como "danza del Caballito Blanco" representa el combate
entre los indígenas tabasqueños contra los españoles, en la batalla de
Centla. De clara acepción mestiza, escenifica la lucha entre dos
guerreros bravíos, se baila generalmente en las festividades a San
Francisco de Asís, patrono de la comunidad. Participan en esta
danza, un danzante indígena con máscara, quien va a pie; un
danzante a caballo representando a un español y el "promesero" o
"Señor de las Promesas" que son las personas del pueblo que siguen
la peregrinación con una ofrenda, por lo que se baila a dos tiempos.

* Fecha en que se baila: 4 de octubre Poblado Tamulté de las

Sabanas, municipio de Centro, poblado Quintín Aráuz, municipio
de Centla y poblado Olcuatitán, municipio de Nacajuca. También se
baila el primer viernes de cuaresma y en honor de los santos
patronos: Santiago Apóstol y San Francisco de Asís.

* Indumentaria: Ropa de manta.

* Accesorios utilizados:
Frutas, flores, velas, palias bordadas, una figura de caballito y una
máscara. El caballito y Jinete: confeccionado con una armazón de
madera y tela blanca. Lleva bordados en la montura con motivos
florales. Hacia ambos costados del caballo sobre la montura se
observan lo que simulan ser las piernas del danzante, confeccionadas
con tela y zapatos de niño. Cabe señalar que la armazón es hueca y
para colocarse se auxilia de dos cuerdas de ixtle que van colocadas a
los costados del caballito, pasándolas de forma cruzada sobre su
pecho y la espalda. El ejecutante porta en su mano derecha un
machete y con la mano izquierda simula llevar el cordel del caballo.
El indígena: viste con ropa común. Sus elementos son una máscara
de madera pintada en color café. La cual lleva una cabellera de ixtle.
En la mano derecha porta un machete y en la mano izquierda una
sonaja que hace sonar al compás de la música.
Desde 1956, comenzó nuevamente esta costumbre que aún
predomina en los poblados ya mencionados.5
JOSE FCO. JIMENEZ REYES

Danza de los Blanquitos

Danza- originaria del municipio de Tenosique, y es de carácter

religioso, celebrada durante el Carnaval de Tenosique, el primer
domingo. De clara ascendencia mestiza, esta danza trata de mostrar
una protesta de tipo racial, en la que los esclavos negros traídos
del Petén se revelan ante el hombre blanco, usando la danza a
manera de una venganza simbólica hacia los patrones blancos, ya que
el capataz es de color negro. En esta danza participan un capataz
negro y su mujer, y "blanquitos".6
BIOGRAFIA- La danza de los blanquitos muy probablemente fue
introducida a Tenosique entre los años 1880 – 1890 por un personaje
de la raza negra de nombre José Pérez. Esta danza representa una
particular forma de protestar ante la represión de que fueron objeto los
esclavos negros en el difícil trabajo de talar las selvas para extraer las
maderas preciosas y chicle del árbol de Chicozapote. Usando la danza
a manera de una venganza simbólica hacia los patrones blancos, ya
que el capatáz es de color negro.6
Aunque hay otras versiones de que esta danza ya era bailada por los
mayas quienes se pintaban el cuerpo de blanco con "Sascab" o tierra
de lodo blanco, y se decoraban con manchas negras haciendo una
remembranza del jaguar. Llevaban en la cabeza una especie
sombrero en forma de "cono" del cual en la punta salían cintas de
colores hechas con fibras de henequen y pintadas con pigmentos
naturales de colores. Esta danza era bailada en señal de ofrenda a
sus dioses, para obtener buenas cosechas y una pesca abundante. A
la llegada de los españoles, estos erradicaron las costumbres
indígenas, por lo que la danza dejó de bailarse. Posteriormente, entre
años de 1880 - 1890, la danza fue usada de nuevo, ahora por un
personaje de raza negra de nombre José Pérez, para protestar contra
la represión de que eran objeto los esclavos negros en el difícil trabajo
de talar las selvas para extraer las maderas preciosas y chicle del
árbol de Chicozapote. Este personaje cambió las manchas negras que
usaban los mayas emulando al jaguar, por una gran cruz color negra,
pintada en el pecho, tal y como se baila ahora.7

Danza del Caballo y el Gigante]

Danza- Esta danza chontal, también llamada "Danza del Gigante y

el Caballo" o "Baila Gigante", es originaria de la comunidad de
Tecoluta en el municipio de Nacajuca. Es de claro carácter religioso y
se celebra en honor de la fiesta de la Virgen de la Asunción. De clara
descendencia mestiza, esta danza involucra a dos personajes,
el Apóstol Santiago y el gigante Goliat.8

Biografia-Esta danza se remonta a la época inmediatamente

posterior a la conquista de Tabasco, cuando los religiosos españoles
utilizando los ritos y las ceremonias que los propios indígenas
utilizaban para celebrar a las deidades, las transforman
imprimiéndoles el sentido de la religión católica, con pasajes y
personajes bíblicos, creado, así, junto con las culturas indígenas, un
sincretismo cultural con los fines de evangelización.8 Lo singular de
esta danza chontal, consiste en la El Señor Apóstol Santiago va dentro
de un caballito blanco hecho de jahuacte y manta. Antiguamente la
música era interpretada con tambores de cedro y cuero de venado, y
una flauta de carrizo (pito) con boquilla de cera, llamada flauta
"pochó". Ahora la danza se acompaña con zapateos y "marchas"
ejecutadas por una banda de música de viento.10
Los danzantes y los ofrecedores recogen las ofrendas preparadas
previamente en los diferentes hogares, ejecutando la danza frente a
los altares de cada casa, se llevan después las ofrendas a la puerta de
las iglesias y los ofrecedores, los danzantes y los acompañantes, dan
una vuelta al templo. Solamente los ofrecedores y los patrones se
encargan de introducir las ofrendas a la iglesia y las dejan depositadas
ahí mismos. Los danzantes y los tamborileros permanecen fuera del
templo.11
Las flores, frutos, velas o "palias" que componen las ofrendas se
entregan a los ofrendadotes, ancianos rezadores, quienes interceden
con la virgen comunicándole que la familia viene a entregarle lo mejor
de su cosecha, para obtener su protección.

Danza de David y Goliat

Danza-Esta danza se baila en la población de Culico, en el

municipio de Cunduacán, y es una representación del pasaje bíblico
donde narra la lucha que sostuvo el joven hebreo David, en contra del
gigante Goliat. Esta representación y danza contiene elementos del
sincretismo cultural que mezclan lo europeo y lo indígena ya que
Culico, es un poblado antiguo de ascendencia nahuatl.12

Biografia- Al igual que la "Danza del Caballo y el Gigante", esta

danza se remonta a la época inmediatamente posterior a la conquista
de Tabasco, cuando los religiosos españoles utilizando los ritos y las
ceremonias que los propios indígenas utilizaban para celebrar a las
deidades, y las transforman imprimiéndoles el sentido de la religión
católica, con pasajes y personajes bíblicos, con fines de
evangelización.13 Se cree que fueron los misioneros que fundaron el
convento de Huimango, población vecina de Cúlico , situada a sólo
dos kilómetros de distancia, los que a pesar del poco tiempo que
permanecieron en la región, entre los años 1578 y 1583, pudieron
enseñar a los indígenas esta danza que se arraigó finalmente en ellos.

Danza del Pochó

: Carnaval de Tenosique

Danza-Es una danza que se realiza durante el Carnaval de

Tenosique. De origen prehispánico, esta danza era practicada como
parte de una ceremonia religiosa de culto a sus dioses. Cuando los
conquistadores convirtieron a los indígenas al cristianismo, esta danza
siguió ejecutándose y es así como se conserva hasta nuestros días.17
Biografia-sus tradiciones y folklore, la más
mencionada es la danza de “El Pochó”, de origen
precolombino, la cual considerada como la mas bella y
misteriosa de Tabasco. Esta danza cuenta con
personajes como: cojóes, pochoveras y tigres que
bailan en calles y plazas de la ciudad al compás de la
música de viento y percusión, lucen espléndidos
vestimentas confeccionados con grandes hojas, flores,
canastillas de chicle y máscaras de madera; esta danza
simboliza la purificación del hombre de su lucha entre
el bien y el mal, concluyendo con la muerte del Pochó
– o Dios maligno – quien es vencido y quemado el
mates de carnaval. Se baila del 19 de enero al martes
de carnaval en Tenosique.

Tres son los personajes que intervienen en el desarrollo

de esta danza: las Pochoveras, doncellas de las flores
y sacerdotisas del dios Pochó encargadas de mantener
el fuego encendido y vigilar su altar. Su vestimenta
consiste en una falda larga, su sombrero adornado con
flores, hojas y su reboso.

Los Cojóes, hombres creados de la pulpa del maíz que

representaron una ofensa para el dios Pocho, motivo
por el cual los hizo disfrazar para imitar a los hombres
de madera. Su vestimenta es la más original y cosiste
en una faldilla de las hojas de castaña y un tosco costal
con el que se cubren el torso, en el rostro llevan una
mascara de madera la cual puede ser pintada de
diversos colores, lleva además un sombrero bien
adornado con flores y hojas y como accesorio un palo
largo con hueco de huarama llamado psiquis que suena
como sonaja por las semilla de changala que lleva
adentro.

Danza de la Pesca de la sardina

Danza- originaria de Villa Luz en Tapijulapa, municipio

de Tacotalpa. Es una danza de carácter social, mestizo y festivo,
celebrada en el desarrollo de la Cuaresma, es una manifestación con
motivo de representar esta actividad, a manera de ofrenda, participa
"el viejo" o mayordomo y los pescadores.18

Biografia- Danza originaria de Villa luz Tapijulapa (Tacotalpa),

Tabasco de carácter social, mestizo y festivo, celebrada en
el desarrollo de la Cuaresma, es una manifestación con motivo de
representar esta actividad, a manera de ofrenda, participa "el viejo" o
mayordomo y los pescadores.
Fechas:
Movible hasta la semana más cercana a la Semana Mayor de la
Cuaresma
Música e instrumentos: sones de danza, flauta de carrizo y tambor.
Indumentaria: ropa de manta tradicional o de diario.
Accesorios: maleta de barbasco, canasto con flores y velas
Argumento etnográfico
Esta fiesta de antecedentes prehispánicos es llevada a cabo en la
cueva del viejo que se encuentra en la comunidad de Villa luz,
Tapijulapa. Comienza con las rayada de la cueza en los arroyos que
se encuentran cerca de la cueva (Arroyos de Azufre) allí preparan las
maletas de barbasco con cal que envuelven en hojas de Tanay y las
que llevan a la entrada de la cueva colgadas de su hombro. Los
jóvenes sostienen justo con un canasto lleno de flores, una vela
amarrada en el; cuando el mayordomo así lo ordena comienza la
ceremonia del pedimento de la sardina, la flauta toca
una música lánguida que da pie y entrada a los danzantes que son
guiados por un anciano o mayordomo, el cual se coloca al centro del
circulo que llegan a formar los danzantes estos se sientan cuando el
se hinca y pide en lengua al abuelo de la cueva la pesca, después del
pedimento, se ejecuta la danza y los danzantes la finalizan al llegar a
la entrada de la cueva y tirar la ofrenda de flores que traen en el
canasto, después entran en la cueva bajando hasta los vertientes
de agua de azufre formados dentro de la cueva y suben hasta la
cuenca para tirar la cueza que dormirá a los peces, los cuales bajaran
drogados y serán presa fácil.

Danza del comal

 Danza-Esta danza es atribuida al municipio de Comalcalco y con justa
razón debido a su nombre. Representa la fertilidad de la tierra
y los productos que esta brinda entre ellos el maíz y el cacao base
de la alimentación entre el pueblo maya- chontal.
El instrumento que en esta danza se utiliza es el Comal que es un
utensilio de cocina que tiene forma circular y es elaborado de barro.
Se usa para tostar semillas o para cocer las tortillas y aún persisten
en la actualidad.

Biografia-En esta danza se observan juegos de figuras como cruces,

reverencias
a los puntos cardinales, saltos, giros; pero lo más representativo
es el constante movimiento del comal de una mano a otra. Es
bailada por mujeres.
Al igual que la danza pájaros no posee un vestuario específico.
Existen algunas variantes de faldas con aberturas a los lados y una
blusa de escote cuadrado. Otra versión es un traje completo
confeccionado en manta cruda y con dibujos de pirámides, mazorcas
de maíz o de cacao y granos de las mismas.
 -Danzas-
Vals
Este es un tipo de danza o baile elegante de pasos lentos para dos
personas, se inicio por primera vez en el siglo XIX y se difundió por
todo el mundo con la música del célebre compositor Johann Strauss.
Hoy en día este baile simboliza el estándar de oro y la danza más
famosa de los salones de baile. Cuando hay un evento especial como
quince años, bodas o reuniones especiales se usa este tipo de danza.
 Tango
Primeramente creado en el territorio argentino de Río de la Plata, es
un baile popular, por su gran variedad de movimientos. Por ejemplo
el tango argentino, tango final, tango uruguayo y dos tipos de tangos
de salón de baile. Son considerados como una danza sensual y
enérgica con estilo y glamur.

Cha-Cha-Cha
Esta danza extraordinariamente rítmica fundada en América Latina
consiguió unir los movimientos lentos y enérgicos, transformándolo
en un éxito fugaz entre los bailarines de todo el mundo. Es usada en
las danzas populares o de calle.
El chachachá es un género de la música cubana cuya
creación ha sido tradicionalmente vieja y atribuida al
compositor y violinista cubano Enrique Jorrín, quien comenzó
sus estudios de violín en el Conservatorio Municipal de la
Habana. Inició su carrera musical como violinista de la
orquesta del Instituto Nacional de Música, bajo la dirección de
González Mantici. Ingresó a la orquesta danzonera de los
Hermanos Contreras, en el año 1941: posteriormente se
vincula a la orquesta de Arcaño y Sus Maravillas, y a
principios de los años 50 del siglo XX se vincula a la orquesta
América de Ninon Mondéjar. 4
Según el testimonio del propio Enrique Jorrín, él compuso
algunos danzones en los que los músicos de la orquesta
debían cantar cortos estribillos, y ese estilo recibió una gran
aceptación por parte del público. En el danzón “Constancia”,
él introdujo algunos montunos y la audiencia se sintió
motivada a cantar los estribillos. Jorrín pidió a los miembros
de la orquesta que cantaran en unísono, de manera que la
letra pudiera ser más claramente percibida y causara un
mayor impacto en la audiencia mundial, sobre todo cubana.
Ese estilo de canto contribuyó también a enmascarar las
imperfecciones vocales de los miembros de la orquesta.
En 1948, Jorrín cambió el estilo de una canción del mexicano
Guty Cárdenas llamada “Nunca”, componiendo una parte
separada para el Trío o Montuno del Danzón; y, en 1951 él
compuso el famoso chachachá “La Engañadora”. Jorrín notó
que la mayoría de los bailarines confrontaban problemas para
bailar al compás de los ritmos muy sincopados y por ese
motivo él simplificó la textura musical de sus piezas, tratando
de utilizar la menor sincopación posible. El nuevo estilo del
chachachá nació de aquellas melodías que resultaron muy
fáciles de bailar para el público

Rumba
La reputación de esta danza cubana surgió de un enfoque en los
movimientos sensuales de la cadera de ambos compañeros de danza.
Este tipo de danza fue creada en el año 1930, y hoy en día ha
evolucionado drásticamente. La rumba catalana con un toque
español, es la conocida rumba flamenca o la rumba africana. Donde
la sensualidad de la mujer cautiva la mirada de muchos.

La rumba empezó a desarrollarse en los alrededores de los

ingenios de azúcar. La música se producía con tambores y
otros instrumentos de percusión, siendo acompañada por un
baile característico y por cantos.
Este estilo de danza se divide en tres tipos: el guaguancó, la
rumba de La Habana; la columbia y el yambú, en Matanzas.
Con respecto a los instrumentos específicos, la rumba usa tres
tambores llamados tumbadoras o congas, los cuales son
originarios de Cuba y se diferencian del tambor africano en
que posee llaves. Las tumbadoras se organizan en dos grupos:
dos de ellas, que se denominan la prima y el segundo, sirven
para marcar el ritmo básico; la otra, que se conoce con el
nombre de quinto, debe tener una afinación más aguda y se
usa para producir los floreos para los bailarines y los golpes
improvisados

Samba
La samba es una danza muy famosa de un género musical que tuvo
como origen en la costa de África y Brasil. Hoy en día es un ritmo
contagioso y se considera como un baile nacional de Brasil, su
popular carnaval brasileño, ha logrado reunir a millones de fanáticos
para disfrutar de esta danza de samba, con hermosas mujeres que
logra mover su cadera sensualmente llevando un atuendo muy
provocador.
 Mambo
Esta danza de origen cubano que acompaña a la música del mismo
nombre, se inicio en la década de 1940, y velozmente logró obtener
más popularidad con las hazañas de músicos y sus especiales
bailarines famosos.

Solfeo y armonía musical

-Toeoria-La música tiene tres componentes básicos: ritmo,
melodía y armonía. Vamos a desgranarlos uno por uno con el fin de
que, al menos, tengamos unos conocimientos básicos para poder
empezar a meter sonidos en nuestro ordenador con un mínimo de
corrección. No pretende ser este un manual ortodoxo de solfeo o
teoría musical, sino que intentaré centrarme en los aspectos más
prácticos que sirvan de punto de partida, obviando o simplificando los
temas más farragosos de la teoría musical.
 Ritmo
El ritmo es la parte dinámica, organizativa y repetitiva de la música.
Las primeras composiciones musicales de los seres humanos fueron
exclusivamente rítmicas, golpeando elementos naturales. En
terminología clásica, la velocidad con la que se ejecuta una obra
musical se denominaría tempo, aunque en música digital vamos a usar
el BPM (beats per minute). El BPM guarda relación con la velocidad
de las pulsaciones cardíacas. En este artículo de Wikipedia puedes ver
los rangos de BPMs habituales de algunos géneros musicales.

La unidad fundamental del ritmo es el compás. Los compases se

nombran como fracciones, de manera que el numerador indica la
cantidad de divisiones que tiene cada compás y el denominador indica
la duración de esas divisiones. En el ritmo de 3/4 (leído tres por
cuatro), típico del vals, cada compás estaría compuesto por 3 negras.
El compás de 9/8 que se usa en música clásica y jazz tendría 9
corcheas por cada compás. Hay estructuras rítmicas más complejas,
usadas en géneros como el jazz o el flamenco, formadas por compases
de amalgama donde se combinan varios tipos de compases en un
mismo ritmo.

El metrónomo es el instrumento que indica el tempo

En principio nos centraremos en el compás 4/4 (también llamado de compasillo), por
ser el más habitual. Este compás está dividido en cuatro partes o tiempos: Fuerte-
Débil-SemiFuerte-Débil. Cada uno de esos tiempos tiene la duración de 1/4.

Personalmente considero que la notación anglosajona es más intuitiva, tanto para

figuras como para acordes, aunque culturalmente esté más habituado a la notación
latina. En principio daré preferencia a la anglosajona, pero es recomendable conocer
ambas. Las equivalencias serían las siguientes:

Nomenclatura anglosajona Nomenclatura latina

1 Redonda

1/2 Blanca

1/4 Negra

1/8 Corchea

1/16 Semicorchea

El acento es un ligero incremento en la intensidad del sonido.

Normalmente este acento recae en el primer tiempo de los compases,
pero hay pasajes que pueden acentuarse en otras partes para dar
riqueza interpretativa y movimiento.

La síncopa es la estrategia compositiva destinada a romper

la regularidad del ritmo dando una nota en tiempo débil y
prolongando su duración sobre un tiempo fuerte.

El contratiempo ocurre por la colocación de silencios en

las partes fuertes del compás y sonidos en las partes débiles. Se
diferencia de la síncopa en que el sonido no se prolonga sobre el
tiempo fuerte.
Cuando desplazamos de forma ínfima el tiempo de ejecución de las
notas respecto a nuestra cuadrícula temporal, la composición adquiere
una mayor sensación de dinamismo. Este ligero descuadre recibe el
nombre de swing.

Aunque el peso del ritmo recae fundamentalmente sobre instrumentos

de percusión y baterías, instrumentos como el bajo o los que se ocupan
de las líneas melódicas también tienen un papel rítmico importante.
Utiliza los recursos que hemos tratado, los silencios y las variaciones,
para que tus composiciones no suenen robóticas y aburridas.

Melodia
Como la melodía tiene un componente cultural muy fuerte, aquí nos
ceñiremos a las estructuras melódicas occidentales. La melodía tiene
una dimensión fundamentalmente horizontal con eventos sucesivos
en el tiempo, combinando ritmo y altura tonal.

La melodía es lo mas fácil de recordar, la esencia de la canción y lo

que la hace reconocible. Las estructuras melódicas que tienen
entidad por sí mismas reciben el nombre de frases, por analogía a
las frases lingüísticas. En la música contemporánea los fraseos se
pueden clasificar como riffs (repetitivos) o solos (no repetitivos).

Las composiciones polifónicas son aquellas que tienen varias

melodías relacionadas valiéndose de técnicas de contrapunto. Aunque
hablando de música no hay ningún dogma, es recomendable que las
notas de ambas melodías no den notas simultáneas y que cada melodía
tenga una tesitura diferente.
 Tonalidades
Para que una melodía suene coherente debe respetar la tonalidad en la que está
compuesta la obra. Cuando vemos que una obra está en «do mayor» el autor
está haciendo referencia a la tonalidad en que fue escrita.

La escala cromática abarca la sucesión de las 12 notas que tiene cada octava. La
distancia vertical entre las casillas del piano-roll de los secuenciadores, y que
representa las notas de esta escala, es un semitono. Las notas disponibles son
(‘#’ significa +1 semitono y ‘♭’ significa -1 semitono y se leen sostenido y
bemol, respectivamente):

Notación latina Notación anglosajona

do C

do# (re♭) C# (D♭)

re D

mi♭ (re#) E♭ (D#)

mi E

fa F

fa# (sol♭) F# (G♭)

sol G

la♭ (sol#) A♭ (G#)

la A

si♭ (la#) B♭ (A#)

si B
Ahora bien, generalmente no se usan esas 12 notas disponibles al componer
melodías, sino que históricamente en Occidente se ha tendido a usar solo 7,
dando lugar a las escalas diatónicas: 12 mayores y 12 menores. Las mayores
tienen presuntamente un carácter más brillante y alegre, mientras que las escalas
menores por el contrario tienen un temperamento oscuro y melancólico, aunque
esto no tiene por qué ser así necesariamente. Cada tonalidad está representada
por su correspondiente escala diatónica y es la primera nota de la misma la que
le da su nombre, de modo que la tonalidad de do mayor usa una escala mayor
que empieza en do.

Los instrumentos monofónicos son eminentemente melódicos

Debes saber que la capacidad de comunicación de la música no se basa en el
nombre de las notas (sus alturas tonales absolutas) sino en las relaciones de
distancia en semitonos que se establecen entre ellas. A estas distancias se les
llama intervalo en teoría musical. De C a E♭ hay un intervalo de 3 semitonos,
los mismos que entre E y G, luego musicalmente ese pasaje vendría a significar
lo mismo y, salvo en el caso de oídos muy excepcionales, no sería posible saber
en cuál de ambos casos estamos.

Para montar una escala mayor la fórmula es la siguiente: elegimos una nota de
partida (a partir de ahora la llamaremos tónica) y desde ahí vamos subiendo los
siguientes intervalos en semitonos 2 – 2 – 1 – 2 – 2 – 2 – 1. Esto nos va a ir
dando las siete notas que usaremos para nuestras melodías. A estas notas
tradicionalmente se les llama grados, pero quizás es mejor reservar ese término
para los grados armónicos y en este trabajo las llamaremos simplemente tónica,
nota 2, nota 3, nota 4, nota 5, nota 6 y nota 7. Si ya has probado a montar alguna
melodía te habrás dado cuenta que, si la frase termina en la tónica, la sensación
de estabilidad es muy grande. Otra nota con función bastante importante, y
opuesta a la tónica ya que genera mucha tensión, es la nota 5.

La fórmula para las escalas menores es 2 – 1 – 2 – 2 – 1 – 2 – 2. Verás que

varían ligeramente las relaciones de intervalos, eso hace que transmitan
sensaciones diferentes a las escalas mayores. Cada escala mayor tiene su
relativa menor, en la que las notas son las mismas salvo que parten de una tónica
diferente. La nota 6 de una escala mayor es la tónica de su relativa menor, la 7
es la 2 y así sucesivamente.

Hasta finales del siglo XIX, los músicos utilizaban un sistema de afinación
imperfecto que hacía que los semitonos tuviesen tamaños distintos y bastante
perceptibles al oído. Eso hacía que cada tonalidad fuera fácilmente reconocible
debido a que cada una de ellas tendría una serie de intervalos diferentes. Hoy
en día ya no pasa esto y dos tonalidades mayores suenan completamente iguales
con la salvedad de que tendrán distinta altura, o más grave o bien más aguda. El
proceso de subir o bajar la tónica, y con ella toda su escala, recibe el nombre
de transposición y se usa para adaptar la obra a las tesituras de los distintos
intérpretes vocales o de determinados instrumentos.

Por desgracia o fortuna, no existen solo estas 12 escalas mayores y

12 menores. Hay otras muchas posibles combinaciones que resultan
de alterar los intervalos, eliminar notas o añadirlas pero creo que, al
nivel al que estamos hablando por ahora, con los modos mayores y
menores naturales tenemos suficiente.
 Armonía
Si la melodía tenía un componente horizontal, la armonía es
eminentemente vertical. La armonía cumple la función de acompañamiento,
armazón y base de las melodías. Hablar de armonía es hablar de acordes y
sus cadencias. Un acorde es un conjunto de 3 o mas notas que se tocan, o se
perciben, simultáneamente. La nota más grave del acorde recibe el nombre
de nota fundamental y es la que le da el nombre al acorde. El orden de la nota
fundamental en su escala correspondiente nos da el grado del acorde y por tanto
su función.

Grado Función Importancia

I Tónica Tonal

II Subdominante Débil

III Tónica Muy débil

IV Subdominante Tonal

V Dominante Tonal

VI Tónica Débil

VII Dominante Muy débil

La función tónica se asocia a una sensación de relajación-estabilidad y donde

mejor la cumple es en los principios y finales de frase. La dominante se asocia
a una función de tensión y donde mejor la cumple es en la cadencia perfecta o
rota, justo antes de la tónica. La función subdominante se asocia a una sensación
de transición-conducción entre otras funciones y la cumple muy bien cuando se
encuentra entre la tónica y la dominante.