Curso de animación
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Introducción a la animación
A lo largo de la historia hemos visto mucha gente creativa que ha logrado muchas cosas complementarias al séptimo arte, aquí
aprenderás como empezar con una pequeña animación, lo importante es que tengas la iniciativa, las ganas; que las
herramientas las tendrás por él camino.
Bueno chicos y chicas, este es un momento oportuno para comenzar con un trabajo que no es muy sencillo, pero sí muy
satisfactorio, hay que tener en cuenta muchos aspectos de los cuales aprenderemos mucho; ya trabajamos la parte de comics
y es hora de poner en acción todos tu conocimientos, como ya sabes no es indispensable dibujar perfectamente, lo importante
es la secuencia coherente y dinámica para el movimiento.
Estos son los aspectos que veremos en todo nuestro curso, aquí tendrás una idea principal de todos los elementos importantes
que debes tener en cuenta a la hora de hacer una animación.
El guion
Es importante que tengas en cuenta el género de tu comic, por lo general un creador de comics se basa en hechos
recurrentes en la vida de las personas, en determinadas culturas algunos de los casos son basados en problemáticas con
carencias sociales, las estructuras familiares son una base de construcción de un comic, las desigualdades, el entorno
cosmopolita hace del comic una representación gráfica de los diferentes fenómenos de una cultura; a través de los años hemos
visto como los diferentes superhéroes luchan por la soberanía de su nación y si su enemigo es de otro mundo y quiera invadir,
o de sus países enemigos por territorialidad o por política; en fin a la hora de defender la soberana patria un súper héroe no
tiene problemas en liquidar su enemigo o vencerlo una y otra vez en muchos capítulos recreados muy bien con una trama; por
lo general se le denomina comic de acción y violencia porque el protagonista siempre será un justiciero.
Crear los personajes
Bueno hasta aquí has logrado mucho, ya tienes tu historia y personajes, es bueno empezar a dibujarlos, las características de
estos son muy importantes y debes de definirlas en el dibujo a si como lo haces con el comic.
Hacer la animación los dibujos en movimiento
Aquí demostraras todo lo que practicaste con los comic, pues debes dibujar los personajes en movimientos; recuerda que son
24 fotogramas por minuto, eso te hará trabajar mucho pero te convertirás en un buen profesional, además tendrás la
oportunidad de mejorar mucho tus dibujos y entender el movimiento con mayor rapidez.
Los lugares y escenografías
Las escenografías se dibujan aparte, es importante que veas muy bien en donde están tus personajes y muy claro como es el
lugar o lugares en donde ellos estarán.
Por lo general en eta clase de animaciones las escenografías se repiten, es decir tienen muy claro el lugar de la vivienda y su
entorno, sin ir más lejos tendrás muchas escenografías muy útiles y variadas.
Aplicar color a nuestros personajes y escenografías
Hay muchas formas de dar color a tu animación, lo puedes hacer en tu computador con un programa de diseño, o
puedes elegir algo más artístico y autentico; como la acuarela, el color, y otras pinturas; en fin tu puedes elegir con cuál de las
técnicas te quedará mejor.
Creación de voces y sonidos
Todos los personajes necesitarán una voz que los identifique; algunos sonidos especiales, de sus actividades y su entorno;
esto es una tarea muy delicada pero te divertirás como loco, ya verás lo maravilloso de esta experiencia.
Utilizar un video para rodar tu animación
Ya es hora de ver los maravillosos resultados de tu arduo trabajo; como ya has aprendido mucho, te darás cuenta que poner a
rodar tu animación necesitaras un programa de video.
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Crear un guion en la animación
Hacer el guión de una historia
En el momento de escribir un guión para una animación película o video se debe tener en cuenta la historia, la cual se ha
escrito previamente dentro de un formato literario acorde con el género que se pretende (la clase de géneros lo vimos en
comic).
Algunos escritores toman como referencia de sus historias la vida y obra de un personaje especifico, de una población, o
simplemente una familia, hay muchos ejemplos de los cuales podemos tener un referente; a diferencia de un comic una
animación tiene principio y fin, a menos que sea un seriado de televisión, en donde los capítulos llevan a una aventura
diferente de la anterior; pero es mejor comenzar con algo muy sencillo pues hay que ver que tan interesante puede resultar
para hacer un proyecto más importante.
Las historias pueden ser muy sencillas con un mensaje directo y un contenido didáctico o ejemplarizante.
Cuando se escribe una historia para una animación se va dando forma y esencia a los personajes, específicamente al
personaje principal; es común encontrar una historia que luego se adapta a cine, televisión o teatro; hoy en día los escritores
de novelas escriben el guión de una vez, porque ya saben el resultado aplicable, pero existen muchas novelas literarias que
han sido llevadas a la televisión o el cine y un guionista se encarga de hacer la adaptación.
Como vez es muy importante crear una historia pensando muy bien en los personajes y el protagonista, como los cuentos de
chespier; que no solo eran muy interesantes sino que también estaban escritos de tal forma que se podían utilizar para teatro
sin hacer ninguna adaptación pues él las escribía específicamente para este fin.
Para que te ilustres mejor, te sugerimos échale una ojeadita.
Creación de personajes
Es fundamental trabajar un personaje completo, con su entorno, cualidades, destrezas en fin; todo lo que se refiere también a
sus amigos, enemigos, cómplices, amores y otras formas de relacionarlo, a continuación veremos algunos aspectos
importantes que debes tener en cuenta a la hora de crear tus personajes.
El personaje principal
Características físicas, sociológicas y psicológicas:
Es importante tener en cuenta que los personajes poseen una vida propia, un espacio vital, es un ser con un mundo, una
ideología con todas las características de un personaje real con sentimientos, sueños e ideales; no podemos decir que nuestro
personaje es totalmente predecible por que el también puede reaccionar como nosotros; tomando actitudes naturales.
Por otra parte es bueno ver el aspecto físico detenidamente, esto permite determinar el carácter, fortaleza y condición social,
aunque esto no es una regla general pues nuestro personaje físicamente puede aparentar ser un gran fortachón y sin dejar de
serlo es un noble caballero y algo cobarde, en fin eso hace parte de las características psicológicas y sociológicas que
veremos más adelante; por ahora hablaremos de su aspecto físico que resulta ser la más evidente, es importante determinar el
peso, la edad el sexo, la altura, color del pelo , ojos piel, defectos físicos, postura y apariencia.
En cuanto a la apariencia es importante determinar su forma de vestir; si es limpio, la forma de su rostro, sus ojos y su cabello.
En cuanto a su condición sociológica, vale resaltar su entorno familiar, su clase social, los amigos, la ropa que usa, en lo que
cree, lo que lee, la comida favorita, lo que piensa, lo que le gusta, su trabajo, de donde es, en qué lugar se encuentra, el
deporte que practica o le gusta y todo lo que hable de su comportamiento en relación a los demás como su raza, religión, su
afinidad política y la forma en usar su tiempo libre.
Si vemos el aspecto psicológico conoceremos más a nuestro personaje; es la combinación natural de los dos aspectos que
vimos anteriormente, de este último aspecto conoceremos la forma de actuar y pensar, sus frustraciones, sus ambiciones, el
temperamento, sus complejos, su vida sexual y en realidad su forma de ser.
La importancia de crear un personaje
En una buena animación el personaje principal es de gran importancia y por lo tanto siempre debe de sobre salir en todo
respecto a los demás; sea que esté se caracterice por ser diferente o pensar distinto o sus ideales y/o actitudes sean
individualistas, es indispensable que el personaje tenga una personalidad definida y su entorno se moldea a sus aptitudes y
actitudes; en una trama o historia siempre tendrá algo que se opone o reta al personaje, esto es lo que resalta las
características, lo emotivo, y los valores del mismo.
El entorno debe dar una primicia de las circunstancias y los hechos que rodean al personaje, por lo general un protagonista se
enfrenta a muchos obstáculos y dificultades que lo hacen pasar por una serie de sentimientos y aspectos que lo llevan por la
efusividad la tristeza el amor, en fin una serie de experiencias fascinantes, lógicas, y también incongruentes; en donde él
demuestra todo lo que es, o posiblemente puede llegar a ser y actuar; las cosas a las que se enfrentan y sus múltiples
reacciones; de cierta manera confronta al observador respecto a la forma de tomar las determinaciones o actuaciones que
determinan el curso de los hechos; para este entonces puede hacer ver al espectador inteligente o tonto respecto a la
actuación del personaje.
Todo lo anterior con un personaje cotidiano con las carencias y dificultades de los seres humanos en general, pero si particular
mente nuestro personaje se las sabe todas, y además de esto es una especie de súper héroe, con una serie de habilidades
fuera de lo común y es muy seguro de sus actitudes y destrezas, es un personaje que no vacila, por lo tanto el espectador
refleja sus deseos de ser una súper dotado y con las mismas destrezas que nuestro personaje es un sueño por cumplir o una
experiencia por vivir en pro de su entorno en su vida real.
El personaje ideal es el que sabe tomar decisiones importantes en los momentos más duros de la historia, en donde su apropio
por resolver la situación da con los elementos necesarios y da un nuevo curso a la historia; de esta manera el personaje toma
la importancia que se merece y el reconocimiento que lo destaca como el protagonista.
Es tanto lo que se debe trabajar con el personaje que no hay que dejar de lado el pasado ni mucho menos el futuro es lo que
debemos conocer de esté, pues sus determinaciones también hacen parte de su vida y por lo tanto debemos saber cómo
reaccionará frente a cada situación que se le presente.
El personaje antagónico
Las historias se hacen muy interesantes cuando existe el personaje antagonista, el opuesto, el mal vs el bien, en fin un
personaje que le haga ver su sentido de actuar, un sentido por el cual luchar, si en una historia todo es armonía y no existe el
ser malvado, ¿qué sentido tendría un héroe? Por lo general una historia de policías no tendría ningún sentido sin los ladrones o
asesinos, es muy normal que sean equivalentes en sus fuerzas o poderes pero lo que si debe ser definitivo es lo opuesto de
los dos; por lo tanto después de una serie de enfrentamientos llega el más duro y sangriento, en donde uno de los dos debe
morir, si esto sucede la historia llega a su fin, por lo general el bien siempre gana; y si la historia termina en la derrota del
malvado eso precisa que la historia continuará.
Es bueno que siempre se tengan diferentes opciones y situaciones en donde el personaje va tomando parte de la situación,
que él tenga situaciones reflexivas y decisivas.
Otros personajes
Cuando vemos una historia por lo general identificamos el personaje principal, y su opuesto, pero el rol de los otros personajes
pueden pasar por alto pues no es de tanta recordación si su intervención sea directamente con los hechos y roles más
comunes entre el protagonista y su antagónico; estos personajes son los que intervienen de una manera directa para bien o
para mal con el protagonista y su opuesto; siempre hay algo que los otros hacen para complicar o solucionar las cosas, está
intervención es fundamental en el desarrollo de las escenas pues el protagonista se alimenta de todas ellas, es decir que sin
esa intervención de los otros el protagonista se vería sin fundamento, sólo no podría llegar a ser quien es realmente.
Los personajes secundarios son básicamente el entorno social del protagonista, es decir su amor, ese personaje que le permite
soñar, por la cual sufre y demuestra sus debilidades y se deja en evidencia por salvarla, existe también el personaje que es su
confidente, un amigo que le aconseja, lo escucha y conoce los más íntimos secretos; esta también ese personaje que es
fundamental en el desenlace de la historia, es el punto en donde se fermenta la historia, el detonante que el personaje principal
necesita para la parte más importante, donde se une el principio y el final en una trilogía. Básicamente estos son los personajes
secundarios que ayudan al desarrollo natural de la historia.
Personajes imaginarios
Por lo general hay historias que nos cuentan de personas que se ven envueltas en su propi pensamiento e ideología, con
personajes ajenos a su realidad pero no a su mundo interior; casi siempre nos encontramos con historias en donde estos
personajes representan la bondad, el amor, justicia, comprensión y sabiduría.
Hay también personajes que se representan como animalitos que enseñan algo a los demás, poseen cualidades humanas y
de carácter altruista. Por lo general son muy sencillos en su descripción física y su atributo.
Otros son los duendes, las hadas, nomos, brujas en fin seres raros con comportamientos extraños y de lugares poco
conocidos y tan raros como ellos con una serie de cualidades que nos permiten determinar la fuerza positiva o negativa.
Así pueden ser muchos los personajes que actúen indirectamente en las historia, es importante que analices todas las
posibilidades de ayudar a tu protagonista, los recursos son muchos debes encontrar la forma más creativa.
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Storyboard
Crear un Storyboard
Casi en toda las animaciones y films que se hacen se toma como referente una estructura prediseñada con las escenas y las
tomas en donde los personajes están puestos en sus posiciones y en las escenografías adecuadas según el guión y la
estructura que este nos indique; a este esquema se le denomina Storyboard.
La parte gráfica de una historia animada no es muy sencilla que digamos, es fundamental pensar en todos los aspectos que se
dibujarán, que determines cuantas tomas debes tener según el ritmo de la historia; es aquí (en el storyboard) en donde sabrás
objetivamente todos los movimientos y lugares que visitarán los personajes.
En el storyboard tendrás un plano general de los hechos y podrás hacer arreglos y modificaciones pequeñas que no alteren la
historia, y determinarás los puntos más críticos en el proceso del dibujo.
Crear un esquema fluido de un guión es importante para determinar los puntos neurálgicos de la animación, los posibles
esquemas complejos que se pueden presentar si se hace una animación con una escenografía o montaje de un material
específico, será más fácil si se tiene una imagen del escenario como va a quedar realmente.
En los dibujos del storyboard, se debe escribir la clase de planos, los mismos planos que vimos en el comic, (Gran primer
plano, Plano de detalle, Primer plano, Plano medio cortó, Plano americano, Plano entero, Plano de conjunto, Plano general,
Angulo horizontal, Angulación en picado, contra picada) también es importante reseñar los diálogos y sonidos que irán en cada
toma, eso facilitara el trabajo y la hará más ordenado y ayudará a la hora de hacer las escenografías y las tomas, si
específicas como deben de ir las escenas será más fiel a la idea y no se distorsionará la historia; solo en el guión se sabe el
plano indicado en donde debe de ir y de qué manera, según se va narrando la historia.
Descarga tus plantillas de formato para storyboard
Aquí puedes descargar el formato para hacer el Storyboard.
Es por todo lo anterior que se debe tener un guión gráfico, es la guía más útil para todos los involucrados en la producción de
la animación o film, desde el dibujante principal hasta el técnico de sonido incluyendo a los demás que también harán parte de
la producción como los encargados de hacer las escenografías y vestuarios.
Siempre se bebe llevar un apunte de la toma que se realiza según el story, se lleva una cuenta de los capítulos, número de la
escena y el nombre del film o animación; esto es una reseña de las tomas que será de gran utilidad al editor pues antes de
hacer el montaje de toda la historia una vez filmada él sabrá ya cuales son las escenas que sirven y cuáles no, pues el registro
debe ser muy preciso.
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Crear los personajes
Crear, caracterizar y animar un personaje
Desarrollar una historia en el ambiente adecuado es importante porque hace parte del contexto en que el comic desarrolla un
conjunto de vivencias, que el personaje y sus amigos comparten; ten en cuenta que el desarrollo socio económico y cultura, es
fundamental el estilo de vida de tu personaje; la línea y el color son de gran importancia, la influencia que posee el trazo la
luminosidad, la intensidad del color son parte fundamental de una buena escenografía y los hechos que allí trascurren.
Como ya tenemos claro en nuestro curso anterior vimos las características que posee el personaje, su identidad, oficio,
condición social y muchas otras que son de gran importancia a la hora de dibujarlo, si haces una descripción física del
personaje será mucho más fácil dibujarlo, ya sea que tú lo dibujes o lo haga un buen amigo tuyo o un profesional del dibujo, a
veces es bueno contar con la ayuda de alguien que sea más diestro en el tema, ya sea que la historia sea de él o el sea el
dibujante, lo importante es que logres un buen equipo de trabajo que sea de tu confianza absoluta.
Es bueno que si trabajas en la fisonomía de tu personaje describiéndolo con palabras, lo debes dibujar tal como lo describes,
especialmente los rasgos que lo identifiquen como el protagonista; debes tener en cuenta que esté se diferencia de los otros
personajes por sus rasgos físicos o su conducta; es importante resaltar que la esencia del ser también se refleja en su rostro,
ya has visto que hay muchas expresiones faciales, y en particular tú sabes cuando alguien está enojado o triste, pero
especialmente defines su humor por la expresión de su rostro; un ejemplo muy claro es Bugs Bunny de la Warner Bross; si lo
tienes presente él es un personaje tranquilo, que no se impacienta por nada en absoluto, inteligente y muy sagaz.
Para comenzar a dibujarlo es necesario que hagas muchos bocetos de tu personaje hasta que des con el dibujo ideal que
tenga las condiciones de tu personaje principal de esta manera lograrás determinar las características de los amigos y su
antagónico.
No es necesario que los personajes sean del mismo género o condición si hay una variación en su condición social o física o
galáctica; esto hará de tu historia algo interesante, por lo tanto si los personajes tienen rasgos diferentes no será monótono y la
audiencia puede distinguirlos con facilidad.
Para comenzar a dibujarlo es necesario que hagas muchos bocetos de tu personaje hasta que des con el dibujo ideal que
tenga las condiciones de tu personaje principal de esta manera lograrás determinar las características de los amigos y su
antagónico.
Para el dibujar el resto de los personajes debes hacer también un boceto escrito de las características que se ajusten a las
condiciones de cada uno según la historia, eso te facilitará las cosas a la hora de dibujar cada uno de los personajes; a
diferencia del antagónico, que es un personaje que debe ser dibujado cuidadosamente, sus rasgos y su aspecto físico son
fundamentales en la caracterización que a diferencia de los otros tendrá un aspecto o condición muy diferente al protagonista y
los personajes, por su condición malvada, dura o su adversidad.
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Personajes partes 2
Características de los personajes
Es bueno que si trabajas en la fisonomía de tu personaje describiéndolo con palabras, es decir si tu personaje es alto robusto
o solo es una bolita con pelitos y alas, o de solo ojos grandes, o posee unas grandes cejas; en fin tu defines las características
físicas que esté acorde con el personaje de la historia que ya escribiste o tienes.
Debes tener en cuenta que el protagonista se diferencia de los otros también por sus rasgos físicos o su conducta que también
se refleja en su rostro, ya has visto que hay muchas expresiones del rostro y en particular tú sabes cuando alguien está
enojado o triste, pero especialmente defines su humor por la expresión de su rostro.
No es necesario que los personajes sean del mismo género o condición si hay una variación en su condición social o física o
galáctica; esto hará de tu historia algo interesante, por lo tanto si los personajes tienen rasgos diferentes no será monótono y la
audiencia puede distinguirlos con facilidad.
El Protagonista:
Entrando en materia, para definir mejor el personaje principal y sus características es bueno saber cuáles son las necesidades
y el entorno con el cual convive nuestro protagonista es muy importante casi fundamental que conozcamos muy bien lo que
quiere nuestro personaje de esta manera sabremos cómo generar la acción y cuantos obstáculos y dificultades le pondremos
para hacer interesante nuestra historia animada.
Una de las características más comunes de un personaje principal es que deja ver con facilidad sus nobles sentimientos y es
estoico, dinámico y sensible; piensa todo el tiempo en las personas que lo rodean hasta el más pequeño e indefenso gato que
esté en peligro, será salvado por nuestro personaje.
Siendo el personaje opuesto a nuestro protagonista es en realidad quien interfiere a que el personaje principal logre su
objetivo, las características de un antagónico son contrarias a las de nuestro personaje, su personalidad, es excéntrica forma
de ser, no deja ver el más mínimo deseo de amar o querer a alguien por lo general estos se presentan solos o con personajes
tan oscuros como ellos que no inspiran ninguna confianza, esta clase de personajes son tan opuestos al protagonista que es el
rival apropiado con dones y fuerzas casi equivalentes y siempre serán enfrentados por el mismo objetivo pero con propósitos
totalmente opuestos.
Un personaje antagónico se caracteriza por su expresión, su maldad que se ve de lejos en su rostro, por lo general su
condición social lo ha llevado a circunstancias extrañas que no pudo superar y pretende hacer que las cosas cambien de una
forma drástica y vengarse de todas las personas que lo rodean sin importar que mueran inocentes, en su loca carrera de
destrucción.
El personaje principal y su antagónico nunca llegarán a estréchenlas manos como símbolo de perdón y reconciliación, ellos
estarán ligaos a una disputa que los llevara hasta la muerte de uno de ellos o continuara incluso por generaciones.
Personajes de apoyo:
Es muy importante tener en cuenta que los personajes que acompañan la historia son fundamentales para que está ande o se
frene; es decir que la historia también depende de ellos y sus decisiones; harán que la historia tome rumbo y acción.
Estos personajes tienen un rol junto al principal, está por ejemplo la parte romántica, en donde el protagonista lucha por
conservar el amor de su compañera, cuando otros intervienen de forma negativa con la única intención de acabar con el amor
de ellos por una intensión perversa.
Existen otros personajes que permiten el desarrollo de la historia; que por medio de ellos se encuentran el protagonista y el
antagónico; a este se le denomina “catalizador” es quien permite por sus acciones involucrar al protagonista a la acción.
Hay otros personajes secundarios que poseen una importancia para el protagonista y permiten dinamizar y ver otros aspectos
de la historia y el protagonista, que la complementan generando más expectación ante el observador.
Es importante tener en cuenta que los personajes secundaros también le ponen un toque de humor, drama y amor a la historia;
que permite refrescarla y argumentarla desde diferentes puntos de vista, mostrando una variedad de posibles fínale o sugiere
el final, para que el observador realice una serie de conjeturas que le permitan interpretar el desenlace acertada o
erróneamente.
Casi la totalidad de las animaciones tienen esta clase de personajes, las historias poseen una dinámica parecida a las
normales con personajes reales; lo que las hace diferentes es que las historias están vividas por animales o seres extraños
pero con una conducta humana; el espacio o lugar en donde viven es totalmente opuesto a un ambiente saludable para el ser
humano y está habitado de la misma forma pero por seres diferentes como animales, extraterrestres, seres extraños; pero con
las mismas condiciones humanas.
Existen muchas clases de personajes en la animación y se clasifican de la siguiente manera:
Fantásticos:
Estos personajes poseen un don otorgado por el cosmos o una fuerza superior, en donde no son totalmente blancos, pues
muestran un lado malvado poco usual, pero siempre triunfan con el bien utilizando sus poderes sobrenaturales; en este caso
hablamos de los nomos, las hadas, Elfos, magos, brujas; sus características físicas son variables y por lo general dependen de
sus dones.
No Humanos:
Por lo general en esta clase de animaciones son animales con características humanas sin perder la condición más
sobresaliente de su especie animal; últimamente hemos visto en cine como los animales interpretan la condición humana con
sus conflictos, frustraciones, acciones pero nunca dejan de lado sus atributos animal y sus capacidades; pero nos llevan a una
historia de alguna forma conocida pero vividas por ellos; de tal forma el espectador hace una relación muy estrecha entre la
animación y hechos reales.
Simbólicos:
Son aquellos que representan una época del pasado, un personaje de la vida contemporánea, posee sus conductas, profesión,
entornos; es representado por una figura humana, por lo general enseña cosas que tengan relación con esa persona.
Esta clase de personajes se basan mucho en la biografía y hechos de un momento de la vida y acontecimientos que
envolvieron al personaje, basándose también en sus sueños y proyectando su obra de una manera novedosa y didáctica.
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Técnicas de animación
Aprendiendo un poco de técnicas clásicas
Como hemos visto hasta el momento nos hemos enfocado en la parte de lo que necesitamos para trabajar en la animación;
pero es ideal mostrarles algunas técnicas de hacer animaciones sencillas con algunos objetos que puedes tener a mano, y una
cámara de fotografías.
En este punto es bueno ver las clases de animación; existen diferentes técnicas como Stop-Motion, Cut-Out, Flip Book,
Rotoscopia, entre otras; estas son un ejemplo para lograr un trabajo de animación hecho por ti; veremos un poco de cada una
para que las aprendas y logres un buen trabajo que puedes mostrar a tus amigos.
Comencemos por cosas sencillas para entender el principio de la animación; cuáles son sus verdaderos secretos, y como
puedes aprender a desarrollar algunas técnicas sin que te tome mucho tiempo y te animes a trabajar más tiempo.
No es necesario que los personajes sean del mismo género o condición si hay una variación en su condición social o física o
galáctica; esto hará de tu historia algo interesante, por lo tanto si los personajes tienen rasgos diferentes no será monótono y la
audiencia puede distinguirlos con facilidad.
Flip Book:
La ilusión del movimiento, en esto consiste la animación de toma a toma es la imagen que queda presente en la retina, con una
serie de cuadros dibujados y un movimiento rápido del papel en el sentido en que se dibujó la animación. Para realizar este
proyecto que por lo demás es muy interesante, necesitas un blog de papel y que dibujas de atrás para adelante, moviendo el
papel con tus dedos para que veas cómo te está quedando y luego lo defines con colores y un marcador.
Animación de recortes:
Se conoce común mente como Cut-Out, este es el nombre americano y consiste en el recorte de papel o fotografías, creando
los objetos y la escenografía y se hacen las partes del personaje con los recortes; las piernas los brazos el tronco y las demás
características que el personaje necesite y así se le da vida al personaje.
Después de tener todos los elementos se toma las fotografías paso a paso según el movimiento que se desees.
Puedes desarrollar ideas sencillas, y llamativas que ayudaran para que comiences con algo básico y bonito así te enamoraras
de un buen trabajo y lograras cosas muy especiales que te enriquecerán: además podrás hacer tus tarjetas virtuales para que
le envíes a tus padres.
Stop Motion:
Animation in Stop Motion. For contest, elaborated by John Dave 15 years old, and Fernando Gonzales 13 years old
Debes tener en cuenta que el protagonista se diferencia de los otros también por sus rasgos físicos o su conducta que también
se refleja en su rostro, ya has visto que hay muchas expresiones del rostro y en particular tú sabes cuando alguien está
enojado o triste, pero especialmente defines su humor por la expresión de su rostro.
No es necesario que los personajes sean del mismo género o condición si hay una variación en su condición social o física o
galáctica; esto hará de tu historia algo interesante, por lo tanto si los personajes tienen rasgos diferentes no será monótono y la
audiencia puede distinguirlos con facilidad.
Animación Por dibujos a mano alzada
Story Boarde elaborada por Ferucczo
Existen otras formas de hacer una animación, por ejemplo si haces un dibujo sencillo y lo con las partes separadas como las
piernas, los brazos y la cabeza puedes luego hacer el movimiento por más sencillo en tu computador.
Dibujos de Ferucczo uno de nuestros colaboradores
Si dibujas un personaje sencillo, en donde solo va a doblar las piernas, y mover los brazos de arriba abajo, entonces dibujas el
tronco junto con la cabeza, y los brazos y piernas en las posiciones en que van quedando según el movimiento; este ejercicio
te va a servir como elemento fundamental para que conozcas los movimientos.
Hay que tomar las ideas y comenzar a dibujarlas, luego puedes mirar una animación cuadro a cuadro para que tengas una idea
más clara sobre el movimiento, la idea es que por medio de la observación, esto te permitirá conocer mejor y agudizar tu ojo
para observar.
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El movimiento en la animación
Técnicas de animar dibujos
Ya hemos visto algunas ideas de cómo puedes hacer una animación con varios elementos sencillos que están al alcance de
tus manos.
Es importante incursionar en muchos métodos, formas y técnicas; experimentar es fundamental en el proceso de aprendizaje,
de esta manera puedes ir conociendo, y tomando lo que más te gusta y así desarrollaras un estilo propio.
El lenguaje corporal de la animación
A la hora de crear un personaje debes tener en cuenta lo que vimos anteriormente, la descripción física; de estas
características depende la actitud y expresión del personaje; ten en cuenta que como todos es un individuo con vida propia y
por lo tanto posee expresiones y movimientos que lo hacen partículas mente único.
El movimiento de los personajes sugiere el lugar y la condición en que se encuentran; el lenguaje corporal es tan importante
como la expresión del rostro; esto nos habla de un lenguaje más real sin serlo, de una virtud de el poder expresar lo que somos
y sentimos; la mejor forma de reconocer el sentimiento y la reacción de las personas; en este caso de los personajes es lo que
su reacción frente a las diferentes situaciones, el personaje no dice literal mente que se encuentra contento, eufórico, triste; es
la expresión de su rostro y cuerpo los que dan el mensaje, la reacción frente a determinadas situaciones le permite generar una
reacción, esta es una cualidad del ser humano.
Uno de los ejercicios más útiles en la animación es dibujar un personaje que tiene una reacción frente a un hecho
trascendental o accidental que le permite una serie de movimientos en una misma secuencia sin mediar palabra, así que
reconoce el observador la reacción al estado o hechos al que se ve confrontado el personaje.
Sí bien es cierto una de las tareas más complejas es dibujar los personajes de una animación con todas y cada una de sus
expresiones corporales y faciales; para esta clase de trabajos complejos se tiene una guía que se va armando según se
desarrolla la historia, la idea es que en medio de la labor de dibujar los personajes en sus diferentes movimientos y
expresiones se va archivando una serie de dibujos de cada personaje; a este archivo se le denomina biblia, pues guarda todo
acerca del personaje; si es una animación que se hace regularmente como un seriado de televisión, muy seguramente hay un
buen material adelantado respecto a las personajes; estos libros facilitan el trabajo a largo plazo.
A la hora de hacer el boceto para una animación es claro que el principio es dibujar el protagonista con sus rasgos físicos más
sobresalientes, y alrededor de él sus compañeros de aventuras también con su condición fisionómica; es importante que si tu
proyecto de animación es extenso y tiene muchos personajes debes trabajar en lo posible con tus amigos para que te apoyen
haciendo los dibujos de los otros personajes; eso sería de gran utilidad, pues tu solo te tardarías mucho tiempo.
La importancia de la línea en el dibujo animado
Existen varias clases de líneas que ayudan a dibujar la animación de secuencia, es fundamental la armonía del movimiento y
está se puede llevar con una serie de líneas que nos sugieren de una forma sencilla la acción, la inercia, el equilibrio.
Este es un apoyo para estructurar mejor la figura en movimiento.
La línea de acción
La línea de acción es la que define la intención del movimiento, el dinamismo, la dirección en que va la fuerza, un trazo en el
papel para definir el movimiento y la posición del personaje es bueno comenzar con establecer esa línea en los dibujos de
movimientos para marcar la pauta y sobre ella elaborar el dibujo.
Cuando hablamos de la línea de acción en un personaje y la dibujamos para saber la dirección del mismo, estamos hablando
de una columna vertebral que posee la forma en la que el personaje tomara posición.
Como bien sabemos la inercia es la resistencia de un cuerpo a salir de reposo, en el caso de la acción de un personaje es la
forma en que se desplazan sus piernas y brazos generando un movimiento distinto a partir de un eje.
Es importante que tengas en cuenta que los ejes de un personaje sean bien estructurados respecto a la acción que
quieres que haga; teniendo en cuenta el equilibrio y la resistencia que puede ser natural en la figura en movimiento;
si dibujas la acción de tu personaje empujando algo muy pesado debes representar el movimiento y la fuerza que
está aplicando al objeto que quiere mover, si por ejemplo va a desplazar un muro, la acción debe estar acompañada
por un gesto de esfuerzo en su rostro.
Es una línea que encaja perfectamente las anteriores, permite que el cuerpo distribuya el movimiento de tal manera que se
vea natural, sin que se vea recargado el peso más a un lado que a otro de una manera ilógica o que de la sensación de
caerse.
Está regla aplica muy bien en el lenguaje del movimiento sin tener que hacer la figura del personaje convencional; es decir que
no importa si nuestro personaje es cabezón, de piernas cortas y rollizas y sus brazos no dan más allá de su cabeza; si aplicas
el movimiento correcto con la postura que debe tener en el movimiento que deseas dar no se vera desequilibrado.
Volumen y elasticidad
Una de las virtudes que posee el dibujo animado es el un valor agregado de elasticidad resistencia a sus personajes, en donde
al dibujo se le agrega compresión o estiramiento, de tal forma que permita cierta flexibilidad en la figura en donde solo se
percibe un ligero cambio de tamaño en el personaje, permitiendo un movimiento rápido a la vista del observador.
Siluetas en la animación
Este es un recurso gráfico que es de mucha utilidad en el proceso de generar movimientos; si se sabe utilizar muy bien esta
técnica facilitara el trabajo en una gran proporción pues una serie de movimientos se pueden sugerir con una acción
contundente y dinámica; siempre y cuando sea muy bien dibujada y no haga saltar la secuencia.
Por ello es bueno exagerar el movimiento un poco para que la silueta refleje la acción, o la verdadera intención del movimiento.
La extensión del movimiento
Es fundamental a la hora de hacer una animación la trayectoria que el animal o personaje recorren, junto con el movimiento del
cuerpo y la agilidad.
En estos dibujos de movimiento rápido se debe saber dibujar la línea de la trayectoria para hacer los dibujos de cada
movimiento en una secuencia lógica.
El movimiento
Es importante que tengas en cuenta que los dibujos de la animación se hacen en una hoja calco para ir viendo la secuencia
del movimiento; en el desarrollo de la animación se van puliendo detalles y estructuras de mínima importancia en el contenido
de la historia pero si en la dinámica de la animación.
En la estructura de un movimiento sencillo como el de caminar o sentarse en una silla pueden existir muchos dibujos y es una
labor de observación para no incurrir en el error de distorsionar la imagen; es importante tener en cuenta que los personajes
según su edad y condición no caminan de la misma forma, ni se sientan igual; en el análisis del movimiento es fundamental el
paso a paso, una secuencia bien hecha permite que la labor se vea más realista.
