Historia y evolución del Teatro Universal

1) INTRODUCCIÓN
El teatro es un género literario, ya sea en prosa o en verso, normalmente dialogado, concebido para ser
representado; las artes escénicas cubren todo lo relativo a la escritura de la obra teatral, la interpretación, la
producción, los vestuarios y escenarios. El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y
por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una
historia que narra los acontecimientos vitales de una serie de personajes. Como el adjetivo dramático indica,
las ideas de conflicto, tensión, contraste y emoción se asocian con drama.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como medio para divulgar ideas
políticas o para difundir propaganda a grandes masas, como entretenimiento y también como arte.
ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
Una representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser
mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el
guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros recursos escénicos. Se puede realzar
una representación por medio del vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la
música y los efectos especiales. Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos,
personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de la
experiencia cotidiana.
2) NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses celebraban los ritos en
honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales irían luego
evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es
que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y
colonias más importantes contó con un teatro.
3) PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo.
Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto,
las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil.
Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la
visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.
- LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace
funesto, es el género en el cual descollaron los escritores griegos ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca
hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).
b) Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera
simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes libertades), sino
hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las
consecuencias de las acciones individuales.
c) Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y canciones del
coro.
- LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son
las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su
comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos
chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia
había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, muy abundante, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO,
el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver
con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e identificables, tipos
socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.
TEATRO ROMANO
El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la producción teatral se
asociara en principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió
pronto; al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es
de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran periodo de creación dramática romano
empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran
adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local, aunque las
de Terencio también aportaban un valor didáctico. La estructura de las piezas era muy dinámica y del gusto
del público, y además solían cantarse muchas partes de la obra.
Este primer período en teoría teatral occidental se denomina clásico, porque comprende el teatro de las
civilizaciones clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y las obras están escritas en las lenguas clásicas,
griego o latín.
Alrededor del final del siglo II d.C., el teatro literario había entrado en declive y fue sustituido por otros
espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana emergente atacó el teatro romano, en
parte porque los actores y actrices tenían fama de libertinos, y en parte porque los mimos satirizaban con
frecuencia a los cristianos. Estos ataques contribuyeron al declive del teatro así como a considerar a las
personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del Imperio romano en el 476 d.C., el teatro
clásico decayó en Occidente; la actividad teatral no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los artistas
populares, conocidos como juglares y trovadores en el mundo medieval, sobrevivieron y proporcionaron un
nexo de continuidad.
4) TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, celebración litúrgica central
en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una representación de la muerte y resurrección de Cristo.
Serán los clérigos los que, en su afán didáctico por explicar los misterios de la fe a los fieles
mayoritariamente incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que
escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones, que tenían lugar dentro de
las iglesias, en el coro o parte central de la nave, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar
a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo
elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por
abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias,
plazas, calles y cementerios.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias
especialmente en la fiesta del Corpus Christi y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas.
Algunos estudiosos creen que, aunque similares a los dramas litúrgicos, los ciclos surgieron de forma
independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones
podían durar de dos días a un mes. De la producción de cada obra se encargaba un gremio que intentaba que
el tema tuviera que ver con su ocupación laboral; así los trabajadores de los astilleros podían, por ejemplo,
escenificar una obra sobre Noé.
Como los intérpretes eran con frecuencia aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla
de fácil memorización; no se conocen los nombres de los dramaturgos.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales (siempre de autores anónimos)
y, por supuesto, persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de
los autos durante el siglo XV. Aunque extrajeran trama y personajes de la teología cristiana, los autos
diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y
estaban representados por profesionales como los trovadores y juglares.
5) TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro
profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parezcan estar muy lejos de los
dramas de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la humanidad y las
adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico
y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. Además, la participación de actores
profesionales en las obras fue sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados.
TEATRO NEOCLÁSICO
Como los métodos de producción y representación clásicos no se conocían perfectamente, el teatro del
renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce
generalmente como neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras eran en latín,
pero acabaron por escribirse en lengua vernácula y solían estar basadas en modelos clásicos. Este teatro no
fue una evolución de las formas religiosas, ni siquiera de las prácticas populares o dramáticas ya existentes;
se trataba de un proceso puramente académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque fuera por varios
lectores y en público, y con fines didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, en conjunto con los
continuados intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del
siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy
popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se
divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó
el establecimiento total del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente
dedicados al teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al juego de pelota. La fuerte
influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets.
Molière está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres reciben en
su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero generalmente van más allá de su objetivo
específico y podrían considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano.
Muchas de sus obras están imbuidas de una cierta amargura.
Molière fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar el estilo
histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel
tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las
universidades; sin embargo, la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, en el
mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro continental (creado con el objetivo
de ser presentado ante un público de elite) el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro
medieval, y en las exigencias del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la
evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al
nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del
más grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este siglo acota uno de los periodos más fértiles de la
dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a
otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las
hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras
y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto
competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el
nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para
ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA.
6) TEATRO DEL SIGLO XVIII
El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado
por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban
clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare, en
especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también,
para ajustarse a los ideales neoclásicos. A El rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los
finales trágicos por unos felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.
7) TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron
fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del
siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor
parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual
dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del
teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica y efectos escenográficos suntuosos y aparatosos.
La voz engolada y el verso rotundo triunfa en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el
autor de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su
entusiasmo romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje
y obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.
MELODRAMA
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares,
condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama
como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque
aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir
a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público
observe a través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes,
la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en
busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de
mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el
mundo real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno.
Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un
individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y
vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como
institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes
estudios de individuos.
8) TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos
en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista
en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro
de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía
provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación,
más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en
Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de
pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la
distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro durante la
década de 1960. Como ejemplo podemos citar al Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski y el Teatro de la
Crueldad de Peter Brook.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, el sentido de lo absurdo que hizo llevadero un
mundo destruido y desilusionado. Lo absurdo, lo que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede
vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico, es lo característico de este teatro en el
que no hay acción consecuente, ni caracteres, porque la vida misma de los personajes carece de sentido.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo, el
objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no
realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos,
proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente
orquestado para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones,
danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a
través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II
perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había
dejado el musical para convertirse en algo más serio, incluso sombrío. A finales de la década siguiente, sin
embargo, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y económicos (de los que el
público deseaba escapar), volvieron los musicales (muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de
desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.
9) EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las manifestaciones escénicas de los pueblos
precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe, sin embargo, un único
texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros
legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de distintos
elementos espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la expresión corporal.
A partir de la época colonial, el teatro se basa sobre todo en los modelos procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al
tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es autor del
texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado además por realizar
un teatro que sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto
espectacular y estético del drama.
10) EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general (de la India, China, Japón y el Sureste asiático) tiene ciertas características en
común que lo distinguen claramente del teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático es
presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los
diferentes países varían, en general son obras integradoras de las diversas artes (una realización de la idea
del teatro total de Wagner) que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, complejas y épicas, estaban
estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras
eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas
representacionales. Los movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente
codificadas. Las marionetas y el teatro danzado, especialmente el kathakali, han sido también muy
apreciados en varios momentos de la historia de la India.
En otros lugares del Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el wayang
kulit, o marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores
estudian sus movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas.
Desde el siglo XIX, sin embargo, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia
primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. De hecho, la
representación puede describirse como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con
una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores.
El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son
estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo
el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII (d.C.) y es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más
conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-
música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho
o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki
data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el
bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que
los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas
dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en
valores opuestos a los del teatro occidental.
 Historia del Teatro por Miguel Ángel Fernández

INTRODUCCIÓN
El teatro es un género literario creado para ser representado. Es el arte de componer obras dramáticas. Las
artes escénicas tratan todo lo relativo a la escritura, la interpretación, la producción, los vestuarios y los
escenarios. Drama tiene origen griego y significa "hacer", y se asocia a la idea de acción. Se entiende por
drama la historia que narra los acontecimientos de unos personajes.
Tiene su origen en las danzas realizadas por el hombre primitivo alrededor del fuego. Estas escenas tuvieron
repercusión en China, Japón e India. En la coronación de los faraones se hacían representaciones teatrales
simbólicas. En Grecia nació el edificio público destinado a la representación.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como medio para divulgar ideas
políticas, para difundir propaganda, como entretenimiento y como arte. También se conoce como teatro el
edificio donde se representan las obras dramáticas.
ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
Una representación consta de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser
mímica o utilizar el lenguaje. Los personajes no tienen que ser siempre seres humanos. Los títeres o el
guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia. Se puede realzar una representación mediante el
vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales.
Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para
enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana.
NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los atenienses celebraban los ritos
en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban
evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos. Cada
una de las ciudades y colonias contó con un teatro.
El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la orquesta, el lugar para los
espectadores y la escena. Los primeros teatros griegos constaban de dos formas: un espacio circular donde
se alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos callejones.
Las gradas tenían forma de semicírculo.
Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero construyeron gradas en los
lugares donde no existían colinas.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Las dos
primeras estaban consideradas las más civilizadas, mientras que las dos últimas se asociaban con lo
primitivo.
Los actores iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban
al espectador a reconocer la característica del personaje.
LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace
funesto. Destacaron los escritores ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas-
b) Las historias están basadas en mitos o antiguos relatos.
c) Eran obras de poca acción.
Aristóteles decía que la tragedia debe estar lo más que se pueda bajo un mismo periodo de sol o excederlo
un poco. En poco más de un siglo los griegos crearon dramas y comedias que aún interesan y conmueven.
Esquilo ha sido llamado el padre del drama griego porque contribuyó a que las representaciones teatrales se
transformaran en espectáculos. Sus obras más conocidas son Prometeo encadenado y Antígona.
Sófocles era instruido, amable y tolerante y gozó de gran simpatía y popularidad. Sus principales obras
Antígona y Edipo Rey se siguen llevando a escena.
Eurípides tenía fama de huraño. Sus principales obras son Electra y Orestes, Efigenia en Aulida y Efigenia
en Taurida.
Los grandes trágicos griegos establecieron las características del teatro que se ha convertido en el género
literario que todos conocemos.
LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V Antes de Cristo. Las comedias más antiguas que se
conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de
fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas. Para el siglo
IV Antes de Cristo, la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO, el gran autor de
comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor,
dinero, problemas familiares y similares.
TEATRO ROMANO
El teatro romano no se desarrolló hasta el siglo III Antes de Cristo. Al principio se asociaba con festivales
religiosos, pero la naturaleza espiritual se perdió pronto. Al incrementarse el número de festivales, el teatro
se convirtió en un entretenimiento. No es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El periodo
de creación dramática romano empezó en el siglo II Antes de Cristo, y estuvo dominado por las comedias de
PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una
intriga de carácter local.
Este primer período se denomina clásico, porque comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, Grecia y
Roma, y las obras están escritas en griego o latín.
Alrededor del final del siglo II Después de Cristo, el teatro literario entra en declive y es sustituido por otros
espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana atacó el teatro romano y contribuyó al
declive del teatro así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída
del Imperio romano en el 476 Después de Cristo, el teatro clásico decayó en Occidente y no resurgió hasta
500 años más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores, sobrevivieron y
proporcionaron un nexo de continuidad.
TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, al igual que el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, es en sí misma un
drama, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que creen los
primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia.
Estas representaciones, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro
religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y
cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y
comenzaron a realizarse en lugares públicos.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias y
evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que los ciclos
surgieron de forma independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las
representaciones podían durar de dos días a un mes.
Como los intérpretes eran aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil
memorización.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales y persistían varios tipos de
entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Los autos
diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y
estaban representados por profesionales como los trovadores y juglares.
TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante supuso el fin del teatro religioso en el siglo XVI, y el teatro profano ocupó su lugar.
Aunque los autos y los ciclos parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Moliére, los temas de
la baja edad media, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo
cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. La participación de actores
profesionales en las obras fue sustituyendo a los entusiastas aficionados.
TEATRO NEOCLÁSICO
El teatro del renacimiento tomó una forma nueva con visos de clasicismo. Esta fórmula es conocida como
neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras son en latín,
pero acaban escribiéndose en lengua vernácula y estaban basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una
evolución de las formas religiosas. Se trataba de un proceso académico. Eran obras pensadas para ser leídas,
aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, y los continuos intentos de
recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer
teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII,
se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se
divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó
el establecimiento del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios dedicados al teatro,
utilizándose recintos destinados al juego de pelota. La influencia italiana en Francia llevó a popularizar
representaciones que fueron denominados ballets.
Moliére está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres reciben en
su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero van más allá de su objetivo específico y
pueden considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus
obras están imbuidas de una cierta amargura.
Sus principales obras son El tartufo, El avaro, El enfermo imaginario y Las preciosas ridículas.
Moliére fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar el estilo
histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel
tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las
universidades. La mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, lo usaban de forma
selectiva. A diferencia del teatro continental, el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro
medieval, y en las exigencias del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la
evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd, Ben Jonson y Christopher Marlowe dieron lugar al
nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del
más grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
Christopher Marlowe se hizo famoso por las obras El judío de Malta y El doctor Fausto. Ben Johnson
destaca por Volpone o el zorro.
Obras de William Shakespeare como Hamlet, Macbeth, Romeo y Julieta, Julio César, El rey Lear, Otelo o El
sueño de una noche de verano, se siguen representando con la misma viveza que cuando fueron escritas.
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este Acota uno de los periodos más fértiles de la
dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a
otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las
hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras
y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto
competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el
nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para
ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA, pero
también debemos de citar a CALDERÓN DE LA BARCA Y TIRSO DE MOLINA.
Lope de Vega dio forma definitiva a la comedia española convirtiéndola en género nacional. Escribió cerca
de 2000 obras que Menéndez Pelayo clasificó en religiosas, mitológicas, legendarias, pastoriles,
caballerescas, novelescas, de costumbres y enredos. Sus principales obras son El mejor alcalde el rey,
Peribañez y el Comendador de Ocaña, Fuenteovejuna o Porfiriar hasta morir.
Miguel de Cervantes legó una obra fecundísima entre las que podemos destacar La dama boba, El caballero
de Olmedo, La niña de plata y El castigo sin venganza.
Calderón de la Barca llevó a la perfección la técnica de la escena y se teatro barroco llegó a representarse
ante la corte. Sus obras más conocidas son El alcalde de Zalamea, La vida es sueño, El mayor monstruo, Los
celos, El príncipe constante y El mágico prodigioso.
Tirso de Molina es el creador del tipo de Don Juan en El burlador de Sevilla. Otras obras suyas son El
vergonzoso en palacio, Don Gil de las calzas verdes y El condenado por desconfiado.
TEATRO DEL SIGLO XVIII
El teatro del siglo XVIII era en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes
para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo Estos actores adaptaban clásicos para complacer sus
gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser
reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos.
Destacamos a Goethe y Schiller los más importantes representantes del teatro alemán. Goethe destaca por
Las penas del joven Werhter. Goetz van Berlichingen, Egmont, Wilheim Meister y Fausto.
Schiller escribió dramas clásicos de la cultura alemana como Los bandidos, Don Carlos, Guillermo Tell y
Wallestein.
TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron
fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.

Uno de los principales renovadores del teatro en este siglo es el noruego Henrik Ibsen, fundador del teatro
de ideas en oposición al teatro, de acción propiamente dicha. Analiza en sus obras las relaciones sociales y
humanas del siglo XIX.
Destacamos entre sus obras Casa de muñecas, Espectros, Hedda, Gabler y Peer Gynt.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII. Alrededor
de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual
dominado por las pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro. La voz
engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor
de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo
romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha
conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.
MELODRAMA
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares,
condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama
como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque
aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir
a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público
observe a través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes,
la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en
busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de
mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el
mundo real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno.
Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un
individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y
vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como
institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes
estudios de individuos.
TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos
en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista
en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.
En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas, simbólicas, realistas,
impresionistas y neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine.
En los comienzos de siglo destacamos en España a Jacinto Benavente y Ramón María del Valle Inclán.
La producción de Jacinto Benavente alcanzó las 130 obras. Destacamos La noche del sábado, gente
conocida, Campo de arnillo, Rosas de otoño, Pepa Doncell. Recibió el premio Nobel de Literatura en 1922.
Ramón María del Valle Inclán se sitúa en la corriente modernista e impone lirismo a su prosa. Se caracteriza
por la suntuosidad de su estilo. Sus principales obras son Águila de blasón, Romance de lobos, Cara de
plata, Divinas palabras y Luces de Bohemia.
Federico García Lorca destaca por el lenguaje lleno de metáforas y por inusitadas figuras renovadoras. Se
nutre de lo más genuino y popular de la tierra española. Sus obras más destacadas son Mariana Pineda, Doña
Rosita la soltera, La zapatera prodigiosa, Bodas de sangre, Yerma y La Casa de Bernarda Alba.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralizació" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro
de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía
provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación,
más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en
Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de
pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la
distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro durante la
década de 1960.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, que carece de lógica, lo que de ningún modo se
puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. El objetivo parecía ser
el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen
obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y
otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para
suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones,
danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a
través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II
perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había
dejado el musical para convertirse en algo más serio. A finales de la década siguiente, posiblemente como
resultado de crecientes problemas políticos y económicos, volvieron los musicales bajo un signo de
desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.
EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas nociones de cómo pudieron ser las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos,
pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe un único texto dramático maya,
descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a
muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el
vestuario, la música, la danza y la expresión corporal. A partir de la época colonial, el teatro se basa en los
modelos procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al
tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado. Se
caracteriza por su notable vigor. Surge el teatro social.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es autor del
texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado por realizar un teatro
que sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y
estético del drama.
EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general tiene ciertas características en común que lo distinguen del teatro
posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista
es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, son obras integradoras de las
diversas artes que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas estaban estructuradas sobre la base de
nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales.
Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los
movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificados. Las
marionetas y el teatro danzado, han sido muy apreciados en varios momentos de la historia de la India.
En el Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el wayang kulit, o
marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian
sus movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas.
Desde el siglo XIX, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la
interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. La representación puede
describirse como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición
acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es
una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles
codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista
la temática ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII Después de Cristo y es el más complejo de Oriente. Sus dos
géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de
danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un
hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El
kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el
bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que
los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas
dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en
valores opuestos a los del teatro occidental.