Masterclass
DIAPOSITIVA 1:
Las artes visuales, la música, la literatura o el teatro tienden a partir de
entonces a llevarse a cabo en y como realizaciones escénicas. En lugar
de crear obras, los artistas producen cada vez más acontecimientos en
los que no están involucrados ellos mismos, sino también, los
receptores, los observadores, los oyentes y los espectadores. Erika
Fisher.
DIAPOSITIVA 2:
Al hablar de la teatralidad VS la performatividad nos encontramos bajo los siguientes
paradigmas:
● Paradigma de compresión
● paradigma de comportamiento
● paradigma de actuación social
Estos paradigmas pueden manifestarse en las artes en general sobre los modos de
comunicación y socialización.
★ Vídeo Chris Burden: Explicar quien es y que trabajos tiene.
DIAPOSITIVA 3:
La performance: La performance, o el performance art, expresión que
podríamos traducir como «Teatro de las artes visuales» apareció en los
años sesenta… Su madurez en la década de de los ochenta.. La
performance se asocia, sin ideas preconcebidas, en las artes visuales, el
teatro, la danza, la música, el video, la poesía y el cine. No tiene lugar
en los teatro, sino en museos o salas de exposiciones. P. Pavis. pag. 333]
El arte de acción posibilita la creación de un nuevo lenguaje artístico, más cercano a la
realidad cultural e histórica. Hijo de la necesidad del arte por debatir con su presente, forma
parte del proceso general de problematización de la obra de arte: ante todo ésta encuentra
su sitio o su valor en su capacidad para discutir, para cuestionar su propia condición.
Desde este punto de vista, una obra abierta u obra en proceso resulta la mejor manera de
integrar el arte con la vida, tal como se reconocía en las fórmulas antiarte de Marcel Duchamp.
Esta definición abierta requiere una delimitación conceptual mínima de la disciplina
performance, que ayude a avanzar en las prácticas que se pretende describir.
El concepto de performativo (Performative) fue acuñado por John Austin, quien lo introdujo
a la terminología de la filosofía del lenguaje en un conferencia en “Cómo hacer cosas con
palabra” 1955 en la Universidad Harvard. Dato curioso el primer término acuñado fue
performatorio (performatory)
DIAPOSITIVA 4:
● Se enfatiza en la acción: Se denomina performance al arte de acción que se populariza
en los años setenta desde el ámbito anglosajón, reemplazando a acción para describir
realizaciones artísticas públicas, sin la obligación de la participación de espectadores.
Tiene que ver con ciertos aspectos de la situación teatral (con un mayor componente
corporal: el cuerpo como agente del conocimiento), la danza, lo visual, ciertos
comportamientos sociales y el acontecimiento como gesto límite de la vida. Esta obra-
en-proceso reclama un espectador activo, como condición fundante, que lleve a cabo
una recepción no clásica:
“El artista no es el único que consuma el acto creador, pues el espectador
establece el contacto de la obra con el mundo exterior, descifrando e
interpretando sus profundas calificaciones para añadir entonces su propia
contribución al proceso creativo” (Duchamp, 1975, 163).
Las acciones entendidas por Pavis:[ “Al contrario de la acciones teatrales,
simbólicas y representadas del comportamiento humano. En el performance
[las acciones del artista… son literales, reales, a menudo violentas, rituales y
catárticas: conciernen a la persona del actor y rechazan la simulación de la
mímesis teatral. Las acciones, al rechazar la teatralidad y el signo, buscan un
modelo ritual de la acción eficaz, de la intensidad…para extraer del cuerpo del
performer; y luego del espectador...] Patrice Pavis pag. 25]
● El dinamismo es dado por [el acento en lo efímero y lo inacabado de la producción
más que en la obra representada y acabada. P. Pavis. pag. 333]. Huye de la
representación busca su manifestación de un mundo permanentemente cambiante.
● Se reemplaza la figura del actor/ por la del El performer ampliando el umbral: por
recitador, pintor, bailarín, cantante, el mino, entre otros...
[En un sentido más específico, el performer es aquel que habla y actúa en nombre
propio (en tanto que artista y persona) de este modo se dirige al público, a diferencia
del actor que representa su personaje y simula ignorar que no es más que un actor de
teatro. El Performer efectúa una puesta en escena de su propio yo, el actor desempeña
el papel de otro. P. Pavis. 334 pag]
A. Se insiste sobre la presencia física, estableciendo una relación directa con los objetos
y la situación.
B. En este caso, sirven el cuerpo del artista y su presencia en directo junto al límite
temporal de la obra:
“El cuerpo soporte del discurso, duración en un tiempo limitado y acción,
mostrados o expuestos en una presencia real y efímera o documental
podrían ser principios que definen la performance, tanto si es el lenguaje
explícito de la obra como si tan sólo es uno de sus elementos” (Torres, 1997,
20).
C. La performance es esa práctica donde el artista está autorizado a convertirse
paralelamente en autor y objeto de arte: su materialización se encuentra en el
cuerpo, santuario donde tiene lugar esa fisión.
“Yo soy el agente de una acción y, al mismo tiempo, el receptor de la acción;
“yo” inicio una acción que termina en “mí” (Acconci, 2005).
D. Utiliza el cuerpo para poner en peligro, para exponer o poner a prueba su imagen
E. Exploración del espacio y del tiempo
F. La presentación autobiográfica del artista, contando experiencia reales de su vida
G. La ceremonia ritual y mítica
DIAPOSITIVA 5:
El término Accionismo Vienés (Wiener Aktionismus) comprende un corto y polémico movimiento
artístico del siglo XX. Se trata de uno de los aportes más inquietantes y radicales del arte austriaco
de vanguardia, y puede entenderse como una de las consecuencias de los esfuerzos que los
artistas de la década de 1960 llevaban a cabo para llevar el arte al terreno de la acción (Fluxus,
Body Art, etc.). Entre sus principales representantes se encuentran Günter Brus, Abino Byrolle,
Otto Muehl, Hermann Nitsch desde 1960 a 1971.
A finales de los años 50, desarrolló el concepto de la Orgen Mysterien Theater (Teatro de Orgías
y Misterios), una especie de proyecto en el que las ideas de Nitsch se fundían para dar lugar a
“acciones” colectivas donde se exploraban de manera profunda y fiel las raíces y la fuerza del
ritualismo antiguo, lo que ocasionaba que a veces se llevasen a cabo sacrificios a animales.
● No existe la clausura /o no se visualiza el modo de la clausura
● Los límites entre la realidad y la ficción son móviles y dependen de acuerdos
permanentes y de transformaciones que lo sitúan en lo Experimental bajo un
definición híbrida de su trabajo. Los inicios de la performatividad responden a
modos [autorepresentación y el azar]
● La expansión del modelo performativo como un síntoma de una democratización de
la subjetividad, y esta cumpliria la condición de la definición de identidades que no
están sometidas a modelos cerrados y sometidas a situaciones de convivencia-
constantemente expuesta a negociaciones.
● Este preámbulo de los performativo extendió la idea que lo teatral ya no daba
respuesta o servía para dar respuesta a la liquidez de la experiencia.
● La ruptura de la teatralidad está asociada:
[a la no aceptación de la representación, a la no aceptación de la lógica]
Ya que estas son dos imposiciones Sociales/Autoritarias
● Si en el “el gran teatro del mundo” el ideal se enfoca en convertir a los seres en
dramas escritos, este ideal es reemplazado en el performance por la multiplicación
de representaciones individuales y colectivas para la infinidad observaciones
● Este cambio de énfasis de observaciones es dado en la dimensión de la práctica
artísticas y no artísticas, se introduce a un espacio de debate de lo moral y lo político,
dando un cambio al gran modelo del gran teatro del mundo aparece ahora como el
teatro como foro- con desviaciones hacia el podio o el tribunal. (Espacios de
debates)
● El retorno a lo teatral en las prácticas- no se contradice con el “giro performativo”
este introduce complejidad al diagnóstico del presente
● Las prácticas actuales de los performativo no recaen únicamente sobre lo verbal,
sino sobre lo gestual, lenguaje del cuerpo/Lenguaje de la imagen/un lenguaje del
ritmo -tonos, estas nociones de experiencia reemplazan las mismas funciones de lo
verbal en la comunicación del mensaje.
El surgimiento del arte performance se contextualizó en los sesenta junto a una aguda
convulsión de las sociedades modernas. Esta década albergó la consolidación de la música
popular y la televisión como fenómenos de masas, así como la revolución del 68, junto a
otras revueltas relacionadas con la emergencia de identidades sexuales y raciales
anteriormente silenciadas. El performance nació como arte para la resistencia, tendente a lo
político, y se aleja del debate sobre individuos aislados y las reflexiones sobre el talento
artístico.
El performance de los últimos cuarenta años se ha caracterizado por una utilización del
cuerpo para la construcción de la identidad (sexual, social, étnica…), como símbolo de la
relación con el otro y con la sociedad junto a la emergencia del cuerpo como lenguaje y
materia artística.
DIAPOSITIVA 6:
Otro sub-género de la performance:
● Happening:
“El happening es un gesto de irrupción en el espacio cotidiano, planteado
según ritmos y en lugares en los que no está prevista la presencia de la
producción artística… el evento se desarrolla de acuerdo a una
improvisación que rompe los hábitos mentales del espectador….sobreponen
gestos breves y cotidianos, que consiguen implicar al público gracias a su
sencillez… la acción tiene lugar en un espacio y un tiempo definidos, en los
que el resultado está constituido por la experiencia colectiva… ” Kirby, M.
Happening 1968.
“Un happening es un conjunto de acontecimientos llevados a cabo o percibidos en más de un
tiempo y espacio. Su ámbito material puede estar construido, tomado directamente de lo que
está disponible, o levemente alterado; tanto como sus actividades pueden ser inventadas o
lugares comunes... El happening es llevado a cabo de acuerdo a un plan pero sin ensayo,
público o repetición. Es arte pero parece más cercano a la vida.
● Tableaux vivants:
● Fluxus: Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John
Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende
hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje
específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y
materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio
para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. OBJETO ARTÍSTICO
NO ES COMERCIAL…
Fluxus y la importancia en los primeros movimientos de la nueva danza norteamericana.
● MÚSICA = INDETERMINACIÓN Y AZAR
DIAPOSITIVA 7: El paradigma de cuerpo en la teatralidad
❏ La teatralidad: como el territorio de la máscara
[Teatralización: La teatralizar un acontecimiento o un texto es interpretado
escénicamente utilizando escenarios y actores para resolver la situación. El elemento
visual del escenario y la «puesta en situación» de los discursos son las marcas de la
teatralización.[..la dramatización se refiere únicamente a la estructura
textual:díalogación, creación de una tensión dramática y el conflicto entre los
personajes, dinámica de la acción ]
❏ Lo performatividad: como el territorio enmascaramiento - tránsito, la búsqueda de la
sinceridad- próxima a un desnudez.
El tratamiento del mensaje o de la idea en el teatro.
El teatro experimental según pavis [ Teatro Experimental...compite con
teatro de vanguardias, teatro laboratorio, performance, teatro de
investigación...teatro moderno se opone al teatro tradicional,
comercial y burgués. Los innovadores-buscaban nuevas formas de
concebir lo teatral fue una época de experimentaciones internas
estructurales del teatro- como fin encontrar una verdad oculta.
Aportaron nuevas nociones de técnicas teatrales basadas en la prueba
error. Con ello los aportaron los principios de la investigación teatral-
principios que hasta hoy siguen vigentes. ()]
En las prácticas contemporáneas ponen en duda la idea de esencia- especificidad en el arte
teatral, las fronteras de las artes sobre las relaciones humano y lo inhumano, lo animado y
lo inanimado. Lo que sitúa en las nuevas tendencias del teatro posmoderno-
Ejemplos:
1. Director: Bob Wilson. The life and death of Marina Abramovic
https://www.youtube.com/watch?v=MDqNpa-GU4Y
Cada Elemento sigue su propio ritmo-segmentos temporales, ritmo es principio
dramatúrgico fundamental
2. Director: Tadeusz Kantor
https://www.youtube.com/watch?v=PK9L537FYBk
Reseña: El espectáculo fue un elemento estructural importante en las actuaciones de Tadeusz
Kantor, ya sea para él jugar con su propia entrada en el set o para definir diferentes formas
de atraer e ingresar a los actores. Si, en la mayoría de los casos, esta entrada o reingreso fue
una forma de recuperar a los muertos, figuras íntimas de la novela familiar o figuras ilustres
y anónimas de la historia nacional polaca, se basó en el regreso de muchos efectos
espectaculares inspirados en el mundo de Circo, como desfiles y payasos. Tal es el caso del
espectáculo de 1985 "Let the Artists Die".
- Dramatúrgia: como es el tratamiento dramatúrgico en el performance? / Un espacio
Incierto/Marginalidad/ Reconquista del espacio escénico (La conquista de espacios no
previstos para el teatro (Estadios, fábricas, transportes y plazas públicas, pisos)). La
producción del sentido: los sentidos significantes es dada como una representación
está en proceso o en desequilibrio permanente: importa más el proceso de significado,
este desequilibrio está dado sobre las relaciones entre materiales: sonido e imagen.
- La relación con el público: Esté es el centro de las investigaciones. El cambio de mirada
hace que el espectador sea quien se adapte a la obra.
- El sentido de cuerpo para el nuevo actor: [El actor organiza su cuerpo según una
doble exigencia ser legible en su expresividad, ilegible en cuanto a su significado o a
sus intenciones. Su cuerpo y su voz son los jalones entre todos los materiales del
escenario y la presentación física del espectador. P. Pavis 455]
- Texto: el lenguaje, verbal, textual, exploratorio. Entre la obra como sistema cerrado y
material, y el texto concepto operatorio y semiótico. Texto que debe ser
representado/ texto que debe ser manipulado. El tratamiento como material y
montaje de fragmentos como resistencia a la significación definitiva y universal
- Música: los usos y sentidos de lo músical
DIAPOSITIVA 8: Los Cuerpos de la performance
Cuerpos de dejan huella:
El ideal era la expresión física del artista lo que luego se considero “Action painting”, el
proceso de creación tomó mayor importancia como la obra como producto final. cuerpo
como pincel que deja el rasgo de la pintura.
Jackson Pollock: Obra pintado en su estudio (1950) Paris- Action painting.
Carolee Schineemann: Meat Joy (1964) considerado un Happening, hombres y mujeres en un
happening orgiástico forcejeaban con el material produciendo un material carnoso
desagradable. Eye Body: 36 Transformative, (1963) Nueva York. Actions-donde utiliza su
cuerpo como lienzo.
Shigeko Kubota: Vagina Painting (1965) Nueva York. La acción consistía en pintar un lienzo
de papel donde sacaba de su vagina la pintura roja- gesto menstrual (femenino) inscribiendo
la acción como inscripción al lenguaje.
Keith Boadwee: Sin título (Purple squirt) (1995). Cuerpo como lienzo, expulsaba de su ano
pintura para dejar un huella pictórica. Como un cuerpo abyecto anal y homosexual.
Cuerpo gestuales:
La pintura como acción llevó a explorar los gestos del artista como obra de arte en eventos y
acciones, condición que lleva a considerar algunas actividades cotidianas como arte, el cuerpo
es el material de donde se crea la obra. El doble papel del artista como sujeto y objeto como
nueva forma de arte.
Joseph Beuys: How to Explain pictures to a dead hare (1965) Düsseldorf: Se cubrió el rostro
de miel y pan de oro, llevaba sobre sus manos una liebre muerta, El artista se encerró en
dicha galería y la performance solo podía ser apreciada desde la puerta y las ventanas.
“I liKe and America Likes me” 1974- Nueva York, Para la inauguración de la nueva Galería
René Block Gallery de Nueva York, el artista vivió durante 5 días sin descanso con un salvaje
Coyote- representaba una mediación entre el lejano oeste americano y el capitalismo
contenido y continente.
Dennis Oppenheim: Parallel Stress (1970) Nueva York. entre los embarcaderos de Brooklyn y
Manhattan - Pozo abandonado en Long Island NY. La performance consistió en la
Intervención del espacio hasta que su cuerpo mismo se desplomó. Busca entender la relación
del cuerpo humano con el espacio y los materiales de su entorno industrial, y buscando con
su cuerpo la tensión que suponía hacer puente.
Charles Ray: Plank piece I & II (1973). Investigación del plano que divide y soporta
simultáneamente el cuerpo. Pensando en la escultura como una actividad más que como un
objeto.
Cuerpo, dolor y ritual:
Un cambio fundamental de el arte es que empieza abandonar su lugar de presentación que
son las galerías- museos. La experimentación de los artistas como transformación social y
personal a través del evento. La búsqueda que el público alcanzará un estado es expiación y
catarsis (proceso de curación y purificación). “Estas acciones ritualisticas suelen imitar las
regiones y los cultos tradicionales y en ocasiones presentar una visión muy teatral del papel
de artista “chamán”, capaz de redimir la sociedad.
La base simbólica de esta concepción de la performance se sustenta sobre la capacidad de
transmisión de estas acciones en situaciones comunales, así como en la fiesta. El rito, como
lugar donde se ejecutan acciones que sobrepasan lo permitido o legítimo en una sociedad,
posee un componente liberador o catárquico, con una gran capacidad de contagio por
empatía en situaciones sociales. Como en el rito, el performer emplea su cuerpo como medio
donde confluyen las fuerzas de la naturaleza y la vida humana. El receptor de estas acciones
se sitúa como testigo colectivo, parte necesaria para la catarsis ritual.
Otto Müehl: Material Action No. 1 Degradation of a venus (1963) Viena. desarrolla un serie
de acciones con el cuerpo de una mujer, arrojando pintura-basura. provocando la sensación
oculta de violentos impulsos de la violencia.
Günter Brus: Self Painting, Self mutilation (1965) Viena. La neutralización a mero soporte
expresivo del cuerpo a través del uso primario de la pintura como parte del cuerpo humano.
Mike Parr: Cathartic Action: Social Gestus No. 5 (1977) 10ª Bienal de París, su tema es sobre
la discapacidad, la acción es destrozar una prótesis con un cuchillo de carnicero.
Destrucestrurar la relación con su padre y como esta discapacidad está generando una
discapacidad con su hija y esposa. Parr se está sentando en una mesa con lo que parece
ser un brazo izquierdo completo. Durante su conversación con el público, toma un
hacha de mano y se corta el brazo izquierdo (que es solo una prótesis llena de sangre
y carne), lo corta y deja un caos sangriento en la mesa. Julie Parr, su hermana. La
audiencia y Parr luego discuten el evento y el trauma que la mayoría de ellos ha
experimentado a través de esta acción.
Marina Abramovic: Balkan baroque- (1997) XlVI Bienal de Venecia- El interes de los
espectadores.Durante esta representación, la artista estaba sentada en un montón de huesos de
bovino que limpió de la carne y el cartílago residual, en un ritual de purificación de sí misma y por
las masacres que tuvieron lugar en los Balcanes. Con esta obra el artista quiso denunciar los
horrores que se cometieron durante la guerra en los Balcanes .quiere denunciar la guerra en la
antigua Yugoslavia, los gestos con los que raspa y limpia los huesos simbolizan la limpieza étnica
por un lado, pero por otro lado expresan la voluntad del artista de realizar un rito de purificación.
ética.
Ron Athley: Sebastian Suspended (1999): emplea la iconografía homosexual del San
Sebastián, con toda su piel saeteada y heridas supurantes.
Cuerpos al Límite:
Este apartado analiza los límites entre el cuerpo y el entorno, tanto el interior y el exterior del
cuerpo individual-colectivo o social. EL cuerpo como lugar al que puede ser penetrado y puede
penetrar. El cuerpo del artista se convierte en un símbolo. (La carne) constituye una metáfora
de lo metafísico ( la emoción)
Vito Acconci: Trademarks (1970) Nueva York. Morder todas la partes del cuerpo a donde
llega, estampando con pinta la huellas de los mordiscos
Cuerpos en representación de la identidad.
Marina Abramovic: Rhythm 0, Studio Morra, Nápoles. Para probar los límites de la relación
entre el artista y el público, Abramović desarrolló una de sus performances más exigentes (y la
más conocida). En ella adoptaba un rol pasivo, mientras el público la forzaba a realizar la
actuación. Colocó sobre una mesa 74 objetos que la gente le permitiera usar en la forma que ellos
eligieran. Algunos de estos objetos podían usarse de manera placentera, mientras que otros
podían infligir dolor o incluso dañarla. Entre ellos había tijeras, un cuchillo, un látigo, una pistola y
una bala. Durante seis horas la artista permitió a los miembros de la audiencia manipular su cuerpo
y sus acciones.
Cuerpos Ausentes:
EL cuerpo es sustituido de su presencia física, a modo los moldes, las huellas, las fotografías.
A la ausencia de física de cuerpo realza el la espiritualidad o inconsciente.
Piero Manzoni. Merda d’artista (1961) Envasó noventa latas de excrementos del artista
numeradas 1-90, La inscripción de lata ”Mierda de artista” . Contenido neto 30 gramos, sin
aditivos, producida y envasada en mayo de 1961.
Ana mendieta: Silueta (1973-1980) Body art + performance: bautizó como esculturas «earth-body»
Cuerpos como identidad
El cuerpo como identidad que se define por cuestiones de género-étnica-sexualidad,
encuentra como acción interpretar o desafiar y el cuerpo de los artista es utilizado como
superficie de inscripción del lenguaje, el Yo es relevado a través de identidad y atrezzo
(Máscaras, vestidos, disfraces, maquillaje, ropa) buscan la simulación de los signos y símbolos.
Mona Hathoum: “ The Negotiating Table” (1983) The Western Front- Vancouver.
La acción de permanecer por 3 horas sobre una mesa iluminada con un foco, con el cuerpo
cubierto de viseras y vendajes de sangre, simbolizando las víctimas y los efectos de la
guerra. la utilización de discursos de políticos hablando de paz.
Jürgen Klauke: Transformer (detalle) (1973) Fotografía. Sus diferentes fotografías en poses
divertidas expresando que la transformación de una forma es una parte incompleta del ser.
Oliver de Sagazar
Cuerpos prolongados y prostéticos:
El cuerpo proyectado como prótesis, bajo un reclamo al cuerpo, los artecfactos van desde
cosas cotidianas hasta sofisticados aparatos tecnologicamente, bajo la idea la extensión
como capacidad comunicativa, se crean cuerpo hibridos.
Atsuko Tanaka. Electric Dress (1956) 2º Exposición de Arte Gutai, Ohara. Creó un vestido
donde reflejaba el sistema nervioso.
Rebecca Horn.” Arm-Extensionen” (1970)/ “Fingerhandschuhe” (1972), se centra en su
extensión de los brazos, a partir de un experiencia en un sanatorio, encontró el materiales
como gasas, sábanas.
Orlan. “Omniprésence” (1993). se proyectaba en directo un intervención de cirugía de
implantes sobre los ojos-mejillas- barbilla, la cirujana llevo vestidos de diseñadores, ella
respondía preguntas que el público mientras mantenía la anestesia local. el proceso de
filmación fue le proceso inicial del la exposición de su obra. Luego intervino algunas de las
fotografías a diosas de la mitología griega.
DIAPOSITIVA 9: El traslado de lo teatral y lo performativo a los desfiles/pasarelas de
moda
Interesante reflexionar sobre algunos puntos de traslado de los conceptos de lo teatral y el
performance, en la presentación de las grandes firmas de la industria de la moda.
- Una Primera vertiente de comprensión quizás tenga que ver con los hábitos de
consumo. y como las grandes industrias de la moda, han establecido presentar
anualmente 2 colecciones al año, y poner a la venta las colecciones inmediatamente
después de los shows.
- Fashion weeks (semana de moda), donde las marcas compiten por “ver cuál
presentación más espectacular ”.
- Los shows moda se han nutrido de sentidos de lo teatral y lo performance, ya no solo
presentan las colecciones de ropa, los espectáculos de presentación tiene un sentido
dramatúrgico y estéticos, recreando en muchos casos la idea o concepto y atmósfera
a la que pertenece la colección.
- Las primeras apariciones de estas propuestas aparecen en los salones parisinos a los
finales de XIX. Charles Frederick Worth (1825) considerado el padre de la Alta costura,
y enseñando sus patrones a la clientela- denomino sus nuevas piezas como
colecciones.
- Los modos de presentación fueron evolucionando dejaron de ser eventos privados, la
introducción de música como elemento atmosférico, bajo la idea de que fuera una
“experiencia”… Sería en un sentido un cambio de paradigma, y estaría cercano al
ámbito de lo performativo y acercaria a cada individuo a una experiencia personal,
pero esto tampoco queda distante del teatro- ya que se daría desde un sentido
kinetico.
- 140 ventos aprox al año. Pero los más importantes donde se concentra todo el
impacto mediático y económico: Nueva York-Londres-Milán y París.
- El impacto que produzca la Shows en muchos casos deja la colección a un segundo
plano, las temporadas son pretexto para abordar conceptos o temas en particulares
de investigación de los diseñadores.
Ejemplos:
❖ Karl Lagerfeld- Chanel: 2012 Abordó el tema “La vida Marina” en ayuda de la
arquitecta Zaha Hadid recreo el fondo del mar en las instalaciones Grand
Palais. 2013 el tema “ La globalización y la democratización de la moda”.
2014 Elaboró un supermercado completo donde las modelos caminaban
sobre anaqueles con productos con marcas de la misma marca. (Sobre
concepto de lugar)
https://www.youtube.com/watch?v=fSjiN-JJZVY
❖ Rick Owens 2014, hace un traslado sustituyendo modelos por bailarines, a
ritmo de danzas africanas y con una tratamiento del gestus-(crom). 2015-París
repite el procedimiento de intervención pero con modelos, el concepto de
“Modelos que visten modelos”- una idea que fue tomada de The Birth que
realizó Leigh Bowery en colaboración con Nicola Bateman.
https://www.vogue.es/vogue-tv/pasarelas/videos/rick-owens-pv-2014/191
https://www.youtube.com/watch?v=-5XQxTnRqr4
❖ Viktor And Rolf
❖ Alexander McQueen Spring/Summer 1999, "No. 13". se planteaba el problema la
relación Hombre-Maquina cuyos diseños estaban inspirados en Arts And Crafts del
siglo XVIII. Los brazos robotizados arrojaron pintura verde y negra-vestido que fue
expuesto en el metropolitan NY.
Voss (2001) Desfile inspirado en el fotógrafo Joel Peter Witkin, los espectadores se
encontraban detrás de una pasarela de vidrio de caja negra. las acciones de la modelos eran
tocar y golperar frente del vidrio- la idea de recrear un hospital psiquiatrico. al final queda
expuesta la imagen de Sanitarium al final Michalle Olley mujer gorda llena de mariposas
negras.
https://www.youtube.com/watch?v=nK_KA9U9rqo&list=PLomgQWlh68jCibA7d-
_zuk7P2Bt81ShCG&index=4&t=40s
❖ Vanessa Beecroft, La artista busca avergonzar al público, Sus obras
cuentan con la fórmula de un colectivo en mucho de los casos mujeres bajo
la indicación de estar presentes VB sus intervenciones son vestidas con
prendas de diseñadores- desnudas o pintadas, cuerpos deseables pero
imperfectos- pero un tema recurrente son los problemas alimenticios
https://vimeo.com/44701769
Kaldor Public Art Project 12: Vanessa Beecroft, VB40, 1999
Museum of Contemporary Art, Sydney, Australia
https://vimeo.com/318807674
Reflexión final:
“Los nuevos movimientos sociales se caracterizan por su «simulacro de protesta» en el que
prima lo más lo simbólico, que la acción real “ FERNÁNDEZ, Celia (2014)
Una pasarela dura alrededor de 15-20 minutos, un modelos tarda 40 segundos a 3 minutos en
hacer el recorrido. El tiempo para apreciar el los acabados, textura y detalles de las prendas es
mínimo- pero detrás de cada prenda entre el error y los aciertos de quien la diseña y crea se
duplican las horas de elaboración
(cita del el aroma del tiempo.)
> propuesta de ejercicio
(Imagen de la didascalia)
1. Suministrar una información de las didascalias de una obra teatral: se utilizará como
ejercicio didáctico “Días de felices” de Samuel Beckett.
2. Los participantes con la información de la didascalia, elaborarán un boceto () de
propuesta encaminada en alguno de los dos conceptos (Teatral-Performance)
desarrollados en la master class, el cual tendrán que sustentar.
3. Los participante tendrán que elaborar una breve descripción del procedimiento
utilizado, y indicando un acción corporal para el intérprete o performer.
4. Este punto es opcional: indicar el espacio de presentación. (espacios no
convencionales, teatro, galerías, etc.)
5.
Bibliografia
AA. VV. (2013): Repensar la dramaturgia-Errancias y transformación. Editorial (CENDEAC)
FERNÁNDEZ, Celia (2014): Estudios performance performatividad en las artes escénicas.
Madrid: OMM PRESS ARTES ESCÉNICAS
FISCHER, Erika (2017): Estética de lo performativo. Madrid: Abada Editores
TAYLOR, Diana. FUENTES, Marcela (2011): Estudios Avanzados de Performance. México, D.
F. Editorial Fondo de Cultura Económica
PAVIS, Patrice (1998): Diccionario del Teatro. Barcelona. Ediciones Paidós Ibérica, S.A.
WARR, Tracey (2013): El Cuerpo Del Artista. Editorial Phaidon
Articulos
SHECHNER, Richard (2000): Performance: teoría y prácticas interculturales. Buenos Aires.
Edit. Libros del Rojas UBA.
DUQUE, Fernando (2008): DRAMATURGIA Y PERFORMANCE: EL TEATRO ES EL TEATRO Y EL
PERFORMANCE ES EL PERFORMANCE. Bogotá. Revista Calle 14
Páginas
http://www.ciaindumentaria.com.ar/plataforma/performance-o-pasarelas/
