EL BLUES

Sus principales características y referentes

MARIANO FERNANDO LOPEZ

Prof: Mirian Delgado
Índice
Introducción ....................................................................................................................................... 2
El blues............................................................................................................................................... 3
Origen y evolución ........................................................................................................................ 3
Orígenes .................................................................................................................................... 3
Blues de preguerra ................................................................................................................... 4
Blues inicial de posguerra ....................................................................................................... 6
Blues en los años sesenta y setenta ..................................................................................... 8
Blues desde los años ochenta hasta hoy ............................................................................. 9
Las raíces africanas del blues .................................................................................................. 10
Letras............................................................................................................................................ 10
La consolidación del género ..................................................................................................... 11
Referentes ....................................................................................................................................... 12
W. C. Handy ................................................................................................................................ 12
B. B. King ..................................................................................................................................... 13
Frederick King ............................................................................................................................. 15
Albert King ................................................................................................................................... 16
Johnson, Robert ......................................................................................................................... 17
Discografía............................................................................................................................... 19
Conclusión ....................................................................................................................................... 20
Bibliografia ....................................................................................................................................... 21
Anexo ............................................................................................................................................... 22

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Introducción

El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental,

basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura
de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a
principios del siglo XX, en los años sesenta este género se convirtió en una de las influencias más
importantes para el desarrollo de la música popular estadounidense y occidental. Se lo lee en
géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy
metal, hip-hop, música country y pop.
Este género se desarrolló a través de las espirituales, canciones de oración, canciones de
trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización
de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música
como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo
característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra
(bend, vibrato, slide) y de la armónica (cross harp), que posteriormente influirían en solos de estilos
como el rock. Las canciones de blues son más líricas que narrativas; el cantante intenta expresar
sentimientos en lugar de contar historias, donde por lo general se manifiestan emociones tales como
la tristeza o la melancolía, a menudo debido a problemas en el amor. Esto se logra musicalmente,
utilizando las técnicas vocales como «el melisma (sostener una sola sílaba a través de varios
lanzamientos), técnicas rítmicas como la sincopación y técnicas instrumentales como ahogar o
doblar cuerdas de guitarra en el cuello o aplicar una diapositiva metálica o cuello de botella a las
cuerdas de la guitarra para crear un sonido de gemido»

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El blues
Origen y evolución
Orígenes
El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores
negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de
todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África Occidental. Las estructuras musicales y
los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna,
nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse
grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria
discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para
vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.
En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto
por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado
incorrectamente por las compañías discográficas.
Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran
conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que
tuvieron los esclavos al góspel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador
afroamericano Thomas Sowell indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre
sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros
estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del
blues.
Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad. La primera
aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que
coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a
pequeña escala en el sur de Estados Unidos. Paul Oliver cita un texto de Charlotte Forten, de 1862,
en el que ya habla de blues como estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de
forma especial, para superar los blues.
Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del siglo XX como un
movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando
que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según
Lawrence Levine había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo,
la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine indica que
«psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de
tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado
que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa».

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Blues de preguerra
La industria estadounidense de publicación de partituras produjo una gran cantidad de música
ragtime. Hacia 1912, esta industria publicó tres composiciones asociadas al blues, precipitando la
adopción de elementos de blues por parte del Tin Pan Alley: «Baby Seals' Blues» de Baby F. Seals
(con arreglos de Artie Matthews), «Dallas Blues» de Hart Wand y «Memphis Blues» de W. C. Handy.
Handy fue un músico, compositor y arreglista bien formado que ayudó a popularizar el blues
transcribiendo y orquestándolo en casi cualquier género sinfónico, con grupos y cantantes. Se
convirtió en un compositor famoso y prolífico, denominándose él mismo como el «padre del blues»;
sin embargo, sus composiciones pueden definirse como una mezcla de ragtime con jazz (mezcla
facilitada por el uso del ritmo latino habanera, el cual estaba presente desde hace tiempo en el
ragtime). Uno de principales temas de Handy fue «St. Louis Blues».
En los años veinte, el blues se convirtió en un elemento principal de la cultura afroamericana y de la
música popular estadounidense, llegando incluso a la audiencia blanca a través de los arreglos de
Handy y las interpretaciones de cantantes femeninas clásicas de blues. El blues evolucionó de
interpretaciones informales en bares a una forma de entretenimiento en teatros. Los espectáculos
de blues estaban organizados por la Theater Owners Bookers Association en clubes como el Cotton
Club y en juke joints como los que se podían encontrar en la calle Beale de Memphis; debido a esta
evolución, se marcó el camino hacia una importante diversificación de estilos y a una distinción aún
más clara entre el blues y el jazz. Fue en este periodo en el cual compañías discográficas, como la
American Record Corporation, Okeh Records y Paramount Records, comenzaron a grabar música
afroamericana.
El blues rural se desarrolló principalmente en tres regiones, Georgia y las Carolinas, Texas y
Mississippi. El blues de Georgia y las Carolinas se distinguía por su claridad y regularidad en el ritmo;
fue influenciado por el ragtime y la música folklórica blanca, haciéndolo más melódico. El blues de
Texas se caracteriza por un canto alto y claro acompañado de líneas de guitarra suaves con arpejos
elegidos de una sola cuerda en lugar de acordes rasgados, dentro de los representantes de este
estilo se encuentra Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller.
Las primeras grabaciones del blues fueron realizadas por mujeres durante los años 1920, algunas
de ellas fueron Ma Rainey, Ida Cox, Bessie Smith, Mamie Smith. Esta última fue la primera
afroamericana en grabar un blues en 1920, con el disco "Crazy Blues" el cual vendió 75 000 copias
en el primer mes. Estos intérpretes eran principalmente cantantes acompañados por bandas de jazz;
y a este estilo se le conoce como blues clásico. La Gran Depresión y las guerras mundiales causaron
la dispersión geográfica del sur hacia las ciudades del norte, lo que hizo que el blues se adaptara a
un ambiente urbano, las líricas tomaron temas de la sociedad y se sumaron instrumentos tales como
el piano, la armónica, el bajo y los tambores; intensificando la rítmica y la emoción de la música.
Entre las ciudades en las que los blues tomaron raíces fueron Atlanta, Memphis y St. Louis. John
Lee Hooker se estableció en Detroit, y en la Costa Oeste Aaron ("T-Bone") Walker desarrolló un
estilo más tarde adoptado por Riley ("B.B.") King. Fue Chicago, sin embargo, que desempeñó el

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papel más importante en el desarrollo del blues urbano. En los años 20 y 30 Memphis Minnie, Tampa
Red, Big Bill Broonzy y John Lee Williamson eran artistas populares de Chicago. Después de la
Segunda Guerra Mundial fueron suplantados por una nueva generación de bluesmen que incluyeron
a Chester Arthur Burnett (Howlin' Wolf), Elmore James, Little Walter Jacobs, Buddy Guy y Koko
Taylor.
Mientras la industria discográfica crecía, intérpretes de country blues como Charlie Patton, Leadbelly,
Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Son House o Blind Blake adquirieron notoriedad en las
comunidades afroamericanas. Jefferson fue uno de los pocos intérpretes de country blues que llegó
a grabar prolíficamente y puede que fuera el primero en grabar con la técnica de slide guitar, técnica
que se convertiría en un elemento importante del delta blues.30 En los años veinte, las primeras
grabaciones de blues se englobaron en dos categorías: un blues rural (country blues, más tradicional)
y un blues más pulido y urbano.

Los intérpretes de country blues solían improvisar, unas veces sin acompañamiento y otras haciendo
uso de un bajo o una guitarra. En los primeros años del siglo XX existía una gran variedad de estilos
regionales en el country blues; el Misisipi Delta Blues era un estilo de profundas raíces con voces
apasionadas acompañadas de steel guitar. Robert Johnson, el cual grabó muy pocas canciones,
combinó elementos tanto del blues urbano como del rural. Junto a Robert Johnson, intérpretes
influyentes de este género fueron sus predecesores Charlie Patton y Son House. Cantantes como
Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller interpretaron la «delicada y lírica» tradición sureña del Piedmont
blues, estilo que utilizaba una técnica muy elaborada de tocar la guitarra sin púa. Georgia también
tuvo una tradición temprana hacia los slides.
El Memphis blues, el cual se desarrolló durante los años veinte y treinta alrededor de Memphis
(Tennessee), estuvo influenciado por bandas como Memphis Jug Band o Gus Cannon's Jug
Stompers. Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy o Memphis
Minnie (famosa esta última por su virtuosismo a la hora de tocar la guitarra) utilizaron una gran
variedad de instrumentos atípicos como el mirlitón, el violín o la mandolina. El pianista Memphis Slim
inició su carrera en Memphis, pero su estilo tranquilo y distintivo era mucho más suave y ya contenía
algunos elementos del swing. Gran parte de los músicos blues que vivían en Memphis se trasladaron
a Chicago a finales de los años treinta y principios de los años cuarenta, formando parte del
movimiento de blues urbano que uniría la música country con el blues eléctrico.
Los estilos urbanos del blues estaban más codificados y elaborados.El blues clásico femenino y las
cantantes blues de vaudeville, fueron famosas en los años veinte, destacando intérpretes como
Mamie Smith, Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith y Victoria Spivey. Mamie Smith, la cual era más
una intérprete de vaudeville que una artista del blues, fue la primera afroamericana en grabar un
blues en 1920; su «Crazy Blues» vendió 75 000 copias en el primer mes.
Ma Rainey (denominada la Madre del Blues) y Bessie Smith cantaban «... cada canción alrededor
de tonos centrales, quizás para proyectar sus voces más fácilmente hacia el fondo de la habitación».

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Smith «... cantaba una canción en una afinación inusual, y su calidad como artista mezclaba y
estiraba las notas gracias a su bella y poderosa voz de contralto para acomodarse a la interpretación
de una manera inigualable». Entre los intérpretes masculinos de blues urbano se incluían músicos
negros populares del momento como Tampa Red (denominado ocasionalmente como el Mago de la
Guitarra), Big Bill Broonzy y Leroy Carr, tomando este último la decisión inusual de acompañarse a
sí mismo con un piano.
El boogie-woogie fue otro de los géneros importantes de blues urbano en los años treinta y principios
de los años cuarenta. Mientras que el género suele asociarse con un único piano, el boogie-woogie
solía interpretarse con cantantes como acompañamiento en algunas bandas de música. Este estilo
estaba caracterizado por una figura en forma de bajo, un ostinato o riff y un cambio de nivel en la
mano izquierda, elaborando cada acorde y creando ornamentos con la mano derecha. El boogie-
woogie fue desarrollado principalmente por el músico de Chicago Jimmy Yancey y por el trío de
boogie-Woogie (Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis). Los intérpretes de este género
en Chicago incluían a Clarence Pine Top Smith y Earl Hines, el cual «enlazó los ritmos de la mano
izquierda de los pianistas del ragtime con las figuras melódicas similares a las que interpretaba Louis
Armstrong con la mano derecha».
En los años cuarenta comenzó a desarrollarse el género jump blues, el cual estuvo influenciado por
la música big band, utilizando el saxofón u otros instrumentos de viento, además de la guitarra, en
las secciones rítmicas para crear un sonido jazzero y desacompasado con voces claramente
marcadas. Las melodías jump blues de Louis Jordan y Big Joe Turner, de Kansas City, influenciaron
el desarrollo de posteriores géneros como el rhythm and blues y de ahí, con cierto aporte de la
música country blanca, al rock and roll de los cincuenta. Tanto el estilo suave de Louisiana de
Professor Longhair como el más reciente de Dr. John, mezclaron el ritmo clásico con los géneros del
blues.
Blues inicial de posguerra
Tras la Segunda Guerra Mundial, y en la década de 1950, los afroamericanos se trasladaron a las
ciudades del norte de Estados Unidos y nuevos géneros musicales (como el blues eléctrico), se
hicieron populares en ciudades como Chicago, Detroit y Kansas City. El blues eléctrico utilizaba
guitarras amplificadas eléctricamente, bajos eléctricos, baterías y armónicas. Chicago se convirtió
en el centro de este género a principios de los años cincuenta.
El Chicago blues está influenciado, en gran parte, por el género del Delta Blues, debido a la migración
de intérpretes desde el estado de Misisipi. Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed
nacieron en Misisipi y se trasladaron a Chicago durante la Gran migración afroamericana, entre la
década de 1920 y 1a de 1930. Su estilo estaba caracterizado por el uso de la guitarra eléctrica, la
steel guitar, la armónica y una sección rítmica de bajo y batería. J. T. Brown, el cual tocó en las
bandas de Elmore James o J. B. Lenoir, también utilizó saxofones, pero de forma secundaria en vez
de utilizarlos como instrumentos principales.

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Little Walter y Sonny Boy Williamson II, famosos armonicistas (denominados harp en el argot de los
músicos de blues), pertenecen a la etapa inicial del blues de Chicago. Otros armonicistas como Big
Walter Horton también desempeñaron un papel importante en aquella etapa. Muddy Waters y Elmore
James eran conocidos por su uso innovador de la steel guitar eléctrica. B. B. King y Freddie King, no
utilizaban la steel guitar pero fueron guitarristas influyentes en el género del Chicago blues. Howlin'
Wolf y Muddy Waters también eran conocidos por sus voces profundas y graves.
El bajista y compositor Willie Dixon desempeñó un papel importante en la escena del Chicago blues;
compuso y escribió muchos temas de blues estándar de aquel periodo, como «Hoochie Coochie
Man», «I Just Want to Make Love to You» (ambos compuestos para Muddy Waters), «Wang Dang
Doodle» (compuesto para Koko Taylor y «Back Door Man» (compuesto para Howlin' Wolf). La
mayoría de los artistas del Chicago blues grabaron sus discos para el sello discográfico de Chicago
Chess Records, fundado en 1947.
En los años cincuenta, el blues tenía una gran influencia en la música popular de masas de EE. UU.
Mientras que músicos populares como Bo Diddley y Chuck Berry estuvieron influenciados por el
Chicago blues, su estilo entusiasta a la hora de tocar se diferenciaba claramente de los aspectos
melancólicos del blues y lograba encasillarlos dentro del mundo del rock and roll. Precisamente, la
forma de tocar de Diddley y Berry fue uno de los factores de influencia en la transición del blues al
rock and roll. Elvis Presley y Bill Haley estuvieron más influenciados por el jump blues, el boogie-
woogie y el country, popularizando el rock and roll dentro del segmento de población blanca de
aquellos tiempos. El Chicago blues también influenció la música zydeco de Luisiana, en la cual Clifton
Chenier utilizaba acentuaciones blues. Los músicos del género zydeco utilizaban guitarras eléctricas
y arreglos cajún basados en los estándares del blues.
Otros artistas de blues, como T-Bone Walker y John Lee Hooker, no estuvieron influenciados
directamente por el subgénero de Chicago. Nacido en Dallas, T-Bone Walker suele asociarse con el
West Coast blues, el cual es más suave que el Chicago blues y ofrece una transición entre el Chicago
blues, el jump blues y el swing, con cierta influencia en las guitarras del jazz. El blues de John Lee
Hooker es más personal, basado en su voz profunda y en el único acompañamiento de una guitarra
eléctrica y un contrabajo; a pesar de no estar influenciado directamente por el boogie-woogie, el
género suele denominarse guitar boogie. Su primer éxito «Boogie Chillen» alcanzó el número 1 en
las listas de R&B en 1949.
Hacia finales de los años cincuenta, el swamp blues se desarrolló cerca de Baton Rouge, con
intérpretes como Slim Harpo, Sam Myers y Jerry McCain. Este género tenía un ritmo más lento y
utilizaba la armónica de forma más simplificada que las interpretaciones realizadas por artistas del
Chicago blues tales como Little Walter o Muddy Waters. Algunas canciones de este género son
«Scratch my Back», «She's Tough» y «I'm a King Bee» de Slim Harpo.

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Blues en los años sesenta y setenta
Al principio de los años sesenta, los géneros musicales influenciados por la música afroamericana,
como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular estadounidense. Los
intérpretes caucásicos habían llevado la música afroamericana a nuevas audiencias, tanto en
Estados Unidos como en el resto del mundo. En Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a
las leyendas del blues estadounidense, y a lo largo de la década el blues inglés desempeñó un
importante papel de recuperación de cantantes afroamericanos al llevarlos a Europa y reinterpretar
sus temas clásicos.
Los bluesmen como John Lee Hooker y Muddy Waters siguieron tocando para sus admiradores
entusiastas e inspirando a nuevos artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido
en Nueva York, Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con elementos del rock y
empezó a tocar con jóvenes músicos blancos, creando un género musical que puede escucharse en
el disco de 1971 Endless Boogie. La técnica virtuosa de B. B. King le valió el apodo de Rey del Blues.
A diferencia del subgénero de Chicago, la banda de King utilizaba soporte de viento (en forma de
saxofón, trompeta y trombón), en vez de utilizar únicamente la steel guitar y la armónica. El cantante
de Tennessee, Bobby 'Blue' Bland, al igual que B. B. King, también mezcló los géneros musicales
del blues y del rhythm and blues.
La música de los movimientos por los derechos civiles y por la libertad de expresión impulsó en
Estados Unidos un resurgir del interés por las raíces de la música estadounidense y por los inicios
de la música afroamericana. Festivales de música, como el Newport Folk Festival, llevaron el blues
tradicional a nuevas audiencias, e hicieron que resurgiera el interés por el blues acústico de pre-
guerra y por las grabaciones de intérpretes como Son House, Mississippi John Hurt, Skip James y
Reverend Gary Davis; muchas de estas grabaciones fueron reeditadas, entre otras, por la compañía
discográfica Yazoo Records. J. B. Lenoir, perteneciente al movimiento del Chicago blues de los años
cincuenta, grabó varios vinilos con guitarras acústicas, en los que contó con el acompañamiento
ocasional de Willie Dixon al bajo acústico o a la batería; sus canciones hablaban de problemas
políticos como el racismo o la guerra de Vietnam, lo cual no era muy usual por aquella época
El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante los años sesenta se incrementó debido
al movimiento liderado por el grupo Paul Butterfield Blues Band y por el blues británico (British Blues).
Este género, promovido principalmente por Alexis Korner, se desarrolló en Reino Unido, donde
grupos como Graham Bond Organization, John Mayall & the Bluesbreakers, The Rolling Stones, The
Yardbirds, Cream, y los irlandeses Them interpretaron canciones clásicas de blues de los
subgéneros Delta blues y Chicago blues.
Los músicos británicos de blues de principios de los años sesenta inspiraron, a su vez, a un número
de intérpretes estadounidenses de blues rock, incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny
Winter, The J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del grupo británico Led
Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales de blues, lo que no es raro si tomamos en cuenta
que su guitarrista Jimmy Page provenía de los Yardbirds. Un intérprete de blues rock original de

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Seattle, Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por aquellos tiempos: un negro que tocaba rock
psicodélico; Hendrix fue un guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback'
en su música. A través de estos y de otros artistas, la música blues influenció el desarrollo de la
música rock.
En 1970 el trío Manal estableció en Argentina las bases del blues cantado en castellano. Influenciado
poéticamente por el tango y la generación Beatnik, y musicalmente por el blues, el rock, el jazz y la
música afro del Río de la Plata, el trío integrado por Alejandro Medina, Javier Martínez y Claudio
Gabis creó una música que fusionó las raíces de un género nacido en el Delta del Misisipi con
elementos de la idiosincrasia y la geografía local Porteña.
A finales de los años cincuenta, el West Side blues emergió en Chicago con Magic Sam, Magic Slim
y Otis Rush; su principal característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una guitarra
rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y Luther Allison fueron componentes de
este género, el cual estaba dominado por una guitarra eléctrica principal amplificada.

Blues desde los años ochenta hasta hoy

Desde los años ochenta se ha experimentado un resurgir en el interés por el blues por parte de cierto
sector de la población afroamericana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones del
'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño, tuvo un éxito inesperado gracias
a dos grabaciones del sello discográfico Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill «Down
Home Blues» (1982) y el tema de Little Milton «The Blues is Alright» (1984). Entre los intérpretes
afroamericanos contemporáneos que trabajaron por este resurgir puede nombrarse a Bobby Rush,
Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy Soul
Bonds, T. K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La red de cadenas de radio de blues de EE. UU.,
fundada por Rip Daniels (un ciudadano negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó
con la presencia de personalidades de la radio como Duane DDT Tanner y Nikki deMarks.
Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma tradicional como dando paso a nuevos
géneros. El Texas blues nació con la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en
solitario. A diferencia del West Coast blues, el género tejano está influenciado principalmente por el
movimiento rock blues británico. Artistas de renombre del Texas blues son Johnny Winter, Stevie
Ray Vaughan, The Fabulous Thunderbirds y ZZ Top. Los años ochenta también vieron el renacer de
la popularidad de John Lee Hooker, realizando colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis,
Robert Cray y Bonnie Raitt, entre otros. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los Blues
Breakers y Cream, grabó en los años noventa su disco MTV Unplugged, en el cual interpretó varios
temas blues con una guitarra acústica. Desde entonces ha rendido tributo a este estilo con discos
que pueden considerarse totalmente de blues, como From the Cradle o Me and Mr. Johnson, y que
han acercado el género al gran público.

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En los años ochenta y noventa comenzaron a distribuirse publicaciones de blues como Living Blues
y Blues Revue, formándose asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al
aire libre y aumentando el número de clubes nocturnos y edificios asociados al blues.
En los años noventa, los intérpretes de blues exploraron un amplio rango de géneros musicales,
como puede verse en las nominaciones para los premios anuales Blues Music Awards, denominados
con anterioridad W.C. Handy Awards, o en las nominaciones para los premios Grammy en las
categorías de Mejor disco de blues contemporáneo y Mejor disco de blues tradicional. La música
blues contemporánea está representada por varios sellos discográficos como Alligator Records,
Blind Pig Records, MCA, Delmark Records, Delta Groove Music, NorthernBlues Music y Vanguard
Records, siendo algunos de los más famosos por haber redescubierto y remasterizado rarezas del
blues Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings, Yazoo Records y Document Records.
Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos los aspectos de este género
musical, desde el clásico Delta blues hasta el blues más orientado al rock; artistas que nacieron a
partir de los años setenta como Shemekia Copeland, Jonny Lang, Corey Harris, John Mayer, Vargas
Blues Band, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars han desarrollado sus propios estilos.
Las raíces africanas del blues
Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde
con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones
funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier
estructura musical» .Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos
de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con
contenido emocional».
El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura
armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado
en una interacción entre voz y guitarra.
Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las
notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala
algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación
nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues. El
etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del
blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Letras

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres
veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por

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una línea final, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más
cercano a una conversación rítmica que a una melodía.
Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir
mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor
perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles».
Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la
música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción «Down in the Alley»
de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en
un callejón.
Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacía referencia a un instrumento
musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para
limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con
la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas
y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles
donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por
predicadores y feligreses.
A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión, también puede adquirir tintes cómicos
o humorísticos, y en muchos casos, connotaciones sexuales.
El autor Ed Morales afirma que la mitología yoruba jugó un papel importante en los primeros blues,
citando el tema «Cross Road Blues» del músico Robert Johnson como una «referencia finamente
velada a Eleguá, el orisha encargado de los caminos».16 Tobias Gullo Sin embargo, algunos art
istas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones
religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos
ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que
las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

La consolidación del género

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en
términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una
estructura de ocho compases, como «How Long Blues», «Trouble in Mind», y «Key to the Highway»
del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis
compases, como en el tema instrumental de Ray Charles «Sweet 16 Bars» y en el de Herbie Hancock
«Watermelon Man». También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como
la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf «Sitting on Top of the World». El
desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de
progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4.

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Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3
subdivisiones por cada pulso).
Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último golpe del décimo compás o en el
primer golpe del undécimo compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura
instrumental; la armonía de estos compases de ruptura, el turnaround, puede ser extremadamente
compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas que modifican el análisis del tema por
completo. El golpe final, al contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado
firmemente en la séptima dominante, para proveer de tensión al siguiente verso del tema.
Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de terceras menores, quintas disminuidas
y séptimas menores (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente. Estos tonos
de las escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a las mismas
escalas, como en el caso de la escala pentatónica menor de blues, donde la tercera y séptima
menores reemplazan a las mayores y la quinta disminuida se añaden entre la cuartas y la quinta
justas. Mientras que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido utilizada
durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las
terceras, las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con el crushing (tocar dos notas
adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y el sliding (similar a las
notas de adorno).
Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno distintivamente, un cantante de blues,
o un armonicista, tocará glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la “nota de
adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos, subdominantes y
dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes, siendo la séptima menor un componente
importante de la escala. El blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor,
diferenciándose esta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la tónica
(cantada por el músico o por el instrumentista principal con la quinta justa en la armonía).

Referentes
W. C. Handy
William Christopher Handy (16 de noviembre de 1873 – 28 de marzo de 1958) fue un compositor y
músico de blues, conocido como "The Father of the Blues" (el padre del blues).
W. C. Handy está considerado entre los compositores más influyentes de los Estados Unidos.
Aunque es uno de los muchos músicos que tocó el estilo de música que es distintivo del país, el
blues, se trata del músico que le confirió su forma contemporánea no solo porque era capaz de
escribir su música para ser publicada y, por tanto, para perdurar, sino por sus ritmos sincopados, un
estilo único de su música.
Aunque no fue el primero en publicar música bajo la forma de blues, sí fue el primero que lo recogió
del Delta siendo un estilo regional no muy conocido y lo convirtió en una de las fuerzas dominantes
de la música americana.

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Handy fue un músico cultivado que utilizó materiales folclóricos en sus composiciones. Fue
escrupuloso a la hora de documentar las fuentes de sus obras, en las que combinaba frecuentemente
influencias estilísticas provenientes de distintos intérpretes.
En 1896, se unió a Handy trovadores WA Mahara, como su director de orquesta. Se quedó con el
grupo durante varios años. Handy trabajado con bandas de algunos otros y terminó en Memphis en
el año 1900. Escribió su primera canción en 1909, una canción de campaña llamado "Mr. Crump
"para un candidato a alcalde de Memphis.La canción fue cambiado más tarde y se convirtió en "Blues
de Memphis." Él hizo un acuerdo para obtener la canción publicada en 1912, lo que es la primera
canción publicada blues comercial. "Memphis Blues" se convirtió en un gran éxito, pero asequible no
llegó a cosechar los frutos de su éxito ya que había vendido los derechos a la misma. Para evitar
este problema, publicó su siguiente canción exitosa, "San Louis Blues "(1914), utilizando su propia
empresa que fue conocido más tarde Hermanos Handy Music Company. Otros éxitos incluyen Handy
Yellow Dog Blues (1914) y "Beale Street Blues" (1916).
En 1918, Handy trasladó su negocio a Nueva York y más tarde obtuvo el éxito con la composición
de la corriente principal audiencias en la década de 1920, la edición de "La tía Hagar's Blues. El"
continuó promoviendo blues alblues: una antología (1926) y reunir los resultados de blues primero
en la Ciudad de Carnegie Hall de Nueva York en 1928. Handy continuó trabajando constantemente
durante la década de 1930, la publicación de colecciones de la música afroamericana.
La autobiografía Handy, Padre de los Blues , fue publicado en 1941. Después de haber
experimentado problemas con su vista por años, se quedó ciego a mediados de la década de 1940.
El compositor de blues legendaria murió de neumonía el 29 de marzo de 1958. Sólo meses después
de su muerte, su historia de vida estaba jugando en la gran pantalla en los cines de todo el país en
la película Padre del Blues , protagonizada por el cantante Nat King Cole como Handy.
B. B. King
(Ben Riley King; Itta Bena, 1925 - Las Vegas, 2015) Guitarrista estadounidense de blues. Inició su
andadura en la música como disc-jockey en una importante emisora de radio de Memphis, donde se
oiría por primera vez su propia música y popularizaría su nombre artístico. Esta importante promoción
le permitió firmar por una discográfica independiente californiana, con la que trabajó durante diez
años y para la que grabó tanto su primer disco (1949) como el que le lanzaría definitivamente a la
fama, Three o’clock blues. Máxima figura del rhythm and blues, B.B. King creó escuela con su
guitarra. Todavía en los años noventa muchos grupos consagrados seguían solicitando su
colaboración: así, los Rolling Stones o U2. Dotado de una voz potente y de una personalísima técnica
interpretativa, King fue el espejo donde se miraron los bluesmen más eminentes de las nuevas
generaciones, como Albert King o Eric Clapton.
Hijo de Albert y Nora, aparceros cultivadores del algodón cuyas condiciones de vida no estaban muy
alejadas de la esclavitud, sus padres se separaron cuando tenía cuatro años. El pequeño se fue a
vivir con su madre, que moriría cinco años más tarde. Su abuela Eleonora, también aparcera, fue

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quien se hizo cargo de él. B.B. King tuvo su primer contacto con la música a través del coro de la
iglesia baptista St. John Gospel, en la que su tío estaba emparentado con el reverendo. A los 16
años tuvo su primera guitarra, a la que llamó Lucille en honor a una mujer que estuvo a punto de
morir en un incendio cuando dos hombres se disputaban su amor.
En esta etapa compaginó su afición por la música (trabajaba de disc-jockey en la única emisora de
radio negra de la zona) con su empleo de conductor de tractor en una plantación. Cobraba en esa
época 22 dólares al mes, y cuando finalizaba su jornada se dirigía a cualquier esquina a tocar su
guitarra, trabajo con el que llegaba a conseguir cien dólares por noche. Decidido a dedicarse la
música, viajó a la ciudad de Memphis, en el estado de Tennessee, donde llegó a formar varios
grupos. En esta ciudad conoció a Sonny Boy Williamson II, con quien colaboró como disc-jockey en
su programa de radio. En la emisora lo llamaban Blues Boy, apodo que abreviaría para formar su
nombre artístico: B.B. King.
Gracias a sus contactos radiofónicos, a finales de 1949 grabó su primer disco: Miss Martha King,
dedicado a su esposa. Dos años más tarde le llegó el éxito con su octavo single, Three o'clock blues,
un verdadero superventas. En la década de los años 60 traspasó todas las fronteras: no era ya
solamente un genio del blues, sino también uno de los mejores intérpretes de la música popular de
todos los tiempos. En 1964 grabó su ya legendario Live at the Regal e inició un serie de giras que lo
llevarían tres años más tarde a participar en el Festival de Jazz de Montreux y, en 1968, en el de
Newport Folk. Después vendrían sus conciertos en Europa y su gira, en 1970, como telonero de los
Rolling Stones. De esta etapa es su álbum The thrill is gone. Años más tarde, en 1976, editó su disco
Together for the first time.
Títulos posteriores de su discografía fueron Live at Sant Quentin (1990), Live at The Apollo (1991),
There is always one more time (1992), King of the blues (1992), Blues summit (1993) y Heart to heart
(1994), que grabó a dúo con Diane Schuur. En 1995 sacó su álbum Lucille and friends, un
recopilatorio para el que contó con la colaboración de célebres colegas del blues, como Boby Blands,
y de cantantes como Stevie Wonder o Ringo Star. Al año siguiente, en 1996, publicó su álbum How
blue can you get, un recopilatorio de 29 temas grabados en directo en treinta años de conciertos.
Aunque desde esta fecha no grabó más trabajos propios, colaboró con artistas como el español
Raimundo Amador en Noches de flamenco y blues (1999), con Eric Clapton en el álbum Riding with
the king (2000) y con el compositor italiano Zucchero Fornaciari en su álbum Zu & Co (2005), en el
que se reúnen músicos y estilos variopintos.
Canciones como Caledonia, Rock me baby, When loves comes to town o Ain't nobody's business
sobresalen entre las que contribuyeron a hacerle mundialmente famoso. Merecedor a lo largo de su
carrera de trece premios Grammy, numerosos galardones premiaron su trayectoria: recibió la
Medalla de las Artes de Estados Unidos e ingresó en 1992 en el Salón de la Fama. Conocido como
el rey del blues, B.B. King no se separaba nunca de su guitarra, Lucille, con la que dio miles de
conciertos a lo largo de su trayectoria profesional. Su música, mezcla de blues con jazz-swing y pop,
influyó en grandes guitarristas como Eric Clapton o Gary Moore.

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Frederick King
Frederick Christian King, también conocido como Freddie King, Freddy King y “The Texas
Cannonball" (La bola de cañón de Texas), fue un influyente guitarrista y cantante afroamericano de
blues.
King perfeccionó su propio estilo de tocar la guitarra basada en las influencias del blues de Texas y
Chicago y fue el primer músico de blues en tener una banda multirracial. Aunque fue muy conocido
por grabaciones como "Have You Ever Loved A Woman" (1960) y su éxito ubicado en los Top 40,
"Hide Away" (1961), grabado con Will Aiken. También se le conoce por álbumes como, Let's Hide
Away and Dance Away with Freddy King (1961) y Burglar (1974).
El guitarrista Freddie King llegó a la fama a comienzos de la década de 1960 con una dosis de temas
instrumentales, que se convirtieron instantáneamente en alimento para muchos otros bluesmen así
como bandas blancas de rock. Gracias a su estilo down-home, en el que empleaba su pulgar y sus
dedos para pulsar las cuerdas de la guitarra, King disfrutó el éxito en una variedad de sellos
discográficos. Además, fue uno de los primeros músicos de blues en usar una banda multirracial
como acompañante. Su sonido, con toques de Eddie Taylor, Jimmy Rogers y Robert Lockwood Jr.,
influenció a músicos como Eric Clapton, Mick Taylor, Stevie Ray Vaughan y Lonnie Mack entre otros.
Freddie King nació y creció en Gilmer, Texas, donde aprendió a tocar la guitarra gracias a las
enseñanzas de su madre y de su tío. Comenzó tocando blues rural, al estilo de Lightnin’ Hopkins,
pero con el paso del tiempo tomó gusto por el crudo sonido eléctrico del blues de Chicago. En 1950,
cuando tenía 16 años de edad, su familia se trasladó a Chicago y allí King comenzó a frecuentar los
clubes donde tocaban Muddy Waters, Jimmy Rogers, Robert Lockwood Jr., Little Walter y Eddie
Taylor. Al poco tiempo, el joven guitarrista formó su propia banda: The Every Hour Blues Boys. A
mediados de la década de 1950, Freddie King comenzó a tocar en sesiones para Parrott y Chess
Records, así como con Earlee Payton’s Blues Cats y The Little Sonny Cooper Band. Freddie King
grabó “Country Boy”, su primer disco, en 1957 para el sello El-Bee pero no tuvo mucha atención del
público.
En agosto de 1960, King firmó con Federal Records y grabó su primer éxito: “You’ve Got To Love
Her With A feeling”. Después de este sencillo llegó “Hide Away”, la canción que se convirtió en el
sello de Freddie King, que fue adaptada de un tema instrumental de Hound Dog Taylor y bautizada
en honor de uno de los clubes más populares de Chicago. “Hide Away” fue publicado como lado B
de “I Love The Woman” y alcanzó el puesto número 5 en los listados de Rhythm & blues y el 29 en
los Pop. A lo largo de los años 60, “Hide Away” se convirtió en una canción muy interpretada por las
bandas de blues y rock en Estados Unidos e Inglaterra. El primer álbum de King, “Freddy King Sings”,
apareció en 1961 y fue seguido ese mismo año por “Let’s Hide Away And Dance Away With Freddy
King: Strictly Instrumental”. A lo largo de 1961 temas como “San-ho-Zay”, “The Stumble” y “I’m Tore
Down” se convirtieron en éxito y llegaron a ser clásicos del blues, siendo interpretados por artistas
como Magic Sam, Stevie Ray Vaughan y Peter Green.

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Freddie King siguió grabando para King Records hasta 1968, con un segundo disco de
instrumentales llamado “Freddy King Gives You A Bonanza Of Instrumentals” aparecido en 1965,
que no logró el éxito esperado. Sin embargo, su influencia puede ser escuchada en muchos
guitarristas de blues y rock de esa época, como el caso de Eric Clapton, quien hizo de “Hide Away”
uno de sus temas favoritos. King firmó a finales de 1968 para Atlantic, casa con la que grabó “Freddie
King Is A Blues Master” y “My Feeling For The Blues”, álbumes que fueron producidos por King
Curtis.
En 1970 King firmó contrato con Shelter Records, propiedad de Leon Rusell, con el que grabó tres
discos que tuvieron buenas ventas, a lo que se suma el éxito en sus conciertos, que fueron muy
populares entre los fanáticos del blues y del rock. En 1974, Freddie King se trasladó a RSO Records
y lanzó “Burglar”, producido por Eric Clapton, quien grababa para ese mismo sello. Al año siguiente
presentó “Larger Than Life”, su segundo disco para RSO. La salud de Freddie King comenzó a
deteriorarse en 1976 pero eso no fue un impedimento para que hiciera muchos conciertos ese año.
King murió el 28 de diciembre de ese año, debido a una falla cardiaca. Aunque Freddie King tenía
42 años cuando falleció, su influencia todavía se puede escuchar décadas después de su muerte en
muchos guitarristas de blues y rock.
Albert King
Albert King, nacido Albert Nelson (25 de abril de 1924 - 21 de diciembre de 1992) fue un influyente
guitarrista y cantante estadounidense de Blues. Considerado uno de los Tres Reyes del Blues a la
guitarra (junto a B.B.King y Freddie King), su altura de más de 1.90 metros y sus 118 kilos de peso
le valieron el sobrenombre de The Velvet Bulldozer (la excavadora de terciopelo).
Su primer éxito fue I´m a Lonely Man, aparecido en 1959. Pero no sería hasta 1961 cuando logró su
primer gran éxito, con Don't Throw Your Love on Me So Strong, número catorce en las listas R&B.
En 1966 firmó con la famosa discografía Stax y en 1967 apareció su legendario álbum Born Under
A Bad Sign. La canción que dió el nombre al álbum (escrita por Booker T. Jones y William Bell) se
convirtió en la canción más famosa de King y ha sido versionada por numerosos artistas (desde
Cream hasta Homer Simpson). El 1 de febrero de 1968 King fue contratado por el promotor Bill
Graham para una actuación en el Fillmore Auditorium en un concierto de varios artistas, entre los
que estaba Jimmy Hendrix. El concierto lo iniciaron los Soft Machine, teloneros de Hendrix durante
varios conciertos de éste a principios de 1968. El público estaba impaciente por ver a King y a Hendrix
y cuando Soft Machine empezaron a tocar, la gente empezó a gritar el nombre de Albert King. Eso
provocó el enfado del promotor Graham, que salió al escenario y reprochó al público su falta de
respeto hacia los artistas que tocaban en ese momento. Aquellos que asistieron al concierto relataron
que que King se adueñó del recital, ya que la gente esperaba la electricidad de Hendrix pero King se
los puso en el bolsillo gracias a sus mágicos dedos después de tocar un par de baladas. Uno de los
grandes momentos fue cuando fue capaz de sustituir una cuerda que se le había roto sin dejar de

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tocar. Cuando Hendrix salío al escenario lo primero que dijo fue: Ok, Albert King, he cogido la
indirecta. Y se puso a tocar algunos de los acordes de King como homenaje.
King influenció a muchos guitarristas de Blues como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield,
Gary Moore, y Stevie Ray Vaughan. El solo de guitarra de Eric Clapton en el éxito de Cream, Strange
Brew ( del álbum Disraeli Gears) es una emulación del solo de King en su éxito con Stax, Oh, Pretty
Woman.
Una de las últimas contribuciones de King sería en 1990 con el guitarrista Gary Moore en el álbum
Still Got the Blues, con una nueva versión de Oh, Pretty Woman. Esta contribución conllevó a que
King apareciera como invitado en los conciertos de una gira europea de Moore, junto a Albert Collins.
King falleció de un ataque cardíaco el 21 de diciembre de 1992, en Memphis, Tennessee. Su nombre
está incluido en el Paseo de la Fama de St. Louis.
Johnson, Robert
(1911-1938).
Sin el blues no existiría el rock.
Y sin gente como Robert Johnson el blues quizá careciese de la significación musical y legendaria
que posee.
Cargado con su acústica Gibson L-1, Johnson, con un legado en estudio que no sobrepasa la
treintena de temas, quizá no sea el bluesman más innovador pero sí el más influyente y legendario
de la historia del género, concebido y cultivado en su esencia en el Delta del Mississippi desde el
siglo XIX con los trabajadores negros exteriorizando sus sentimientos y sus historias de perdedores
mientras trabajaban en los campos de trabajo, especialmente plantaciones de algodón.
Junto a ello, y enraizada en sus creencias religiosas, deriva el blues también de la expresión de los
espirituales negros interpretados por los esclavos en busca de exorcismos internos y liberación de
su lastimera situación de explotación y sumisión.
Nacido como Robert Leroy Johnson el 8 de mayo de 1911 en la localidad de Hazlehurst, Mississippi
(Estados Unidos), su madre era Julie Ann Majors, una hija de esclavos que tuvo a su hijo con un
itinerante jornalero llamado Noah Johnson tras separarse durante un tiempo de su esposo, Charles
Dodds Jr, carpintero hijo también de esclavos que había prosperado lo suficiente para tener su
pequeña propiedad. Lamentablemente una reyerta con un hombre blanco le condujo a su huida y a
la pérdida económica.
Tras unos años distanciados, Julie lo intentó de nuevo con Charles, apellidado ahora Spencer, pero
la relación volvió a romperse.
En 1918 se estabilizó al lado de Robert “Dusty” Saunders (llamado también “Dusty” Willis), con quien
trabajó en una plantación de algodón de una localidad de nombre Robinsonville.
Por allí también andaba el joven Robert, quie se aficionó desde niño a tocar la armónica con cierta
destreza, aunque él prefería aprender a tocar la guitarra como sus ídolos, especialmente después
de abandonar la escuela en 1927.

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También se daba bastante maña con el arpa.
En estas correrías adolescentes todavía se hacía llamar Robert Spencer, hasta que su madre le
confesó que su padre era Noah Johnson.
Fue en ese momento cuando adoptó el apellido de su padre biológico y se lanzó a seguir los pasos
de sus espejos: Son House, Willie Brown, Lonnie Johnson, Ike Zinneman, Charly Patton o Skip
James.
El principal problema para llegar a su altura era que sabía tocar muy bien la armónica pero con la
guitarra no era demasiado mañoso, como así le manifestó en su momento Son House, el ídolo de
Robert junto a Willie Brown, a quienes seguía continuamente por el área de Mississippi.
En el mes de febrero del año 1929, Robert se casó con una joven muchacha llamada Virginia Travis,
quien falleció a los dieciseis años en 1930, justo en el momento del parto.
Después de este lamentable suceso, Robert desapareció durante un buen tiempo del mapa,
dedicándose a una vida nómada.
Se marchó a Hazlehurst, a ver si podía localizar a su verdadero padre, hecho que no consiguió, y se
casó en 1931 con una mujer bastante mayor que él llamada Callie Craft.
El matrimonio no le fue del todo bien y regresó a Robinsonville, no sin antes curtirse tocando en todo
tipo de lugares, compartiendo su afición por la música con las correrías con muchas mujeres y el
consumo elevado de alcohol.

De forma sorprendente apareció de nuevo junto a Willie Brown y Son House en Robinsonville,
comenzando a tocar la guitarra de manera asombrosa y maravillando con su slide a los grandes
bluesman.
Manifestó House que el joven Johnson había vendido su alma al diablo en un cruce de caminos de
Clarksdale (entre el 49 y 61) para aprender a tocar de esa manera.
Era increíble el progreso técnico, la alígera manera en como deslizaba sus dedos por las cuerdas y
la profundidad emocional que había alcanzando la interpretación de Robert Johnson en tan poco
tiempo.
Posteriormente se pateó gran parte de la zona sureña estadounidense empleando varios nombres,
tanto Robert Johnson, como Robert Sax o, entre otros, Robert Saxton, interpretando con profusión
su arte, tanto en las calles como en locales, compartiendo cartel con otros bluesman de la época,
como Johnny Shines, Clavin Frazier o Sonny Boy Williamson.
En estos periplos, Robert no se olvidaba de pasarlo bien con compañía femenina y de emborracharse
con ingentes dosis de whisky.
A mediados de la década de los 30 Robert Johnson consiguió grabar sus despojados y emocionales
temas con producción de Don Law gracias a la mediación de Ernie Oertle.
La tragedia golpeó a Robert cuando en el mes de agosto de 1938, mientras actuaba junto a “Honey
Boy” Edwards en el local “Three Forks”, ubicado en Grenwood, una localidad del Mississippi,
Johnson se había ligado a una guapa joven que resultó que estaba casada.

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El cornudo marido terminó envenenando aquella noche el whisky de Robert.
En la agonía de su muerte, que duró tres días, Robert Johnson se convulsionaba y aullaba como un
lobo antes de fallecer a la edad de 27 años el 16 de agosto de 1938.
Está enterrado en el cementerio de la iglesia baptista Little Zion, de Greenwood, Mississippi.
Su testamento sonoro fue esencial para el desarrollo del blues, retomando su estilo gente como
Elmore James, B. B. King o Muddy Waters; y del rock, influyendo entre sus seguidores a gente como
Eric Clapton, Jimi Hendrix, Brian Jones o Keith Richards.
Entre sus muchos admiradores, los Rolling Stones versionaron sus temas “Love In Vain” y “Stop
Breaking Down”; Bob Dylan “Kind Hearted Woman Blues”; los Allman Brothers “Come On In My
Kitchen”; Stephen Stills “Crossroads”; Led Zeppelin “If I Had Possesion Over Judgement Day” o
“Travelling Riverside Bues”; Grateful Dead “Walking Blues”; The White Stripes “Stop Breaking Down”;
Beck “Last Fair Deal Gone Down”; y por supuesto el citado Eric Clapton que adaptó a su estilo casi
todas sus canciones.
Discografía
King of the Delta Blues Singers, Columbia, 1961.
King of the Delta Blues Singers: Volume 2, Columbia, 1970.
Robert Johnson: The Complete Recordings, Columbia, 1990.

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Conclusión

El blues se convirtió en un elemento importante de la cultura afroamericana popular en los Estados

Unidos, llegando a la audiencia blanca a través de los arreglos de Handy y las interpretaciones de
cantantes mujeres. El blues pasó de ser cantado en bares a una forma de entretenimiento en los
teatros. Siendo en este período donde las compañías discográficas, como la American Record
Corporaton, Okeh Records y Paramoun Record, comenzaron a grabar música afroamericana.
No cabe duda que la mejor forma de expresión es la música concebida como arte representativo de
diferentes culturas. Tal es el caso del género “blues”, que fue parte de la historia de los esclavos
africanos desde el tiempo que ellos se encontraban reprimidos hasta después de ser libres. Su
influencia fue tan enorme que incluso jugó un rol importante en el desarrollo de otros géneros
musicales como el Jazz, Rock and Roll y Pop.
Es inevitable escuchar una canción en género blues sin sentir esa sensación inexplicable de
conexión con la melodía, percepción de tanto sentimiento en el canto y ese estilo único en la voz que
solo puede tener alguien que es parte de esa cultura.

20
Bibliografia
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21
Anexo

El primer disco de blues

Bandas de blues y principales artistas

22
Enlaces de canciones de blues de los primeros años
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