Introducción

En el siguiente trabajo presentaremos un análisis de las siguientes cuatro obras:

“A Chorus Line”
“The Producers”
“Sunset Boulevard”
“Into The Woods”
Ahondaremos en sus principales figuras, cuadros, signos teatrales, estilos, géneros y
tendencias dentro de las tres disciplinas que abarca el teatro musical: la danza, el canto
y el teatro.
 A Chorus Line
Introducción
El 18 de enero de 1974 comenzó a gestar su “Proyecto bailarines”. Era secreto…
aunque en pocas semanas ya odo el ambiente artístico de Manhattan estaba al tanto.
Alquiló un estudio en la calle Lafayette y convocó a 24 coreutas, por 100 dólares a la
semana, a participar en talleres donde el principal trabajo era contar sus experiencias.
En un principio Bennett participaba como simple observador y oyente. Enseguida supo
que el espectáculo que iba a gestar tendría el
formato de una audición, la mejor forma de que
cada “gitano” contara su historia. Nicholas Dante,
uno de los bailarines que participó de los talleres,
lo ayudó a recopilar y a editar algunas de esas
historias.
Fue en ese momento cuando el productor Joseph
Papp (Hair) se ofreció a producirlo como un trabajo
de taller para su célebre New York Shakespeare
Festival Public Theatre. El dramaturgo, novelista y
actor James Kirkwood se unió al grupo para condensar, editar y dramatizar esas
historias, junto con Dante. Ambos fueron acreditados como autores de lo que ya, por
ese entonces se llamaba A Chorus Line, una locura conseguida por Michael Bennett. Un
musical sin argumentos, sin ninguna figura en su elenco y que hablaba de los últimos
orejones del tarro, de un hecho teatral, no argumentaba ser precisamente un éxito.
Fueron 18 meses de producción para una obra que se convirtió en ícono del artista de
Broadway. A Chorus Line reflejaba lo que cada uno sentía, esperaba o temía. Las
frustraciones, las inseguridades y la confianza se hacían presentes en estos seres que
audicionaban para estar en una línea de coro. Se trata de una obra testimonial con
argumento leve, símil a una terapia grupal: un conjunto de bailarines participa de la
última etapa de audiciones para un nuevo musical que dirige un estricto director de
nombre Zach. De ese grupo, solo 8 quedarán elegidos. Curiosamente, en lugar de
hacerlos bailar, el director les pide que cuenten sus historias, como una especie de
terapia grupal. La historia contiene un pequeño conflicto: la relación que alguna vez
unió sentimentalmente al director con Cassie, personaje que es como el espejo de la
comedia musical. Alguna vez encabezó sus espectáculos, pero ahora se encuentra sin
trabajo y no teme audicionar para volver a la línea de coro, y lo más duro es que debe
probarse para una obra que dirige su ex pareja.
A partir del relato del propio Nicholas Dante surgió el personaje de Paul, que cuenta
como siendo un bailarín adolescente, tuvo un patético debut como transformista,
cuando sus padres lo descubren. Entretanto, Diana, es una latina que cuenta por qué
falló en sus clases de actuación; Val cree que la imagen es lo principal y se hizo
implantar siliconas para prolongar su talento; Sheila tiene la sabiduría de la calle;
Christine sueña con ser como Doris Day, pero no sabe cantar; y Mike cuenta que
comenzó a bailar al acompañar a su hermana a las clases de ballet, entre muchos otros
personajes tan ricos como aquellos.
Para algunos, A Chorus Line trascendió la temática de los coreutas. Al representar a la
vez los sueños y los esfuerzos de un grupo de bailarines audicionando, Michael Bennett
puso en escena la lucha contra los conflictos familiares, la tristeza y la esperanza al
dejar el hogar, los tortuosos dilemas de la adolescencia, la identidad sexual y el temor
al ser rechazado. Su obra reflejó la necesidad universal de amor y aprobación.
A Chorus Line fue un lazo entre el intérprete y el espectador. “Ven, conóceme”, decía la
obra de algún modo por eso hoy es una bandera del trabajador teatral.
La espectacular coreografía de Bennett se enriqueció con canciones tremendamente
teatrales como Nothing; emotivas como At The Ballet; y testimoniales como What I did
for love. Aunque sin dudas One es un himno de la comedia musical.
Una sola melodía lograba elevar a la platea hasta la emoción a través de los efectos
coreográficos que daban la ilusión de masa sin fin.
Cada personaje muta de individuo a coro, y esa imagen resume el concepto integral del
espectáculo, el significado del coreuta. Así culmina la obra.
Principales Figuras

Versión musical (1975)

Compositor: Marvin Hamlisch
Letrista: Edward Kelban
Libretista: James Kirkwood & Nicholas Dante
Teatro: Shubert Theatre
Elenco Original: Scott Allen, Renee Baughman, Carole Bishop, Pamela Blair, Wayne
Cilento, Chuck Cissel, Clive Clerk, Kay Cole, Ronald Dennis, Donna Drake, Brandt
Edwards, Patricia Garland, Carolyn Kirsch, Ron Kuhlman, Nancy Lane, Baayork Lee,
Priscilla Lopez, Robert LuPone, Cameron Mason, Donna McKechnie, Don Percassi,
Michael Serrecchia, Michel Stuart, Thomas J. Walsh, Sammy Williams, Crissy Wilzak
Director and Choreographer: Michael Bennett
Director Musical: Donald Pippin
Orquestaciones: Bill Byers, Hershy Kay and Jonathan Tunick
Diseño Escénico: Robin Wagner
Diseño de Vestuario: Theoni V. Aldredge
Diseño de Luces: Tharon Musser

Versión fílmica (1985)

Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Director: Richard Attenborough
Guión: Arnold Schulman (Obra: Michael Bennett)
Música: Marvin Hamlisch & Edward Kleban
Fotografía: Ronnie Taylor
Reparto: Michael Douglas, Terrence Mann, Alyson Reed, Audrey Landers, Michael
Blevins,Jan Gan Boyd, Yamil Borges
Productora: MGM
Estrenos y reposiciones
En 1976 se hicieron giras por Estados Unidos y por el mundo. Ese mismo año se
estrenó en Londres en el Teatro Royal Drury Lane. Jane Summerhays y Geraldine
Gardner hicieron el papel de Sheila en la producción de Londres, que ganó el Laurence
Olivier Award por Mejor Musical del Año 1976, el primer año en el que los premios
fueron presentados.
In 1980, bajo la dirección de Roy Smith, el Teatro El Nacional de Buenos Aires produjo
una exitosa producción en español que
duró 10 meses.
In 1984, también bajo la dirección de
Roy Smith con traducción de Nacho
Artime y Jaime Azpilicueta, en el Tivoli
Theater en Barcelona y en el
Monumental Theatre en Madrid,
España.
El revival en Broadway del 2006 estrenó en el Gerald Schoenfeld Theater el 5 de
octubre, seguido de una serie de funciones en San Francisco. El revival cerró el 17 de
Agosto del 2008 luego de 759 [Link]ó $8 millones de dólares y este gasto se
vio cubierto en 19 semanas. La producción fue dirigida por Bob Avian, con la
coreografía reconstruida por Baayork Lee, quien había interpretado el papel de Connie
Wong en la producción original de Broadway. El elenco del estreno incluía a Paul
McGill, Michael Berresse, Charlotte d'Amboise, Mara Davi, James T. Lane, Heather
Parcells, Alisan Porter, Jason Tam, Jessica Lee Goldyn and Chryssie Whitehead.[15] El
15 de Abril de 2008, Mario Lopez se unió al Elenco como el reemplazo de Zach. La
producción fue el tema del documental Every Little Step. La producción recibió 2
nominaciones al Tony.
En el 2008 la producción se fue de gira hasta Junio del 2009 con Michael Gruber como
Zach, Nikki Snelson como Cassie, Emily Fletcher como Sheila, and Gabrielle Ruiz como
Diana.
En 1985 se lanzó una adaptación al cine poco exitosa.
En 2012, el musical se hizo en Singapur en el Marina Bay Sands Theater. También se
hizo en Escocia con algunas alteraciones.
El show volvió a Londres para un revival en Febrero del 2013 y está actualmente en el
London Palladium. Dirigida por el Coreógrafo original Bob Avian con John
Partridge, Scarlett Strallen, y Victoria Hamilton-Barritt. En Junio del 2013 se anunció
que este revival grabaría un Nuevo cd con canciones nunca antes escuchadas que
fueron escritas para el musical pero no llegaron al estreno.

Nominaciones y premios
A Chorus Line se convirtió en el musical más visto y premiado de la historia de
Broadway. Sólo ha sido superado en número de espectadores, y con posterioridad por
las obras Cats y Phantom of the Opera y su cosecha de premios es impresionante:

9 Premios Tony 1976: Mejor Musical, Mejor Dirección de un Musical (Michael

Bennett), Mejor Libreto (James Kirkwood, Nicholas Dante), Mejor Partitura (Marvin
Hamlisch y Edward Kleban), Mejor coreografía (Bob Avian y Michael Bennett), Mejor
Actriz (Donna McKechnie), Mejor Actor de Reparto (Sammy Williams), Mejor Actriz de
Reparto (Kelly Bishop), Mejor Diseño de iluminación (Tharon Musser).
5 Premios Drama Desk Awards (el premio por excelencia del propio Broadway)
1976: Mejor Libreto (James Kirkwood, Nicholas Dante), Mejor Partitura (Marvin
Hamlisch y Edward Kleban), Mejor Director (Michael Bennett), Mejor Coreografía (Bob
Avian y Michael Bennett), Mejor Actriz (empate entre Kelly Bishop y Donna
McKechnie).
1 Premio Pulitzer 1976: Mejor Drama.
1 Premio de la Asociación de Críticos de New York 1976: Mejor Musical.
1 Premio Tony en 1984: Premio Especial por convertirse en el espectáculo con mayor
tiempo de permanencia en cartel en la historia de Broadway.
La obra es representada al año siguiente, casi con el mismo equipo americano, en
el West End londinense (el segundo santuario tras Broadway), en el grandioso teatro
Royal Drury Lane (Miss Saigon, Phantom of the Opera), y obtiene dos premios más:
1 Premio Laurence Olivier, al mejor musical.
1 Premio London Evening Standard, al mejor musical.

Signos del teatro

La Palabra y el Tono:
Es un musical, por lo que la palabra dicha en algún momento se cruza con la canción y
se convierte en canto. Este musical en particular se destaca por los cortes del personaje
al hablar consigo mismo y con el afuera. En algunos casos existe un quiebre notorio
entre el canto y lo dicho. Existen diversos acentos ya que hay personajes de distintas
etnias.
La mímica del Rostro y el gesto: Sus gestos no son exagerados, son más naturistas
y controlados. Acompaña a las diversas características de cada personaje. En las
canciones es donde se exacerba la personalidad de cada personaje y cómo transmite
por medio de ellas su realidad. Sus gestos denotan una intencionalidad de comunicar
lo que sienten.

El Movimiento Escénico del Actor: Al estar en el marco de una audición, los

personajes se encuentran frecuentemente en la situación de una fila, van y vienen pero
permanecen en ese contexto de evaluación dentro de un teatro. En las coreografías,
sobre todo las del principio y final, se ve mucho movimiento y mucha gente en escena.
Se caracteriza también porque los movimientos de cada intérprete son coordinados a
la perfección como si fueran uno solo.

El Maquillaje: Natural, casi imperceptible, acorde a la situación que los participantes

viven al realizar una audición.

El Peinado: Está ambientado en los 70 así que los peinados son acorde a esa época,
lacios, ondulados, rulos y flequillos.

El vestuario: Al ser en el contexto de una audición, en la mayoría del musical se ve

ropa de danza, mallas, polainas, remeras cortadas, zapatos de danza, de tap, medias
puntas de clásico, zapatos de jazz. No podemos olvidar el icónico vestuario dorado del
número final con sus galeras a tono, los hombres de traje y las mujeres con malla y
blaizer dorados.

Decorado: Utilizan el escenario sin ningún tipo de escenografía excepto unos espejos
de fondo que a su vez crean la ilusión de que, aún cuando hay mucha gente en escena,
hay más.
La Iluminación: No se destaca por grandes efectos lumínicos, utilizan los reflectores
para las partes solistas tanto de cantantes como de bailarines y se ven reflejados dichos
reflectores en los espejos de fondo. Al ser en el contexto de una audición, no hay
grandes cambios en el uso de las luces.

La Música: Para el elemento musical, el libreto original de Marvin Hamlisch y Ed

Kleban, era la auténtica base. Sin embargo, y como suele suceder habitualmente en
musicales de teatro que son llevados a la pantalla grande, es preciso hacer cambios en
el material original, al pasar de uno a otro medio.

Lo que sí se aprecia mucho en el film es la llegada del todopoderoso Ralph Burns (1922
– 2001), compositor, director, arreglista, y orquestador. Burns se movía con idéntica
soltura tanto en el medio cinematográfico como en el ámbito de Broadway.
Colaborador habitual de Bob Fosse, Burns le dio un nuevo aire al material original de
Hamlisch adaptándolo con gran acierto al sonido de los años 80 (el material de
Hamlisch de la obra original de Broadway sonaba demasiado a los años 70)

Burns re-orquestó todas las canciones y fue también el director de la grabación de la

banda sonora del film. El sonido final es muy de los años 80, y Burns lo realza con
guitarras eléctricas, percusiones electrónicas (muy de moda entonces), y una orquesta
sinfónica mayor (en el Opening) y más contundente, con nuevas orquestaciones, que
la orquesta de un foso teatral . La diferencia se nota.

También por las diferencias entre

teatro y cine, hubo que cambiar
parte del material original de
Broadway, y es aquí cuando Marvin
Hamlisch vuelve a encontrarse con la
misión de componer dos nuevos
temas que no estaban en el musical
original, sustituyendo a otros dos que sí lo estaban. De esta forma The music and the
mirror es sustituida en el film por Let me dance for you. Se elimina asimismo Gimme
The Ball del montaje original, y Hamlisch compone una nueva canción
titulada Surprise, surprise (que es la nominada al Oscar a la mejor canción original ese
año).

Por lo demás, el material original de Hamlish queda intacto, y Marvin consigue que se
cambie el título a una de las canciones originales del libreto, que consideró siempre
algo chabacano (traducido literalmente era “Tetas y Culo”) por el de Dance: 10,
Looks:3.

Si algo hay que destacar del film (yo diría que todo es redondo, aunque luego público y
crítica no pensaran lo mismo, y el film se estrellara en taquilla) es la perfección del
casting a la hora de los bailes, y sobre todo en la parte vocal.

Destacaría un tema concreto At the Ballet, interpretado por Vicki Frederick, Michelle
Johnston, y Pam Klinger, inmensamente superior a la versión original de Broadway.
El Opening (quizás uno de los dos números más conocidos de la obra) es también muy
superior (quizás el cine cuenta con la ventaja del ensayo y la repetición hasta que la
escena quede perfecta) al montaje original un poco avejentado por el cambio de
década , así como el archiconocido tema final One (uno de los logos Hamlisch en su
carrera), y una auténtica proeza lograda por el gran operador Ronnie
Taylor (colaborador habitual de Attenborough), al rodar el número musical en una gran
sala con las paredes de cristal, y conseguir que en ningún momento se vea la
iluminación o la cámara reflejada en los espejos.

Cuadros importantes

"I Hope I Get It" – Zach, Tricia, Paul and Company

"I Can Do That" – Mike

"And..." – Bobby, Richie, Val, and Judy

"At the Ballet" – Sheila, Bebe, and Maggie

"Sing!" – Kristine, Al, and Company

"Montage Part 1: Hello Twelve, Hello Thirteen, Hello Love" – Mark, Connie, and
Company

"Montage Part 2: Nothing" – Diana

"Montage Part 3: Mother" – Don, Judy, Maggie, and Company

"Montage Part 4: Gimme the Ball" – Greg, Richie, and Company

"Dance: Ten; Looks: Three" – Val

"The Music and the Mirror" – Cassie

"One" – Company

"The Tap Combination" – Company

"What I Did for Love" – Diana and Company

"One" (Reprise) – Company

Estilos, géneros y tendencias dentro de la danza, el canto y el

teatro.
Basándonos en la version de 1985 en cine del musical, podemos decir que las
actuaciones son extremadamente naturalistas, son personajes con los que se identifica
cualquier artista del medio. Cada uno exacerba su personalidad y se afecta con las
experiencias que cuenta, lo que los diferencia uno del otro y los hace fáciles de
reconocer.
En cuanto al canto, el musical utiliza canciones solistas, con ensamble a veces o no para
contar su experiencia y su historia. Cada canción comienza con un monólogo
introductorio que luego desemboca en la canción, por lo que no existe gran diferencia
de la voz hablada a la voz cantada. Estas canciones cuentan y son esenciales para la
historia. Es más bien “pop”, no poseen grandes dificultades técnicas y tienen entre
medio partes habladas o dichas.
Ahora lo más importante de todo este musical: la danza. El musical gira alrededor de
diecisiete bailarines, así que podemos ver varios estilos de danza en el musical, hacen
variaciones clásicas, de tap, de jazz estilo Fosse, pero existe una tendencia al jazz
clásico en las coreografías que están
destinadas al musical que en la obra
quieren ser parte estos bailarines. Son
coreografías muy plásticas y
extremadamente técnicas. A esto se le
suma el hecho de que todos cantan
mientras bailan en gran parte de las
canciones y que cuentan una historia
determinada. En este musical es
importantísima la coordinación y es uno de los hechos que más la destaca: son
perfectos.

Contexto
En 1974, los bailarines Michon Peacock y Tony Stevens, se reunían con otros bailarines
al finalizar ensayos de diferentes obras para cambiar impresiones y hablar de sus vidas
personales y profesionales. A ellos se unió también Michael Bennett, quien decidió ir
un paso más allá y grabar todas las conversaciones en un antiguo magnetófono.
Aquello se convirtió casi en una sesión de terapia de grupo, puesto que los bailarines
sacaban a relucir todo lo que en esos momentos llevaban dentro, sus problemas en la
vida diaria, su pasado, sus relaciones personales, sus frustraciones, sus miedos…
A Bennett se le ocurrió la idea de que aquello podía ser la idea inicial del libreto de un
musical de teatro, y empezó a perfilarlo como tal. El concepto final consistía en que un
coreógrafo que buscaba bailarines para su próximo espectáculo, hacía una selección
final entre todos los aspirantes, no sólo analizando su capacidad para cantar y bailar,
sino logrando que los bailarines le mostraran todo lo que llevaban dentro (Bennett se
basó en todas aquellas cintas que tenía grabadas previamente con bailarines
profesionales)
Bennett comenzó a reunir al equipo, al reparto, y por supuesto las dos personas que
serían finalmente el alma de su musical: el compositor de la música, Marvin Hamlisch,
y el letrista Ed Kleban (1939 – 1987).
El 16 de Abril de 1975, la obra se presenta en el prestigioso New York Shakespeare
Festival, y pasa a estrenarse cinco días después en un teatro del Off-Broadway (campo
de pruebas con teatros de segunda categoría que dependiendo del rendimiento de la
obra, podían catapultarte al verdadero Broadway) La obra permanece tres meses en
cartel con llenos absolutos, y finalizado ese primer periodo, la obra pasa a ser
estrenada en el Shubert Theatre de Broadway.
Todo en A Chorus Line fue nuevo, aunque Mervin Hamlisch ya tenía 3 oscars en su
carrera, y era famoso por componer las bandas de sonido de películas, debutaba como
compositor en Broadway. Por su parte, el ex ejecutivo de Columbia Records, Ed Kleban,
también hacía su debut como letrista.

A Chorus Line estrenó 11 días antes que Chicago. Su éxito eclipsó a Chicago y le robó
todos los premios. Echó por tierra las teorías de muchos productores que seguían
insistiendo que sin figuras y sin gran producción no se podía hacer un éxito. A Chorus
Line se hizo casi sin escenografía, sin argumento y no tuvo una sola figura en sus filas,
pero dejó 40 millones de dólares en ganancias. En 1985 se estrenó una versión fílmica,
dirigida por Richard Attenborough, que Bennett detestó.
 The Producers
Introducción
La historia se ubica en pleno Broadway, a la salida del Schubert Theater, en la
primavera de 1959, el teatro con mayor cantidad de éxitos en Nueva York, y esa noche
es la primer función de la versión musical de Hamlet, obra del productor Max
Bialystock. Pero también será la última presentación. Resulta un fiasco, y los
espectadores salen vociferando mientras él se esconde detrás de su periódico, su capa
y su sombrero. A partir de ahí toda la obra será una gran humorada.

Días más tarde del fracaso millonario de Bialystock, un

contador tímido y nervioso, Leo Bloom, llega a su oficina para
revisar su contabilidad. Sin querer, descubre que un productor
puede en realidad ganar más dinero con un fracaso que con un
éxito. “Usted puede sumar un millón de dólares de inversores,
gastar 100 mil y guardarse el resto”, dice. Así es como se
asocian y se dedican a encontrar la peor obra jamás escrita y
conseguir el director teatral más desastroso para producir el
mayor fracaso de la historia. Sin embargo, no todo sale tal
como fue planeado: la obra en cuestión resulta de un éxito descomunal, y eso da
comienzo a una serie de desventuras. La riqueza de esta comedia, repleta de gags,
chistes, parodias y humoradas, no sólo está en los dos personajes principales, sino en
los otros 5 coprotagónicos: un dramaturgo nazi, tan idiota como ególatra; una sensual
secretaria sueca; un director teatral gay muy afeminado y su asistente, más afeminado
que él.
Principales Figuras
Versión Musical en Broadway (2001)
Libreto: Mel Brooks y Thomas Meehan
Letrista: Mel Brooks
Compositor: Mel Brooks
Teatro: St. James Theatre
Dirección: Susan Stroman
Coreografías: Susan Stroman
Diseño Escenográfico: Robin Wagner
Vestuario: William Ivey Long
Diseño de Iluminación: Peter
Kaczorowski
Sonido: Steve Canyon Kennedy
Orquestaciones: Doug Besterman
Arreglos musicales: Glenn Kelly
Dirección musical: Patrick S. Bradi
Elenco: Nathan Lane, Mathew Brodderick, Caty Huffman, Brad Oscar, Gary Beach,
Roger Bart.

Versión Fílmica (2005)

Dirección: Susan Stroman
Producción: Mel Brooks
Guión: Mel Brooks Thomas Meehan
Música: Mel Brooks y Thomas Meehan
Fotografía:John Bailey
Montaje: Steven Weisberg
Protagonistas: Nathan Lane, Matthew Broderick,
Will Ferrell, Uma Thurman, Jon Lovitz.
Duración: 134 min
Productora: Universal Studios (EE. UU.) Columbia
Pictures (mundial).
Estrenos y reposiciones
Producciones:

2001 Chicago (tryout)

2001 Broadway
2002 Tour en [Link].
2003 Tour en [Link].
2004 Londres
2005 Buenos Aires
2005 Película
2006 Madrid
2006 México, D.F.
2007 Las Vegas
2007 Tour en Reino Unido

Producción original de Londres

Los productores se estrenó en Londres el 9 de noviembre de 2004, en el Theatre Royal,

Drury Lane y permaneció en cartel hasta el 6 de enero de 2007. El papel de Max
Bialystock recayó en Nathan Lane después de que Richard Dreyfuss fuese despedido
por no estar a la altura sólo unos días antes de comenzar las funciones previas. 3 Lee
Evans interpretó a Leo Bloom (Lane y Evans ya habían trabajado juntos en la película
de 1997 Un ratoncito duro de roer), Leigh Zimmerman a Ulla, Nicolas Colicos a Franz
Liebkind, Conleth Hill a Roger De Bris y James Dreyfus a Carmen Ghia. Cuando Nathan
Lane dejó la compañía en enero de 2005 fue reemplazado por Brad Oscar4 y
posteriormente por Fred Applegate y por Cory English. Por su parte, Lee Evans fue
sustituido por John Gordon Sinclair y más tarde por Reece Shearsmith.

Al igual que en Nueva York, el espectáculo fue un éxito de taquilla y ganó tres premios
Laurence Olivier.
Producción original de Buenos Aires

La premiere mundial en idioma español tuvo lugar en el Teatro Lola

Membrives de Buenos Aires, donde se representó entre el 28 de marzo de 2005 y el 27
de agosto de 2006, protagonizado por Enrique Pinti como Max Bialystock, Guillermo
Francella como Leo Bloom y María Rojí como Ulla. Producido por Pablo Kompel, el
montaje contó con dirección de Ricky Pashkus, coreográfica de Chet Walker, diseño de
escenografía de Alberto Negrín, diseño de vestuario de Fabián Luca, diseño de
iluminación de Ariel del Mastro, diseño de sonido de Pablo Abal y Emilio Posse,
dirección musical de Gerardo Gardelín, traducción del texto de Fernando Masllorens y
Federico González del Pino, y adaptación de la canciones del propio Enrique Pinti.

Producción original de Madrid

En España se estrenó el 14 de septiembre de 2006 en el Teatro Coliseum de Madrid,

coproducido por Stage Entertainment y Live Nation,6 con una inversión de más de 3
millones de euros y un equipo internacional formado por B.T. McNicholl en la dirección,
Jerry Zaks en la dirección artística, Karen Bruce en la coreografía, Jon Berrondo en el
diseño de escenografía, Alejandra Robotti en el diseño de vestuario, Ariel Del Mastro
en el diseño de iluminación, Gastón Briski en el diseño de sonido, Gina Piccirilli en la
dirección residente y Santiago Pérez en la dirección musical. La traducción del libreto
corrió a cargo de Carlos Martín, Alfredo Díaz y Raquel Soto, mientras que la adaptación
de las letras al castellano fue realizada por Xavier Mateu.
El reparto estuve liderado por Santiago Segura como Max Bialystock, José Mota,
componente del dúo humorístico Cruz y Raya, como Leo Bloom, Dulcinea Juárez como
Ulla, Fernando Albizu como Franz Liebkind, Miguel del Arco como Roger De Bris y Ángel
Ruiz como Carmen Ghia.

Los productores permaneció en cartel durante una única temporada, siendo su última
función el 6 de mayo de 2007. En un principio estaba previsto continuar con una nueva
pareja protagonista una vez terminado el contrato de Segura y Mota, 7 pero debido a
que la respuesta del público no fue la esperada finalmente se decidió cerrar la
producción.

Producción original de México

El 13 de diciembre de 2006 debutó en el Centro Cultural Telmex de México, D.F.,

producido por OCESA y con un doble reparto en el que Pedro Armendáriz y Alejandro
Calva se alternaron el rol de Max Bialystock y Juan Manuel Bernal y Adal Ramones el de
Leo Bloom, acompañados de Natalia Sosa como Ulla.8 El equipo creativo contó con
dirección y coreografía de James Kelly, dirección musical de Isaac Saúl, diseño de
escenografía de Laura Rode, diseño de vestuario de Violeta Rojas, diseño de
iluminación de Nicholas Phillips, diseño de sonido de Isaías Jáuregui y adaptación al
español de Álvaro Cerviño.

Los productores se despidió de México el 28 de octubre de 2007, tras haber realizado

360 representaciones en las que fue visto por 139.500 espectadores.

Otras producciones

Los productores se ha representado en multitud de países a lo largo de todo el mundo,

incluyendo Alemania, Argentina, Australia,Austria, Bélgica, Brasil, Canadá, Corea del
Sur, Dinamarca, Eslovaquia, España, Estados
Unidos, Finlandia, Grecia, Hungría, Israel,Italia, Japón, México, Noruega, Nueva
Zelanda, Países Bajos, Panamá, Reino Unido, República
Checa, Rusia, Serbia, Suecia yVenezuela.

La primera gira nacional por Estados Unidos (Max Company) arrancó el 18 de

septiembre de 2002 en Pittsburgh, Pensilvania, con Lewis J. Stadlen como Max
Bialystock, Don Stephenson como Leo Bloom y Angie Schworer como Ulla, 9 y finalizó
el 30 de enero de2005 de nuevo en Pittsburgh. Un segunda gira estadounidense (Leo
Company) protagonizada por Brad Oscar (el Franz Liebkind original de Broadway) como
Max Bialystock, Andy Taylor como Leo Bloom y Ida Leigh como Ulla salió a la carretera
entre el 17 de junio de2003 y el 26 de junio de 2005,10 para después realizar un
temporada limitada en Japón en julio de 2005.11 Entre las dos producciones la
recaudación total superó los 222 millones de dólares.

Jason Alexander y Martin Short interpretaron a Max Bialystock y Leo Bloom

respectivamente durante la estancia de la primera gira estadounidense en el Pantages
Theatre de Los Ángeles entre el 2 de mayo de 2003 y el 4 de enero de 2004, tras
haberse incorporado a la compañía una semana antes en el Orpheum Theatre de San
Francisco.12

Los productores volvió a crear controversia en 2006 con el estreno de la adaptación

hebrea en el Kameri Theater de Tel Aviv, Israel, a pesar de que algunos elementos del
libreto fueron modificados para evitar ofender a un público especialmente
sensibilizado con elHolocausto.13

Una versión reducida de 90 minutos pudo verse en el hotel Paris de Las Vegas entre
el 9 de febrero de 2007 y el 9 de febrero de 2008, con Brad Oscar de nuevo como Max
Bialystock (posteriormente reemplazado por Tony Danza), Larry Raben como Leo
Bloom, Leigh Zimmerman como Ulla (después de haber originado el mismo personaje
en el West End) y David Hasselhoff como Roger De Bris (posteriormente reemplazado
por Lee Roy Reams).14

A raíz del éxito en Londres, Los productores salió de gira por Reino Unido con un
reparto encabezado por Cory English como Max Bialystock, Gordon Sinclair como Leo
Bloom (posteriormente reemplazado por Joe Pasquale) y Emma Jayne Appleyard como
Ulla. El tour arrancó el 19 de febrero de 2007 en el Palace Theatre de Manchester y
recorrió el país durante un año.15

El mismo equipo que había llevado el musical a Argentina estuvo a cargo de la versión
brasileña, que debutó el 15 de septiembre de2007 en el Tom Brasil de São
Paulo con Miguel Falabella como Max Bialystock (Falabella también realizó las tareas
de dirección), Vladimir Brichta como Leo Bloom y Juliana Paes como Ulla.16
Entre el 12 de abril y el 11 de mayo de 2008 Armando Cabrera (Max Bialystock), Roque
Valero (Leo Bloom) y Fabiola Colmenares(Ulla) protagonizaron una puesta en escena en
el Aula Magna de la UCV de Caracas, Venezuela. La dirección fue de Michel
Hausmann.17

En Panamá se representó entre el 7 de octubre y el 1 de noviembre de 2009 en el

Teatro en Círculo, dirigido por Edwin Cedeño y con un elenco liderado por Aaron
Zebede como Max Bialystock, Leo Almengor como Leo Bloom y Analía Núñez como
Ulla.18

Entre el 27 y el 29 de julio de 2012 un montaje en el Hollywood Bowl de Los

Ángeles volvió a reunir a los miembros de la compañía original de Broadway Gary
Beach y Roger Bart como Roger De Bris y Carmen Ghia respectivamente, acompañados
de Richard Kind como Max Bialystock, Jesse Tyler Ferguson, Mitchell en la serie de
la ABC Modern Family, como Leo Bloom, Rebecca Romijn como Ulla y Dane Cook como
Franz Liebkind.

Signos del teatro

La Palabra y el Tono: Es un musical, por lo que la palabra dicha en algún momento
se cruza con la canción y se convierte en canto. En este musical ese paso de la palabra
dicha a la cantada es notoria ya que utilizan grandes despliegues, coros y
acompañamientos vocales en casi todas las canciones, aunque cada canción se hace
parte del texto hablado.

La mímica del Rostro y el gesto: En este musical los personajes son muy
exagerados, sus gestos están exacerbados en gran medida, muy melodramáticos y
estereotipados, hasta el punto a veces del ridículo.

El Movimiento Escénico del Actor: Al ser un musical la corporalidad está sujeta a

la música y la “coreografía” de acciones supeditadas a la música, tienen muchos
movimientos coordinados y lugares específicos que hacen que mantengan cada
espacio cubierto y bien distribuido teniendo en cuenta también la entrada y salida de
cada uno de los personajes. Existe mucho movimiento de artistas, escenografía y otros
efectos.

El Maquillaje: Depende de los personajes. Por un lado encontramos maquillaje

naturalista como el de los protagónicos pero por el otro se utilizan máscaras y
maquillajes para envejecer a las artistas que hacen de señoras mayores en un número,
y maquillaje sobrecargado para lo que serían las coreutas, bailarinas y demás de los
números musicales en general, como por ejemplo en “I wanna be a producer”. En lo
que es el musical “Primavera para
Hitler” vemos un despliegue de dicha
sobrecarga de maquillaje.

El Peinado: Está ambientado en el

año 1959 así que los peinados son
acordes a esta época y el rol que a
cada uno le toca desempeñar, mucha
utilización de sombreros, boinas y por
supuesto los icónicos rulos de la
época.

El vestuario y accesorios: En lo
que sería la parte de la cotidianeidad,
el vestuario es de época, pero natural a dicha época. Pero en lo que es los números
musicales y las fantasías de los productores, vemos un despliegue de vestuario
impresionante, con mucho brillo, plumas, sombreros, muy a lo revista.
Decorado: Posee decorados gigantes, reproducen tal cual las escenas que quieren
representar, la casa es una casa, la oficina una oficina y así. Es una mega producción en
cuanto a la escenografía, todo siempre dentro del ambiente de los ’50. Posee mucha
utilería y juego de escenografías que entran y salen casi mágicamente. De ellas entran
y salen bailarinas y actores, está siempre a disposición de la obra.
 La Iluminación: Está a disposición de la escenografía, es también un gran despliegue,
muchos juegos lumínicos con luces de colores. También en determinados cuadro que
nos sitúan en las calles de Broadway, la escenografía posee letreros luminosos que
imitan los carteles de los teatros en la gran vía blanca. Y además tiene muchísima
iluminación lo que sería el espectáculo en sí que producen, escaleras luminosas, partes
de la escenografía etc.

La Música: La orquesta de la producción original de Broadway incluyó: 1 Flauta

alto/Saxofón alto/Flauta/Flautín, 1 Saxofón alto/Clarinete bajo/Clarinete/Flauta, 1
Clarinete/Clarinete E-flat/Flauta/Saxofón tenor, 1 Flauta alto/Clarinete/Corno
inglés/Oboe/Saxofón tenor, 1 Saxofón barítono/Fagot/Clarinete/Clarinete E-flat
contralto/Clarinete B-flat contrabajo, 3 Trompetas, 2 Trombones tenor, 1 Trombón bajo,
1 Trompa, 4 Violines, 1 Chelo, 1 Arpa, 1 Contrabajo, 1 Batería, 1 Percusión, 1 Teclado.

La música de esta obra es muy característica, posee un leiv motive muy marcado que
es la melodía principal de “I Wanna Be a Producer”.

Sus canciones son muy alegres, muy expresivas, muy a lo clásico de Broadway,
permitiendo al actor una gran y fácil interpretación.

Cuadros importantes
Acto I Acto II

 Overture—Orchestra  That Face—Leo and Ulla

 Opening Night—Usherettes and Company  That Face (Reprise 1)—Leo and Max
 The King of Broadway—Max and Company  Haben Sie gehört das deutsche Band?—Franz
 We Can Do It—Max and Leo  Opening Night (Reprise)—Usherettes
 I Wanna Be a Producer—Leo, Showgirls, and  You Never Say 'Good Luck' on Opening Night—Roger,
Accountants Carmen, Franz, Leo, and Max
 We Can Do It (Reprise)—Leo and Max  Springtime for Hitler (part 1)—Lead Tenor Stormtrooper,
 I Wanna Be a Producer (Reprise)—Leo and Max Bavarian Peasants, Tapping Brown-Shirts, Showgirls, Ulla,
 In Old Bavaria—Franz and Company
 Der Guten Tag Hop-Clop—Franz, Leo and Max  Heil Myself—Roger, Ulla, Stalin, Churchill, and Roosevelt
 Keep It Gay—Roger, Carmen, Max, Leo, Production  Springtime for Hitler (part 2)—Roger, Ulla, and Company
Team, and Company  Where Did We Go Right?—Leo and Max
 When You've Got It, Flaunt It—Ulla  That Face (Reprise 2)—Ulla and Leo
 Along Came Bialy—Max and Company  Betrayed—Max
 Till Him—Leo, Max, and Little Old Ladies
 Act I Finale—Max, Leo, Ulla, Franz, Roger, Carmen,  Prisoners of Love—Roger, Ulla, and Company
Production Team, and Company  Leo and Max—Max, Leo, and Company

 Goodbye!—All

Estilos, géneros y tendencias dentro de la danza, el canto y el

teatro.
En cuanto a lo que es teatral, tiene un estilo tirando a la Comedia del Arte o la comedia
brillante, donde los personajes, sobre todo los principales, son muy expresivos y
exagerados en sus gestos y movimientos. También podemos ver “el teatro dentro del
teatro” ya que podemos ver desde las audiciones hasta el montaje de la obra y su
estreno. Llama la atención y es destacable que los personajes mantienen sus
personalidades y formas expresivas durante los números musicales.
En el canto, sus canciones conservan el caracteristico brillo de los musicales de
Broadway, utilizan mucho el “belting” y la “mixing voice”, los personajes de distintas
procedencias conservan su acento en las canciones y esto modifica su forma de
cantarlas. Tiene muchos números corales, canciones solistas, dúos, etc.
En la danza observamos un gran despliegue de estilos, que van desde el jazz a la
rumba, pasando por números de tap, de revista; coreografías perfectamente
coordinadas con la puesta y los actores principales, bailarines que toman roles de
personajes de distintas edades, personalidades, etc.
Lo más destacable de este musical es la sincronización de las tres disciplinas en todos
los números musicales, una comedia musical con todas las letras.

Contexto
La idea y el libro son de Mel Brooks, maestro de la comicidad cinematográfica, basados
en su propio guión para la versión fílmica estrenada en 1968. Para desarrollar esta idea
(que tomó casi 5 años), primero convocó a Jerry Herman, quien se negó porque
prefería trabajar solo. Entonces llamó al guionista cinematográfico, con el que había
trabajado en dos películas y que conocía muy
bien el código del musical por haber sido el autor
de Annie: Thomas Meehan. Entre los dos harían
el libro y él mismo se encargaría de las canciones.
También convocó a Mike Ockrent y a su esposa
Susan Stroman para ocuparse de la dirección y la
coreografía respectivamente. Pero Ockrent murió
en 1999 y el mismo Brooks convenció a Susan
Stroman de que asumiera la doble tarea de dirigir
y hacer las coreografías.

La producción original de Broadway se estrenó

oficialmente el 19 de abril de 2001 en el St. James
Theatre, protagonizada por Nathan Lane y Matthew Broderick, y se representó durante
2.502 funciones, batiendo todos los récords al ganar 12 premios Tony. A la puesta en
escena de Broadway le siguieron dos giras nacionales por Estados Unidos, un montaje
en el West End, otra gira por Reino Unido y numerosas versiones internacionales en
diferentes países.

Fue el productor David Geffen quien convenció a Mel Brooks para convertir su película
en un musical. Cuando Brooks se reunió con el compositor de Broadway Jerry Herman
para proponerle trabajar juntos, Herman lo rechazó y le dijo a Brooks que él mismo
debería escribir la partitura ya que era un buen compositor. Entonces Brooks le pidió a
Thomas Meehan que colaborase con él en la creación del libreto. Brooks también
convenció a Mike Ockrent y a su esposa Susan Stroman para unirse al equipo creativo
como director y coreógrafa respectivamente. Después de la muerte Ockrent en 1999,
Stroman asumió las tareas de dirección.

Antes de su llegada a Broadway, Los productores se representó a modo de prueba en el

Cadillac Palace de Chicago del 1 al 25 de febrero de 2001, con el mismo reparto que
después iría a Nueva York.1

Existen varios álbumes grabados en sus respectivos idiomas por los elencos de
Broadway (2001), Hungría (2006), Italia (2006) y Austria (2008). 20 A pesar de haberse
representado en varios países de habla hispana, no se ha editado ningún disco en
español.

“El concepto es muy sencillo", afirma el productor, escritor, compositor y letrista Mel
Brooks. "Tienen que conseguir más dinero del que necesitan para hacer una obra.
Luego, tienen que producir la peor obra que se haya escrito. Así que van a representar
una obra llamada "Springtime for Hitler", que cerrará la misma noche de su estreno y
ellos se largarán a Río de Janeiro con el resto del dinero de los inversores".

"Esta historia tiene algo que hace que no pase de moda. Como en todo buen musical,
los personajes ven cumplidos sus sueños y expectativas. El público se ve reflejado en
Leo Bloom, un gusano que desea convertirse en mariposa, o en Max Bialystock, un
hombre que en su día estuvo en lo más alto y que quiere volver a estarlo. Además,
nuestra película cuenta una entrañable historia de amor: el contable tímido conquista a
la mujer más bella del mundo", comenta la directora y coreógrafa Stroman.
 Sunset Boulevard

Introducción
SUNSET BOULEVARD está basado en la película homónima dirigida por Billy Wilder en
1950, y que fue protagonizada por la estrella del cine mudo Gloria Swanson y por
William Holden. Andrew Lloyd Webber vio por primera vez la obra maestra de Billy
Wilder en los años 70, y desde un primer momento quiso llevarla a los escenarios en
forma de musical. Sin embargo, en ese tiempo, el joven compositor no tenía suficiente
capacidad económica para adquirir los derechos del film, por lo que el proyecto quedó
aparcado. En los siguientes doce años, Lloyd
Webber mantuvo conversaciones
intermitentes con diversas personalidades
como Hal Prince o Christopher Hampton sobre
la posibilidad de realizar la adaptación musical
de `Sunset Boulevard´, pero sin llegar nunca a
concretarse nada. Por fin, tras ASPECTS OF
LOVE, Lloyd Webber sintió que su siguiente
proyecto tenía que ser, sin lugar a dudas, SUNSET BOULEVARD. Así que, tras negociar
con la productora del film, Paramount, adquirió los derechos, contactó una vez más
con Christopher Hampton y con Don Black para que trabajaran en el libreto y letras de
la obra y se puso a componer la música. Era el año 1989. El musical se estrenó en el
Adelphi Theatre del West End en 1993, y en 1994 llegaba a Broadway tras una
‘premiere’ americana que tuvo lugar, como no podía ser de otro modo, en Los Ángeles,
en el Shubert Theatre. Para su estreno en Estados Unidos, Andrew Lloyd Webber
realizó algunos cambios en el libreto y la partitura del musical, entre los cuales estaba
la inclusión de una nueva canción: "Every Movie´s a Circus".

Como curiosidad, cabe mencionar que otro gran compositor de teatro musical del siglo
XX, Stephen Sondheim, mostró interés a principios de la década de 1960 por realizar
una adaptación musical de la película de Billy Wilder. Sin embargo, a pesar de haber
efectuado algunos esbozos de la primera escena de la obra, abandonó el proyecto ante
la opinión contraria del propio Wilder, quien le comentó que era imposible escribir un
musical de `Sunset Boulevard´. Wilder consideraba que, en todo caso, debería ser una
ópera, pues, después de todo, el argumento alrededor de una "reina destronada".

El personaje de Norma Desmond ha sido interpretado por actrices de la talla de Glenn

Close, Betty Buckley, Patti LuPone, Elaine Paige o Petula Clark, entre otras.

Se han realizado producciones de SUNSET BOULEVARD en diversos países del mundo,

como Canadá, Alemania, Australia (donde Debra Byrne interpretó a Norma Desmond y
Hugh Jackman a Joe Gillis), Holanda o Suecia.

Principales Figuras
Versión musical (1994)

Compositor: Andrew Lloyd Webber

Letras y Guión: Don Black and Christopher
Hampton
Teatro: Minskoff Theatre
Elenco Original: Alan Campbell, Glenn Close,
George Hearn, Alice Ripley, Sandra Allen,
Bryan Batt, Lada Boder, Susan Dawn Carson,
Matthew Dickens, Colleen Dunn, David Eric,
Rich Hebert, Kim Huber, Alicia Irving, Lauren
Kennedy, Sal Mistretta, Alan Oppenheimer,
Rick Podell, Tom Alan Robbins, Rick Sparks, Steven Stein-Grainger, Vincent Tumeo,
Wendy Walter
Director: Trevor Nunn
Coreógrafo: Bob Avian
Productor: The Really Useful Theatre Company Ltd.
Director Musical: David Caddick and Paul Bogaev
Orquestaciones: David Cullen and Andrew Lloyd Webber
Diseño Escénico: John Napier
Vestuario: Anthony Powell
Diseño de Luces: Andrew Bridge

Estrenos y reposiciones
Producciones:
1991, 1992 Sydmonton Festival
1993 West End
1993 Los Angeles
1994 Broadway
1995 Canada
1995 Germany
1996 Australia
1996, 1998 US tour
2001 UK tour
2008 West End revival
2008 The Netherlands
2009 Sweden
2012 Japan
2013 South Africa

Signos del teatro

La Palabra y el Tono
La mímica del Rostro
El Gesto
El Movimiento Escénico del Actor:
El Maquillaje
El Peinado
El vestuario
Los Accesorios
Decorado
La Iluminación
La Música
 Cuadros importantes
Acto I Acto II

1. "Overture" / "I Guess It Was 5 am" – Joe 1. "Entr'acte" – orchestra

2. "Let's Have Lunch" – Joe, Actors, actress, scriptwriters, Artie, 2. "Sunset Boulevard" – Joe
Sheldrake, Betty 3. "There's Been a Call (Perfect year [Reprise])" – Norma
3. "Every Movie's A Circus" † – Betty, Joe 4. "Journey to Paramount" – Joe, Norma
4. "Car Chase" – orchestra 5. "As If We Never Said Goodbye" – Norma
5. "At the House on Sunset" – Joe 6. "Paramount Conversations" – Betty, Joe, Norma, Cecil B.
6. "Surrender" – Norma DeMile, Sheldrake, Max
7. "With One Look" – Norma 7. "Surrender (Reprise)" – Cecil B. DeMile
8. "Salome" – Norma, Joe 8. "Girl Meets Boy (Reprise)" – Joe, Betty
9. "Greatest Star of All" – Max 9. "Eternal Youth Is Worth a Little Suffering" – Norma, Astrologer,
10. "Every Movie's a Circus (Reprise)" ∞ † – Actors, Actress, Beauticians
Waiters, Artie, Joe, Betty, Barman 10. "Who's Betty Schaefer?" – Joe
11. "Girl Meets Boy" – Joe, Betty 11. "Betty's Office at Paramount" – Joe, Betty
12. "Back at the House" on Sunset – Joe, Max 12. "Too Much in Love to Care" – Betty, Joe
13. "New Ways to Dream" – Norma, Joe 13. "New Ways to Dream (Reprise)" – Max
14. "Completion of the Script" – Norma, Joe 14. "The Phone Call" – Norma
15. "The Lady's Paying" – Norma, Manfred, Joe, Ensemble
16. "New Year's Eve" – Joe, Max 15. "The Final Scene" – Joe, Betty, Norma, Max

17. "The Perfect Year" – Norma, Joe

18. "This Time Next Year" – Ensemble, Artie, Betty, Joe, Cecil B.
DeMile

19. New Year's Eve (Back at the House on Sunset) – Joe, Norma

Estilos, géneros y tendencias dentro de la danza, el canto y el

teatro.
contexto
Cuando Andrew Lloyd Webber, vio en 1970 por primera vez, la película de Billy Wilder “El crepúsculo de
los dioses” (Sunset Boulevard, 1950), se sintió atraido por la trama que le inspiró incluso una canción con
el mismo título de la película, un film negro clásico protagonizado por Gloria Swanson yWilliam
Holden que fue un gran éxito en su día y hoy está considerada una obra maestra del cine, pero cuando
Andrew fue a comprar los derechos, estos no estaban disponibles.
Cuando Stephen Frears encargó a Lloyd Webber que compusiera la música para su película “Detective
sin licencia” (Gumshoe, 1971), una historia con reminiscencias de cine negro, centrada en un singular
detective, que emula a Humphrey Bogart, piensa que puede encajar aquel tema que escribió para
“Sunset Boulevard” y guardó en un cajón, porque la época y el aire de la historia podrían servir y decide
incluirlo en la banda sonora.

Gloria Swanson en la película “El crepúsculo de los dioses”

La película de Billy Wilder tuvo varios intentos de convertirla en musical, el primero en 1956 por parte de
la propia Gloria Swanson que quiso como hiciera Gertrud Lawrence, interpretando a Anna Leonowens
en “El rey y yo” (King and I) en teatro y luego en el musical, hacer ella lo mismo con su gran papel en el
cine. El título en este caso sería simplemente “Boulevard” y ella sería Norma, pero pidió que se cambiase
el final y no disparaba a Joe Gillis, porque ellos estaban enamorados y el musical tenía un final feliz.
Cuando ya estaba todo listo, incluso los temas musicales grabados y ella había incluso aparecido en
televisión cantando alguna de las canciones, Paramount que tenía los derechos y en principio no le puso
pegas para hacerlo, le negó el permiso para representarla.
Hal Prince que en 1975 había comprado los derechos sobre la obra, cuando empezó a trabajar con
Andrew Lloyd Webber en “Evita“, le comentó sobre las posibilidades escénicas del momento en que
Norma vuelve al estudio. Webber vió de nuevo la película, incluso la comentó con Christopher
Hampton, que en alguna ocasión había manifestado interés en adaptar “Sunset Boulevard” al teatro,
pero los proyectos en los que estaban ambos implicados, les hicieron desistir de la idea.
 Stephen
Sondheim también fue atraido por la idea y con Hal Prince pensaron en llevar adelante el musical,
con Angela Lansbury como Norma Desmond, pero tras hablar con Billy Wilder que le dijo que la veía
más como una ópera que como un musical, Sondheim renunció. Harold Prince también recurrió a su
otros compositores John Kander & Fred Ebb, pero tampoco llegó a buen puerto.
Tendremos que esperar a 1989, cuando Andrew Lloyd Webber puede comprar los derechos sobre la obra
que habían quedado libres y habla con Christopher Hampton, completando el equipo con Don
Black para que ayudase a Hampton con los textos de las canciones.

Glen Close es Norma Desmond en “Sunset Boulevard”

Comenzaron a trabajar con el guión y una primera versión se estrenó en Agosto de 1991 en Sydmonton
con Patti LuPone y Kevin Anderson en los principales papeles, que también representaron en su estreno
en Londres. La readaptación del Adelphi Theatre para poder presentar la obra, con el escenario gigante
que subia dejando ver otro escenario debajo, costó un millón y medio de libras y sufrió bastantes
retrasos el estreno, hasta que detectaron que los problemas en el escenario controlado eléctricamente
por válvulas hidráulicas, se debían a las interferencias de los teléfonos móviles y transmisiones de radio
frecuencias, de los vehículos que transitaban por el exterior.
Una vez solucionados los problemas se estrenó el 12 de Julio de 1993 con un público de lujo, incluyendo
un invitado de honor, Billy Wilder que a sus 87 años acudió al estreno, manifestando que le había
gustado mucho: “Han hecho un gran trabajo, con total respeto a mi obra” dijo.

Tras el estreno en Londres con Patti LuPone, el musical se exportó a EEUU pero no a Broadway, sino a Los
Angeles, porque como dijo Andrew: “Es una historia que se desarrolla en Los Angeles”. Se consiguió para
el papel de Norma a Glenn Close, Alan Campbell como Joe Gillis, George Hearncomo Max y Judy
Khun como Betty. Andrew reescribió gran parte del material, incluso una nueva canción “Every Movie’s A
Circus” y se hicieron otros cambios, que le daban un tono más sombrio al musical, que se estrenó el 9 de
Diciembre de 1993 con un éxito arrollador.
La producción de Los Ángeles ganó 5 Premios de la Asociación de la Crítica, 9 Premios Drama League y 4
Premios Ovation. Andrew cerró temporalmente la producción inglesa el 12 de Marzo de 1994 para
incorporar los cambios de la producción de Los Angeles, reestrenando el 19 de Abril, pero sin Patti
LuPone ni Kevin Anderson, que fueron reemplazados por Betty Buckley que fuese Grizabella en “Cats”
y John Barrowman que ya había triunfado como Raúl en “The Phantom of the Opera”.
 Glen Close cantando “As if we never said goodbye”
Estos cambios estaban previstos ya que el reparto de Londres debía estrenar en Broadway con Patty
Lupone que ya protagonizó “Evita” y Kevin Anderson, conocido joven actor de cine, pero Lloyd Webber
habia quedado fascinado por la pareja protagonista formada por Glen Close y Alan Campbell y quiso
llevarlos a Broadway, con Alice Ripley como Betty y Alan Oppenheimer como Cecil B. DeMille.
Para ello buscó a toda prisa una sustituta para Glen Close en Los Angeles, donde el show funcionaba
muy bien y contrató a Faye Dunaway, pero tras varios ensayos, decidió que no tenía el registro vocal que
precisaba el papel y la despidió, con las correspondientes pataletas y pleitos por parte de la diva, que se
sentía humillada ante sus admiradores.

Kathryn Evans como Norma Desmond en la producción de Londres 2008

Faye Dunaway y Patty Lupone presentaron sendas querellas contra Lloyd Webber por incumplimiento de
contrato y se barajaron cifras astronómicas, que encarecieron más aún el coste del espectáculo. Ante las
dificultades generadas, Lloyd Webber optó por cerrar en Junio en Los Angeles y llevar prácticamente el
mismo espectáculo y cast a Broadway.

El estreno se produjo en Noviembre de 1994 con una venta anticipada de 38 millones de dólares, la
mayor en la historia de Broadway y arrasó en los Premios Tony consiguiendo 7: al Mejor Musical, Mejor
Música (Lloyd Webber), Mejor Libreto (Christopher Hampton y Don Black), Mejor Actriz (Glen Close),
Mejor Escenografía, Mejor Actor de reparto (George Hearn) y Mejor Iluminación.

A pesar de permanecer más de dos años en cartel y vender en Broadway más de un millón de entradas,
el musical no recuperó el 80% de los costes, a lo que contribuyeron las enormes cantidades que hubo
que pagar tanto a LuPone como a Dunaway, aparte de los costes judiciales de los pleitos y el musical
cerró en Londres en Abril de 1997, tras más de 1500 representaciones y en Broadway tras cerca de 1000
funciones.

Desde entonces las producciones de “Sunset Boulevard” se han sucedido en Canadá, Alemania,
Australia, Holanda, así como producciones de gira que han salido por Estados Unidos y Reino Unido, con
un montaje menos espectacular. La última producción vista en Londres fue en el 2008, con Kathryn
Evans como Norma Desmond y Dave Willets como Max, en la que todos los actores, eran los músicos
que interpretaban la música en vivo y tuvo muy buenas críticas, siendo nominado a varios premios
Olivier.
Numerosas intérpretes han representado a Norma Desmond, porque como “Evita” es uno de los papeles
más codiciados por las actrices y cantantes y aparte de las ya citadas estuvieron Elaine Paige, Petula
Clark, Linda Balgord, Diahann Carroll, Helen Schneider, Simone Kleinsma, Pia Dowes, Rita Moreno,
Deborah Byrne….
Ahora han circulado rumores de que se va a filmar la película y se han barajado nombres como los
deMeryl Streep, Glen Close o Barbra Streisand, así como de Ewan McGregor y Hugh Jackman, aunque
son sólo rumores y no hay nada definitivo, o sea que de momento mientras no se confirme oficialmente
y se sepa que han firmado los actores o va a empezarse la filmación, olvidemonos del tema, que estos
suelen ser los casos de que suena el río, pero no lleva agua.

William Holden en la escena inicial de la película

 Into the Woods

Introducción
La imagen del adulto contando un cuento nos habla de historias en las que
todo acaba bien y deben ayudar a que un niño se sumerja confiado en el
sueño, sabiendo que no hay nada que temer, pero ¿cómo dormir con la
imagen de un lobo que se traga enteras a Caperucita y a su abuelita y luego
llega un cazador que le clava un cuchillo en el estómago abriéndolo en canal
y salen de él mondas y lirondas abuela y nieta como si nada?. Walt Disney
matando a la mamá de Bambi, etc. etc. son imágenes terroríficas para
cualquier niño y todos hemos crecido con ellas… ¡¿así nos fue?!…

“Cuidado con lo que decís, los niños lo escuchan”, cuidado con el deseo que
pides, se puede convertir en realidad”. Estas podrían ser las moralejas del
musical Into the Woods de Stephen Sondheim y James Lapine.
La historia se sirve de un narrador que comienza con la consabida frase de:
“Érase una vez…” y nos presenta a varios personajes de cuentos clásicos y
sus deseos (Cenicienta quiere ir al baile del príncipe, la bruja quiere lucir
hermosa, el panadero y su mujer quieren tener un hijo, Jack tiene una vaca
escuálida que ya no da leche y su madre quiere que la venda en el mercado,
a pesar de ser el “mejor amigo de Jack”, etc. etc.
El bosque es el lugar al que se adentran todos para conseguir sus deseos. En
el bosque es donde aprenderán una nueva lección que les hará diferentes
para siempre. Caperucita quiere llevar la comida a su abuelita, pero se
tropieza con un lobo lascivo, Jack vende la vaca pero es engañado por el
panadero y su mujer que se la cambian por 4 habichuelas que dicen son
mágicas, Cenicienta va al baile pero huye y cada vez que aparece en escena
se cae, no es de extrañar que perdiese el zapatito. La mujer del panadero
quisiera atraer a un príncipe, y no entiende que Cenicienta le huya, el
príncipe quiere encontrar a su amada para casarse con ella, etc. etc.

Por fin
tras muchas aventuras, decepciones y engaños, todos consiguen sus deseos
en el bosque y llegamos al final del primer acto, en el punto en el que
terminan los cuentos normales, con la popular frase de “y vivieron felices
para siempre”, aunque en ese “final feliz” se haya descuartizado a un lobo,
arrancado su corazón, despellejado la piel para hacer una capa, los pájaros
hayan picado los ojos de las hermanastras de Cenicienta, dejándolas ciegas
por sus malas intenciones, aparte de haberles cortado los dedos de los pies
y el talón para que encajase en su pie el zapatito de cristal “perdido” de
Cenicienta, etc. pero como en las buenas historias de suspense, tras noventa
minutos de obra, nos advierten de que no nos vayamos, porque la historia va
a continuar….
 Y comienza el segundo acto, en el que
los deseos cumplidos no han satisfecho las expectativas que se tenía sobre
ellos: los panaderos tienen un hijopero siempre está llorando y ocupa más
espacio y la panadera añora una casa más grande, la bruja, se ha convertido
en una mujer guapa pero es abandonada por su ahijada, Rapunzel. La joven
de cabellos largos y dorados vive con su príncipe pero sus hijos no la dejan
gozar de la vida, Cenicienta se ha casado con el príncipe, pero éste se aburre
y sale al bosque en busca de otras doncellas a las que “rescatar”, etc. etc.
Todo un montón de guiños y frases lapidarias, metidas dentro de un
inteligentísimo guión, Un cuento de cuentos donde los personajes “buenos”
no lo son en absoluto: la tierna abuelita de Caperucita descuartiza al lobo y
le arranca el corazón para dárselo dentro de una bolsa supurando sangre, al
panadero. El príncipe se encuentra en el bosque con la mujer del panadero y
siente el impulso irrefrenable de poseerla, a lo que la mujer accede
asombrada por: “encontrarse en el cuento equivocado”. El príncipe al
abandonar a la panadera, es preguntado por ésta si volverán a verse y el
responde que no, que han seguido lo que les daba el presente y él volverá
con su princesa Cenicienta y ella con su panadero. Ante el asombro de ella,
él le espeta: “Me educaron para ser encantador, no sincero….”.
 La obra
como todos los cuentos, lleva moralejas y mensajes ocultos a simple vista,
no desprovistos de humor e ironía. No es en absoluto un musical o cuento
para niños.

En él se toca y mucho la difícil relación padres/hijos.. La obra también va

sobre el aprendizaje, el crecimiento del día a día, sobre asumir
responsabilidades y culpas, etc.
 Sondheim en una entrevista sobre este
musical, hablando de su niñez, manifestó que al escribirla, la figura del
padre que no se siente cómodo con sus hijos, era su padre y la madre que se
arrepiente de haber tenido hijos, su madre.

Musicalmente, como la práctica totalidad de las obras de Sondheim, no es

fácil al oído. No tiene melodías pegadizas, incluso hay veces que llegas a
olvidar de que están cantando. La obra gana con las sucesivas escuchas y si
al principio te atrapan algunas canciones: “Agony”, “Children will listen”,
“Into the Woods” o “No one is alone”, poco a poco vas descubriendo y
paladeando otras: “Hello, little girl”, “Ever after”, “Giants in the sky”, etc.

Principales Figuras
Versión Musical (1987)
Letras: Stephen Sondheim
Musica: Stephen Sondheim
Libro: James Lapine
Elenco:Tom Aldredge, Joanna Gleason,Bernadette Peters, Robert Westenberg,Chip
Zien, Barbara Bryne, Kim Crosby, Maureen Davis, Danielle Ferland, Joy Franz,Philip
Hoffman,
Arreglos Musicales: Lar Lubovitch
Escenografía: Tony Straiges
Vestuario: Ann Hould-Ward
Diseño de Luces: Richard Nelson
Diseño de Sonido: Alan Stieb James Brousseau
Orquestaciones: Jonathan Tunick
Efectos especiales:Charles Reynolds
Producción: Heidi Ettinger, Rocco Landesman,Rick Steiner, M. Anthony Fisher
Teatro: The Old Globe Theatre

Estrenos y reposiciones
Producciones:
1987 Broadway
1988 United States National Tour
1990 West End
1998 West End revival
2002 Broadway revival
2010 London revival
Original Broadway production[edit]
Into the Woods premiered at the Old Globe Theatre in San Diego, California, on December 4,
1986 and ran for 50 performances under the direction of James Lapine. [3] The majority of the
performers from that production appeared in the Broadway cast but John Cunningham, who
played the Narrator, Wolf and Steward and George Coe, as the Mysterious Man and
Cinderella's Father were replaced by Tom Aldredge, who played the Narrator and Mysterious
Man. Kenneth Marshall as Cinderella's Prince was replaced by Robert Westenberg (who also
played the Wolf), LuAnne Ponce, who played Little Red Ridinghood, was replaced by Danielle
Ferland,Ellen Foley, the Witch, was replaced by Bernadette Peters. Kay McClelland, who
played both Rapunzel and the Stepsister Florinda, stayed with the cast but only played Florinda,
Rapunzel being played by Pamela Winslow.

The musical opened on Broadway at the Martin Beck Theatre on November 5, 1987, and closed
on September 3, 1989 after 765 performances. It starred Bernadette Peters, Joanna
Gleason, Chip Zien, Kim Crosby, Ben Wright, Danielle Ferland, Chuck Wagner,Merle
Louise, Tom Aldredge, and Robert Westenberg. The musical was directed by James Lapine,
with musical staging by Lar Lubovitch, settings by Tony Straiges, lighting by Richard Nelson,
and costumes by Ann Hould-Ward (based on original concepts byPatricia Zipprodt and Ann
Hould-Ward). The original production won the 1988 New York Drama Critics' Circle Award and
the Drama Desk Award for Best Musical, and the original cast recording won a Grammy Award.
The show was nominated for ten Tony Awards, and won three: Best Score (Stephen Sondheim),
Best Book (James Lapine) and Best Actress in a Musical (Joanna Gleason).

Peters left the show after almost five months due to a prior commitment to film the movie Slaves
of New York.[4] The Witch was then played by: Betsy Joslyn (from March 30, 1988);[5]Phylicia
Rashād (from April 14, 1988); Betsy Joslyn (from July 5, 1988); Nancy Dussault (from
December 13, 1988);[6] and Ellen Foley (from August 1, 1989 until the closing). [7]

Other cast replacements included Dick Cavett as the Narrator (as of July 19, 1988) (for a
temporary engagement after which Tom Aldredge returned), Edmund Lyndeck as the Mysterious
Man, Patricia Ben Peterson as Cinderella, LuAnne Ponce returning to the role of Little Red
Ridinghood, Jeff Blumenkrantz as Jack, Marin Mazzie as Rapunzel (as of March 7, 1989) and
Kay McClelland, Lauren Mitchell, Cynthia Sikes and Mary Gordon Murray as the Baker's Wife. [7]

In May 1989, the original cast (with the exception of Jean Louisa Kelly in the minor role of Snow
White) reunited for one performance, which was filmed and broadcast on U.S. public
television on March 20, 1991. This version (which featured pick-up shots filmed in an empty
theater) has since been released on DVD.[8]

Tenth Anniversary benefit performances of this production were held on November 9, 1997
at The Broadway Theatre (New York), with most of original cast.[9] Original cast understudies
Chuck Wagner and Jeff Blumenkrantz played Cinderella's Prince/Wolf and The Steward in place
of Robert Westenburg and Philip Hoffmann and Jonathan Dokuchitz (who joined the broadway
production as an understudy in 1989) played Rapunzel's Prince in place of Mr. Wagner. This
concert featured the duet "Our Little World," written for the first London production of the show.

1988 US tour[edit]
A United States tour began on November 22, 1988 with Cleo Laine playing the Witch, replaced
by Betsy Joslyn in May 1989. Rex Robbins played the Narrator and Mysterious Man, Charlotte
Rae played Jack's Mother, and the Princes were played by Chuck Wagnerand Douglas Sills.
The 10-month tour[10] played cities around the country, such as Fort Lauderdale, Florida, Los
Angeles, andAtlanta.[11][12] The tour ran at the John F. Kennedy Center for the Performing
Arts from June 1989 to July 16, 1989, with the reviewer forThe Washington Post writing: "his
lovely score -- poised between melody and dissonance -- is the perfect measure of our tenuous
condition. The songs invariably follow the characters' thinking patterns, as they weigh their
options and digest their experience. Needless to say, that doesn't make for traditional show-
stoppers. But it does make for vivacity of another kind. And Sondheim's lyrics...are brilliant.... I
think you'll find these cast members alert and engaging." [13]

Original London production[edit]

The album cover of the London cast recording.

The original West End production opened on September 25, 1990 at the Phoenix Theatreand
closed on February 23, 1991 after 197 performances. It was directed by Richard Jones, and
produced by David Mirvish, with choreography by Anthony Van Laast, costumes by Sue
Blane and orchestrations by Jonathan Tunick. The cast featured Julia McKenzie as the Witch,
Ian Bartholomew as the Baker, Imelda Staunton as the Baker's Wife and Clive Carteras the
Wolf/Cinderella's Prince. The show received seven Olivier Award nominations in 1991, winning
for Best Actress in a Musical (Staunton) and Best Director of a Musical (Jones).
Some story aspects and one song that were cut from the original production were added to the
London production. The song "Our Little World" was added. [14] This song was a duet sung
between the Witch and Rapunzel giving further insight into the care the Witch has for her self-
proclaimed daughter and the desire Rapunzel has to see the world outside of her tower. The
overall feel of the show was a lot darker to that of the original Broadway production. Critic
Michael Billington wrote "But the evening's triumph belongs also to director Richard Jones, set
designer Richard Hudson and costume designer Sue Blane who evoke exactly the right mood of
haunted theatricality. Old-fashioned footlights give the faces a sinister glow. The woods
themselves are a semi-circular, black-and-silver screen punctuated with nine doors and a crazy
clock: they achieve exactly the 'agreeable terror' of Gustave Dore's children's illustrations. And
the effects are terrific: doors open to reveal the rotating magnified eyeball or the admonitory
finger of the predatory giant."[15]

1998 London revival[edit]

A new intimate production of the show opened (billed as the first London revival) at the Donmar
Warehouse on 16 November 1998, closing on 13 February 1999. This revival was directed
by John Crowley and designed by his brother, Bob Crowley. The cast included Clare Burt as the
Witch, Nick Holder as the Baker, Sophie Thompson as the Baker's Wife, Jenna Russell as
Cinderella, Sheridan Smith as Little Red Ridinghood and Frank Middlemass as the
Narrator/Mysterious Man.[16] Russell later appeared as the Baker's Wife in the 2010 Regent's
Park production. Thompson won the 1999 Olivier Award for Best Actress in a Musical for her
performance, while the production itself was nominated for Outstanding Musical Production.

2002 Broadway revival[edit]

A poster for the 2002 Broadway revival.

A revival opened at the Ahmanson Theatre in Los Angeles, running from February 1, 2002 to
March 24, 2002. This production was directed and choreographed, with the same principal cast,
which later ran on Broadway.[17]

The 2002 Broadway revival, directed by James Lapine and choreographed by John Carrafa,
began previews on April 13, 2002 and opened April 30, 2002 at the Broadhurst Theatre, closing
on December 29 after a run of 18 previews and 279 regular performances. It starred Vanessa L.
Williams as the Witch,John McMartin as the Narrator, Stephen DeRosa as the Baker, Kerry
O'Malley as the Baker's Wife,Gregg Edelman as Cinderella's Prince/Wolf, Christopher Sieber as
Rapunzel's Prince/Wolf, Molly Ephraim as Little Red Ridinghood, Adam Wylie as Jack
and Laura Benanti as Cinderella. Judi Denchprovided the pre-recorded voice of the Giant.

Lapine revised the script slightly for this production, with a cameo appearance of the Three
Little Pigsrestored from the earlier San Diego production.[18][19][20] Other changes, apart from
numerous small dialogue changes, included the addition of the song "Our Little World," a duet
for the Witch and Rapunzel written for the first London production, the addition of a second wolf
in the song "Hello Little Girl" who competes for Little Red's attention with the first Wolf, the
portrayal of Jack's cow by a live performer (Chad Kimball) in an intricate costume and new lyrics
were written for "The Last Midnight," now sung by the Witch as a menacing lullaby to the
Baker's baby.[20]

The revival won the Tony Awards for the Best Revival of a Musical and Best Lighting Design.
[21]
This Broadway revival wardrobe is on display at the Costume World Broadway Collection in
South Florida.

London Royal Opera House, 2007[edit]

A revival at the Royal Opera House's Linbury Studio in Covent Garden had a limited run from
June 14 through June 30, 2007 followed by a short stint at The Lowry theatre, Salford Quays,
Manchester between 4–7 July. The production mixed Opera singers, Musical Theatre actors as
well as Film and television actors; including Anne Reid as Jack's Mother and Gary Waldhorn as
the Narrator. The production itself, directed by Will Tuckett, was met with mixed reviews;
although there were clear stand out performances. [22][23][24]

The production completey sold out three weeks before opening. As this was an 'Opera'
production, the show and its performers were overlooked for the 'Musical' nominations in the
2008 Olivier Awards. This production featured Suzie Toase (Little Red), Peter Caulfield(Jack),
Beverley Klein (Witch), Anna Francolini (Baker's Wife), Clive Rowe (Baker), Nicholas
Garrett (wolf) and Lara Pulver (Lucinda). This was the second Sondheim musical to be staged
by the Opera House, following 2003's Sweeney Todd.

Regent's Park Open Air Theatre, 2010[edit]

The Olivier Award winning Regent’s Park Open Air Theatre production, directed by Timothy
Sheader and choreographed by Liam Steel, ran for a six-week limited season from 6 August to
11 September 2010. The cast included Hannah Waddingham as the Witch, Mark Hadfield as the
Baker, Jenna Russell as the Baker’s wife, Helen Dallimore as Cinderella, and Judi Dench as the
recorded voice of the Giant. Gareth Valentine was the Musical Director.[25][26] The musical was
performed outdoors in a wooded area. Whilst the book remained mostly unchanged, the subtext
of the plot was dramatically altered by casting the role of the Narrator as a young school boy
lost in the woods following a family argument – a device used to further illustrate the musical’s
themes of parenting and adolescence.

The Regent's Park Open Air Theatre Production, with Beverly Rudd as Little Red Ridinghood
The production opened to wide critical acclaim, much of the press commenting on the
effectiveness of the open air setting. The Telegraph reviewer, for example, wrote: "It is an
inspired idea to stage this show in the magical, sylvan surroundings of Regent’s Park, and
designer Soutra Gilmour has come up with a marvellously rickety, adventure playground of a
set, all ladders, stairs and elevated walkways, with Rapunzel discovered high up in a
tree."[27] The New York Times reviewer commented: "The natural environment makes for
something genuinely haunting and mysterious as night falls on the audience..." [28] Stephen
Sondheim attended twice, reportedly extremely pleased with the production. The production
also won the Laurence Olivier Award for Best Musical Revival and Michael Xavier, who played
Cinderella's Prince and the Wolf, was nominated for the Laurence Olivier Award for Best
Performance in a Supporting Role in a Musical.

The production was recorded in its entirety and released for public download through Digital
Theatre, an online video production company. [29]

Public Theater, New York, 2012[edit]

The Regent's Park Open Air Theatre production transferred to the Public Theater's 2012
summer series of free performancesShakespeare in the Park at the Delacorte
Theater in Central Park, New York, with an American cast as well as new designers. [30]Sheader
again is the director and Steel serves as co-director and choreographer. Performances were
originally to run from July 24 (delayed from July 23 due to the weather) to August 25, 2012, but
the show was extended till September 1, 2012.[31] The cast includedAmy Adams as The Baker's
Wife, Donna Murphy as The Witch, Denis O'Hare as The Baker, Chip Zien as the Mysterious
Man/Cinderella's Father, Jack Broderick as the young Narrator, Gideon Glick as Jack, Cooper
Grodin as Rapunzel’s Prince, Ivan Hernandez as Cinderella’s Prince/Wolf, Tina Johnson as
Granny, Josh Lamon as the Steward, Jessie Mueller as Cinderella, Laura Shoop as Cinderella’s
Mother, Tess Soltau as Rapunzel and Glenn Close as the Voice of the Giant. The set was a
"collaboration between original Open Air Theatre designer Soutra Gilmour and...John Lee
Beatty, [and] rises over 50 feet in the air, with a series of tree-covered catwalks and
pathways."[32] The production was dedicated to Nora Ephron, who died earlier in 2012. In
February 2012 and in May 2012, reports of a possible Broadway transfer surfaced with the
production's principal actors in negotiations to reprise their roles. [33][34][35] In January 2013, it was
announced that the production will not transfer to Broadway due to scheduling conflicts.

Other productions[edit]
1993 Sydney Theatre Company production
This production played from 19 March 1993 to 5 June 1993 at the Drama Theatre, Sydney
Opera House. It starred Judi Connelli,Geraldine Turner, Tony Sheldon, Philip Quast, Sharon
Millerchip, Pippa Grandison, Simon Chilvers and DJ Foster.[36]

1994 Watershed Theatre production

This production played from 18 November 1994 to 23 December 1993 at the Watershed
Theatre, Auckland. It starred Suzanne Lee,Kevin Smith, Miranda Harcourt, and Sophia
Hawthorne

1998 Melbourne Theatre Company production

This production played from 17 January 1998 to 21 February 1998 at the Playhouse, Victorian
Arts Centre. It starred Rhonda Burchmore, John McTernan, Gina Riley, Lisa McCune, Peter
Carroll, Anthony Weigh, Tamsin Carroll and Robert Grubb.[37][38]
2007 Barcelona production
Boscos endins was the Catalan adaptation by Joan Vives with the collaboration of Joan Lluís
Bozzo. It was first presented by the Theatre Company Dagoll Dagom in Girona at the Festival
Temporada Alta on November 22, 2007, and in January it was held at Teatre Victòria,
in Avinguda del Paral·lel, Barcelona, Spain[39]

2009/10 London Production

In December 2009 the show was presented at the Bloomsbury Theatre London by the UCLU
Musical Theatre Society in a brand new production. Produced by Alicia Bennett and directed
by Dom O'Hanlon the show was personally supported by Stephen Sondheim and praised for its
new interpretation. The production was selected to be performed as part of the Sunday
Times National Student Drama Festival 2010 in Scarborough, featuring the original cast and
orchestra at the Spa Theatre, Scarborough in April 2010. [40]

2011 Singapore production

The 2011 Singapore production presented by Dream Academy ran from 29 July to 7 August
2011.[41] Directed by Glen Goei, it featured Ria Jones (Witch), Adrian Pang (Baker), Selena
Tan (Baker's Wife), Sebastian Tan (Jack), Emma Yong (Cinderella), Denise Tan (Little Red
Riding Hood) and Lim Kay Siu (narrator)

2011 Santa Ana production

The Mysterium Theater presented the production directed by Marla Ladd ran from August 18 to
September 24.[42]

2012 Baltimore and Connecticut production

Directed by Mark Lamos, Center Stage (in a co-production with Westport Country Playhouse in
Westport, Connecticut) in Baltimore, Maryland presented Into the Woods, running from March 7
to April 15, 2012. The cast included Danielle Ferland as the Baker's wife,Jeffry Denman as the
Narrator, Jenny Latimer as Cinderella, Justin Scott Brown as Jack, Erik Liberman as the Baker,
Dana Steingold as Little Red Ridinghood, Nik Walker as Wolf/Cinderella's Prince, and Lauren
Kennedy as the Witch.[43] The production transferred to Westport Country Playhouse for a run
lasting from May 1 to May 25, 2012.[44]

2013 Puerto Rican production

The first professional Spanish language production, "Dentro del Bosque", was produced by the
University of Puerto Rico Repertory Theatre and premiered in San Juan at Teatro de la
Universidad (University Theatre) on March, 14. Directed by Edgar García Rivera, it
starred: Víctor Santiago (Baker), Ana Isabelle (Baker's Wife), Lourdes Robles (Witch), Julio
Enrique Court (Narrator/Mysterious Man), Xavier Rivera (Jack), Ulises Santiago de Orduña
(Wolf), Angeliz Nieves (Little Red Riding Hood), Daisy Maeso (Cinderella), Armando Vegerano
(Cinderella's Prince), Sara García (Jack's mother), Kedward Avilés (Steward). [45]

2014 Oregon Shakespeare Festival (Ashland, Oregon) production

Directed by Amanda Dehnert. June 4, 2014 – October 11, 2014

Signos del teatro

Analysis of book and music[edit]
In most productions of Into the Woods, including the original Broadway production, several parts
are doubled. Cinderella's Prince and the Wolf, who share the characteristic of being unable to
control their appetites, are played by the same actor. Similarly, the Narrator and the Mysterious
Man, who share the characteristic of commenting on the story while avoiding any personal
involvement or responsibility. Granny and Cinderella's Mother, who are both matriarchal
characters in the story, are also typically played by the same person, who also gives voice to the
nurturing but later murderous Giant's Wife.

The show covers multiple themes: growing up, parents and children, accepting responsibility,
morality, and finally, wish fulfillment and its consequences. [54] The Time Magazine reviewers
wrote that the play's "basic insight ... is at heart, most fairy tales are about the loving yet
embattled relationship between parents and children. Almost everything that goes wrong —
which is to say, almost everything that can — arises from a failure of parental or filial duty,
despite the best intentions."[55] Stephen Holden wrote that the themes of the show include
parent-child relationships and the individual's responsibility to the community. The witch isn't just
a scowling old hag, but a key symbol of moral ambivalence. James Lapine said that the most
unpleasant person (the Witch) would have the truest things to say and the "nicer" people would
be less honest.[56] In the Witch's words: "I'm not good; I'm not nice; I'm just right."

The score is also notable in Sondheim's output, because of its intricate reworking and
development of small musical motifs. In particular, the opening words, "I wish", are set to the
interval of a rising major second and this small unit is both repeated and developed throughout
the show, just as Lapine's book explores the consequences of self-interest and "wishing." The
dialogue in the show is characterized by the heavy use of syncopated speech. In many
instances, the characters' lines are delivered with a fixed beat that follows natural speech
rhythms, but is also purposely composed in eighth, sixteenth, and quarter note rhythms as part
of a spoken song. Like many Sondheim/Lapine productions, the songs contain thought-process
narrative, where characters converse or think aloud.

Sondheim drew on parts of his troubled childhood when writing the show. In 1987, he told Time
Magazine that the "father uncomfortable with babies [was] his father, and [the] mother who
regrets having had children [was] his mother."[57]

La Palabra y el Tono
La mímica del Rostro
El Gesto
El Movimiento Escénico del Actor:
El Maquillaje
El Peinado
El vestuario
Los Accesorios
 Decorado
La Iluminación
La Música

Cuadros importantes
Acto I Acto II

 "Act One Prologue" – Narrator, and Company (El Prólogo del  "Act Two Prologue" – Narrator and Company (El Prólogo del segundo
primer acto está dividido en nueve partes que pueden ser vistas también como acto está dividido en nueve partes que pueden ser vistas también como

canciones individuales) canciones individuales)

 "Cinderella at the Grave" – Cinderella, Cinderella's Mother  "Agony" (Reprise) – Cinderella's Prince and Rapunzel's Prince
 "Hello, Little Girl" – Wolf and Little Red Ridinghood (with second  "Witch's Lament" – Witch
wolf and the three little pigs in 2002 revival)  "Any Moment (Part 1)" – Cinderella's Prince and Baker's Wife
 "The Spell is On My House" (Reprise) – Baker and Baker's Wife  "Any Moment (Part 2)" – Cinderella's Prince and Baker's Wife
 "I Guess This is Goodbye" – Jack  "Moments in the Woods" – Baker's Wife
 "Maybe They're Magic" – Baker and Baker's Wife  "Your Fault" – Jack, Baker, Cinderella, Little Red Ridinghood and Witch
 "Our Little World" – Witch and Rapunzel (added during the original  "Last Midnight" – Witch
London production)  "No More" – Baker and Mysterious Man
 "Maybe They're Magic" (Reprise) – Baker  "No One is Alone (Part 1)" – Cinderella and Little Red Ridinghood
 "I Know Things Now" – Little Red Ridinghood  "No One is Alone (Part 2)" – Cinderella, Baker, Little Red
 "A Very Nice Prince" – Cinderella and Baker's Wife Ridinghood and Jack

 "First Midnight" – Company

 "Giants in the Sky" – Jack  "Act Two Finale" – Company (está dividido en cuatro partes que

 "Agony" – Cinderella's Prince and Rapunzel's Prince pueden también ser vistas como canciones individuales)

 "A Very Nice Prince" (Reprise) – Cinderella and Baker's Wife

 "It Takes Two" – Baker and Baker's Wife
 "Second Midnight" – Company
 "Stay with Me" – Rapunzel and Witch
 "On the Steps of the Palace" – Cinderella (with Jack and Little Red

Ridinghood in 2002 revival)

 "Act One Finale" – Company

Estilos, géneros y tendencias dentro de la
danza, el canto y el teatro.

Contexto
BIBLIOGRAFIA: