Técnicas para pintar al oleo:

1. Alla prima. Este método consiste en aplicar la pintura de forma

rápida, con seguridad y confianza para ser terminada en una sola
sesión. Para este método se considera que la pintura es exitante, y
aplicada libremente. Muchos pintores de paisajes la utilizan. Esta es
una de las técnicas utilizada por los impresionistas, en donde Van
Gogh fue uno de sus protagonistas.

2. Prepintado. Esta es otra de las técnicas para pintar al oleo. En esta

técnica, se aplica la pintura rebajada con algún medio, que puede ser
trementina, hasta que el color penetre en el lienzo. En esta
técnica, aplicamos los tonos fundamentales, hasta que se definan las
formas principales los cuales mas adelante son terminados con
veladuras y capas de pintura opaca. Pinceles grandes pueden ser
utilizados con esta técnica.
3. Veladuras. Aplicar capas delgadas de pintura es lo que caracteriza
esta técnica, es decir, la mínima cantidad de pintura posible, sobre
otras capas ya secas. Logras capas transparentes, es el objetivo. En
los colores claros es donde usualmente se aplica, ya que reflejan
mejor la luz. Se logran efectos de profundidad, cuando tenemos áreas
opacas al lado de áreas con veladuras. Esto nos ayuda a dar un
aspecto tridimensional a nuestra pintura.
4. Impasto. Con esta técnica, aplicamos la pintura masivamente con un
pincel o espatula. La técnica de impasto produce una pintura con
textura, dandole a nuestra obra una sensación tridimensional. Con la
técnica del impaso podemos pintar cuadros completos, pero en
algunas ocasiones esta técnica también es aplicada para prepintar y
luego seguir con veladuras. Rembrandt y Tiziano utilizaban esta
tecnica.
5. Restregado: Entre las técnicas para pintar al oleo, también tenemos
el restregado. Aquí la idea es aplicar un poco de un color de pintura
espesa sobre otra capa seca o casi seca de otro color. Esto se hace de
forma irregular, con el objetivo de que la capa de abajo se pueda ver.
En esta técnica el pincel es movido en forma circular, aunque con
rayas, manchas, brochazos, punteados se puede conseguir el mismo
efecto. Para los restregados se puede utilizar cualquier tipo de
pincel, colocando el lienzo sobre una mesa y aplicando en pincel
perpendicular al lienzo. Algunos utilizan trapos, y en algunas
ocasiones hasta los dedos, eliminando el exceso de pintura.

1
6. Húmedo sobre húmedo; Esta técnica consiste en trabajar sobre
pintura húmeda, y si es posible fundir los colores unos con
otros. Con esta técnica el proceso de pintar se dilata a varias
sesiones, ya que el oleo demora mucho en secar. Esto le permite al
artista realizar cambios o mejorar detalles mientras la pintura aun no
haya secado.
7. Frotado: Con esta técnica, se crean efectos de rica textura irregular.
Esta consiste en aplicar en el lienzo una mancha de color opaco,
luego se cubre con una superficie no absorbente. Por lo general se
utiliza papel satinado. Se procede a frotar el papel y luego se quita
con cuidado.
8. El bloqueo de color. Bloquea el color con pinceladas diluidas
siguiendo los contornos del objeto. Esto te permite definir los bordes
del objeto sin necesidad de utilizar la pintura más gruesa. La clave es
trazar los bordes del objeto con los mismos colores que se utilizarán
en el interior de la misma.

9. El fondo instantáneo. Se puede utilizar un fondo pintado como la

base de la pintura. Usa pintura diluida aplicando pequeños trazos.
Dibujar sobre esta base de color para un fondo instantáneo.

10.Transparencia. Al mostrar la transparencia de un objeto en la

pintura, aplica colores opacos sobre la parte superior de los colores
transparentes.

11.El uso de capas. La pintura al óleo permite pintar por completo una
capa y cubrir completamente las siguientes capas de la pintura,
siempre y cuando estén secas. Si planeas usar múltiples capas,
comienza con capas más delgadas de pintura en colores más claros.
Poco a poco se pasa a capas de mayor grosor y así lograr colores
más oscuros.

12.Intensificar los colores. Diluye la pintura en varias etapas para crear

un contraste que harán más intensos los colores. Diferentes
densidades del mismo color se pueden utilizar para definir mejor la
forma. Al utilizar esta técnica de pintura, se puede dejar para lo
último el color de fondo. La superficie diluida del fondo hará
contraste con la superficie más espesa del objeto.

13.Contraste de los colores. Contrasta los colores de la pieza para crear

una sensación tridimensional.

2
14.La pintura blanca. En temas monocromáticos se puede aumentar el
volumen y atenuarlo, haciendo hincapié en los tonos blancos. Para
ello, aplica pintura blanca espesa sobre el color base. Las marcas del
pincel y sus sombras deben ser fáciles de ver.

15.El claroscuro. El claroscuro es una de las técnicas más antiguas de

pintura al óleo para dar volumen a un objeto. Se focaliza en el
movimiento de la luz a través de la superficie del objeto a través del
contraste entre la luz y la oscuridad. Siempre y cuando utilicemos
este tipo de técnica, las sombras deben ser de un color
completamente negro y lo mejor es utilizar un color de fondo neutral.

16.Líneas de carbón. Puedes probar a realizar líneas de carboncillo

detrás de un objeto para reforzar su silueta y darle dimensión.

17.Color saturado. Usar el saturado de color es la forma más directa

para agregar forma y volumen. Para utilizar esta técnica, empieza a
saturar el color tanto como sea posible en las zonas no iluminadas
del objeto.

18.El tamaño del movimiento del cepillo. Diferentes tamaños de los

movimientos del cepillo se pueden utilizar para definir y diferenciar
planos, masas, objetos y diferentes áreas de la pintura.

19.Irregularidades en la mezcla de pintura. Añade un efecto de texto a

la pintura, deja rayas de color en la mezcla de pintura. Estas formas
irregulares pueden añadir interés en la pieza.

20.El follaje. Al pintar el follaje, los trazos del pincel van representando
hojas. Varía los tonos de las hojas mediante la adición de más o
menos pintura diluida.

21.Puntillismo. Para una mirada impresionista a tu pintura, trata de usar

esta técnica del puntillismo.

22.Pinceladas informales. Trata de usar pinceladas informales que no

tengan un patrón definido y se ejecuten en varias direcciones. Estos
trazos deben cubrir el lienzo en racimos de líquido de color. Esta
técnica se puede utilizar con pintura espesa diluida.

23.Pinceladas no figurativo. Utiliza una pincelada libre. Incluso que

salgan de las líneas del objeto que se está definiendo. Los trazos
crearán el dibujo y el color al mismo tiempo.

3
 24.La textura suave. Crea una sensación suave en el objeto con
pinceladas borrosas e irregulares. Prueba frotar el cepillo contra el
soporte para conseguir una textura esponjosa.

25.El vidrio transparente. Para un efecto de cristal o vidrio

transparente, mantén el color de la pintura pura y añade contraste.

26.Metal. Para crear el efecto de metal brillante, se debe diferenciar el

color negro y blanco. Para las zonas más oscuras del objeto, usa
negro diluido y luego aplica un poco blanco diluido a lo largo de las
pinceladas negras para mezclar. Aplica pequeños toques blanco puro
para resaltar las reflexiones sobre el metal.

27.Monocromática. Trata de crear una pintura monocroma. Elige un

color en base a la amplia variedad de tonos que dispongas. Las
diferentes intensidades de color serán determinadas por la dilución
de la pintura.

28.Los colores fríos. Trata de trabajar sólo con colores fríos como
verdes, grises y azules. Utiliza sólo un poco de colores cálidos para
crear un contrapunto en la pieza.

29.Los colores complementarios. Los principales colores

complementarios son de color amarillo y violeta, azul y naranja, y
rojo y verde. Cuando estos colores se mezclan crean gris, pero
cuando están uno al lado del otro, crean un fuerte contraste.
Considera el uso de colores complementarios en su trabajo.

30.Sombras del paisaje. Al pintar sombras en paisajes, utilizar colores

fríos como azules, violetas, púrpuras y grises.

Para que puedas aprender a pintar al óleo y crear tus propias pinceladas,
primero deberás aprender a manejar ciertos factores que influyen en el
resultado final. La presión que le demos al pincel y su forma, el grosor
del trazo y la dilución del óleo, son sólo algunas de las diferentes técnicas
y aspectos que deberemos aprender a dominar para plasmar nuestra
personalidad y estilo con la técnica del pincel en nuestros cuadros al óleo.

4
31.Pincelada por tamaño y forma del pincel, más la presión aplicada.
La gran variedad de pinceles con los que un artista cuenta, le
permiten lograr diferentes tipos de pinceladas. Dependiendo de la
forma en que se sostenga el pincel y la presión que se le dé, se
puede lograr con un mismo pincel diferentes resultados. Por
ejemplo si estamos usando un pincel plano, podemos lograr tanto
un trazo grueso como así también uno fino.
Logramos esto sólo con cambiar la posición del pincel al aplicar la
pintura sobre el soporte. Si pintamos con la virola del pincel
paralela al lienzo, obtendremos una pincelada gruesa. Para pintar
una línea más delgada con el mismo pincel, sólo debemos girarlo
90 grados y dejarlo perpendicular al soporte, y realizar el trazo sin
ejercer mucha presión. Practica este ejercicio y verás el cambio en
el resultado de tu pincelada, sólo por esa rotación de pincel.
También por el tamaño, por su forma y dependiendo del tipo de
pelo, la pincelada dará un efecto distinto en cada una de las
variantes. No es lo mismo utilizar un pincel plano N°2 que uno
lengua de gato N°6, por ejemplo.

5
 32.La dilución del óleo también importa y mucho. La dilución que le
demos a la pintura también influye en gran manera el efecto que
lograremos con el pincel. Si utilizamos el óleo más espeso, el trazo
que surgirá será mucho más corto que si usamos el óleo más
diluído. El sólo hecho de diluir el óleo, nos permite realizar
trazos con el pincel de forma más prolongada. Es recomendable
una buena dilución para realizar detalles en una obra, ya que
podremos dar pinceladas más largas y finas, resultado que no
podríamos conseguir con el mismo pincel fino para terminaciones
y el óleo casi sin diluir, ya que la pintura “no correría” a través del
lienzo y por el contrario, se “frenaría” por estar el óleo en su
estado original. Inclusive al terminar
una obra, por lo general antes de firmar la obra (en la mayoría de
los casos) se diluye la pintura, ya que como vimos permite realizar
trazos cortos y largos con mayor comodidad y resultado. Si bien
dominar las diferentes técnicas de pinceladas en óleo, es algo que
te llevará tiempo, y más aún si recién estás comenzando, es una
práctica que te dará mucha personalidad y satisfacciones, y
disfrutarás mucho porque es parte propia de la misma pintura en
sí. Como decía antes cada pintor tiene su propia técnica de pintar
al Óleo, tienes que encontrar tu propia técnica a través de la
práctica.

Si buscamos el origen etimológico de óleo, nos vendría a la mente lípido,

aceite, grasa o simplemente lubricante, lo cierto es que estas
denominaciones nos hacen pensar que es óleo, los aceites que se utilizan
artísticamente para combinar con otras sustancias y lograr la obtención de
un producto de alta calidad en la pintura.

Desde los tiempos más remotos, el hombre se ha inclinado hacia el

desarrollo y la búsqueda de soluciones dialécticas a muchos de los
fenómenos que ocurren a diario y al mejoramiento de las condiciones
propias de su especie, lo cual se sustenta en su incansable necesidad de
lograr nuevas metas y proponerse retos a diario.

El arte del pincel con óleo no está exento de este hecho, lo cual se
evidencia como rasgo distintivo de la historia desde la Edad Media, cuando
en esa época los artistas de una forma peculiar combinaban los aceites con
la pintura al temple o al fresco, cuyas mezclas se usaban de una forma
característica para retocar las obras realizadas con una material conocido
6
desde la antigüedad como yeso, con el fin exclusivo de alcanzar un secado
súbito y de mayor calidad.

Técnicas para Pintar al Óleo utilizadas a lo largo de la historia

Con el paso sucesivo de los años, los estudios de la alquimia fueron

logrando un avance en las mezclas de óleo destacándose la utilización del
aceite linaza en las más disímiles y coloridas combinaciones con minerales,
aunque cada artista engalanaba su más preciado producto haciéndole culto
al secreto de su delicada y casi desconocida fórmula, que brindaba ventajas
indiscutibles en cuanto al tiempo de realización de la obra por un sistema
escalonado que permitía detallar cada rasgo distintivo que hacía único la
imagen grabada, además de jugar con sus colores y texturas.

Uno de los soportes más prácticos para la confección de grandes

composiciones en la etapa de renacimiento del arte barroco, fue sin duda
alguna, la pintura al óleo sobre lienzo haciéndose usual en las formas de
pincelar de los más relevantes artistas de esa época.

La cerda blanca o marta roja, el pelo sintético, la espátula, el caballete o

simplemente la paleta, han constituido los accesorios fundamentales, por
así decirlo, de innumerables pintores relevantes como Leonardo Da Vinci o
el flamenco Rubens, que han hecho del óleo, junto a las técnicas de
tratamiento por capas, su método más factible de lograr un cuadro tan
genial como lo es la Gioconda.

El arte puro y perceptible por su belleza acabada se sustenta en minuciosas

pericias conocidas como técnicas.

Óleo sobre muros, sobre tabla, por veladuras o meramente óleo pastel, son
procedimientos utilizados desde hace cientos de años para tratar con
delicadeza las más insignes pinturas de todos los tiempos prevaleciendo en
la actualidad con el fin de preservar las raíces históricas y culturales, así
como también lograr obras que perduren para ser remembradas por futuras
generaciones.

En su obra más pictórica, Le Vite del pintor italiano Giorgio Vasari

confluye una de las técnicas más antiguas del óleo conocido como
“imprimación”, la cual consistía en la aplicación directa y minuciosa de
varias capas de aceites sobre la superficie del paño hasta lograr un nivel
de saturación máxima que impedía la absorción.

Una vez seca, se extiende sobre el área una capa de blanco plomo, de
aceite, de amarillo de plomo y de arcilla refractaria con una última
7
aplicación directa de polvo de mármol fino y cal, enriquecida con aceite de
lino, extendiéndose para terminar con una mano de pez griega.

En la pintura flamenca, el óleo sobre tabla protagonizó las escenas

pintorescas de sus más destacados incursionistas.

Sin embargo, un gran número de pinturas italianas de la prima época

renacentista estaban pintadas sobre tabla, de modo que resultaba compacta
y lisa, logrado por una capa de carbonato de cal terroso conocida como
creta y cola animal denominada gesso, precisando de la utilización de una
tabla en óptimas condiciones, es decir, preferiblemente nueva.

El Renacimiento fue eco de una de las técnicas más divulgadas en el

mundo

La técnica del óleo por veladuras con capas muy delgadas de pintura, de
tal forma que se logre la transparencia en la capa inferior permitiendo
observar detalladamente el resultado de la mezcla del color inferior más el
de la veladura.

Pero ¿cómo es posible lograr este tan impresionante reflejo? La respuesta

se logra al realizar una capa inferior de óleo o acrílico, nunca pintando
acrílico sobre óleo, de esta forma una vez seca, perfectamente se van
añadiendo las sucesivas veladuras de color al óleo.

Es importante aclarar que para adelgazar la pintura, se deben usar medios

esencialmente naturales que no destruyan su continuidad.

Una pasta seca y compacta se logra al mezclar pigmentos en polvo

mezclados con la suficiente resina o goma, procedimiento el cual es
característico de la técnica de óleo pastel o pasteles al óleo, donde la pasta
antes mencionada se moldea minuciosamente sobre la superficie a trabajar
y una vez concluido el acto de pinceladas, suele fijarse con atomizadores
especiales.

Totalmente diferente a los colores fuertes y opacos, donde la mayor

dificultad radica en la adhesión del pigmento a la superficie.

Además, en ocasiones se puede utilizar polvo semejante a la tiza que tiende

a soltar el pastel para la futura aplicación del color.

TEORIA DEL COLOR

8
 COMO ACLARAR Y OSCURECER COLORES

Muchas personas piensan en “aclarar u oscurecer” un color e

inmediatamente miran hacia el blanco y el negro. Pero la práctica nos
enseña que esto no soluciona el problema del todo. Cuando añadimos
blanco o negro a un color para aclararlo u oscurecerlo, también
reducimos su saturación; esto no es un problema cuando lo que buscas es
precisamente una sombra apagada o una luz pastel o con aspecto de tiza,
pero si quieres que tu color retenga sus cualidades plenas e intensas
necesitas otra técnica para ajustarlas. Lo conseguirás sin duda mediante el
método de prueba y error, o sea, practicando; es la única manera de
grabarlo en el cerebro, pero daremos algunos puntos para empezar que nos
ayudarán a acelerar el proceso de aprendizaje.

Recuerda la escala de grises, porque cada color tiene un tono y, por tanto,
un recorrido mayor o menor para alcanzar su extremo claro u oscuro (según
vimos con Munsell)…

ACLARAR UN COLOR

Necesitaremos echar Blanco o Amarillo para aumentar su valor; añadir

uno u otro cambiarán su intensidad, tanto como su tono. Añadir Blanco
vira el color hacia el azul-violeta de la rueda –enfriándolo. Añadir
Amarillo vira el color hacia el amarillo de la rueda –calentándolo.
Añadir ambos produce un cambio de color más neutral. Tendremos que
decidir cuándo necesitamos enfriar o calentar o ninguna de ambas cosas
cuando aclaremos su valor. Como decimos, el método de prueba y error
será tu mejor aliado; sólo un consejo: añade pequeñas cantidades cada vez,
valorando cuál de ellas trabaja mejor.

¿Qué nos recomienda

William F. Powell sobre el
Blanco?

9
Cuando agregues Blanco a un color determinado, añade también un
punto del color que se encuentra inmediatamente por encima de este
en el círculo cromático (si lo añades al rojo oscuro, agrega un puntito de
rojo claro, para devolverle intensidad o saturación –chroma)

Previendo que habrá que darle ese puntito de color superior en la rueda al
aclarado con blanco, algunos artistas se preparan los ‘whites’ o ‘lighteners’
con su tono correspondiente…para no usar el blanco de forma directa
(fijaros que, en este caso, usa un blanco Zinc, menos dañino para el color
que el Titanium.

OSCURECER UN COLOR

Es más peliagudo que aclararlo. Por supuesto puedes añadir Negro,

aceptémoslo. Pero mira lo que pasa cuando echas negro al amarillo.
Obtienes un Verde Oliva (que puede ser
útil si es lo que buscas, pero no se trata de
un amarillo oscuro, que es de lo que
tratamos aquí). Al añadir negro creas un
cambio del color y bajas su cromatismo en
la mayoría de las mezclas, lo que casi
siempre resultará indeseable, por lo que
necesitamos un método para oscurecer colores, y la mala noticia es que no
existe; no como tal, no hay un sistema, pero sí un modo de hacerlo
individualmente, claro, y habrá que aprenderlo: sigue leyendo…
10
¿Qué nos recomienda William F. Powell?

Cuando añadas negro a un color determinado, agrega también un

punto del color que se
encuentre inmediatamente
debajo de éste en la rueda
de colores (si lo añades a un
azul verdoso, ponle un
puntito de azul, para
devolverle su intensidad o

saturación –chroma)… y
yo añadiría: estas
recomendaciones son para
no perder la intensidad
cuando aclaramos u
oscurecemos; no serán
necesarias si además de
oscurecer o aclarar
queremos apagar el color, claro. Y recuerda mantener siempre el tono del
puntito del color que añadas con aquél que buscas: si al oscurecer el azul
verdoso con negro quieres pasar de tono 4 a 2, no añadas un puntito de azul
claro de valor 7 para intensificar, porque efectivamente le devolverás la
saturación que perdió al echarle negro, pero lo aclararás de nuevo (y
recuerda que buscabas oscurecerlo, así que busca un azul de tono 2, que es
hacia donde te dirigías). Lo mismo se puede decir al aclarar un color.

Antes de abordar uno a uno el oscurecimiento de colores, veamos otros

conceptos de interés para el artista.

Triángulo de Color de Birren

El modelo de color de Birren es una interesante y útil extensión del círculo

cromático o rueda de color, como la conocemos, porque trata del color en
términos de su relación con los pigmentos. Más aún, incluye una
terminología para expresar diferentes matices significativos respecto a la

11
parte técnica del color, lo que constituye en sí mismo una valiosa
herramienta de comunicación para el artista.

Por ejemplo:

Un color es una longitud de onda particular de la luz en el espectro (o

rueda de color), igual que cromatismo, pero más preciso.

Un matiz o tinte es un color mezclado con blanco; si se trata de un rojo,

rosa cálido puede ser un tono resultante de matizar ese rojo.

Una sombra es un color combinado con negro; p.e., carmesí es un tono

más oscuro del color rojo.

Una tonalidad es un color que ha sido desaturado, o diluido con negro

y blanco, es decir, gris, por lo que el color original parece “embarrado”.

Observa este gráfico resumen: mira los interesantísimos matices, sombras y

tonalidades que contiene de un sólo color (fíjate que grises tan vivos, tan
sugerentes)

12
Esta rueda representa los cuatro (4) factores de Birren: color, tinte,
tonalidad y sombra.

Es interesante notar que determinadas épocas del arte, e incluso artistas, se

pueden clasificar por su impronta en las áreas de distribución según el
triángulo de color de Birren. Pinturas en las que predominan los tintes
tienden a ser luminosas y espaciosas, e imaginativas. Las tonalidades
son buenas para retratar temas sombríos, misteriosos, o la atmósfera,
13
mientras que una tendencia hacia las sombras proporciona intensidad
y dramatismo.

Armonía y contraste de colores

Las combinaciones que producen más impacto visual son aquellas en las
que se produce la armonía o el contraste de colores, que podemos definir
como:

Armonía: La combinación producida por colores próximos o vecinos

en la rueda de color (‘análogos’) a partir de ligeras variaciones sobre
un mismo tono.

Existen combinaciones que son excepciones a esta norma como el rojo y el

magenta, que aunque próximos en la rueda, no siempre combinan bien
(según vimos en la teoría de Daniel Green, esto es porque el rojo tiende al
amarillo y el magenta al azul, ¿recuerdas? Probablemente un magenta más
virado hacia la banda con el rojo y un rojo más virado hacia el azul –como
el Alizarin- combinarán mucho mejor).

Contraste: Las combinaciones producidas por tonos opuestos en la

rueda (‘complementarios’) contrastan fuertemente produciendo un gran
atractivo visual.

14
Los métodos para aumentar el impacto visual de este recurso son muchos:

– Componer con cuidado para excluir cualquier color que rompa el efecto.
– Reforzar el efecto del contraste empleando un máximo de sólo 2 ó 3
colores.
– Aumentar el contraste de color apoyándolo con un contraste de tonos.

OSCURECER UN COLOR

Sigo apoyándome en el maestro Richard Robinson, rematando con las

recomendaciones de nuestro maestro español J.M. Parramón y, finalmente,
un regalo de Helen Van Wyk.

15
Vamos girando en la rueda en sentido antihorario (levógiro), empezando
por…

OSCURECER EL AMARILLO

Es un primario. Puedes intentarlo añadiéndole su complementario

(violeta), pero lo agrisarás demasiado. Lo mejor: mira su vecino de
banda oscura, el Naranja, que en versión oscura es marrón, y este
marrón está justo delante del amarillo en la rueda, lo que nos induce a
pensar que si añadimos al Amarillo este marrón, estaremos muy cerca de un
Amarillo Oscuro. El Amarillo Ocre es una buena versión de este
‘marrón’ tal cual sale del tubo, por lo que una buena gradación del
Amarillo del claro al oscuro puede mezclarse simplemente desde el
Amarillo Cadmio al Amarillo Ocre, para pasar luego al Sombra
Tostada (recuerda que el Sombra es un
amarillo muy oscuro y algo apagado,
como dijimos; si lo matizas con blanco
obtendrás un crema). Estos ‘marrones’
pueden mezclarse desde los primarios,
añadiendo básicamente Rojo y Azul y un
punto de Negro a tu Amarillo en
cantidades crecientes, pero es más fácil y mejor utilizar los tubos
comerciales porque ya sabes que cuantos menos colores añadas más
conservarás la intensidad.
16
Me he permitido esquematizar los consejos de Parramón…así no requieren
explicación.

OSCURECER EL NARANJA

Uno secundario, con su límite de banda

oscura en el rojo. El Naranja Oscuro es
de color ‘marrón’, por lo que una
gradación simple podría ser partiendo del
Naranja, añadir un poco de Ocre Rojo –
amarillo ocre con algo de rojo- Siena
Tostada (que es un naranja bastante oscuro), y luego añadir Negro si
resulta necesario.

OSCURECER EL ROJO

Otro primario que nos encontramos en este

viaje por la rueda. Para oscurecer el Rojo
de Cadmio prueba a ponerle Alizarina o
Siena Tostada. Para que sea más oscuro
de nuevo, añade Azul Ultramar, y a
continuación, Negro si es necesario.

El maestro Parramón nos aconseja…

17
(fíjate que estos esquemas representan un degradado completo: sirven para
ir en ambas direcciones desde un punto dado, o sea, oscurecer y aclarar)

OSCURECER EL VIOLETA

De nuevo un secundario. Diremos que el Violeta ya es oscuro, para

empezar, el más oscuro de la rueda de
colores; así que si quieres oscurecerlo aún
más sólo tienes que añadir el componente
intrínseco de color más oscuro; los
componentes del Violeta son Rojo y Azul,
así que cualquiera de ellos en su gama
oscura te servirá (aquí podrás elegir uno u
otro en función de si quieres una tendencia fría o cálida, o mezclar
ambos si la quieres neutra) y puedes añadir Negro para obtener el
valor más oscuro posible -colocándolo en el 1 de la escala tonal.

OSCURECER EL AZUL

El último primario, con límite de banda oscura en el violeta. Pero hay

buenas noticias, el Azul ya es un color muy oscuro, así que si tienes una
mezcla de Azul Claro lo que necesitas es sólo añadir Azul.
Si lo que deseas es conseguir el color
Azul Oscuro de los tubos comerciales,
añade justamente un color Rojo Oscuro,
como el Alizarina o Siena Tostada, que
le harán virar hacia el Violeta, y
18
entonces podrás añadir una puntita de negro para obtener el Azul más
oscuro posible.

Existen, por supuesto, tubos de Azul como el Cerúleo y el Azul Cobalto,

que son relativamente claros para empezar, así que es mejor realizar
oscurecidos con la adición de alguno de los más oscuros, como el Azul
Ultramar o el Azul Phthalo. Algunos tienen en la paleta el Prusia, que es
el azul más oscuro que existe (empleado en la antigüedad por algunos
artistas como negro): no dudes en usarlo si eres de esos…

Aquí, Parramón también nos da la gradación más completa posible…muy

instructiva, como siempre:

OSCURECER EL VERDE

Este es muy simple. El verde es un

secundario que está compuesto por la
mezcla de un color claro (Amarillo) y uno
oscuro (Azul), luego para oscurecerlo
necesitamos que tenga más carga de ese
mismo oscuro, Azul. Esto virará el color
original hacia el azul y lo alejará del
Amarillo (su banda clara), por lo que
puedes añadir una puntita de Rojo Alizarina o Cadmio para que se
caliente de nuevo. Mi sugerencia sería añadir azul inicialmente y luego
negro conforme lo vayas oscureciendo.
19
¿Que Blanco utilizar?

Blanco de Zinc, a veces llamado Blanco Mezcla es el mejor para la

mezcla de colores, ya que es más transparente que el Blanco Titanio,
que es bueno para fuertes brillos opacos, pero tiende a dominar los
colores en la mezcla, haciéndolos a veces parecer tiza. Sin embargo este
último es muy cubriente por su elasticidad por lo que se adapta bien a los
fondos y será el blanco habitual en nuestra paleta. El Zinc también es
bueno para capas superiores de veladuras, porque en capas más
espesas tiende a resquebrajarse. El blanco ‘Albayalde’ es el blanco de
Plomo tradicional, muy flexible, duradero y de rápido secado; a veces se le
añade Zinc para aumentar su consistencia. Los famosos blancos ‘Flake’ y
‘Cremnitz’ son también de Plomo y carecen totalmente de Zinc, lo que les
da una consistencia algo fibrosa; son también transparentes y muy usados
en impastos y brillos (highlights). En general, como hemos dicho, lo
habitual es el Titanio, un intermedio que resume un poco las cualidades de
todos, aunque con el cuidado en su aplicación que hemos mencionado:
confieso que a veces ha llegado a desesperarme, sobre todo en los brillos,
porque amarillea un poco, y también en las zonas muy luminosas, por el
efecto ‘tiza’ (chalky). Yo estoy buscando la forma de hacerme con un
‘Flake’ o un ‘Cremnitz’ aunque es difícil porque los que tienen Plomo están
prohibidos en algunos países por sus efectos nocivos en la salud (aunque
tiene que ser por ingestión y afecta más a los niños, no sabemos a partir de
qué concentraciones se da esto ni cuánto hay que ingerir para llegar a esas
concentraciones, pero las leyes de comercio están así y los retiran en
algunas aduanas). No sé si España es uno de esos pero no lo he localizado
en ninguna tienda de internet nacional -también es cierto que no hay
muchas tiendas especializadas y la mayoría de marcas no lo tiene, al menos
en estado puro: W&N tiene un Flake Tone, que es una imitación del
genuino y la verdad es que no me va mal con él, pero me hace preguntarme
cómo será con el auténtico. Quizás alguien pueda decirnos si está o no
permitido aquí, porque la otra opción sería, caso de estar permitido,
comprarlo por internet y esperar que en su trayectoria de llegada no pase
por aduanas que lo retiren. Por cierto, los Cadmios son muy venenosos y no
están prohibidos. Y creo que el Azul de Prusia es una bomba tóxica…y
seguro que alguno más…¿alguien lo entiende?

¿Qué Negro usar?

20
El Negro Marfil o el Negro Candil son más transparentes que el Negro
Marte y son mejores para oscurecer un color (cuando se requiera), ya
que oscurecen los colores sin abrumarlos. También está el negro Humo,…

Se suele tener, si se tiene alguno, el Marfil (Ivory Black).

¿Le vas viendo cada vez más sentido al ordenamiento de esta paleta?

…te agrando su dos zonas principales para que las veas mejor (obviando el
blanco del extremo derecho)…

…léelo de derecha a izquierda (esto ya según los gustos, a pesar de los

ortodoxos)

21
Te paso una rueda de colores algo más completa en cuanto a
denominaciones comerciales de colores al óleo…estamos cerca de llegar a
otra un poco más sofisticada y útil aunque con esta ya podemos hacer
cosas muy interesantes que explicaré próximamente (de hecho veremos que
la otra es una consecuencia de lo que explicaré con esta):

CIRCULO CROMATICO

22
Los colores de una rueda de color se pueden combinar de varias maneras,
para crear esquemas de colores armoniosos.

Los colores se clasifican en colores complementarios, análogos, cálidos,

fríos y neutros.
23
 • Los colores complementarios se encuentran opuestos el uno al otro
en la rueda de color. Estos colores son vivos y más evidentes.

• Los colores análogos en la rueda de color se encuentran cerca uno del

otro. Estos colores son muy agradables.

• Los colores cálidos se encuentran en el lado derecho de la rueda de

color. Estos colores se componen de rojo, amarillo, naranja, o
combinaciones de estos colores. Los colores cálidos son vivos y tienden
a producir calor, pero son acogedores.

• Los colores fríos se encuentran a la izquierda de la rueda de color:

azul, verde, morado, y sus combinaciones son colores fríos. Estos
colores dan un efecto de calma y paz.

• Los colores neutros son: Negro, blanco y gris. Estos colores no son
visibles en la rueda de color y son colores elegantes y vivos

Teoría de color básica:

Hay 3 colores primarios que son amarillo, rojo y azul, si combinas 2 de

ellos obtienes colores secundarios, naranja (amarillo y rojo), morado (azul
y rojo) y verde (amarillo y azul). Cada mezcla de secundarios con el tercer
primario restante (su complementario) oscurece el color. Si mezclas los 3
colores primarios en diferentes proporciones siempre la mezcla va a
oscurecer, en teoría la mezcla de los 3 da como resultado el negro.

 Para oscurecer un color, jamás debemos añadir negro al color

que queremos oscurecer.

 Para marrones: Si echas más amarillo, te dará un tono marrón

más claro, si usas más rojo o azul, te dará un tono marrón más
oscuro.

 Para grises y verdes usaremos el ocre con cobalto, para los verdes
más intensos usaremos los cadmios y el siena natural con el
ultramar. El verde obtenido con cobalto es cálido y acogedor.

24
 Para tonos grises, cálidos y oscuros se puede usar el carmín de
alizarina, con siena y en ocasiones con negro. Si queremos dar un
verde rico brillante, sin lugar a dudas escogeremos el viridian.

 Para conseguir tonalidades de verde usaremos el cobalto con

cadmio oscuro, el siena tostado o naranja cálido.

 Para las sombras la siena tostada muy buenos resultados.

 Si queremos obtener violetas suaves y cálidos, usaremos el rojo de

cadmio y el cobalto.

 Para los naranjas existen muchas variedades que resultan

interesantes y utilizaremos uno u otro según la intención, el cadmio
claro con el rojo de cadmio nos resulta un naranja muy rojizo y
con el siena tostado un naranja cálido. Los rojos con el ocre
producen unos naranjas suaves. Si queremos emplear un rojo
cálido, el de cadmio es el más seguro, entre los fríos el más
utilizado es el de alizarina.

 Si utilizamos el azul cerúleo en aguadas de superficies grandes,

veremos que es difícil de conseguir una uniformidad, por lo tanto
trataremos de utilizar otros azules y mezclas.

 Recurrir a otros colores que nos ayuden a aclarar la mezcla ,

como por ejemplo el amarillo para subir (aclarar) rojos, verdes o
marrones, o a tonos ligeramente más claros que nos ofrecen las
marcas comerciales. Para las últimas luces el blanco puede ser
útil, pero con prudencia.

25
 Los colores claros se pueden abordar desde una capa base más
oscura. De esta forma las subidas que realicemos serán añadiendo
principalmente el color claro que queremos reflejar.
Por ejemplo, para tratar el blanco si partimos de un gris podemos ir
incorporando pequeñas cantidades de color blanco (o un color hueso,
marfil, etc.) a las subidas hasta llegar a las luces máximas que
deseemos. Por supuesto podemos jugar con otros tonos como ocres y
amarillos para dar una mayor riqueza cromática al resultado.
Trabajar estos colores desde abajo nos resultará laborioso por la
cantidad de subidas que tendremos que dar, pero nos permitirá
controlar mejor la gradación.

 Para los colores oscuros el proceso de sombreado es el mismo

pero a la inversa. Partiendo de una capa base más clara
aplicaremos las sombras hasta el punto deseado. Las luces han de
ser muy controladas, siendo mejor quedarse corto que pasarse.

 Cuanto mayor sea la extensión del área que queramos

representar, más neutra habrá de ser su coloración.

 Evitar los colores puros en los fondos.

 Conjúguese colores cálidos y fríos tratando que se equilibren

mutuamente, por ejemplo si las luces son cálidas las sombras
habrán de ser frías.

26
 Colores que no debemos mezclar:

 Los cadmios con el verde esmeralda.

 El violeta de cobalto con los ocres.

 El azul ultramar no debe mezclarse con el verde esmeralda, amarillo de

cromo ni alizarina ya que con el tiempo y a la luz, se ennegrece.

 El bermellón no debe mezclarse con colores de plomo.

 El rojo de cadmio no debe mezclarse con el viridian o con el azul de

prusia.

27
ACLARANDO Y OSCURECIENDO COLORES

1. Amarillo: Aclarando el Amarillo: Por ejemplo el color amarillo tiene

un tono original bastante claro. En la transición de aclarar todavía más un
amarillo, este primero se convierte en un amarillo limón, o sea una
mezcla de amarillo con muy poco verde y blanco. Después se le añade
un poco más de blanco. El verde se puede mezclar de amarillo cadmio
claro con casi nada de azul thalo y blanco. Si tiene problema puede usar
amarillo ocre en vez del verde. El ocre es un amarillo frío.
Oscureciendo el Amarillo: Para oscurecer el amarillo debe ir primero
hacia un naranja de medio tono y luego hacia un rojo violáceo. O sea
mezcle el amarillo cadmio con un poquito de rojo cadmio claro y luego
con alizarin y sombra de tierra quemada.

2. Naranja: Aclarando el Naranja: Se mezcla el color naranja con un

poco de rojo y más amarillo cadmio claro. Podemos aclarar el color
naranja con blanco y más amarillo.
Oscureciendo el Naranja :Añada más rojo y un poquito de alizarin
crimson para oscurecer el naranja. El matiz más oscuro puede ser
mezclado con menos rojo y más alizarin. Al tono más oscuro se le
puede añadir un poquito de sombra de tierra quemada.

3. Rojo : Aclarando el Rojo :Cuando el rojo va aclarando adquiere un

matiz anaranjado. Por esta razón debe añadir un poquito de amarillo
cadmio al rojo cadmio para irlo aclarando con el blanco.
Oscureciendo el Rojo : Cuando el color rojo va oscureciendo, este
adquiere un matiz rojo violáceo y después un azul violáceo. Para lograr la
transición añada primero un poco de alizarin y después más alizarin con
azul ultramarino. Se le puede añadir un poquito de sombra de tierra
quemada al tono más oscuro. Es posible oscurecer el rojo con un
poquito de su color complementario o sea el verde. No le añada mucho
pues agrisaría el rojo.

4. Violeta: Aclarando el Violeta: El alizarin crinson es un violeta rojizo.

Para obtener un violeta azuloso debe añadirle un poco de azul
ultramarino. Cualquier violeta se puede aclarar con blanco.
Oscureciendo el Violeta: Cualquier violeta se puede oscurecer con azul

28
ultramarino. También se puede mezclar este azul con un poquito de
sombra de tierra quemada para añadirlo al violeta.

5. Azul: Aclarando el Azul: Para aclarar el azul tendríamos que ir hacia

un azul frío, un poco verdoso, o sea el azul thalo. Este se puede ir
mezclando con el blanco para obtener un tono más claro.
Oscureciendo el Azul : Cuando el azul va oscureciendo se va convirtiendo
en un azul cálido violáceo. El color azul cambia hacia un azul ultramarino
y finalmente hacia una mezcla de este azul ultramarino con alizarin
crimson que es más violáceo pero todavía oscuro.

6. Verde: Aclarando el verde : Si mezclamos un verde con una mezcla

de amarillo cadmio claro y azul thalo, obtenemos un verde más frío e
intenso que si lo mezclamos con amarillo cadmio claro y azul
ultramarino. Podemos aclarar ambos verdes con un poquito más de
amarillo cadmio claro y blanco.
Oscureciendo el Verde: Mientras que los podemos oscurecer con un
poquito más del azul que hayamos usado. También se puede oscurecer
con un poquito del color complementario o sea el rojo cadmio. No le
añada mucho pues agrisaría el verde.

Cómo componer cuadros impactantes

Si has tenido la oportunidad de apreciar algunas obras de los verdaderos

Maestros de la pintura, el dibujo o la fotografía, habrás sentido ciertas
fuerzas ocultas que capturan tu mirada, fuerzas que hacen que tus ojos no
dejen de mirar y admirar la imagen. Si sueñas con componer cuadros así
de impactantes, este artículo es para ti.

No hay que ser experto en artes para saber cuándo un cuadro es armonioso
y equilibrado, o cuándo hay algo que le falta o que le sobra. Esto se da
porque existen dentro del ser humano ciertos patrones visuales
subconscientes que permiten al ojo evaluar las relaciones de los objetos
gráficos entre sí y con respecto al espacio en el que están plasmados.

Sin embargo, como autor de la obra, debes conocer algunas claves que te
ayudarán a avanzar a pasos agigantados, estableciendo una gran diferencia
entre un cuadro de un principiante y el de un profesional.
29
Estas herramientas básicas en su conjunto es lo que se conoce como
composición y las deberás tener presente antes de pintar para lograr
transmitir lo quieres a través de una obra impresionante y que no sea
aburrida. Las aplicarás ya sea a la hora de establecer las dimensiones del
lienzo, de tomar las fotos que te servirán de base para pintar, al organizar
los elementos de un bodegón o en el momento de elegir la imagen que
utilizarás para tu cuadro.

La lechera – Johannes Vermeer 1658

¿Qué es la composición?

Es la forma en la que se distribuyen los elementos de la obra visual para

que se vean como una unidad llamativa y equilibrada, y no como objetos
aislados dentro de un soporte.

La composición busca organizar las partes del cuadro de manera que se

relacionen armónicamente entre sí y con la superficie del soporte,
atrayendo la mirada del espectador al punto deseado a través de un

30
 recorrido específico por el cuadro que le generará determinadas
sensaciones.

Cuando te hablo de elementos me refiero por ejemplo a un árbol, una vaca,

una nube, el cielo, una montaña o un río en un paisaje, o a líneas, formas,
manchas y espacios vacíos si se trata de un cuadro abstracto.

Las herramientas principales que tomarás en cuenta en la composición es el

contraste, centro de interés y equilibrio. A continuación te las explico
una a una:

1. Contraste

Una buena composición pictórica hace uso de los opuestos para generar
interés ya que su contraste hace realzar los elementos. Esto genera variedad
en la impresión visual, crea dinamismo y dramatismo en la obra ya que si
todos los elementos son semejantes se haría muy aburrida la obra. Por
supuesto, estos contrarios se deben ubicar de manera equilibrada, como
veremos más adelante.

Hay diferentes tipos de contraste:

 Contraste de valores tonales: esta es la forma más efectiva de

generar contraste y se trata de relacionar zonas de mucha claridad con
zonas de mucha oscuridad. El ejemplo más sencillo lo puedes ver en las
pinturas de Rembrandt, cuya técnica del claroscuro hace
realmente impactantes sus obras.

31
 “Filósofo meditando” – Rembrandt (1632)

 Contraste de colores: también es una buena forma de realzar la

imagen, principalmente si utilizamos colores fríos frente a colores cálidos,
o un determinado color junto a su complementario. Mira en este enlace las
definiciones de temperatura del color y complementarios.

32
 Sanit Georges crepúsculo – Claude Monet (1908)

 Contraste de tamaños: un elemento grande luce más imponente al

lado de algo pequeño, y viceversa.
 Contraste de contornos: formas simples contrastan junto a formas
más irregulares, así como formas con bordes definidos o gruesos contrastan
con formas con bordes suaves o delgados.
 Otros contrastes: texturas, dirección, significados, etc.

2. Centro de atención

Otra de las estrategias compositivas fundamentales es crear un centro de

atención, el cual puede estar apoyado por otros puntos de interés
secundarios. Este punto es el elemento protagonista o decisivo de nuestro
cuadro.

Para dirigir la mirada a este punto y lograr que sea el más sobresaliente de
la obra, nos podemos apoyar en varias herramientas como son:

Líneas de fuerza propias del formato

Entre éstas están las utilizadas en la regla de los tercios, proporción áurea y
sus derivados, etc. Te recomiendo mirar el artículo Secretos para pintar
paisajes hermosos: la composición, en el cual abordamos este tema.

33
Apple Dumplings-George Dunlop (1880) Las manos con la manzana son el
centro de interés y se ubican exactamente en un cruce de dos líneas de la
sección áurea

Líneas de composición

Son líneas como tal o formadas por la disposición de los elementos del
dibujo o pintura. Donde se forma una línea el ojo la sigue para ver dónde
termina su recorrido. No se forman exclusivamente con la totalidad del
objeto, puede ser con alguna de sus partes, por espacios, luces, sombras,
colores, etc. Las cabezas, brazos y miradas de las personas forman
potentes líneas visuales.

Cuando se hacen converger, es decir encontrarse en un punto dos líneas o

más, se crea un potente centro de interés, máxime si se ubica en los puntos
dados por la regla de los tercios o sección áurea.

34
 The Town Hall of Lubeck-Cornelis Springer (1885)

Estas líneas pueden estar en forma de triángulo, círculo, curvas, diagonales,

zig-zag, espirales, en cruz, formas de letras como S, C, L, T, etc.

Según la forma de estas líneas, se pueden transmitir diferentes sensaciones,

por ejemplo:

 Líneas horizontales: tranquilidad, estabilidad, solidez.

 Líneas verticales: fuerza, poder, inestabilidad, elegancia,

crecimiento.
 Líneas diagonales ascendentes (desde la esquina inferior-
izquierda hacia la superior-derecha): Dinamismo, acción, esfuerzo, lentitud,
poder, amenaza, crecimiento, elevación. Puede ser manejada para dar
sensación de profundidad
35
 Líneas diagonales descendentes: (desde la esquina superior-
izquierda hacia la inferior-derecha). Dinamismo, acción, velocidad,
disminución, caída. Significado negativo. Puede ser manejada para dar
sensación de profundidad
 Líneas curvas: movimiento natural, suave, agradable y musical.
Sensibilidad y sensualidad.
 Líneas con formas: las que forman cuadrados transmiten estabilidad
y equilibrio, las que forman rectángulos horizontales sugieren tranquilidad
y las verticales elevación. Si forman un triángulo con el vértice hacia
arriba equilibrio y elevación, mientras que si el vértice señala hacia abajo
indica descenso. Por su parte las líneas circulares proporcionan estabilidad
dinámica.

Ritmo

Es la sucesión de elementos visuales que siguen un determinado patrón u

orden, dado por el tamaño, la posición, repeticiones, alternaciones, etc. En
la composición se utiliza para dar énfasis al punto que deseamos, así como
crear sensaciones de profundidad y/o movimiento, ya que generan una
trayectoria.

El ritmo puede establecerse de diferentes formas y se pueden mezclar entre

ellos.

 Ritmo regular: los elementos y el espacio entre ellos son similares

en tamaño y distancia.
 Ritmo alterno: se repiten dos o más figuras a intervalos regulares
alternando colores, tamaños, posiciones, etc.
 Ritmo por simetría: alternando la misma figura o esquema con su
elemento simétrico.
 Ritmo radial y concéntrico: ambos parten de un punto central y se
abren hacia afuera, en forma de rayos o de círculos expandidos. Esto da la
sensación de un movimiento rápido.
 Ritmo decreciente: el elemento o espacio va disminuyendo su
tamaño o distancia progresivamente.
 Ritmo creciente: el elemento o espacio va aumentando su tamaño o
distancia progresivamente.
 Otros: ritmo en espiral, modular, por giro, etc.

36
Puerto de Leba-Max Pechstein (1922). Ritmo decreciente en los botes de la
izquierda que crea una línea de profundidad

3. Equilibrio

El ojo humano inconscientemente busca encontrar en el lienzo lo mismo

que encuentra en su realidad física. Por ejemplo, sabemos que las cosas son
atraídas hacia el suelo, el cual relacionamos con la parte inferior del
cuadro, en donde esperamos encontrar apoyados los objetos.

Así mismo vemos el soporte como una balanza, cuyo centro está en la línea
imaginaria vertical que separa la parte derecha de la izquierda. Esperamos
encontrar las masas distribuidas de igual forma a ambos lados, pero ello no
depende exclusivamente del tamaño de los elementos, pues aquí entra a
jugar un concepto muy importante: el peso visual.

Este tema del peso visual y el equilibrio merece profundizarlo, así que para
no hacer muy extenso este artículo, te lo explicaré en una segunda parte de
esta entrega sobre La Composición, la cual puedes leer al dar clic en el
siguiente enlace:

La Magia de aclarar y oscurecer los colores

Explico, si todo lo aclaramos con blanco, estaremos quitándole vida a los

colores, dejandolos blanquecinos y muy opacos, si oscurecemos con negro

37
estaríamos destruyéndo todos los colores, agrisandolos, quitándoles fuerza
y viveza.

Imaginemos aclarar un verde con blanco a aclararlo con amarillo, con

blanco tendremos un verde opaco asi que en este caso funcionara mejor
aclarar con amarillo, imaginemos un azul a celeste, si tratamos de aclarar
el azul con amarillo lo que conseguiremos es un verde, entonces en este
caso solo se utiliza blanco, si aclaramos un rojo con blanco lo llevaremos
al rosado, si aplicamos amarillo lo llevaremos al anaranjado y de ahí
podemos seguir aclarando con más amarillo y una pizca de blanco, ojo
esto depende también de la iluminación, imaginemos un día soleado y a
nuestro bodegón (imaginemos que pintamos un bodegón) le da
directamente la luz del sol, entonces aquí la luz estará dominada por el
amarillo, asi que utilizaremos mas amarillo para las luces, pero si la
iluminación es suave como la de un interior, entonces las luces son
opacas y por lo tanto para aclarar las luces se utilizara más blanco,
pero ojo aqui entra otro factor: los colores de los objetos, un poco
complicado ? la verdad que la teoría del color en la pintura es lo que más
debemos estudiar, no es facil ya que hay muchos factores a tomar en
cuenta. Si el color del objeto es oscuro la luz posiblemente no llege a ser
muy clara, asi que no necesitaremos tanto amarillo o blanco.

Ahora tenemos otra forma de aclarar, y es por contraste o tono, aquí

viene la pregunta, somos pintores tonalitas o coloristas ? el tonalita busca
el contraste entre luz y sombra, y el colorista se centra más en la
vibración y contraste del color en sí mismo.

Aquí un ejemplo, un colorista aclararía utilizando más amarillo y

contrastando los objetos por color, es decir si tenemos un objeto
anaranjado, pongamos un fondo azul, este sería un contraste muy alto de
colores complementarios y por lo tanto nos aclararía al anaranjado a la vez
que lo haría vibrar con más intensidad, en el caso del pintor tonalista
procuraría utilizar un contraste claro oscuro, si tenemos un objeto amarillo,
lo rodearíamos de colores oscuros y por contraste el amarillo se vería más
claro, entonces aquí vemos cómo podemos aclarar los colores de varias
formas.

Ahora pasemos a oscurecer los colores.

Oscurecer un color sigue una regla básica en la teoría del color: Para
obtener la sombra de un color debemos mezclarlo con su color
complementario y agregarle una pizca de azul, no utilizar negro.

38
Si seguimos esta simple regla conseguiremos colores oscuros con fuerza, lo
cual sería distinto a solo aplicar negro, imaginemos al amarillo
oscureciéndolo con negro, sale una mezcla verdosa oscura, un color sucio,
muerto, ahora si oscurecemos el amarillo mezclándolo con su
complementario que es el violeta conseguiremos una variedad de ocres
dependiendo de la cantidad de violeta que apliquemos a la mezcla,
prueben y verán la diferencia.

Cómo el principiante aclara y oscurece los colores

“Para aclarar un color le pongo blanco, y para oscurecer le pongo

negro”

Esta manera de pensar está dada por un razonamiento bastante lógico, ya

que las sombras están relacionadas con la oscuridad, y ésta a su vez con el
color negro, mientras que por su parte, la claridad se enlaza con la luz y
ésta con el blanco.

Sin embargo, un brillante y cálido color rojo pierde su vivacidad al

mezclarse con el blanco, convirtiéndose en un frío rosa pálido, muy
hermoso de por sí, pero muy diferente al matiz original.

39
¿Has visto cómo el increíble color amarillo se transforma en un color verde
oliva al sumarle el pigmento negro? Este color es maravilloso para algunos
paisajes y materiales, pero si estás pintando un lirio amarillo iluminado por
la cálida luz del sol, no sería muy apropiado.

color amarillo oscurecido con negro (izquierda) y con rojo y azul

(derecha)

40
Quizá has sentido cierta timidez o miedo al poner sombras y luces, porque
has visto cómo el negro “ensucia” los colores, y cómo el blanco los opaca,
así para no hacer muy notorio este efecto los aplicas en menor cantidad.
Esto conlleva además de obtener pinturas muy opacas y agrisadas, unas
obras aburridas por su poco contraste de valores, es decir, con pocas
variaciones entre tonos claros y tonos oscuros.

El uso del blanco para aclarar

Definitivamente en nuestra paleta no ha de faltar el blanco, sería

imprescindible para lograr un buen resultado, pero para sacarle el máximo
provecho, tienes que saber que por su naturaleza tiende a enfriar los
colores y a opacarlos.

El blanco más utilizado en los óleos es el blanco de titanio, pero es el más

opaco y su efecto sobre los colores con transparencia es muy marcado.
Si bien existen otros blancos como el blanco de zinc que tiene más
transparencia, requiere cierta pericia para su manejo pues es quebradizo y
se debe evitar en las primeras capas o capas gruesas.

El uso del negro para oscurecer

Usar este color no es del todo descabellado como argumentaban los

impresionistas que lo eliminaron de su paleta, y aunque bien podemos
prescindir en algún momento de él y obtener el negro a partir de otros
colores, puede ser de una gran ayuda para obtener pinturas impactantes, en
especial en paisajes y obras abstractas, así como para acentuar las sombras
más oscuras, pero como lo he comentado anteriormente, hay que utilizarlo
con pericia para no “embarrarlo” por el resto de colores produciendo una
apariencia desagradable.

Su uso en estado puro no es muy habitual, pues es uno del los pigmentos
que secan más lento, puede verse poco natural y es uno de los que dejan
más brillo al secarse, así que suele usarse mezclado con colores de secado
más rápido como tierra de sombra tostada o azul ultramar.
41
Colores claros y oscuros más naturales usando los colores adyacentes

Para obtener matices de aspecto más natural, y una relación congruente

entre luces, tonos medios, y sombras, podemos hacer uso de la transición
que vemos en la rueda de colores. Así, podemos aclarar u oscurecer un
color agregando poco a poco los colores que van apareciendo
inmediatamente a su lado en la rueda de colores (adyacentes), pero
haciendo también uso del color blanco, del color azul propio de las
sombras, y del color sombra tostada muy útil para añadir oscuridad.

Las proporciones variarán según lo cálido o frío que necesitemos el

color, así como lo saturado o insaturado que requiera ser, entre otras
consideraciones.

Lo importante es que dependerá más de cómo veas el color pues todo

depende de la temperatura que ilumina el sujeto, el material que lo
compone, la atmósfera circundante, las coloraciones de los objetos que lo
rodean, etc. Es decir, no hay una fórmula exacta y mágica. De hecho, se
pueden combinar métodos y técnicas para lograr los resultados deseados,
42
como por ejemplo hacer luces o sombras frías y luego darles una
temperatura más cálida mediante veladuras.

A continuación te muestro los ejemplos con los tres colores primarios tal
como salen del tubo, y basándome en una paleta básica de ocho colores que
he recomendado en varias ocasiones: amarillo cadmio, amarillo limón, rojo
cadmio, alizarina crimson permanente, azul cerúleo, azul ultramar francés,
sombra de tierras tostada y blanco de titanio.

Amarillo cadmio medio

Para aclararlo nos vamos a su color adyacente más ligero en la rueda de

colores que sería un amarillo limón, aumentando su cantidad
progresivamente, y al final como no tenemos un amarillo más claro
añadimos poco a poco el blanco.

Para oscurecerlo, necesitaríamos pasar por un naranja, que está al lado

del amarillo en la rueda de colores, y lo formaremos agregando poco a
poco el rojo cadmio, que es el rojo más cercano al amarillo. Luego vamos
haciendo la transición con el rojo alizarina crimson que es más oscuro.

Simultáneamente desde el naranja formado podemos ir introduciendo

unos toques de azul ultramarino (muy poco porque tiñe demasiado),
incrementándolo más adelante para formar el violeta que sigue en la
rueda y posteriormente agregar sombra tostada, adentrándonos en la
formación de un negro cromático y una oscuridad casi total. En su
grado más extremo podríamos incluso añadir un poco de negro puro si es
necesario.

43
Rojo cadmio

Usaremos prácticamente la misma estructura anterior, considerando que

hacia la claridad está el naranja y luego el amarillo, y hacia la
oscuridad está un rojo más oscuro como el alizarina crimson y luego el
violeta que resultará al sumar el azul ultramar.

Azul cerúleo

Aquí sabemos que hacia el lado claro estaría el verde, pero ya de por sí el
azul cerúleo lleva algo de este matiz y es más claro comparado con otros
azules, por lo que pasaremos directamente a aclarar con blanco pero
agregando un poco de amarillo apenas para conservar la calidez del
azul cerúleo y su tendencia verdosa.

Para oscurecerlo agregamos el otro azul que tenemos, el ultramar, que

es más oscuro, y luego un alizarina crimson para continuar el paso al
violeta, que es el que sigue en la rueda de colores. Simultáneamente
introducimos sombra tostada y si deseamos un poco de amarillo cadmio
para conservar algo de la calidez del azul original.

44
Colores secundarios

Estos colores seguirán esquemas similares y estoy segura de que tu solo

podrás descubrir unos buenos esquemas para hacer las transiciones, una vez
que comprendas a fondo la lógica de lo que te he explicado. Tu tarea será
hacer las degradaciones para el verde, naranja y violeta, luego de practicar
las de los colores primarios.

Si posees una paleta más extensa puedes hacer uso de otros colores para
optimizar las transiciones, como el amarillo ocre, siennas, el azul phtalo,
amarillo de Nápoles, magenta, violetas, etc.

Como en la mayoría de los casos los colores no están en su máxima

intensidad, en su estado puro, podremos ajustarlos con pequeñas cantidades
de sus colores complementarios, para neutralizarlos un poco, teniendo la
precaución de no agrisarlos demasiado.

¡La práctica es indispensable, y por suerte es divertida!

Hacer diferentes ejercicios para practicar estas mezclas será de mucha

ayuda para ti, puedes hacer las diferentes degradaciones, y también pintar
objetos sencillos para comparar el efecto que tiene cada forma de oscurecer
y aclarar, por ejemplo para la misma imagen:

– Con sólo blanco y negro

– Con colores complementarios

45
– Con los colores adyacentes

Los siguientes son los ejercicios que realicé al comienzo de mi aprendizaje

de la pintura al óleo, me basé en los colores primarios y figuras
geométricas.

Tendencias de los colores:

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47