FUNDAMENTOS

 DEL  ARTE  II.

TEMA  1.  ARTE  DEL  SIGLO  XIX  (I):  EL  
ROMANTICISMO
 
 

 
 

         
 
 
Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

TEMA  1.  ARTE  DEL  SIGLO  XIX  (I):  EL  ROMANTICISMO  

 
1.Introducción   al   Romanticismo.   Contexto   histórico-­‐cultural.   Concepto   y   significación.   2.   Las   bellas   artes   y   el  
Romanticismo.  3.  La  música,  la  ópera  y  la  danza  en  el  Romanticismo.  4.  Los  orígenes  de  la  fotografía.  5.  Joyería,  
indumentaria  y  mobiliario  de  la  etapa  romántica.  
 

                       
 
1.INTRODUCCIÓN  AL  ROMANTICISMO.  CONTEXTO  HISTÓRICO-­‐CULTURAL.  CONCEPTO  Y  SIGNIFICACIÓN    
 
Con   el   siglo   XIX   nos   situamos   de   pleno   en   la   época   contemporánea1,   etapa   devoradora   de   novedades   y   de  
grandes  transformaciones  sociales,  económicas,  políticas…  
La   burguesía   o   clases   medias   se   van   reafirmando   como   la   clase   rectora   del   siglo   XIX   (protagonizan   varias  
revoluciones),   mientras   toman   gran   auge   los   movimientos   obreros,   surgiendo   una   nueva   clase   social:   el  
proletariado.   Es   también   el   tiempo   de   los   nacionalismos,   tanto   en   su   vertiente   unificadora   (Alemania   e   Italia)  
como  independentista  (Grecia).                
En  el  siglo  XIX  se  producen  grandes  adelantos  técnicos  y  científicos:  avances  en  la  astronomía,  química,  medicina  
(vacunas…);   surgen   inventos   como   el   teléfono,   el   telégrafo   o   la   lámpara   eléctrica,   produciéndose   progresos  
espectaculares   en   las   comunicaciones.   Además   del   ferrocarril,   se   construyen   los   grandes   transatlánticos   de  
vapor,   y   ya   a   inicios   del   siglo   XX   aparecen   los   primeros   automóviles.   Asimismo   se   desarrolla   la   Revolución  
Industrial  en  Europa.  Había  surgido  ya  en  Inglaterra  en  el  siglo  XVIII.  Las  consecuencias  del  desarrollo  industrial  
fueron   profundas   en   la   sociedad,   la   economía   o   el   arte.   En   el   terreno   del   arte   y   la   cultura   el   siglo   XIX   es  
extraordinariamente   rico   con   el   surgimiento   de   diversos   movimientos   artísticos   como   el   Romanticismo,   el  
Realismo,   el   Impresionismo,   el   Postimpresionismo   y   toda   una   serie   de   revivals   e   historicismos   (neogótico,  
neobarroco,  etc.)  
Por   último,   y   muy   en   relación   con   la   industrialización,   los   países   europeos   inician   una   frenética   lucha   por   el  
control   de   los   territorios   y   recursos   de   otros   continentes:   es   el   periodo   de   formación   de   los   grandes   imperios  
coloniales  (Inglaterra,  Francia,  etc.)  
España  comienza  el  siglo  trágicamente  con  la  invasión  de  los  franceses  en  1808  (Guerra  de  la  Independencia)  y  
termina  con  el  Desastre  de  1898  (pérdida  de  las  últimas  colonias  españolas:  Cuba,  Puerto  Rico,  Filipinas).  
 
El   Romanticismo   es   una   corriente   cultural   y   artística   de   origen   alemán   que   se   desarrolla   en   Europa   durante   la  
primera   mitad   del   siglo   XIX,   aunque   sus   orígenes   se   encuentran   ya   en   el   siglo   XVIII.   Más   que   un   estilo  
propiamente  dicho  es  una  “manera  de  sentir”.  Vinculado  a  la  filosofía,  concretamente  al  Círculo  de  Jena,  empezó  
siendo  una  teoría  filosófica,  un  movimiento  artístico  y  una  actitud  existencial.  Presenta  implicaciones  en  todas  las  
artes  de  la  época,  fundamentalmente  la  literatura,  la  música  y  la  pintura.  Es  de  tal  complejidad  que  más  que  de  
Romanticismo  podríamos  hablar  de  Romanticismos.
El  genuino  término  romántico  tiene  poco  que  ver  con  la  consideración  que  le  damos  hoy.    Etimológicamente  la  
palabra   Romanticismo   requiere   cierta   clarificación   semántica.   Supuestamente   proviene   del   francés   roman  

1
 Recordemos  que  la  época  contemporánea  abarca  los  siglos  XIX,  XX  y  XXI.  
2
(‘novela’).  De  este  modo,  el  término  aludiría  a  la  ficción,  a  lo  novelesco,  frente  al  predominio  de  la  razón  de  la  
Ilustración.    

                                                                   
 
Como  afirma  el  crítico  literario  José  Carlos  Mainer2,  el  término  romántico  tiene  en  la  actualidad  un  uso  degradado,  
claramente   derogatorio   y   peyorativo   de   lo   que   fue   el   Romanticismo.     Hoy   entendemos   por   una   persona  
romántica  a  alguien  soñador  y  fantasioso  que  se  escabulle  de  la  realidad  que  le  rodea,  con  tendencias  cursilonas.    
Pero  no  debemos  olvidar,  que  el  Romanticismo  será  la  base  de  la  conciencia  revolucionaria  y  punto  de  partida,  
además,  de  movimientos  políticos  nacionalistas  y  de  totalitarismos  de  toda  laya  o  condición.3  
                               
Los  rasgos  esenciales  del  Romanticismo  son:  
*En   primer   lugar,   el   común   denominador   de   esta   corriente   cultural   es   el   ansia   de   libertad.   Exaltan   los  
sentimientos  de  rebeldía,  de  libertad  artística  y  política.    
*En   el   romanticismo   encontramos   una   supremacía   del   sentimiento   sobre   la   razón   y   por   ello   exaltan   la  
sensibilidad,  la  imaginación  y  las  pasiones.  Rechazan  el  sometimiento  a  las  normas.  Subrayan  el  individualismo  y  
la   subjetividad   del   artista,   su   “propio   yo”.   Creen   en   el   mito   del   artista   como   genio   solitario,   frecuentemente  
incomprendido  y  fracasado.    
*Les   fascina   la   Edad   Media   –su   arte   y   su   literatura-­‐   y   reivindican   los   nacionalismos.   De   hecho,   hay   una   clara  
conexión   entre   el   auge   de   los   nacionalismos   y   el   Romanticismo,   particularmente   en   Alemania   e   Italia   que  
culminaron  en  esta  etapa  su  proceso  de  unificación.    
*Asimismo,   sienten   predilección   por   todo   lo   exótico   y   oriental.   Los   románticos   ya   no  viajaban   sólo  a  Italia,  como  
habían   hecho   hasta   entonces.   Sus   destinos   son   otros:   Turquía,   Marruecos,   Argelia   o   España,   que   se   puso   de  
moda   en   toda   Europa   como   prototipo   de   un   exotismo   cercano.   Así   por   ejemplo,   muchos   románticos   ingleses,  
franceses  y  alemanes  viajan  a  nuestro  país  (la  Alhambra,  etc.)  fascinados  por  “los  turcos  de  Europa”,  es  decir,  los  
españoles.  
*Los   artistas   románticos   son   unos   eternos   inadaptados,   siempre   descontentos   y   siempre   rompiendo   con   las  
convenciones   sociales.   Así,   sienten   especial   interés   por   temas   como   la   muerte,   la   locura,   el   suicidio,   el   mundo   de  
los  sueños,  lo  irracional.  En  este  sentido,  van  a  ser  un  precedente  del  Surrealismo  y  de  otros  ismos.  
*La  nómina  de  artistas  románticos  es  ingente.  Entre  los  escritores  destacamos  Lord  Byron  en  Inglaterra,  Victor  
Hugo  en  Francia,  Novalis  en  Alemania,  Larra  y  Bécquer  en  España,  etc.    
Sobre  Lord  Byron  (Londres,  1788-­‐Missolonghi,  1824),  paradigma  del  artista  romántico,  concretamente  poeta,  hay  
que   señalar   que   su   auténtico   nombre   era   George   Gordon   Noel   y   que   ganó   una   gran   notoriedad   por   su  
escandalosa  vida  privada  –según  los  parámetros  burgueses  de  la  época-­‐  ya  que  era  bisexual,  tuvo  una  hija  con  su  
hermanastra,   acumuló   numerosas   deudas...   Fue   un   célebre   escritor   que   viajó   sin   descanso   por   Europa,  
especialmente   por   el   Meditarráneo   (Italia,   Grecia…).   Luchó   apoyando   a   los   griegos   en   su   guerra   de  
independencia  contra  los  turcos  otamanos.  Murió  en  1824  en  Missolonghi,  actual  Grecia,  fruto  de  unas  fiebres.  Su  
muerte  fue  muy  sentida  en  Inglaterra.  Una  de  sus  obras  más  conocidas  fue  “Don  Juan”.  Lord  Byron  ejemplifica  
también   la   figura   del   dandi,   como  Beau  Brummel,   caracterizados   por   su   refinado   y   excéntrico   gusto   en   el   vestir.  
En  conclusión,  tal  vez  la  figura  de  lord  Byron  sea  más  importante  que  su  propia  obra  literaria.  Es  un  rasgo  que  
comparte  con  otros  escritores.  Y  es  que  es  difícil  separar  al  personaje  de  su  obra  y  a  la  persona  del  personaje.  

2
 A  este  respecto,  puede  consultarse  la  conferencia  de  dicho  autor  en  la  web  de  la  Fundación  March  de  Madrid  “Romanticismo  o  Romanticismos”  (26-­‐02-­‐
2009).  
3
 Consúltese  la  conferencia  del  catedrádico  de  Filosofía  Javier  Hernández  -­‐Pacheco  en  la  Fundación  March  sobre  “El  Círculo  de  Jena  o  la  filosofía  romántica”:
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=22605  
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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

                     
 
2.  LAS  BELLAS  ARTES  Y  EL  ROMANTICISMO    
 
Más   que   propiamente   un   “estilo”   artístico,   el   Romanticismo   fue   “una   manera   de   sentir”,   una   actitud   vital  
rebelde,  escapista  e  individualista,  que  valora  los  sentimientos  y  lucha  contra  los  valores  burgueses  establecidos,  
sintiendo   fascinación   por   Oriente   y   la   Edad   Media,   el   mundo   de   los   sueños,   la   muerte   –incluido   el   suicidio-­‐,   la  
noche,  la  huida  a  paraísos  reales  o  ficticios,  la  subjetividad  del  artista…  
Siendo  un  movimiento  cultural  básicamente  literario  y  filosófico,  también  es  cierto  que  tuvo  un  fuerte  impacto  
en   el   arte   de   la   época.   La   conexión   con   la   música,   es   también   muy   evidente.   Aunque   sus   orígenes   cabe  
rastrearlos   ya   desde   el   siglo   XVIII,   hará   eclosión   en   el   XIX   y   por   lo   tanto   aparecerá   ligado   a   los   revivals,  
historicismos  y  eclecticismos  propios  de  la  época  decimonónica4.    
El   Romanticismo   no   afectó   por   igual   a   todas   las   artes.   Fundamentalmente   las   bellas   artes   que   se   vieron   más  
influidas  por  el  espíritu  romántico  fueron  la  pintura  y  la  arquitectura.  La  arquitectura  la  estudiaremos  en  detalle  
en  el  siguiente  tema.  
 
La  pintura  del  Romanticismo  
Por  lo  que  se  refiere  a  la  PINTURA  ROMÁNTICA,  se  caracteriza  por:  
•  Predomina  el  color  sobre  el  dibujo,  la  mancha  domina  todo  el  cuadro.  En  general,  rechazan  la  
pintura   academicista   neoclásica,   en   el   que   predomina   el   dibujo   y   la   sujeción   a   normas   pictóricas   muy  
rígidas.  
•   Las   composiciones   son   complejas,   dinámicas   y   desequilibradas   con   frecuentes   escorzos   y  
figuras  llenas  de  dramatismo,  en  cierto  sentido  nos  recuerdan  al  Barroco.  
•   El   paisaje   con   fuerte   carga   expresiva   de   estados   de   ánimo   adquiere   mucha   importancia.   Les  
gustan  escenas  sublimes  y  pintorescas  con  frecuentes  los  paisajes  nubosos,  tormentosos,  con  naufragios,  
etc.  La  identificación  del  hombre  con  la  naturaleza  circundante  es  esencial  en  el  Romanticismo.  
•   Aparte   de   los   paisajes,   los   temas   preferidos   son   los   de   origen   oriental   (odaliscas…),  
revoluciones   políticas,   escenas   costumbristas   y   folklóricas,     retratos,   y   temas   históricos.   Sienten  
fascinación  por  la  Edad  Media,  que  reivindican  en  la  pintura,  arquitectura  (neogótico),  literatura,  etc..  La  
pasión  por  las  ruinas  (edificios  de  arte  romano,  medievales…)  se  convierten  en  un  tema  romántico  por  
excelencia.  
•   La   conexión   arte-­‐literatura   es   crucial   en   el   Romanticismo,   siendo   las   obras   literarias   de  
diferentes   épocas   y   autores   fuente   esencial   de   inspiración   (Dante,     Shakespeare,     Lord   Byron,   Goethe,    
Walter  Scott),  etc.    
•  Valoran  mucho  la  creatividad  y  la  originalidad.  El  individualismo  propio  de  la  época  propició  que  
los  pintores  no  trabajasen  de  encargo,  sino  conforme  a  los  dictados  de  su  imaginación,  expresándose  a  
través  de  la  pintura,  sus  ideas  y  sentimientos  personales.  
Los  pintores  románticos  son  muy  numerosos:  en  Francia  descuella  Delacroix  y  Géricault;  en  Inglaterra,  Turner;  
en   Alemania,   Caspar   David   Friedrich   y   en   España   Eugenio   Lucas,   Leonardo   Alenza…   y   algunas   obras   de   Goya.  
Goya  está  considerado  como  el  primer  pintor  romántico  español.  

4
 Relativa  al  siglo  XIX.  
4
  

                                                           
 
La  PINTURA  ROMÁNTICA  FRANCESA  tiene  en  THÉODORE  GÉRICAULT  (1791-­‐1824)  y  EUGÉNE  DELACROIX  (1798-­‐
1865)  a  sus  dos  principales  representantes.  
GÉRICAULT  está  considerado  como  el  iniciador  del  Romanticismo  pictórico.  Su  obra  más  importante  es  la  balsa  
de  la  Medusa.  La  historia  del  barco  francés  "Medusa"  fue  uno  de  los  sucesos  más  terribles  de  la  historia  Francia.  
Un   barco   naufragó   frente   a   las   costas   africanas   y   un   pequeño   grupo   de   los   pasajeros   sobrevivió   gracias   a   una  
balsa.  Una  fragata  de  la  marina  francesa  avistó  a  los  náufragos  pero  no  los  recogió.  Muchos  de  ellos  perecieron  
de   hambre,   sed   e   insolación.   Algunos   sobrevivieron   comiendo   los   restos   de   los   cadáveres.   Finalmente,   un  
carguero   los   encontró   y   los   llevó   a   salvo   a   Francia.   Esta   historia   fue   censurada   por   el   gobierno,   que   trató   de  
impedir  que  que  se  conociera  por  la  prensa.    
Géricault  quiso  con  este  cuadro  dejar  constancia  de  este  espeluznante  y  dramático  hecho.  Muestra  –casi  como  
una   fotografía-­‐   el   momento   en   el   que   los   náufragos   avistan   el   barco   que   les   va   a   salvar.   Después   de   dos   años   en  
los  que  se  prohibió  su  exhibición  pública,  finalmente  se  expuso  en   una   institución   oficial  –el   Salón-­‐,   causando   un  
gran   escándalo.   Es   una   obra   que   recoje   la   esencia   del   Romanticismo:   dramatismo,   sentimientos   extremos,  
predominio   del   color   sobre   la   mancha,   dinamismo,   escorzos…   Esta   pintura   mide   casi   cinco   metros   de   alto   y   más  
de   siete   metros   de   ancho.   Para   documentarse   en   la   realización   de   esta   obra,   realizó   numerosos   bocetos   y  
estudios   previos   de   cadáveres.   Como   curiosidad   señalaremos   que   el   joven   hombre   muerto   que   sostiene   el  
anciano   del   manto   rojo   es   el   retrato   de   Delacroix,   íntimo   amigo   de   Géricault.   A   su   vez,   Delacroix,   retrató   a  
Géricault  como  uno  de  los  muertos  en  el  infierno  que  cruza  su  Barca  de  Dante.  
En   definitiva,   La   Balsa   de   la   Medusa   fue   el   cuadro   insignia   del   movimiento   romántico   francés,   en   el   que     el   ser  
humano   desconocido   y   sufriente   aparece   como   el   verdadero   sujeto   y   protagonista   de   la   Historia,   como   veremos  
también  en  las  pinturas  de  Goya  (Fusilamientos  del  3  de  mayo).  
 

                     
 
Eugène   DELACROIX:   Procedente   de   una   familia   burguesa,   culta   y   refinada,   era   altivo,   dandi   y   vanidoso.   Se  
relacionó  con  otros  pintores,  músicos  y  escritores  románticos.  Sentía  fascinación  por  la  naturaleza,  la  historia  y  la  
literatura,   el   exotismo   oriental,   los   retratos,   las   ruinas,   la   fantasía,   el   erotismo   y   lo   misterioso,   que   reflejó   a   la  
perfección   en   sus   obras.     Las   conexiones   del   artista   con   España   y   la   pintura   española   van   más   allá   de   la  
fascinación  orientalista  habitual  en  los  creadores  del  romanticismo  francés.  Delacroix  realizó  en  1832  un  viaje  a  
España  que  marcaría  su  pintura  de  forma  indeleble  y  fue  uno  de  los  primeros  artistas  en  explorar  en  profundidad  
el  potencial  expresivo  de  los  Caprichos,  de  Goya,  de  los  que  realizó  diversas  copias.    De  este  viaje  por  España  dejó  
constancia  en  sus  “Diarios”.  Visitó  Madrid  (el  Museo  del  Prado)  y  Andalucía.  Recordemos  que  España  se  convirtió  
en  un  tema  pictórico  y  literario  del  Romanticismo,  por  su  carácter  exótico,  dado  su  pasado  islámico  y  la  belleza  

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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

de   sus   paisajes   y   monumentos.   De   hecho,   la   España   de   charanga   y   pandereta,   la   imagen   de   una   España   de   majas  
y  toreros  se  debe  a  la  visión  que  sobre  nuestro  país  dejaron  pintores  y  escritores  franceses,  alemanes,  ingleses…  
ligados   al   Romanticismo.   Tendían   a   identificar   casi   en   exclusiva   Andalucía   con   España,   obviando   el   resto   de  
regiones.  
Delacroix  también  viajó  por  el  norte  de  África  buscando  inspiración  para  sus  pinturas.    
 
La   pintura   de   Delacroix   no   se   entienden   sin   el   influjo   de   la   pintura   renacentista   (Tiziano)   y   barroca   (Rubens,  
Rembrandt,  Velázquez,  Murillo).  Adoraba  la  obra  de  Miguel  Ángel,  su  principal  influencia,  aunque  solo  la  conocía  
a   través   de   grabados.   Su     pincelada   es   muy   suelta,   abocetada   y   matérica.   Elige   siempre   los   momentos   más  
tensos  y  expresivos,  con  predominio  del  color  sobre  el  dibujo.    
Ejemplos  relevantes  de  la  producción  pictórica  de  Delacroix  son  la  muerte  de  Sardanápalo,  Mujeres  de  Argel  y  la  
Libertad  guiando  al  pueblo.  
La  muerte  de  Sardanápalo  es  un  cuadro  que  se  basa  en  un  escrito  de  Lord  Byron.  Este  romántico  inglés  fue  una  
importante  fuentes  de  inspiración  para  Delacroix.    
Esta  pintura  de  raíz  tan  literaria  cuenta  la  siguiente  historia:  unos  esclavos  matan  a  las  concubinas  de  un  tirano  
antes  de  suicidarse  para  evitar  ser  saqueados  por  sus  enemigos.  Esta  terrible  escena  es  contemplada  de  forma  
impávida   por   Sardanápalo   desde   su   lecho.   Escorzos,   dinamismo   y   violencia,   sentimientos   extremos,   compleja  
composición,   fuertes   constantes   de   luz…   todo   ello   define   a   esta   obra   maestra   del   Romanticismo   francés.  
Tampoco  hay  que  olvidar  el  gusto  por  el  preciosismo  en  la  representación  de  telas  y  joyas,  una  característica  muy  
habitual  de  la  pintura  romántica.5  La  obra  más  conocida  de  Delacroix  es  la  libertad  guiando  al  pueblo.  Presenta  
una   temática   revolucionaria.   La   mujer   que   simboliza   a   la   Libertad   aparece   con   el   torso   desnudo,   porta   en   su  
mano  derecha  la  bandera  tricolor  francesa  y  en  la  izquierda  un  rifle.  Le  acompañan  miembros  de  las  diferentes  
clases   sociales   -­‐   un   obrero   con   una   espada,   un   burgués   con   sombrero   de   copa   portando   una   escopeta,   un  
adolescente   con   dos   pistolas,   etc.   -­‐   para   manifestar   que   en   el   proceso   revolucionario   ha   existido   amplia  
participación.   A   los   pies   de   la   Libertad,   un   moribundo   la   mira   fijamente   para   señalar   que   ha   merecido   la   pena  
luchar.   Con   esta   obra,   Delacroix   pone   de   manifiesto   su   ideología   y   su   faceta   de   pintor   de   su   tiempo.   La  
composición  se  inscribe  en  una  pirámide  cuya  base  son  los  cadáveres  que  han  caído  en  la  lucha  contra  la  tiranía,  
cadáveres  iluminados  para  acentuar  su  importancia.  La  vorágine  de  la  batalla  se  manifiesta  en  la  polvareda  que  
difumina   los   contornos   e   impide   contemplar   con   claridad   el   grupo   de   figuras   que   se   sitúa   tras   la   Libertad.   Los  
escorzos   y   el   movimiento   de   la   imagen   vuelven   a   recordar   el   Barroco,   igual   que   en   la   Matanza   de   Quíos   o   la  
Muerte   de   Sardanápalo.   Con   esta   obra   celebró   la   revolución   burguesa   de   1830   que   provocó   la   caída   de   Carlos   X   y  
la   llegada   al   poder   del   rey   Luis   FelipeI   de   Orléans6.     Los   cuerpos   muertos   nos   remiten   a   los   de   la   Balsa   de   la  
Medusa  de  Géricault.    
Delacroix   murió   en   Paris.   Fue,   quizá,   el   pintor   del   siglo   XIX   más   preocupado   por   los   problemas   de   la   técnica  
pictórica.   Su   influencia   marcó   a   los   impresionistas,   a   Millet,   a   Van   Gogh,   sobre   todo,   en   la   primacía   del   color  
sobre  la  línea.  Muchas  de  sus  obras  se  encuentran  en  el  Museo  del  Louvre  de   Lens  –una  filial  del  Louvre  de  París-­‐  
En  París  se  conserva  su  deliciosa  casa-­‐museo.  http://www.musee-­‐delacroix.fr/  
 
ANTOINE-­‐JEAN   GROS   (1771-­‐1835)   fue   un   pintor   parisino   vinculado   al   neoclasicismo-­‐romanticismo.   Realizó  
impresionantes  retratos  y  pinturas  de  historia.  Fue  discípulo  de  Jacques-­‐Louis  David.  Su  obra  “Visita  de  Napoleón  
a   los   apestados   de   Jaffa”   fue   fuente   de   inspiración   para   la   “Matanza   de   Quíos”   de   Delacroix.   Gros   se   suicidó  
arrojándose  al  río  Sena,  cansado  de  la  vida.  

5
 Esta  pintura  suscitó  rechazo  por  parte  de  autoridades  y  artistas  cuando  fue  presentada  en  el  Salón  de  1828,  llegándole  incluso  a  sugerir  que  cambiara  de  
estilo  si  quería  recibir  encargos  oficiales.  Pese  a  ello,  es  un  ejemplo  paradigmático  del  Romanticismo.  
6
 Sobre  esta  obra,  Delacroix  escribió  a  su  hermano  en  1830:  “J´ai  entrepris  un  sujet  moderne,  une  barricade,  et  si  je  n´ai  pas  vaincu  pour  la  patrie,  au  moins,  
peindrais-­‐je  pour  elle”  
6
                                                    
 

     
 
CASPAR  DAVID  FRIEDRICH  
Caspar  David  Friedrich  (1774-­‐1840)    es  el  máximo  representante  del  Romanticismo  pictórico  en  Alemania,  y  uno  
de  los  más  importantes  pintores  de  la  época  en  Europa,  junto  a  Goya,  Delacroix,  Turner  o  Constable.    
Un   hecho   traumático  le   marcó   de   por   vida:   cuando   tenía   trece   años   volcó   una   pequeña   embarcación   y   Caspar  
David   cayó   al   agua.   Su   hermano   se   lanzó   a   salvarle   pero   murió   en   el   intento   ante   la   aterrada   mirada   de   su  
hermano  superviviente.  Caspar  David  fue  educado  en  un  ambiente  muy  religioso  de  carácter  luterano7.  
Durante   1800-­‐1808,   Friedrich   realizó   numerosas   obras   de   estudio,   xilografías   y   dibujos,   en   las   que   los   motivos  
predominantes  son  figuras  solitarias,  melancólicas,  o  árboles  muertos,  cuyo  fondo  se  halla  impregnado  del  Sturm  
und  Drang8  romántico.    
Friedrich   innova   con     a   su   nueva   concepción   del   paisaje,   al   que   confiere   un   carácter   casi   religioso.   Buscaba  
suscitar  emociones  con  sus  imágenes  de  figuras  solitarias  en  paisajes  tormentosos  o  deslumbrantes.   Buscaban  la  
comunión  con  la  naturaleza.  El  arte  para  él  era  una  vehículo  de  emoción  de  sentimientos.  
Friedrich  gozó  de  gran  fama  en  su  época  –desde  dirigentes  político  alemananes  al  zar  de  Rusia,  Goethe,  y  los  más  
célebres   escritores   y   pensadores   del   momento-­‐   aunque   con   el   paso   del   tiempo,   se   produjo   el   progresivo  
hundimiento   de   su   popularidad.   Su   delicada   salud   al   final   de   su   vida   le   volvió   más   taciturno   y   triste.   Cada   vez  
estaba  más  ailado  y  era  más  pobre.  Sus  últimas  obras,  básicamente  dibujos,  se  limitan  a  ruinas,  costas  rocosas,  
ataúdes…  Su  fortuna  crítica  ha  sido  oscilante:  Friedrich  cayó  en  el  más  completo  de  los  olvidos  durante  el  siglo  
XIX.  Habríamos  de  esperar  al  siglo  XX  y  la  llegada  del  arte  de  vanguardia  para  que  fuera  justamente  valorado  y  
reivindicado.  Su  influencia  se  hará  presente  desde  el  Romanticismo  hasta  el  Surrealismo,  el  movimiento  que  más  
afirmó  su  influjo  (Max  Ernst,  René  Magritte).    También  en  el  Expresionismo  alemán,  el  arte  abstracto,  etc.    
 
El  alemán  KARL   FRIEDRICH   SCHINKEL  (1781-­‐1841)  fue  no  solo  arquitecto  y  urbanista9  –ligado  al  neoclasicismo  y  al  
neogótico-­‐,   sino   también   pintor   y   diseñador   de   muebles.   Como   arquitecto,   se   inspiraba   más   en   Grecia   que   en  
Roma.  Cuando  vió  en  Berlín  la  obra  de  Friedrich   –Paseante   sobre   un   mar   de   nubes    (1810)   -­‐  decidió  dejar  la  pintura  
–ya  que  pensaba  que  nunca  alcanzaría  la  maestría  de  Friedrich-­‐  y  se  centró  en  la  arquitectura.  
 

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Fue  amigo  de  Goethe,  con  el  que  mantuvo  una  tensa  relación  que  terminó  por  sus  diferencias  en  la  concepción  del  arte.  
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 Movimiento  prerrománico  alemán.  Se  puede  traducir  por  “tormenta  e  ímpetu”.  
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 Remodeló  la  ciudad  de  Berlín.  Como  arquitecto  neogótico,  renovó  y  reconstruyó  el  Castillo  Rosenau  de  Coburgo.  
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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

     
 
WILLIAM  TURNER  
El  paisajismo  inglés  del  Romanticismo  tiene  como  máximos  representantes  a  Turner  y  Constable.    
Turner   nació   en   1775   en   Londres   y   murió   en   1851.   Turner   utilizaba   el   paisaje   como   vehículo   para   abordar   los  
grandes  temas  de  la  pintura  (luz,  efectos  atmosféricos,  color,  perspectiva).  
Turner   solía   tomar   notas   para   sus   cuadros   –bocetos   y   dibujos-­‐-­‐.   Los   encargos   por   parte   de   aristócratas  
londinenses   le   permitieron   amasar   una   una   pequeña   fortuna,   llegando   a   convertirse   en   el   pintor   favorito   del  
gran  público,  incluso  de  la  realeza,  en  especial  por  sus  paisajes  (década  de  los  años  20  del  siglo  XIX).  
Sus  fuentes  de  inspiración  abarcan  la  pintura  renacentista  italiana  y  la  pintura  barroca,  en  especial  Rembrandt,  
así  como   los  franceses  Poussin  o  Claudio  de  Lorena  (también  llamado  Claude  Lorrain).  Viajó  a  París  donde  quedó  
fascinado   ante   las   obras   maestras   del   Louvre,     que   se   dedicará   a   copiar   con   fruición   (pintores   renacentistas   y  
barrocos).   Realizó   asimismo,   diversas   estancias   en   Italia   (Turín,   Milán,   Venecia,   Roma,   Nápoles…)   fuente   de  
inspiración  inagotable  para  su  producción  artística10.  
 

                               
 
Turner  paulatinamente  fue  caminando  hacia  la  abstracción11.    
Legó  su  producción  artística  a  Inglaterra  con  la  condición  de  que  le  dedicaran  un  museo,  y  tras  muchas  vicisitudes,  
se   construyó   la   Tate   Gallery   en   Londres   con   una   impresionante   colección   de   sus   obras   (320   óleos   y   más   de  
19.000  acuarelas  y  esbozos).  Se  inauguró  en  1987.  
 
JOHN   CONSTABLE   (1776-­‐1837)  fue  un  pintor  destacado  y  un  tanto  atípico  del  paisajismo  romántico  inglés,  ya  que  
no   se   limitó   a   pintar   paisajes   “románticos”   (ruinas,   tormentas,   naufragios…)   sino   que   también   representó  
escenas  campestres  de  la  vida  cotidiana.  
Alcanzó  un  gran  éxito  en  Francia,  donde  vendió  más  obras  que  en  su  Inglaterra  natal.  Solía  pintar  y  dibujar  al  aire  
libre.   Asistía   a   clases   de   pintura   y   a   disecciones   anatómicas.   Como   Turner,   estudiaba   y   copiaba   a   los   grandes  
maestros  (especialmente  a  Claude  Lorraine).  Confería  en  sus  paisajes  una  gran  importancia  a  la  luz,  el  color  y  la  
pincelada  pastosa.  Influyó  en  artistas  contemporáneos  de  su  época  como  los  románticos  Géricault  y  Delacroix,  
así   como   en   los   pintores   franceses   de   la   Escuela   de   Barbizon,   germen   de   los   futuros   impresionistas   que   también  
acusaron  su  influjo.  

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 De  regreso  a  Londres  en  1820,  puso  de  manifiesto  lo  aprendido  en  uno  de  sus  viajes  a  Italia  en  el  cuadro  titulado  Roma  vista  desde  el  Vaticano  donde  hace  
un  sentido  homenaje  a  Rafael.    
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 De  hecho,  llegaba  incluso  a  tener  que  clavar  un  clavo  en  el  marco  para  que  se  supiese  cuál  era  la  parte  de  arriba  al  enviarlos  a  las  exposiciones.  
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THOMAS   COLE   (1801-­‐1848)   fue   un   paisajista   estadounidense   de   origen   inglés   que   realizó   también   pinturas   de  
historia  y  de  otros  temas  (retratos,  etc.).  Está  considerado  el  primer  gran  paisajista  de  Estados  Unidos.  Vinculado  
al  Romanticismo,  fue  el  fundador  de  la  Hudson  River  School,  un  movimiento  artístico  que  floreció  a  mediados  del  
siglo  XIX.  En  sus  obras  reflejó  la  belleza  de  los  paisajes  de  Estados  Unidos.  Viajó  a  Inglaterra  y  a  Italia  (Grand  Tour)  
y  estudió  allí  la  pintura  paisajística  de  los  grandes  maestros.  
 
FRANCISCO   DE   GOYA   Y   LUCIENTES   nació   en   el   seno   de   una   familia   humilde   en   Fuendetodos   (Zaragoza)   en   1746.  
Pronto  se  trasladó  con  su  familia  a  Zaragoza.  Allí  estudió  en  el  taller  de  un  pintor  tardobarroco,  José  Luzán.  En  
este   taller   conoció   a   los   hermanos   Bayeu,   muy   importantes   para   su   carrera   profesional.   En   1763   se   trasladó   a  
Madrid  con  el  deseo  de  hacer  fortuna  en  la  capital  como  pintor  de  la  Corte.  En  Madrid  trabajará  en  el  taller  de  
Francisco   Bayeu.   Viajó   a   Italia   y   después   de   su   estancia   italiana   volvió   a   Zaragoza   donde   recibió   sus   primeros  
encargos  dentro  de  una  temática  religiosa  y  un  estilo  totalmente  académico.    En  1773  Goya  contrae  matrimonio  
en  Madrid  con  Josefa  Bayeu,  hermana  de  Francisco  y  Ramón  Bayeu.  
Los   primeros   encargos   que   recibe   en   la   Corte   son   gracias   a   esta   relación.   Su   destino   sería   la   Real   Fábrica   de  
Tapices   de   Santa   Bárbara,   para   la   que   Goya   deberá   realizar   cartones,   es   decir,   bocetos   que   después   se  
transformarán   en   tapices.   La   relación   con   la   Real   Fábrica   durará   18   años   y   en   ellos   realizará   sus   cartones   más  
preciados:  El  Quitasol,  La  Vendimia  y  un  largo  etcétera.    En  1780  ingresa  en  la  Academia  de  Bellas  Artes  de    San  
Fernando   de   Madrid.   En   esta   ciudad,   inicia   su   faceta   retratística   que   le   servirá   para   abrirse   camino   en   la   alta  
sociedad  española.  Buen  ejemplo  son  los  magistrales  retratos  de  los  Duques  de  Osuna,  la  condesa  de  Chinchón  o  
la  Duquesa  de  Alba.  Fue  pintor  de  los  reyes  Carlos  III  y  Carlos  IV.  Su  relación  con  el  rey  Carlos  IV  fue  muy  estrecha  
y  éste  le  nombró  Pintor  de  Cámara  en  1789.  Cobra  honorarios  elevados  y  se  añade  el  “de”  a  su  apellido,  dándose  
así  ínfulas  de  personaje  noble  y  gran  artista.  Pero  en  1792  cae  enfermo,  se  desconoce  cuál  fue  su  enfermedad,  
pero   le   dejará   una   secuela   de   por   vida:   se   queda   sordo.   La   sordera   le   aislará   y   propiciará   que   su   carácter   sea   más  
avinagrado  y  retraido.  
Las   influencias   en   la   obra   pictórica   de   Goya   proceden   de   la   pintura   italiana,   Rembrandt,   la   pintura   coetánea  
inglesa  y  por  supuesto,  la  escuela  española,  en  especial  Velázquez,  al  que  tratará  de  emular  con  el  retrato  que  
realizó  de  la  familia  real  y  que  nos  remite  a  Las  Meninas  velázqueñas.  
Su  producción  artística  experimentó  diversas  etapas:  hay  un  primer  Goya  tardobarroco  y  rococó  –de  estilo  suave,  
adulador   y   tonos   pasteles-­‐,   a   continuación   un   Goya   neoclásico   –de   líneas   más   depuradas   y   que   se   aprecia   en  
detallas   como   la   indumentaria   o   las   joyas   presentes   en   los   retratos   que   realiza-­‐;   un   Goya   romántico   –que   se   deja  
llevar   por   el   sentimiento   extremo   y   la   subjetividad,   a   la   vez   que   otorgo   el   protagonismo  al   pueblo   como   sujeto   y  
objeto   del   arte-­‐;   hay   también   un   Goya   precedente   del   Impresionismo   –como   vemos   en   la   pincelada   suelta   y  
pastosa   de   La   lechera   de   Burdeos,   realizada   un   año   antes   de   su   muerte;   y   finalmente,   el   Goya   más   bronco   y  
dramático,  claro  precedente  del  Expresionismo  y  el  arte  de  vanguardia,  el  Goya  de  las  pinturas  negras.  Sin  esta  
última  etapa,  Goya  quizá  no  habría  pasado  a  la  posteridad  con  la  importancia  y  relevancia  que  tiene  en  la  Historia  
del  Arte.  En  definitiva,  es  una  de  las  figuras  claves  de  la  pintura  española  de  todos  los  tiempos,  y  artista  seminal  
de   lo   que   será   el   arte   de   vanguardia,   desde   el   Impresionimo   –la   obra   del   “padre”   del   Impresionismo   Édouard  
Manet  no  se  entiende  sin  su  influencia-­‐  hasta  el  Expresionismo,  Surrealismo,  etc.  

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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

Por   último,   hay   que   señalar   que   junto   con   Durero,   Rembrandt   o   Picasso,   forma   parte   del   elenco   de   grandes  
grabadores   de   la   historia,   como   podemos   ver   en   sus   grabados   de   los   Caprichos   –donde   critica   de   una   manera  
ácida  y  despiadada  a  la  socidad  de  su  tiempo-­‐  o  Los   Desastres   de   la   Guerra   –donde  plasma  el  horror  de  la  guerra  
de  la  Independencia  contra  los  franceses-­‐.  
 

             
 
La   Familia   de   Carlos   IV   es   el   ejemplo   más   paradigmático   de   la   influencia   de   Velázquez   en   Goya.   Gracias   a   las  
cartas  de  la  reina  María  Luisa  de  Parma  a  Godoy  conocemos  paso  a  paso  la  concepción  del  cuadro.  La  obra  fue  
realizada   en   Aranjuez   en   1800.   En   ella   aparece   retratada   la   familia   real   al   completo12.   El   propio   pintor   se  
autorretrata  pintando,  emulando  al  Velázquez  de  las  Meninas.  Como  el  gran  cuadro  de  Velázquez,  esta  pintura  es  
de  gran  tamaño.  El  artista  muestra  a  los  personajes  como  si  de  un  friso  se  tratara,  en  tres  grupos  para  dar  mayor  
movimiento   a   la   obra;   así,   en   el   centro   se   sitúan   los   monarcas   con   sus   dos   hijos   menores;   en   la   derecha,   el   grupo  
presidido   por   el   príncipe   heredero   realizado   en   tonalidades   frías,   mientras   que   en   la   izquierda   los   Príncipes   de  
Parma,  en  una  gama  caliente.  Todas  las  figuras  están  envueltas  en  una  especie  de  niebla   dorada  que  es  un  punto  
de   conexión   más   con   La   familia   de   Felipe   IV.   Goya   quiere   plasmar   la   personalidad   de   los   retratados,  
fundamentalmente   de   la   reina,   verdadera   protagonista   de   la   composición,   y   la   del   rey,   de   carácter   más   abúlico   y  
ausente.   Estilísticamente   destaca   la   pincelada   tan   suelta   empleada   por   Goya;   desde   una   distancia   prudencial  
parece  que  ha  detallado  todas  y  cada  una  de  las  condecoraciones,  pero  al  acercarse  se  aprecian  claramente  las  
manchas.  Goya,  a  diferencia  de  Velázquez  en  Las  Meninas,  ha  renunciado  a  los  juegos  de  perspectiva  pero  gracias  
a  la  luz  y  al  color  consigue  dar  variedad  a  los  volúmenes  y  ayuda  a  diferenciar  los  distintos  planos  en  profundidad.  
Fue  la  primera  obra  de  Goya  que  entró  en  el  Museo  del  Prado,  siendo  valorada  en  1834  en  80.000  reales.  
Otras  obras  clave  de  Goya,  muy  conocidas  son:  la  Maja  vestida  y  la  Maja  desnuda;  el  Dos  de  Mayo;  los  Fusilamientos  
del   Tres   de   Mayo   de   1808;   Los   Duques   de   Osuna;   la   Condesa   de   Chinchón;   el   Coloso;   las   Pinturas   Negras   (1820-­‐22)   de  
su   casa   de   las   afueras   de   Madrid,   donde   da   rienda   suelta   a   sus   miedos,   fantasías   macabras   y   sentimientos-­‐;   la  
lechera  de  Burdeos  (1827),  etc.  
De  ideología  liberal  e  ilustrado  –en  cierta  medida  era  un  afrancesado  aunque  con  un  enorme  amor  por  España-­‐  
Goya   pasó   sus   últimos   años   de   vida   en   el   exilio,   en  Burdeos   (Francia),   donde   murió   en   1828   a   la   edad   de   82   años.  
Está  enterrado  en  la  ermita  de  San  Antonio  de  la  Florida  de  Madrid,  donde  se  conservan  los  frescos  que  realizó  
en  1789.  
 
3.  LA  MÚSICA,  LA  ÓPERA    Y  LA  DANZA  EN  EL  ROMANTICISMO  
 
Como  señalamos  anteriormente,  el  Romanticismo  propició  la  conexión  e  interrelación  entre  todas  las  artes.  Con  
respecto   a   la   música,   la   cronología   abarca   el   período   comprendido   entre   los   años   1800-­‐1890,   aunque   hay  

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 De  izquierda  a  derecha,  los  siguientes  personajes:  Carlos  María  Isidro,  hijo  de  Carlos  IV  y  María  Luisa  de  Parma;  el  futuro  Fernando  VII,  hijo  primogénito  de  
la  real  pareja;  Goya;  Doña  María  Josefa,  hermana  de  Carlos  IV;  un  personaje  desconocido  que  podría  ser  destinado  a  colocar  el  rostro  de  la  futura  esposa  de  
Fernando   cuando   éste   contrajera   matrimonio,   por   lo   que   aparece   con   la   cabeza   vuelta;   María   Isabel,   hija   menor   de   los   reyes;   la   reina   María   Luisa   de   Parma  
en   el   centro   de   la   escena,   como   señal   de   poder   ya   que   era   ella   la   que   llevaba   las   riendas   del   Estado   a   través   de   Godoy;   Francisco   de   Paula   de   la   mano   de   su  
madre,   de   él   se   decía   que   tenía   un   indecente   parecido   con   Godoy;   el   rey   Carlos   IV,   en   posición   avanzada   respecto   al   grupo;   tras   el   monarca   vemos   a   su  
hermano,  Don  Antonio  Pascual;  Carlota  Joaquina,  la  hija  mayor  de  los  reyes,  sólo  muestra  la  cabeza;  cierra  el  grupo  D.  Luis  de  Parma;  su  esposa,  María  Luisa  
Josefina,  hija  también  de  Carlos  IV;  y  el  hijito  de  ambos,  Carlos  Luis,  en  brazos  de  su  madre.  Todos  los  hombres  retratados  portan  la  Orden  de  Carlos  III  y  
algunos   también   el   Toisón   de   Oro,   mientras   que   las   damas   visten   a   la   moda   Imperio   y   ostentan   la   banda  de   la   Orden   de   María   Luisa.   Carlos   IV   también   luce  
la  insignia  de  las  Ordenes  Militares  y  de  la  Orden  de  Cristo  de  Portugal.
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corrientes  que  presentan  características  románticas  antes  de  estas  fechas  y  en  algunos  países  se  extenderá  hasta  
bien  entrado  el  siglo  XX.    
Las  notas  distintivas  de  la  música  vinculada  al  Romanticismo  son:  
*Carácter   nacionalista:   la   música   del   Romanticismo,   según   los   diversos   países,   suele   tener   rasgos   políticos   e  
identitarios   de   las   diversas   naciones   europeas.   Es   el   caso   especialmente   de   Alemania   e   Italia,   países   que  
consiguieron  su  unificación  en  pleno  siglo  XIX.  El  nacionalismo  afectará  a  todas  las  artes  y  muy  en  especial  a  la  
música.  
*Superación  del  Clasicismo  –la  etapa  anterior-­‐.  Los  artistas  románticos  desean  romper  con  las  rígidas  normas  del  
Clasicismo,  y  buscan  nuevas  formas  de  expresión  que  les  permitan  dar  rienda  suelta  a  su  impulso  creador.  En  esta  
época  de  anhelo  de  libertad.  Crean  obras  para  un  público  que  en  ocasiones  les  adora,  aunque  no  siempre13.    
*Exaltación  de  los  sentimientos  y  las  pasiones.  Este  rasgo  es  muy  carácterístico  de  la  ópera  de  esta  etapa  y  de  
algunas   composiciones   musicales,   de   fuerte   lirismo.   La   música   es   la   correa   de   transmisión   de   los   sentimientos.   El  
piano  se  configura  con  el  instrumento  estrella  de  esta  etapa.    
*Brilla  la  subjetividad  del  artista,  considerado  en  ocasiones  como  un  auténtico  genio.  
*   Aparición   de   nuevos   géneros,   como   el   lied,   los   poemas   sinfónicos   o   el   drama   musical   (ópera   de   Wagner).  
Recordemos   que   el   lied   –en   plural   en   alemán   lieder-­‐   son   composiciones   líricas   cantadas   por   un   solista   con  
acompañamiento  instrumental  del  piano.  
*Búsqueda   de   la   unión   de   todas   las   artes,   es   decir,   la   obra   de   arte   total   o   Gesamtkunstwerk   que   aúna   música,  
literatura,  danza,  escenografía,  etc.  
*La  vida  musical  europea  experimentó  en  esta  etapa  un  periodo  de  gran  intensidad  en  torno  a  ciudades  como  
París,   Viena,   Londres,   etc.   Los   escenarios   eran   muy   diversos,   desde   teatros   paradigmáticos   de   la   época   (como   la  
Scala  de  Milán,  inaugurado  en  1788)  a  salones  privados  donde  se  llevaban  a  cabo  veladas  musicales.  
 
*Etapas:          
 
Prerromanticismo  (1800-­‐1830):  Beethoven  será  la  figura  clave,    bisagra  entre  el  Clasicismo  y  el  Romanticismo.  En  
esta  etapa  destaca  también  Schubert14,  que  logrará  la  expresión  plena  del  lirismo  romántico  en  sus  piezas  para  
piano  y  en  los  lieder.  Beethoven  y  Schubert  fueron  consumados  pianistas  como  muchos  de  los  compositores  de  
su  época.  De  ahí  que  en  sus  obras  incorporaran  de  inmediato  los  recursos  técnicos  que  ofrecía  el  instrumento,  en  
vertiginosa  evolución  desde  su  invención  décadas  atrás.  
Romanticismo   pleno  (1830-­‐1850):  es  la  etapa  de  la  plenitud  del  romanticismo  musical,  que  se  difunde  por  toda  
Europa.  La  capital  de  la  música  del  Romanticismo  es  París.  Es  la  época  del  virtuosismo  instrumental  con  autores  
como  Franz  Listz  (piano)  o  Paganini  (violín).    
Romanticismo   tardío   (1850-­‐1890):   en   esta   etapa   triunfa   la   ópera   alemana   con   Wagner   y   la   italiana   con   Verdi  
entre  otros.  Entre  los  compositores  descuella  Brahms.  
 

             
 
13
 Algunos  músicos  componen  sus  obras  motu  propio,    sin  encargos  previos,  lo  que  propiciará  la  ruina  de  muchos  de  ellos.  
14
 Como   asegura   Luis   Gago,   Franz   Schubert   representa   un   caso   único   en   la   historia   de   la   música.   Fue   casi   coetáneo   de   Ludwig   van   Beethoven   pero,   al  
contrario  que  él,  no  gozó  prácticamente  de  ningún  reconocimiento  en  vida.  Los  dos  vivieron  toda  su  vida  adulta  en  Viena,  uno  como  el  compositor  más  
famoso   y   rupturista   de   su   tiempo,   y   el   otro   luchando   infructuosamente   para   que   se   reconociera   su   genio   y   se   publicaran   e   interpretaran   sus   obras.   La  
temprana   muerte   de   Schubert   y   la   rápida   eclosión   del   Romanticismo   musical   contribuyeron   aún   más   a   que   gran   parte   de   su   música   permaneciera   en   el  
olvido  durante  décadas,  valorada  y  apreciada  sólo  por  un  reducido  círculo  de  entendidos,  con  varios  de  los  grandes  compositores  románticos  a  la  cabeza.  
Sólo   a   mediados   del   siglo   XX   empezó   a   cobrarse   conciencia   de   la   verdadera   dimensión   y   de   la   semilla   de   futuro   de   sus   creaciones,   valorándose   no   sólo   sus  
Lieder  (compuso  más  de  seiscientos),  los  que  más  fama  le  reportaron  en  su  tiempo,  sino  también  sus  innovaciones  armónicas.  
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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

Ludwig  van  Beethoven  (1770-­‐1827)  

Ludwig   van   Beethoven   es,   probablemente,   el   más   célebre   compositor   del   período   romántico   y   uno   de   los  
grandes   músicos   de   todos   los   tiempos.   Ejemplifica   el   ideal   de   genio   romántico,   de   gran   éxito   en   vida,   pero  
marcado   por   la   sordera   que   empañó   sus   últimos   años,   como   le   ocurrió   a   Goya.   Ha   sido   una   figura   mítica   del  
nacionalismo   alemán.   Su   pervivencia   en   nuestra   cultura   innegable,   como   lo   demuestra   el   hecho   de   que   sean  
habituales  los  conciertos  de  sus  composiciones  y  sean  numerosas  las  películas  sobre  su  vida  y  obra15.    
Beethoven  nació  en  Bonn  (Alemania)  en  1770.  Allí  se  conserva  su  casa-­‐museo.  Murió  en  1827.  Tuvo  una  infancia  
dificil  ya  que  su  padre  era  alcohólico  y  violento.  Al  descubrir  el  talento  musical  de  su  hijo  le  impuso  un  estricto  
régimen  de  estudios  de  piano.  En  Viena  conoció  a  Mozart,  y  posteriormente  a  Haydn,  quien  lo  invitó  a  estudiar  
con   él   en   la   capital   austriaca   donde   acude   en   1792   para   instalarse   definitivamente.   En   1801   comienzan   los  
primeros  síntomas  de  sordera,  a  los  que  seguirán  problemas  psicológicos,  por  lo  que  en  1812  redacta  el  conocido  
como   Testamento   de   Heiligenstadt,   casi   al   borde   del   suicidio.   De   espíritu   perfeccionista,   hizo   múltiples  
correcciones  de  sus  manuscritos,  por  lo  que  su  catálogo  de  obras  no  es  tan  abundante  como  cabría  esperar.  Su  
estilo  sinfónico  influiría  en  las  siguiente  generaciones  de  compositores  y  se  proyecta  hasta  bien  entrado  el  siglo  
XX.  
 
La  ópera  
Durante  el  Romanticismo  la  ópera  experimenta  una  gran  desarrollo  y  se  convierte  en  el  espectáculo  preferido  de  
la   burguesía.   La   ópera   es   el   arte   decimonónico   y   romántico   por   excelencia.   Se   construyen   teatros   por   toda  
Europa  y  algunos  cantantes  se  convierten  en  verdaderos  divos  aclamados  por  el  público.  
En   Italia,   cuna   de   la   ópera,   es   donde   surgen   las   principales   escuelas   que   marcarán   el   desarrollo   del   género  
operístico   en   el   resto   de   Europa.   Podemos   destacar   dos   tendencias   operísticas   que   se   van   a   dar   a   lo   largo   del  
Romanticismo:  Bel  Canto  y  Verismo.  
 
*   BEL   CANTO:   Fue   una   etapa   –breve-­‐   de   la   historia   de   la   música   caracterizada   porque   se   concede   más  
importancia  a  la  melodía  –bellísimas-­‐   que  al  ritmo  o  la  armonía.  Se  hace  hincapié  en  el  virtuosismo  vocal  de  los  
cantantes   –las   voces   deben   sobresalir   sobre   la   orquesta-­‐   y   en   el   dramatismo   emocional.   Son   ejemplos   de   esta  
tendencia:   los   compositores   G.   Donizetti   con   "El   elixir   del   amor",   V.   Bellini   con   "Norma"   y   G.   Rossini   con   "EL  
barbero   de   Sevilla".   Esta   ópera   fue   la   más   representada   en   todo   el   siglo   XIX.   Con   el   Bel   Canto   surgió   por   primera  
vez  el  “do  de  pecho”  (utilizando  el  pecho  como  caja  de  resonancia  y  no  en  falsete).  G.  Dupré  fue  el  primero  en  
conseguirlo.  Entre  las  melodías  más  conocidas  del  Bel  Canto  destacan  “una  furtiva  lágrima”  de  Donizetti  o  “Casta  
diva”  de  Bellini.  
*  VERISMO:  surge  a  finales  del  siglo  XIX  ligado  al  realismo  y  naturalismo  literario.  Oscilan  entre  el  realismo  y  el  
romanticismo.  Los  máximos  representantes  de  este  tipo  de  ópera  son  P.  Mascagni  con  "Caballería  rusticana"  y  G.  
Puccini  con  sus  impresionantes  óperas  "Tosca",  "  La  Bohème"  o  "Madame  Butterfly".  
 

                                                                                     
 
Giuseppe  Verdi  (1813-­‐1901)  
El  genio  de  la  ópera  italiana,  Giuseppe  Verdi  nace  en  Roncole  di  Busseto  (ducado  de  Parma  por  entonces)  en  1813  
en  el  seno  de  una  familia  de  agricultores.  Durante  su  infancia  recibe  clases  de  música  del  organista  de  la  iglesia  de  

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 También  la  música  de  Beethoven  aparece  en  obras  de  teatro,  documentales,  y  películas  como  El  pianista  (2002)  o  El  discurso  del  rey  (2010).  
 
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su   pueblo.   Prosiguió   sus   estudios   musicales   de   forma   intermitente   hasta   que   encontró   un   mecenas,   Antonio  
Barezzi,  un  comerciante,  amante  de  la  música  y  presidente  de  la  Filarmónica  local  que  le  costeará  los  estudios  de  
música.   Será   en   el   futuro   su   yerno   porque   se   casó   con   su   hija   Margarita   que   le   dará   dos   hijos.   Verdi   realizó  
estudios  de  música  en  Milán16  –aunque  no  en  el  Conservatorio  ya  que  no  superó  el  examen  de  ingreso-­‐  .  
En  1839  consiguió  estrenar  su  primera  ópera  en  el  Teatro  de  la  Scala  de  Milán17,  obteniendo  un  discreto  éxito.    
Sus   óperas   suelen   inspirarse   en   autores   románticos   como   Schiller   (Luisa   Miller),   Víctor   Hugo   (Hernani),   Alejandro  
Dumas  (La  Traviata),  Byron  (Los  Corsarios)  o  Scribe  (Un  Ballo  in  Maschera),  así  como  en  dramaturgos  españoles  (Il  
Trovatore)   y   por   supuesto   las   miserias   y   bajas   pasiones   de   las   tramas   shakesperianas.   La   base   sobre   la   que   se  
sustenta  su  ópera  es  la  contradictoria  idea  que  “inventar  la  verdad  es  mucho  mejor  que  copiarla”.  
 

                   
 
El  fallecimiento  de  su  jovencísima  esposa  y  de  sus  dos  hijos  en  breve  intervalo  de  tiempo  le  sumieron  en  una  gran  
tristeza.   Afortunadamente,   en   1842   estrenó   su   gran   ópera   Nabucco   con   la   que   obtendría   un   clamoroso   éxito  
popular,  especialmente  el  coro  de  los  esclavos  de  Nabucco,  que  fue  interpretado  en  clave  de  liberación  patriótica  
frente  al  dominio  de  los  austriacos  que  gobernaban  el  norte  de  Italia.  Fue  tan  popular  que  la  gente  lo  cantaba  por  
la  calle.  Se  convirtió  en  un  himno  italiano.    1842  es  un  año  vital  en  su  vida,  ya  que  conoce  a  la  soprano  y  pianista  
Giuseppina  Strepponi   que   será   su   segunda   mujer   y   a   la   la   condesa   Clarina   Maffei,   gracias   a   la   cual   se   le   abren   las  
puertas   de   la   alta   sociedad   milanesa.   Comienza   entonces,   una   fructífera   etapa   en   su   producción   operística,  
trabajando  sin  descanso.  En  la  década  de  los  40  estrena  varias  óperas  como  Hernani  (en  italiano  Ernani),  I   due  
foscari,   Macbeth,   etc.     En   los   años   50   su   éxito   se   acrecienta   con   el   estreno   de   sus   tres   óperas   más   populares:  
Rigoletto  ,  Il   Trovatore  y  La   Traviata.   En   la   década   de   los   60   participa   en   política   ya   que   será   diputado   del   primer  
parlamento  italiano  y  en  1874  fue  elegido  senador.  Por  entonces  compone   La  forza  del  destino   (1862)  y  la  célebre  
Don  Carlos  (1867),  basada  en  la  trágica  historia  del  hijo  del  rey  español  Felipe  II.    
Verdi  también  encontró  el  modo  y  el  tiempo  de  dedicarse  a  los  demás,  en  especial  a  los  más  necesitados:  en  1888  
inauguró   un   hospital   en   Villanova   D’Arda,   enteramente   financiado   por   él   y   en   1880   compró   un   terreno   para  
construir  una  “Casa  di  Riposo  per  Musicisti”,  que  todavía  existe  y  que  consideraba  como  su  “obra  más  bella”.  En  
sus  últimos  años  de  vida  escribe  la  ópera  Otello;  la  única  ópera  cómica,  Falstaff  y  en  1898  varias  composiciones  
de   música   sacra18.   Murió   en   Milán   en   1901,   aclamado   y   adorado   por   el   público,   convertido   en   un   símbolo  
nacionalista  de  la  cultura  italiana.  Recordemos  que  hasta  su  apellido  pasó  a  ser  un  acrónonimo  de  reivindicación  
de  la  unidad  italiana  a  través  del  rey:  Vittorio  Emmanuele  Rey  De  Italia.  
 
Richard  Wagner  (1813-­‐1883)  y  la  mitología  germánica  
Durante   la   primera   mitad   del   siglo   XIX   se   desarrolló   en   Alemania   una   ópera   inspirada   en   la   mitología   y   la  
literatura   germánica.   Son   obras   de   gran   dramatismo,   en   las   que   el   protagonismo   se   halla   en   la   naturaleza,   lo  
mágico   y   sobrenatural.   Los   orígenes   de   este   tipo   de   ópera   legendaria   tienen   a   Carl   María   von   Weber   a   su  
principal   configurador   con   su   obra   “El   cazador   furtivo”.   Pero   el   compositor   que   marcaría   la   pauta   de   la   ópera  
alemana   en   el   siglo   XIX   fue   el   genial   Richard   Wagner.   De   vida   un   tanto   turbulenta,   y   carácter   egocéntrico   y  
dominante,  no  solo  fue  compositor  de  óperas,  también  fue  director  de  orquestas,  poeta,  dramaturgo  y  teórico  
musical  alemán.    
 

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 Su  profesor  fue  el  músico  Vincenzo  Lavigna  del  que  recibió  en  Milán  clases  particulares.  
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 La  ópera  se  llamaba  “Oberto  Conte  di  San  Bonifacio”.  
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 Stabat  Mater  ,  Laudi  alla  Vergine  e  Te  Deum.    
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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

             
 
Wagner  nació  en  Leipzig  y  murió  en  Venecia.  Su  pasión  por  la  música  comenzó  al  conocer  las  obras  de  Weber  y  
Beethoven.   Fue   músico   prácticamente   autodidacta.   Después   de   una   vida   disipada   entre   el   juego   y   las   mujeres,  
contrae   matrimonio   y   se   instaló   primero   en   París   y   luego   en   Dresde,   donde   encontrará   el   éxito.   Por   motivos  
políticos  –estuvo  involucrado  en  partidos  nacionalistas  de  izquierda  19-­‐  se  exilió  en  Suiza.  Vuelve  a  Munich  y  allí  se  
separa   de   su   esposa   y   comienza   una   relación   amorosa   con   Cosima,   hija   de   Franz   Listz   y   esposa   de   Hans   von  
Bülow.  De  carácter  egocéntrico  y  dominante,  tuvo  acérrimos  adversarios  y  grandes  partidarios  y  amigos.  
El   principal   legado   artístico   de   Wagner   son   sus  obras   operísticas.   Fue   el   renovador   de   la   ópera   romántica   que   en  
su  caso,   dado   el   intenso   dramatismo   de   sus  tramas   se   han   denominado   como   “dramas   musicales”   (aunque   él   no  
usó  ese  nombre  para  referirse  a  ellas).  En  sus  óperas  no  se  limita  a  escribir  la  música  sino  también  los  textos  (el  
libreto).    A  estos  libretos  los  denominaba  “poemas”.  Sus  textos  son  exaltados,  ampulosos,  con  un  vocabulario  
muy  barroco.  
Los  dramas  musicales  de  Wagner  se  caracterizan  por:    
*La  ópera  para  Wagner  es  Gesamtkunstwerk  o  "la  obra  de  arte  total",  ya  que  busca  la  fusión  de  todas  las  artes  
(poesía,  música,  escenografía,  acción,...)  que  se  aglutinan  de  manera  inseparable  en  sus  obras.  
*Utiliza  la  melodía  infinita,  que  no  se  interrumpe,  para  dotar  de  mayor  dramatismo  a  su  obra.  
*La   música   está   al   servicio   de   la   expresión   dramática.   La   orquesta   tiene   un   papel   principal   en   el   desarrollo   y  
explicación  de  la  acción.  
*Wagner  confería  igual  importancia  a  la  orquesta  que  al  canto.    
*En  sus  últimas  óperas  incluye  el  uso  de  leitmotivs,  temas  o  motivos  musicales  que  se  van  repitiendo  a  lo  largo  de  
toda  la  composición  
*Son  óperas  larguísimas:  pueden  sobrepasar  las  cinco  horas  sin  interrupciones.  
*Durante  una  etapa  de  su  vida,  fue  amigo  del  filósofo  alemán  Nietzsche20  y  en  sus  óperas  se  puede  observar  la  
influencia  de  diversos  filósofos  como  Schopenhauer,  Pierre-­‐Joseph  Proudhon  y  Ludwig  Feuerbach.  
*Por   lo   que   se   refiere   a   la   mitología   nórdica   presente   en   sus  ópera,   Wagner   encontró   en   la   Biblioteca   Real   de  
Dresde   unos   manuscritos   que   trataban   de   la   leyenda   de   los   nibelungos   y   de   Sigfrido,   personajes   típicos   de   la  
mitología   escandinava   que   conforman   una   de   las   “sagas”   más   famosas   de   esta   literatura.   Las   sagas   eran  
leyendas   sobre   seres   heróicos   o   mitológicos.   La   mitología   escandinava   es   casi   tan   complicada   como   la   greco-­‐
romana  y  presenta  algunas  analogías  con  ella,  a  causa  del  común  origen  de  estos  pueblos.  La  mitología  nórdica  
se  basa  mucho  en  las  fuerzas  luminosas  y  benéficas  de  la  naturaleza  (el  sol,  la  luz,  la  lluviaeran  diosas)  y  en  las  
malignas   (borrascas,   frío,   fuego   volcánico,   …)   representados   por   gigantes,   seres   monstruosos.   Los   enemigos   de  
los  dioses  eran  los  enanos  (nibelungos),  que  surgieron  de  las  tinieblas  subterráneas  hasta  el  fondo  de  los  ríos  y  
los   lagos.   Los   dioses   de   las   sagas   nórdicas   son   muy   guerreros.   El   dios   principal   es   Odín,   que   nos   recuerda   mucho  
al  Zeus  griego  o  al  Jupiter  romano.  Las  valkirias  eran  las  vírgenes  guerreras  que  cabalgaban  sobre  las  nubes  con  
indómitos   corceles.   Descendían   al   campo   de   batalla   para   llevarse   a   los   héroes   caídos   al   Valhalla,   el   paraíso.  
Brunilda  era  la  preferida  de  Odín.  Su  desobediencia  –por  proteger  a  un  héroe  llamado  Siegmund-­‐   la  hizo  perder  
la  esencia  divina  y  convertirse  en  una  simple  mujer.  Entonces  Odin  la  sumió  en  un  sueño  eterno  y  la  abandonó  en  

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 Wagner  era  claramente  de  tendencia  antisemita  como  se  puede  comprobar  leyendo  sus  escritos.  
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 Friedrich  Nietzsche  formó  parte  del  círculo  de  amigos  más  íntimo  de  Wagner  durante  la  década  de  1870  y  su  primera  obra  publicada,  El  nacimiento  de  la  
tragedia   en   el   espíritu   de   la   música,   es   un   canto   a   la   música   de   Wagner   como   ideal   regeneracionista   dionisíaco   frente   a   la   decadente   cultura   europea  
apolínea.   Pero   Nietzsche   rompió   su   relación   con   el   compositor   después   del   primer   Festival   de   Bayreuth,   cuando   detectó   en   él   signos   de   complacencia   con  
el  cristianismo  así  como  sumisión  al  nuevo  Imperio  alemán.  
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un   castillo   rodeado   de   fuego   para   que   nadie   llegara   hasta   ella.   Pero   Sigurd   (Siegfried),   el   más   valiente   de   los  
héroes,  atravesó  las  llamas  y  la  despertó.  
El  anillo  del  Nibelungo  wagneriano  es  una  síntesis  de  la  mitología  nórdico-­‐germánica.  Una  amalgama  de  diferentes  
cuentos  mitológicos  que  destila  una  historia  que  abarca  el  principio  y  el  fin  de  un  mundo.  Una  obra  que  ha  sido  
interpretada  en  un  número  casi  infinito  de  formas. La  esencia  del  drama  de  El  Anillo  es  una  lucha  entre  el  poder  
(o   la   política)   y   el   amor. Wagner   muestra   como   el   amor   puede   luchar   contra   estas   injusticias,   aunque   todo   el  
mundo  pueda  ser  destruido  en  dicha  lucha.    
Wagner  reinterpreta  la  mitología  a  su  manera,  siguiendo  el  gusto  romántico  del  momento,  siempre  dentro  de  un  
gran  simbolismo  de  carácter  filosófico.  Como  señalaba  Nietzche,  Wagner  es  mucho  más  que  música…  
 
*  Entre  sus  principales  óperas,  todas  de  gran  complejidad  y  ambientadas  en  la  mitología  escandinava  destacan  
"Tristán   e   Isolda"   –considerada   como   la   ópera   iniciadora   de   la   música   moderna-­‐,   "Tannhäuser",   “El   holandés  
errante”   y   la   tetralogía   "El   anillo   de   los   Nibelungos".   Resumidamente,   esta   ópera   cuenta   la   historia   del   héroe  
Siegfried  que  debe  recuperar  un  anillo  de  oro  que  han  fabricado  los  nibelungos  tras  robar  el  mineral  de  las  aguas  
del  Rin.  Siegfried  tiene  que  devolver  ese  anillo  a  las  hijas  del  Rin  pero  no  lo  consigue  y  muere.  Un  drama  al  más  
puro  estilo  romántico.  
*Gracias   al   mecenazgo   del   rey   Luis   II   de  Baviera,   Wagner   concibió   un   teatro   y   un   festival   llamado  Bayreuth  en   la  
ciudad   alemana   de   homónimo   nombre,   dedicado   a   la   representación   de   sus   óperas.   Hoy   en   día   este   festival,  
meca  de  peregrinación  para  los  entusiastas  de  Wagner,  lo  dirigen  los  descendientes  de  este  compositor  alemán.  
 
 
*La   obra   de   Wagner   ha   influido   en   filósofos,   escritores,   artes   visuales   y   teatro   del  
siglo   XX.   Por   lo   demás,   fue   el   compositor   musical   favorito   de   Hitler.   Gustav  
Mahler   afirmó   sobre   él,   «solo   hubo   Beethoven   y   Wagner;   y   después   de   ellos,  
nadie»  
 
Por  último,  hay  que  subrayar  que  a  través  de  youtube  podemos  disfrutar  on-­‐line  
de   extractos   de   óperas   de   los   compositores   citados,   con   actuaciones   estelares   de  
María  Callas,  Enrico  Caruso,  Montserrat  Caballé,  Pavarotti,  Plácido  Domingo,  Alfredo  Kraus,  etc.  
 
La  danza  en  el  Romanticismo  
El  ballet  es  una  de  las  artes  escénicas.  El  término  “ballet”  procede  del  italiano  “balleto”,  diminutivo  de  “ballo”  
que  quiere  decir  danza.  Esta  palabra,  que  es  francesa,    deriva  del  latín  y  a  su  vez  del  griego.      
El   ballet   es   un   tipo   de   danza   que   se   remonta   al   Renacimiento   italiano   (siglo   XV).   Ya   durante   el   siglo   XVII,   en  
Francia,  en  la  corte  de  Luis  XIV,  el  rey  Sol,  surge  la  mayor  parte  de  vocablos  relativos  al  ballet,  por  supuesto  en  
francés.   Todavía   hoy   se   utiliza   esta   terminología.   El   ballet   es   un   tipo   de   danza   con   una   enorme   difusión   por   todo  
occidente  (Europa,  Estados  Unidos,  etc.)  
El  ballet  romántico  apareció  a  inicios  del  siglo  XIX  y  cronológicamente  se  extiende  de  1815  a  1845-­‐1850.  El  ballet  
romántico   abandonó   los   mitos   de   la   Grecia   antigua   para   centrarse   en   la   mitología   nórdica,   poblada   de   elfos  
(enanos  con  poderes  mágicos21),  ondinas  (ninfas  de  las  aguas)  y  trolls  (monstruos).  Es  una  danza  etérea,  llena  de  
gracia   y   delicadeza.     A   inicios   del   Romanticismo   algunos   coreógrafos   franceses   se   instalaron   en   Rusia22  –en  
particular  el  bailarín  y  coreógrafo  Marius  Petipá-­‐  siendo  el  gérmen  de  una  escuela  de  ballets  rusos,  cuyo  prestigio  
y   relevancia   se   han   mantenido   hasta   la   actualidad   (Ballet   Bolshoi   de   Moscú,   el   Marinsky   de   San   Petersburgo   …).  
Petipa  es  célebre  sobre  todo  por  sus  coreografías  de  los  ballets  Cascanueces,  La  bella  durmiente  o  El  lago  de  los  
cisnes  con  música  de  Tchaikovsky  (1840-­‐1893).    
La   palabra   “clásico”   como   sinónimo   de   “ballet   romántico”   hizo   su   aparición   con   los   Ballets   rusos   en   1910   y  
actualmente  se  sigue  denominando  así.  Estos  ballets  continúan  representándose  en  todo  el  mundo.  
El  primer  gran  ballet  romántico  fue  “La  Sílfide”  (La  Sylphide).  Las  sílfides  en  la  mitología  nórdica  son  un  tipo  de  
ninfas   etéreas,   bellas   y   delgadas,   espíritus   del   aire.   Este   ballet   fue   estrenado   en   el   Teatro   de   la   Ópera   de   París   en  

21
 Eran  herreros,  orfebres,  alquimistas…
22
 Entre  los  bailarines  destacados  se  encuentra  el  ruso  V.  Nijinski  (1890-­‐1950).    
15
Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

1832  por  el  coreógrafo   Filippo  Taglioni  para  su  hija  María.  Fue  la  apoteosis  del  ballet  blanc23  (ballet  blanco)  que  
triunfará  durante  treinta  años.    
 

                                                                     
 
María  Taglioni   (1804-­‐1884)   se   convertirá   en   la   gran   bailarina   de   la   época   romántica,   participando   en   los   estrenos  
de   los   ballets   de   los   principales   compositores.   Era   sueca   de   origen   italiano   y   fue   la   primera   en   llevar   tutú,  
precisamente   en   el   ballet   de   la   Silfide   y   en   bailar   ese   ballet   en   puntas,   aunque   se   atribuye   la   invención   de   esa  
técnica   a   la   bailarina   italiana   Amalia   Brugnoli   en   1823   en   Viena.24  A   partir   de   María   Taglioni,   el   tutú   será   el  
“uniforme”  por  excelencia  de  la  bailarina  de  ballet  clásico.    
Tanto   con   el   tutú   -­‐que   es   una   falda   de   ballet   compuesta   por   varias   capas   de   tul25-­‐   como   con   las   puntas,   se  
conseguía   que   la   bailarina   fuera   un   ser   etéreo,   ingrávido,   delicado,   elegante   y   muy   femenino.   El   tutú  
normalmente  va  cosido  a  un  “bustier”  o  cuerpo.    
Aunque  con  diversas  variantes,  podemos  distinguir  dos  tipologías  principales  de  tutús:  
*El  tutú  largo  romántico,  también  llamado  “tutú  Degas”,  por  referencia  al  pintor  impresionista  Degas  que  pintó  
decenas  de  bailarinas.  
*El  tutú  plateau  o  “plato”  por  sus  formas  redondas,  que  parten  desde  la  cadera,  nunca  desde  la  cintura.    
La  elección  de  un  tutú  u  otro  depende  del  tipo  de  ballet  que  se  va  a  representar,  por  ejemplo  Giselle  suele  ser  con  
tutú  largo  mientras  que  en  El  Lago  de  los  cisnes  o  Don  Quijote26  predomina  el  tutú  plato.  
 

                 
 
Los   materiales   que   se   utlizan   para   su   fabricación   son   ligeros,   finos,   fluidos   y   dejan   pasar   la   luz.   Pueden   estar  
fabricados  con  tul,  gasa,  muselina,  organza  …  incluso  nilon  en  el  siglo  XX.  
El  término  tutú  surgió  mucho  después  de  creada  la  prenda,  en  concreto  en  1881.  Una  hipótesis  sobre  el  origen  de  
este  vocablo  considera  que  deriva  del  material  con  el  que  están  hechos  los  tutús,  el  “tul”.  En  aquella  época,  eran  
las   propias   bailarinas   las   que   debían   costearse   el   tutú   que   llevaban   en   escena,   con   dimensiones   estrictas   en  
cuanto   al   largo   de   la   falda.   Con   el   tiempo,   las   faldas   de   los   tutús   fueron   acortándose,   permitiendo   así,   mayor  
libertad   de   movimientos   a   las   bailarinas.   A   finales   del   siglo   XIX,   los   tutús   en   el   Teatro   de   la   Ópera   de   París,  

23
 El  ballet  blanco  fue    creado  en  París  y  se  caracteriza  porque  es  una  escena  en  la  que  se  visten  de  blanco  todos  los  integrantes  del  corps  o  cuerpo  de  baile.  
Desde  los  tiempos  del  ballet  romántico  estas  escenas  están  pobladas  por  hadas,  sílfides,  etc.  
24
 En  la  década  de  los  20  y  los  30,  la  bailarina,  coreógrafa  y  actriz  Harriet  Hoctor,  llevó  el  baile  en  puntas  al  género  de  vaudeville  y  burlesque.  
25
 Habitualmente  de  3  a  5  capas  de  tul.  
26
El  bellísimo  ballet  Don  Quijote  fue  estrenado  en  1869  en  el  Teatro  Imperial  de  Bolshoi  de  Moscú,  con  coreografía  y  libreto  de  Marius  Petipa  y  música  de  
Ludwig  Minkus.  
16
llegaban  hasta  las  rodillas.  Los  tutús  también  fueron  cada  vez  más  cortos  por  motivos  de  seguridad,  ya  que  una  
falda   demasiado   larga   corría   el   riesgo   de   prenderse   con   el   gas   que   se   utilizaban   en  las   escenografías.   Es   lo   que   le  
ocurrió  a  la  prometedora  bailarina  Emma  Livry,  costándole  la  vida  en  1863,  con  tan  solo  20  años  de  edad.  
 

               
 
Diseñadores   de   moda   del   siglo   XX   como   Jean   Paul   Gaultier,   Valentino,   Christian   Lacroix   o   el   español   Lorenzo  
Caprile   utilizan   este   símbolo   de   la   danza   clásica   como   motivo   de   inspiración   en   sus   diseños   para   diversos  
espectáculos   (ballet,   ópera,   etc.)   y   también   en   sus   colecciones   de   moda.   Por   lo   demás,   hoy   en   día   es   habitual  
encontrar  en  los  centros  comerciales  diseños  de  faldas  y  vestidos  basados  en  los  ballets  del  Romanticismo.
 
4.  LOS  ORÍGENES  DE  LA  FOTOGRAFÍA  
 
Según   la   Real   Academia   Española   de   la   Lengua   la   fotografía   es   “el   Arte   de   fijar   y   reproducir   por   medio   de  
reacciones   químicas,   en   superficies   convenientemente   preparadas,   las   imágenes   recogidas   en   el   fondo   de   una  
cámara   oscura”.   Considerada   como   el   octavo   arte,   los   orígenes   de   la   fotografía   se   fraguan   en   el   siglo   XVIII  
cuando  el  sueco  C.W.  Scheele  descubre  los  efectos  de  la  luz  sobre  el  cloruro  de  plata,  es  decir,  las  propiedades  
fotosensibles   de   ese   componente.   El   descubrimiento   de   Scheele   abrirá   la   puerta   a   futuras   estudios   que   trataban  
de   captar   la   luz   y   fijarla   en   un   soporte   fotosensible,   originándose   así,   una   copia   exacta   de   un   instante   de   un  
determinado   objeto   fotografiado.   Habremos   de   esperar   al   siglo   XIX,   tras   años   de   investigaciones,   para   que   el  
francés     J.N.   Niepce   (1765-­‐1833)   fuera   el   primero   en   lograr   fijar   con   procedimientos   químicos   una   imagen  
obtenida  a  través  de  una  cámara  oscura.  
 

                   
 
En   1786   logró   la   primera   fotografía   en   negativo   sobre   papel,   descubriendo   en   1822   los   fundamentos   del  
fotograbado.  Años  más  tarde,  en  1829,  firmaría  un  contrato  con  uno  de  los  grandes  pioneros  de  la  fotografía,  el  
pintor   Luis   Jacques   Mandé   Daguerre   (1791-­‐1851),   con   el   objetivo   de   investigar   conjuntamente.   El   fruto   de   esa  
colaboración   fue   el   descubrimiento   de   un   método   simplificado   que   permitía   obtener   imágenes   sobre   una  
superficie  metálica  -­‐de  plata  pulida-­‐  mediante  un  baño  de  yodo.  Se  fijaba  con  sal  de  mar  y  mercurio.  Este  invento,  
denominado   daguerrotipo   de   1839   fue   dado   a   conocer   en   1839   ante   las   Academias   de   Ciencias   y   Bellas   Artes,  
consagrándose  así  oficialmente  el  nacimiento  público  de  la  fotografía.  Pronto  se  popularizaron  los  “retratos  al  
daguerrotipo”  entre  la  clase  burguesa.  Eran  más  económicos  que  los  retratos  pintados  por  lo  que  esta  técnica  
alcanzaría  un  gran  auge  en  el  siglo  XIX.  

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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

Fuente  de  la  imagen: http://ccdoc-­‐documentacionfotografica.blogspot.com.es/2010/10/introduccion-­‐la-­‐documentacion.html  

               

Casi   en   paralelo   a   las   investigaciones   de   Niepce   y   de   Daguerre   se   llevaron   a   cabo   los   trabajos   del   polifacético  
Willian  Henry  Fox  Talbot  (1800-­‐1877),  quien  en  1844  lograría  fijar  sobre  papel  pequeñas  fotografías,  posibilitando  
así  la  obtención  de  copias  de  una  misma  imagen.  Es  el  talbotipo  o  calotipo.  Para  captar  las  imágenes  se  empleaba  
la  cámara  oscura  que  experimentó  constantes  mejoras  en  su  diseño  y  tamaño,  así  como  en  las  lentes  ópticas  u  
objetivos   utilizados,   debido   a   las   aportaciones   de   diferentes   investigadores.   Paulatinamente   se   siguió   innovando  
y  mejorando  en  las  técnicas  fotográficas,  consiguiendo  mayor  calidad  de  imagen,  cromatismo,  etc 27.    En  la  dácada  
de   los   años   60   del   siglo   XIX   comenzó   a   popularizarse   la   fotografía   gracias   a   los   avances   en   las   técnicas   y   el  
abaratamiento   de   su   producción.   Además,   se   introdujeron   nuevos   formatos   fotográficos,   más   fáciles   de  
producir,  en  especial  la  carte  de  visite,  creada  por  el  francés  Disderi,  y  la  fotografía  de  estudio.  Hacia  la  década  de  
los  años  setenta  fue  posible  ya  realizar  fotografías  muy  rápidas  que  captaban  la  imagen  en  movimiento.  A  fines  
del   siglo   XIX   apareció   la   cámara   Kodak   Pocket   que   pronto   alcanzó   un   gran   éxito   de   ventas.   La   producción   de  
fotografías   dejó   así,   de   ser   patrimonio   de   unos   pocos,   y   se   difundió   masivamente.   Por   lo   que   se   refiere   a   los  
géneros  fotográficos,  predominaron  los  retratos,  las  naturalezas  muertas  y  los  paisajes.    

Durante  los  años  setenta  y  ochenta  del  siglo  XIX  destacaron  los  trabajos  de  E.   Muybridge  y  E.J.  Marey  que  no  
sólo   consiguieron   realizar   fotografías   de   gran   interés   estético,   sino   que   con   sus   obras   influyeron   en   diversos  
movimientos  pictóricos  como  el  Impresionismo  o  el  Futurismo.    La  difusión  de  la  fotografía,  procedimiento  capaz  
de   reflejar   la   realidad   de   un   modo   más   perfecto   que   con   una   pintura,   revolucionó   sobremanera   el   mundo   del  

27
 Utilizando  albúmina,  colodión  húmedo,  …  
18
arte.   También   tuvo   un   impacto   formidable   en   la   sociedad,   como   en   todas   las   ciencias   (medicina,   etc.)   Llegó   a  
decirse  que  "ya  que  la  fotografía  nos  da  todas  las  garantías  deseables  de  exactitud,  el  arte  es  la  fotografía".  Por  
contra,   para   el   escritor   y   crítico   de   arte   Charles   Baudelaire,   la   industria   fotográfica   se   convirtió   en   el   refugio  
vengativo   de   los   pintores   fracasados,   que   no   sabiendo   pintar,   se   dedicaban   a   realizar   fotografías.   Lo   cierto   es  
que  muchos  pintores  utilizarán  la  fotografía  como  medio  auxiliar  de  trabajo  o  fuente  de  inspiración.  Es  el  caso  de  
Courbet,  Manet  o  el  propio  Degas28,  quien  además,  fue  un  consumado  fotográfo.    

                     

En   Canarias,   la   fotografía   se   difundió   circa   1840,   particularmente   en   Gran   Canaria   y   Tenerife,   ligado   a   la  
aristocracia   local   y   a   la   colonia   británica   que   allí   vivía.   Los   iniciadores   de   la   fotografía   en   Canarias   eran   fotógrafos  
europeos  (franceses,  ingleses,  italianose,  peninsules…)  a  los  que  pronto  se  les  unieron  los  fotógrafos  locales29.  
Se  sabe  que  en  1839,  poco  después  de  la  presentación  del  daguerrotipo  en  París,  arribó  al  puerto  de  Santa  Cruz  
de  Tenerife  una  fragata  francesa  con  el  daguerrotipista  Louis  Compte,  que  tras  su  escala  en  Canarias,  introdujo  el  
daguerrotipo  en  América  del  Sur  (Brasil,  Uruguay  y  Chile).  Posiblemente  Compte  realizó  las  primeras  fotografías  
de   Canarias,   pero   no   se   han   conservado.  En  1840  ya   existía   en   Tenerife   una   publicación   sobre   fotografía   llamada  
“El  daguerrotipo”  ,  siendo  buena  muestra  de  la  temprana  inclusión  de  este  arte  en  la  sociedad  canaria.  Retratos,  
paisajes,  monumentos…  son  los  géneros  fotográficos  más  habituales  en  los  inicios  de  esta  técnica  en  Canarias.  
Viajeros,  comerciantes,  hombres  de  negocios,  en  su  camino  a  América,  recalaban  en  las  islas  y  en  algunos  casos  
crearon   los   primeros   establecimientos   fotográficos.   En   Gran   Canaria   destacaron   los   gabinetes   fotográficos   de  
Luis   Gonzaga   del   Mármol,   Santos   María   Pego,   Alberto   Boissier   y   Luis   Ojeda.   Es   un   caso   paradigmático   de   los  
fotógrafos   extranjeros   en   las   islas   la   labor   desempeñada   por   el   fotógrafo   noruego   Carl   Norman.   En   1893,  
contratado   por   empresas   británicas,   realizó   varios   reportajes   fotográficos   en   Madeira   y   en   Canarias   con   el  
objetivo  de  mostrar  el  atractivo  de  ambas  e  incentivar  así  las  inversiones  de  capital  anglosajón  en  ellas.    
 
El  pictorialismo  fotográfico    
 
El  pictorialismo  fotográfico  fue  un  estilo  internacional  y  una  tendencia  esteticista  de  las  últimas  décadas  del  siglo  
XIX   e   inicios   del   XX   que   pretendía   crear   fotografías   con   pretensiones   artísticas.   Se   difundió   por   toda   Europa,  
Estados   Unidos   y   Japón.   La   denominación   de   “pictoralismo”   procede   del   vocablo   inglés   “picture”   (que   puede  
aludir   tanto   a   una   imagen   como   a   un   cuadro,   una   pintura   o   una   fotografía).   El   objetivo   es   crear   una   imagen  
artística  manipulando  el  proceso  fotográfico.  Surge  como  reacción  frente  a  la  popularización  de  la  fotografía  de  
aficionados,  que  se  produjo  con  la  comercialización  de  la  cámara  fotográfica  Kodak  –para  su  uso  no  se  requerían  
conocimientos   técnicos-­‐   y   que   permitía   que   cualquiera   pudiera   convertirse   en   un   “fotógrafo”.     También   se  
contrapone   a   la   fotografía   academicista   y   renuncian   a   reproducir   la   realidad   e   imitar   a   la   pintura.   Huyen   de  
considerar  la  fotografía  como  un  mero  registro  de  la  realidad.  Es  por  ello  que  buscan  deliberadamente  efectos  
desenfocados   en   las   imágenes,   lo   que   se   denomina   con   el   nombre   de   “efecto   floue”.   Esas   fotografías,   con  
frecuencia  borrosas,  y  los  temas  elegidos  –el  sueño,  la  vida  en  la  gran  ciudad,  los  paisajes,  retratos,  escenas  de  
ballet,   etc-­‐   señalan   una   fuerte   conexión   con   el   Romanticismo   –Turner-­‐   y   el   Impresionismo   –Degas,   Renoir,   etc-­‐.30  
El  proceso  creativo  se  centraba  en  el  tratamiento  del  revelado,  que  podían  manipular  a  su  antojo.  

28
 Los  escorzos  y  las  composiciones  en  diagonal  de  sus  obras  no  se  entienden  sin  la  influencia  de  la  fotografía  y  de  las  estampas  japonesas.    
29
A  finales  del  siglo  XIX,  entre  los  fotógrafos  extranjeros  de  origen  europeo  en  las  islas  descuellan  las  obras  del  noruego  Carl  Norman,  los  británicos  Chas  
Nanson,  Ensell,  Charles  Medrington,  el  portugués  Joao  Da  Luz  Perestrello,…  
30
 De  hecho  se  ha  denominado  al  pictorialismo  fotográfico  como  “fotografía  impresionista”.  
19
Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

         

Configurado   como   el   primer   movimiento   artístico   en   fotografía,   aspiraban   a   conferirle   la   categoría   de   arte   en  
igualdad   de   condiciones   con   otras   disciplinas   artísticas   como   la   escultura   o   la   arquitectura.   En   definitiva,  
valoraban,   como   buenos   románticos,   la   subjetividad   y   sensibilidad   del   artista.   Por   el   contrario,   concedían   una  
importancia  menor  a  la  técnica.  Realizaban  fotografáis  en  uno  o  más  colores,  también  en  blanco  y  negro.  

               

El  precedente  del  pictorialismo  se  encuentra  en  la  obra  de  los  fotógrafos  Julia  Margaret  Cameron  y    Henry  Peach  
Robinson.  Entre  los  principales  fotógrafos  del  pictorialismo  destacan  Peter  Henry  Emerson  y  Robert  Demachy,    
Constant  Puyo,  Frederick  Henry  Evans  y  en  España,  José  Ortiz  Echagüe,  Massana,  Casals  Ariet,  etc.    

5.  JOYERÍA,  INDUMENTARIA  Y  MOBILIARIO  DE  LA  ETAPA  ROMÁNTICA    

 

Joyas  de  inspiración  historicista  realizados  por  el  orfebre  italiano  Castellani.  Se  basan  en  piezas  arqueológicas  egipcias,  griegas,  etruscas,  
romanas,  bizantinas,  renacentistas,  etc.  siempre  buscando  la  máxima  excelencia  y  calidad.  
 
Aunque   el   siglo   XIX   fue   un   período   de   grandes   transformaciones   económicas   y   sociales   gracias   al   avance   que  
supuso   la   Revolución  Industrial,   los   diseños   de   joyas,   como   el   resto   del   arte   de   la   época,   miran   hacia   el   pasado   a  
través  de  los  revivals  e  historicismos.  Recordemos  que  el  Romanticismo  alienta  la  revalorización  de  otras  épocas  
como  la  Edad  Media.    
Por   otro   lado,   la   expansión   del  comercio   y   en   particular   la   reapertura   de   rutas   comerciales   con   Japón,   a   fines   de  
los  años  50  del  siglo  XIX,  propició  la  exportación  de  arte  japonés  que  ávidamente  se  coleccionaba  e  imitaba  en  
Occidente.   A   todo   ello   se   une   la   aparición   de   nuevos   materiales,   favoreciendo   así   la   popularización   –hasta   cierto  
punto-­‐  de  la  adquisición  de  joyas    por  parte  de  la  burguesía  y  no  solo  de  la  élite  aristocrática.  
 

20
                                                                                            
 
Los   museos   de   Artes   Decorativas   como   el   Victoria   &   Albert   de   Londres,   los   de   Lázaro   Galdiano   y   Cerralbo   en  
Madrid   y   los   Museos   del   Romanticismo   de   París,   Oporto   o   Madrid31     muestran   ejemplos   representativos   de   joyas  
decimonónicas32.  
En   los   primeras   décadas   se   evocan   el   arte   grecorromano,   esto   es,   el   Neoclasicismo.   El   interés   en   las  
antigüedades  era  estimulado  por  los  descubrimientos  arqueológicos  cada  vez  más  frecuentes.  
 

             
 
Y   los   orfebres   intentaron   revivir   antiguas   técnicas   que   imitaban   o   eran   “al   estilo”   de   piezas   antiguas.   También  
surgió   un   interés   en   piezas   inspirados   en   los   períodos   medieval   y   renacentista.   Es   una   etapa   donde   impera   el  
eclecticismo.    
 

       
 
El   nacionalismo   –en   particular   el   italiano-­‐   alcanza   al   diseño   de   joyas   en   un   deseo   de   configurar   una   identidad  
nacional.    Así  por  ejemplo,  el  orfebre  Carlo   Giuliano  o  la  familia  de  joyeros  italianos  Castellani33  reprodujeron  con  
gran   fidelidad   al   modelo   piezas   arqueológicas   de   diversos   estilos   (etruscos,   romanas,   etc.)   creando   así   una  
historia  visual  de  Italia  a  través  de  la  joyería  fomentando  la  unificacion  italiana.    
Los  diseños   de   joyas  se  pueblan  de  piezas  de  carácter  naturalista  en  las  que  abundan  frutas,  insectos  y  flores.  
Estos  motivos  ornamentales  estuvieron  de  moda  desde  los  primeros  años  del  siglo  con  el  desarrollo  del  interés  
por  la  Botánica  y  la  influencia  de  poetas  románticos  como  Wordsworth.  
 

31
 Véase  la  web  del  Museo  Nacional  del  Romanticismo  de  Madrid  http://museoromanticismo.mcu.es/elMuseo.html  y  sus  colecciones  en  Ceres  
http://ceres.mcu.es/pages/SimpleSearch?Museo=MNR  
32
 Decimonónica:  alusiva  al  siglo  XIX.  
33
 Véase  el  excelente  estudio  de  Sally  Hernández  sobre  los  Castellani:  http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/11/castellani.html  
21
Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

     
 
Estas   piezas   con   frecuencia   toman   la   forma   de  pins   o  alfileres  y   broches   muy   ornamentados.   Son   muy   habituales  
los   broches-­‐tembladeras,   esto   es,   que   cuando   la   mujer   que   lo   lleva   se   mueve,   las   joyas   también   “tiemblan”   y  
captan  la  luz.  
Hacia   1850,   los   delicados   diseños   de   inicios   de   siglo   se   volvieron   más   complejos   con   extravagantes   flores   y  
follajes.  Al  mismo  tiempo,  las  flores  se  utilizaban  para  expresar  amor  y  amistad.  Era  el  “lenguaje  de  las  flores”.  
Los  orfebres  buscaban  una  similitud  entre  los  colores  de  las  flores  y  los  colores  de  las  gemas.    
En  contraste  con  etapas  anteriores,  las  joyas  más  elaboradas  las  llevaban  casi  exclusivamente  las  mujeres.  
 

               
 
Entre  las  tipologías  más  usuales  destacan  collares,  broches,  pins  para  el  pelo,  pendientes,  aderezos  o  parure  (que  
ya   veíamos   en   anteriores   siglos).   La   moda   de   mangas   jamón   favoreció   el   que   usaran   grandes   brazaletes.   Los  
pendientes   eran   cada   vez   más   largos   y   abundaban   los   camafeos   y   medallones   (con   retratos   en   su   interior,  
cabello   de   la   persona   amada,   etc.)   También   se   difundió   la   joyería   aplicada   al   pelo   como   la   denominada  
“ferronière”   que   procedía   del   renacimiento   y   consistía   en   una   joya   que   se   llevaba   en   la   frente   suspendida   por  
una  delicada  cadena  o  cuerda.    
Por   lo   demás,   se   difunde   la   técnica  del  dorado  al  mercurio,   también   denominada   ormolu   –oro   molido-­‐.   Consistía  
en   aplicar   a   un   objeto   de   cobre   un   revestimiento   de   oro   molido.   Para   realizar   este   proceso   –también   llamado  
dorado  al  fuego-­‐   se  necesitaba  una  solución  de  nitrato  de  mercurio,  que  era  muy  tóxico  exponiendo  en  peligro  
de  muerte  a  muchos  artesanos  que  utilizaban  esta  técnica.34    
 
Indumentaria  y  Moda  en  el  Romanticismo  
 
La  literatura   romántica  nos  ofrece  la  visión  de  una  mujer  novelesca,  etérea,  un  tanto  irreal    y  musa  de  poetas,  
objeto  de  amores  turbulentos.  Ángel  o  demonio,  es  el  motor  de  inspiración,  sombra  engañosa  que  se  transforma  
en   sílfide,   ondina,   en   un   ideal   o   un   espectro   de   muerte,   incluso.     Paradógicamente,   frente   a   esta   visión  
romancesca   sobre   la   mujer   que   nos   muestra   la   literatura   -­‐que   es   muy   interesante   en   sus   descripciones   de   la  
indumentaria  en  prácticamente  todos  los  autores  románticos-­‐   nos  encontramos  con  la  imposición  progresiva  de  
la  mentalidad  burguesa  que  trae  aparejado  un  ¿nuevo?  arquetipo  de  feminidad:  la  mujer  como  ángel  del  hogar,  

34
 Con  esta  técnica  se  realizaron  sobre  todo  relojes  decorativos  pero  también  motivos  ornamentales  aplicados  a  muebles,  lámparas  o  porcelanas.  
 
22
ente  frágil,  sensible,  recatada  y  sumisa.  Las  fuentes  pictóricas,  en  particular  los  retratos,    así  nos  la  muestran.  Y  
por  supuesto,  la  indumentaria  y  la  moda  de  la  época  romántica,  que  recorre  buena  parte  del  siglo  XIX,  enfatiza  
este  prototipo  de  mujer.  
Aparte  de  las  fuentes  iconográficas  que  nos  ha  legado  el  arte  y  que  son  un  testimonio  esencial  para  conocer  la  
indumentaria  decimonónica,  nos  han  llegado  indumentos  y  tejidos  que  se  conservan  en  colecciones  particulares  
y  museos  como  el  Palacio  Morando  de  Milán.35  Conviene  recordar  que  en  el  siglo  XIX  se  difunden  las  revistas  de  
moda  por  toda  Europa  de  forma  masiva  mientras  van  surgiendo  los  grandes  centros   comerciales  como  Le  bon  
Marché  o  La  Samaritaine  en  París.  
 

                         
 
Sintetizando  mucho,  las  notas  distintivas  de  esta  indumentaria  femenina  del  Romanticismo  son:  
*Es  una  moda  opresora  del  cuerpo,  recatada,  voluminosa  y  extremadamente  incómoda,  que  dificulta  la  libertad  
de   movimientos.   Trasmite   así,   una   imagen   de   la   mujer   como   sujeto   pasivo   e   inerte.   Pero   al   mismo   tiempo   es  
hiperfemenina  ya  que  enfatiza  los  rasgos  esenciales  de  la  anatomía  femenina.    
 

               
 
*La  silueta  evoluciona:  desde  la  V  invertida  hasta  la  S  -­‐  tipo  reloj  de  arena-­‐  que  será  característica  de  otro  estilo,  el  
Modernismo  o  Art  Nouveau.  Predomina  la  cintura  de  avispa,  muy  ceñida  y  ajustada.  
*La   indumentaria   femenina   básica   del   Romanticismo   es   el   vestido   enterizo   o   vestido   compuesto   de   falda   y  
cuerpo.   En   el   cuerpo   encontramos   la   “cotilla”   –con   un   corsé   interno-­‐   que   había   desaparecido   durante   el  
Neoclasicismo,   pero   que   ahora   regresa   con   fuerza.   Las   faldas   son   muy   pesadas,   acampanadas,   con   múltiples  
enaguas   y   volantes.   Se   evolucionará   desde   la   crinolina   hacia   el   polisón.   La   crionolina   al   principio   eran   sencillas  
enaguas  rellenas  de  crin  de  caballo.  Con  el  tiempo  se  fueron  haciendo  más  amplias  y  complejas.  
*El  largo  de  la  falda  hacía  que  pareciese  como  si  la  mujer  se  deslizara  más  que  andar.  
*  Abundan  los  lazos,  bordados  y  encajes.   Era  habitual  la  presencia  de  amplios  cuellos  y  el  canesú:  pieza  superior  
de  la  camisa  o  blusa  a  la  que  se  pegan  el  cuello,  las  mangas  y  el  resto  de  la  prenda.  
*Predominan   los   escotes   “barco”   que   dejan   ver   los   hombros,   y   las   mangas   jamón   –muy   amplias-­‐,   que   nos  
retrotraen  a  la  moda  de  inicios  del  Renacimiento  italiano.  
*Sobre   los   trajes   encontramos   chaquetas-­‐capas,   chales36,   y   sobre   la   cabeza   todo   tipo   de   sombreros   y   capotas  
cubiertas  con  flores,  plumas  y  lazos. En  invierno  se  suele  recurrir  al  uso  de  redingotes  o  vestidos-­‐abrigo.  
 

35
 Véase  http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/09/el-­‐palacio-­‐morando-­‐museo-­‐de-­‐la-­‐moda-­‐de.html.  
36
 Los  chales  eran  piezas  esenciales  en  todo  el  siglo  XIX  (los  mejores  y  más  caros  realizados  en  cachemira,  tejidos  a  mano).  Cachemira  -­‐cashmere  en  
inglés-­‐,  es  una  lana  de  cabra  procedente  de  la  India.  
23
Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

                       
 
*El  prototipo  de  pie  bello  es  pequeño  y  delicado,  por  eso  se  tratará  de  que  parezcan  lo  más  pequeños  posibles.  
Utilizaban  zapatos  con  poco  tacón  de  seda  o  crepe  y  botas  o  botines.  

*Los  tejidos  más  lujosos  y  sutiles  así  como  los  vestidos  más  escotados,  se  reservaban  para  las  veladas  musicales  
de  salones  y  teatros.  En  esas  ocasiones,  las  joyas  eran  el  complemento  perfecto.  
*En  los  peinados,  gusta  en  las  mujeres  del  Romanticismo  la  raya  en  medio  con  recogidos  que  dejan  mechones  de  
pelo  lacio  sobre  las  sienes  o  con  tirabuzones.  
Por   lo   demás,   hay   que   señalar   que   siendo   el   siglo   XIX   muy   aficionado   a   los   revivals   e   historicismos   –como   se  
aprecia   en   el   arte,   el   teatro,   las   óperas   y   el   ballet-­‐     el   influjo   “neo”   en   sus   múltiples   variantes   -­‐   neomedieval,  
neorenacimiento,  neorrococó-­‐  se  dejarán  sentir  en  la  moda  de  la  época.  
 
Finalmente,  por  lo  que  se  refiere  a  la  indumentaria   masculina,  como  ha  subrayado  el  experto  Pablo  Pena,  ,  en  
esta   etapa   surge   el   primer   traje   masculino   contemporáneo,   vinculado   a   la   burguesía,   sobrio,   negro   y   elegante.  
Nunca   antes   había   sido   tan   diferente   la   vestimenta   masculina   de   la   femenina   y   es   que   todo   elemento  
indumentario   ha   pasado   a   ser   sexualizado.37  Los   hombres   tendrán   sus   propios   tejidos,   prendas,   ornamentos   y  
adornos.   La   imagen   del   hombre   es   de   tal   seriedad   y   uniformidad   que   la   indumentaria   masculina   a   partir   de   1850,  
desaparece   de   las   revistas   de   moda.   Solo   se   escapan   de   esta   generalización,   los   dandis   -­‐estetas   y   decadentes-­‐  
que  buscan  la  máxima  belleza  y  extravagancia  a  través  de  su  indumentaria.  Buscan,  así,  desmarcarse  del  resto  de  
la  sociedad.  Imitaban  un  estilo  de  vida  aristocrático  aunque  procedieran  de  la  burguesía.  Elegancia,  refinamiento,  
pasión   por   el   arte,   la   filosofía   y   la   literatura,   son   sus   rasgos   distintivos   así   como   un   egocentrismo   bastante  
acusado.  El  dandismo  surgió  en  Gran  Bretaña  y  en  Francia  desde  finales  del  siglo  XVIII.  
George  Bryan  “Beau”  Brummel  (1778-­‐1840)  fue  el  creador  del  dandismo.  Fue  un  referente  de  la  moda  del  siglo  
XIX.    
Según  Baudelaire,  Brummel  no  tenía  otra  profesión  que  la  elegancia,  siendo  la  búsqueda  de  la  belleza  su  religión.  
Entre   sus   seguidores   destacan   Oscar   Wilde,   Barbey   d´Aurevilly   y   Lord   Byron.   Solían   llevar   sombrero   de   copa,  
camisa  con  cuello  alto,  chaqueta  (frac,  levita,  Spencer…),  pañuelo  anundado  al  cuello  “cravate”,  bota  alemana,  
guantes  y  bastón.  Y  nunca  rechazaban  algún  elemento  excéntrico  en  su  porte  e  indumentaria.  
 

37
 Véase  su  espléndido  blog  y  sus  publicaciones.  
http://pablopenagonzalez.blogspot.com.es/search/label/traje%20contemporáneo%3A%20ROMANTICISMO%20%28art%C3%ADculos%29  
24
                

Mobiliario  y  decoración  de  interiores  vinculada  a  la  época  del  Romanticismo:  estilo  Regency  y  Napoleón  III  
Fruto  de  la  ruptura  del  paradigma  clásico,  en  el  siglo  XIX  se  produce  la  recuperación  de  movimientos  artísticos  
del  pasado,  que  ya  se  había  ido  gestando  a  lo  largo  del  siglo  XVIII.  Predomina  la  falta  de  un  auténtico  estilo  ya  
que  lo  que  impera  en  toda  la  cultura  europea  es  el  eclecticismo  de  revivals  e  historicismos.  Todo  se  vuelve  “neo”:  
neogótico,   neomudéjar,   neobarroco,   etc.   Recordemos   que   en   la   esencia   del   Romanticismo   se   halla   la  
reivindicación  de  culturas  nacionales  y  en  especial,  la  fascinación  por  la  Edad  Media.  
 

               
 
La   pluralidad   de   propuestas   en   el   mobiliario   y   la   decoración   de   interiores   de   la   época   del   Romanticismo   no   se  
agota   en   los   historicismos.   Se   suceden,   además,   diversas   tendencias   estéticas   según   los   países   como   el   estilo  
Imperio,   Luis   Felipe   y   Segundo   Imperio   en   Francia;   Regency   y   Arts   &   Crafts   en   Gran   Bretaña;   en   los   países  
centroeuropeos   el   estilo   Biedermeier38;   en   España   el   isabelino   (por   la   reina   Isabel   II)   etc.   Por   lo   demás,   las  
influencias   orientales   (japonesas,   chinas…)   y   moriscas   son   rastreables   en   el   mobiliario   y   en   la   decoración  
interiorista.  
En   ocasiones,   los   muebles   y   los   motivos   decorativos   son   literalmente   copiados   de   los   modelos   precedentes,  
aunque  con  proporciones  menos  elegantes.    
El   arquitecto   Pugin   fue   uno   de   los   mayores   defensores   de   este   estilo.   Diseñó   junto   con   Charles   Barry   el  
neogótico   Parlamento   británico   (el   Palacio   de   Westmister)   e   influyó   en   toda   una   generación   de   diseñadores.  Sus  
muebles,   casi   siempre   destinados   a   las   casas   proyectadas   por   él   mismo,   tienen   generalmente   una   estructura  
sencilla  y  un  aspecto  macizo  (arcos  apuntados,  rosetones,  pináculos,  etc.).    
Otros  ejemplos  destacados  de  estilo  neogótico  en  Gran  Bretaña  son  Strawberry  Hill  y  Fonthill  Abbey39.    
El  Romanticismo  en  el  mobiliario  y  la  decoración  de  interiores  tiende  a  un  cierto  recargamiento  heredero  del  arte  
barroco   y   el   rococó.     Y   es   que   siendo   la   clase   rectora   de   la   época   la   burguesía,   se   imponen   sus   gustos   que  
tienden  a  interiores  muy  recargados,  confortables,  y  acogedores,  repletos  de  pequeños  objetos  decorativos   -­‐  los  
bibelots-­‐  y  de  un  vastísimo  despliegue  textil  (cortinas,  alfombras,  cojines,  etc.)  de  rico  colorido.    
 

38
 El  estilo  Biedermeier  se  desarrolla  en  la  primera  mitad  del  siglo  XIX  en  los  países  centroeuropeos,  fundamentalmente  en  Austria  y  en  países  de  lengua  
alemana,  pero  también  en  Hungría,  en  países  escandinavos  y  en  Rusia  e  Italia.  Es  el  estilo  burgués  por  excelencia,  siendo  hoy  en  día  muy  apreciado.    
Comenzó  como  una  variante  del  estilo  Imperio,  para  en  los  años  siguientes  tener  características  propias.  Es  un  estilo  sobrio,  pero  de  carácter  práctico  y  
funcional,  con  líneas  sinuosas  en  ocasiones,  que  parecen  anticipar  el  Modernismo.    
39
 Fonthill  Abbey  era  la  casa  del  excéntrico  escritro  William  Beckford.  A  pesar  de  su  nombre  no  era  ninguna  abadía,  pero  presentaba  bóvedas  de  abanico,  
tracería,  vidrieras,  carpetas  rojas,  cortinas…  En  1825  el  edificio  fue  destruido  por  una  tormenta.  
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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

     
 
El  Estilo  Regency  –Regencia-­‐  se  desarrolla  en  Inglaterra  en  paralelo  al  estilo  Imperio  en  Francia  o  al  “fernandino40”  
en  España.  Se  denomina  así  por  un  periodo  de  la  historia  de  Inglaterra  que  se  extiende  durante  los  años  1811-­‐20  
coincidente   con   la  regencia   del   príncipe   George   IV.   Reinó   entre   los   años   1820-­‐30   y   fue   un   gran   mecenas   de   las  
artes.   El   mobiliario   Regency   se   basa   en   los   elegantes   diseños   grecorromanos   pero   también   adopta   elementos  
eclécticos   tomados   del   arte   del   antiguo   Egipto.   Thomas   Hope   fue   uno   de   los   principales   diseñadores   de   este  
estilo.  Fue  un  verdadero  erudito,  coleccionista  de  arte  y  esteta  de  su  época.  Los  diseños  más  sencillos  de  Hope  
fueron  popularizados  por  el  ebanista  George  Smith  y  muy  copiados  a  principios  del  siglo  XIX.  

             
 
Luis   Napoleón   Bonaparte   (1808-­‐1873)   fue   el   emperador   del   Segundo   Imperio   francés   (1852-­‐1870).   Sobrino   y  
heredero   de   Napoleón   Bonaparte,   su   figura   histórica   dio   nombre   en   Francia   a   un   estilo   arquitectónico   y   de  
decoración  de  interiores  denominado  Napoleón  III  o  Segundo  Imperio.  La  influencia  de  esta  tendencia  estética  
marcará   buena   parte   de   la   segunda   mitad   del   siglo   XIX   francés,   en   plena   era   de   revivals.   Será   sustituido   por   el  
Modernismo  o  Art  Nouveau.  
La   esposa   de   Napoleón   III,   la   emperatriz   de   origen   español   Eugenia   de   Montijo,   reinará   casi   tanto   como   su  
marido,   influyendo   en   las   artes   de   la   época   y   en   la   decoración   de   interiores41.   La   emperatriz   era   una   gran  
admiradora   de   María   Antonieta   y   le   apasionaba   como   a   ella   la   decoración.   De   hecho,   buscó   los   muebles   que  
utilizó   la   reina   austriaca   en   los   castillos   de   St.   Cloud   y   Compiègne   –sobre   todo   de   los   grandes   ebanistas   Riesener  
y  Oeben-­‐  e  hizo  que  los  copiaran  para  colocarlos  en  diferentes  residencias.  
En  el  estilo  Segundo  Imperio  hay  que  destacar  las  residencias  de  Napoleón  III  y  la  emperatriz  Eugenia  en  Biarritz,  
en  el  Palacio  del  Louvre  o  en  el  de  las  Tullerías  de  París.  
En  este  último  sobresalen  los  tres  salones  que  Héctor  Lefuel  decoró  para  ella:  uno  verde  y  oro,  otro  rosa  y  otro  
azul.  
El  mobiliario  del  Segundo  imperio  lleva  hasta  sus  últimas  consecuencias  el  eclecticismo  del  reinado  de  la  etapa  
de  Luis  Felipe  de  Orleáns  (1830-­‐1848).  

40
 Corresponde  al  reinado  del  rey  Fernando  VII,  el  “deseado  indeseable”.  
41
 También  fue  un  referente  de  la  moda  convirtiéndose  en  en  cierto  sentido  en  una  especie  de  maniquí  de  las  últimas  creaciones  de  la  industria  textil.  Fue  la  
gran  impulsora  de  la  alta  costura,    y  puso  de  moda  el  color  verde  Nilo.  
26
                                                        
                               

   
Distinguimos  el  estilo  romántico  en  el  palacio  de  Eugenia  de  Montijo  en  Biarritz42  en  la  presencia  de  columnas,  seguramente  recuerdo  
del  Ópera  Garnier  de  París,  así  como  en  las  eclécticas  butacas  que  combinan  respaldo  rococó  y  apoyos  neoclásicos.  Recordemos  que  el  
palacio  de  la´Ópera  de  París  fue  el  monumento  simbólico  del  Segundo  Imperio  francés.  
 
Fue  un  periodo  de  cierta  confusión  y  solapamiento  de  estilos,  especialmente  los  denominados  Luis  XIV,  Luis  XV,  y  
Luis   XVI.   Predominaba   la   fascinación   por   muebles   ostentosos   y   de   decoración   abigarrada.   En   este   periodo   se  
concede   mucha   importancia   al   salón   y   por   tanto   a   los   asientos,   divanes,   sillones   y   sillas.   En   estos   muebles   es  
donde   se   manifiestan   nuevos   modelos   como   el   indiscret   –asiento   de   tres   plazas   con   una   curiosa   forma  
helicoidad;  el  confident  –con  dos  asientos  contrapuestos-­‐  o  el  pequeño  asiento  bajo  y  de  forma  redonda,  siempre  
acolchado  y  forrado  de  tela  o  piel  denominado  pouf.  
 

                                                                   
 
Por  otra  parte,  es  una  etapa  en  la  que  la  nueva  clase  burguesa  disfruta  de  un  lujo  antiguamente  solo  reservado  a  
las  aristócratas43.    
 
Fuentes  de  documentación,  imágenes  y  webgrafía:  
Google.  com  
Wikipedia  y  Wikimedia.  Com  

Recursos.march.es  

42
 Hoy  es  el  lujosísimo  Hôtel  du  Palais,  en  Biarritz,  País  Vasco  francés.  
43
Por  lo  demás,  durante  el  Segundo  Imperio  napoleónico,  el  barón  Haussmann  llevó  a  cabo  en  París  una  renovación  total  de  la  ciudad  (nuevas  calles  y  
bulevares,  reglamentación  de  fachadas,  espacios  verdes,  mobiliario  urbano,  distribución  de  agua  potable  en  los  inmuebles,  equipamentos  y  monumentos  
públicos).
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Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala  

Museo  del  Prado,  Madrid  

Museo  Victoria  &  Albert  de  Londres  

Museo  MET  de  Nueva  York  

Museo  de  Artes  Decorativas  de  París  

Museo  del  Romanticismo  de  Madrid  

Museo  del  Traje  de  Madrid  

¿Eres  un  romántico?  https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/romantic_3_3.html  
http://www.musee-­‐delacroix.fr/  
https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/pintura_2_1.html  
https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/turner-­‐y-­‐los-­‐maestros/d8598967-­‐34a2-­‐4de2-­‐8851-­‐353d9de3fb97  

http://www.corazonistas.edurioja.org/haro/recursos/hmusica/romanticismo/INDEX6.htm  

http://www.sineris.es/la_vida_de_beethoven_en_el_cine.html  
https://en.wikipedia.org/wiki/Beethoven_House  

http://es.slideshare.net/jfguillen/obra-­‐musical-­‐de-­‐ludwig-­‐van-­‐beethoven  
http://www.giuseppeverdi.it/vita/biografia/index.html  
Youtube:  Wagner  https://www.youtube.com/watch?v=_7oWZq_s_Sk  
http://librosymitos.blogspot.com.es/2011/05/wagner-­‐y-­‐el-­‐anillo-­‐del-­‐nibelungo-­‐la.html  

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http://openaccess.uoc.edu/webapps/o2/bitstream/10609/7886/1/rgener_TFC_0611.pdf  
http://www.danseraparis.fr/la-­‐danse-­‐classique-­‐3-­‐.php  
http://ccdoc-­‐documentacionfotografica.blogspot.com.es/2010/10/introduccion-­‐la-­‐documentacion.html  

https://en.wikipedia.org/wiki/Pictorialism  
www.fotosantiguascanarias.org  

http://www.girona.cat/web/ic    
http://ermundodemanue.blogspot.com.es/2012/05/eugene-­‐delacroix-­‐obras-­‐cuadros-­‐pinturas.htmla2014/ponents/textos/id44.pdf  
http://sicoppeliavistieradeprada.blogspot.com.es/2014/03/el-­‐tutu-­‐de-­‐carrie.html  

https://maisfashionbcn.org/2014/03/05/la-­‐falda-­‐tutu/  
http://tesauros.mecd.es/tesauros/mobiliario/1173101#c619190123  
http://www.abc.es/estilo/gente/abci-­‐vestidos-­‐lorenzo-­‐caprile-­‐conquistan-­‐escena-­‐berlinesa-­‐201605272004_noticia.html  
http://www.mecd.gob.es/mromanticismo/dms/museos/mromanticismo/comunicacion/sala-­‐prensa/2015/22-­‐06-­‐np-­‐pasarela-­‐xix.pdf  

https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/pintura_2_3.html  

http://www.museosenfemenino.es/museo_traje/cuerpos-­‐modelables/vestido-­‐romántico-­‐1830  
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2012/04/la-­‐libertad-­‐guiando-­‐al-­‐pueblo-­‐de.html  

http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/09/el-­‐palacio-­‐morando-­‐museo-­‐de-­‐la-­‐moda-­‐de.html  

https://historiadeltraje.wordpress.com/tag/romanticismo/  
http://historiadelmueble.blogspot.com.es/search/label/22.%20Neomedievalismos  
www.culturainquieta.com  

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