"EL ESPACIO VACIO" de Peter Brook

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El espacio vacío, da un parámetro que permite ver en qué punto nos

encontramos con respecto al teatro que estamos haciendo y que tan vivo es
nuestro teatro, dividido en 4 secciones:

Dice en su libro:
“Cualquier espacio vacío se puede tomar como un escenario. Observar a un
hombre que camina en medio de él, es todo lo que se necesita para realizar un
acto teatral”

La palabra teatro tiene 4 acepciones: teatro mortal, teatro sagrado, teatro

tosco y teatro inmediato. A veces los 4 teatros coexisten.

TEATRO MORTAL
El teatro mortal, puede entenderse como mal teatro, ya que esta ligado al
teatro comercial hablamos del teatro engañoso. Hoy en día, el teatro no aporta
porque es insuficiente para la sociedad. No hay una relación establecida entre
la gente y el teatro, qué da inicio a esta relación a partir de la escena. En este
tipo de teatro, los creadores trabajan por dinero, como los llamaba Stanislavski
“actores payaso”, que como en Brodway, el teatro se convierte en un negocio
que vaya la gente o no vaya, el equipo de trabajo no pierde(actores, directores,
escenógrafos, tramoyeros, etcétera). Todo esto, ha contribuido a que la gente
deje de asistir al teatro, la razón es que se encuentran decepcionados del teatro
y por eso ya no quieren arriesgarse a pagar un boleto, mejor esperan a que se
presente gratis: “por si las dudas, no sea que no valga la pena”.
Menciona Peter Brook textualmente lo siguiente: “Si el buen teatro depende de
un buen público, entonces todo público tiene el teatro que se merece. No
obstante, debe ser duro para los espectadores que les hablen de la
responsabilidad de un público”.

En un espectáculo, si la gente no se lleva nada, es mortal, empieza a

aburrirse, a toser, a atender a necesidades externas a la presentación y los
perdemos. Los que mejor nos muestran esto, son los niños, pues a veces , entre
nosotros también cuesta trabajo ver donde deja de ser inmortal para hacerse
mortal, ya que nos dejamos de tomar en cuenta la chispa, la magia del teatro
y lo suplimos por una técnica muy bien ejecutada por ejemplo. Quienes nos
pueden dar la respuesta con respecto a lo vivo que es el espectáculo, son los
niños.

Cada vez buscamos acercarnos más a la verdad, por eso cuando vemos un
texto serio o rebuscado, nos cuesta trabajo representarlo orgánicamente y
terminamos por imitar la forma, sin darle vida, intención ni sentimiento.

¿Cómo logramos esto? Antes de hablar, el actor debe analizar y crear

mediante la exploracion una serie de estímulos que llenen el espacio vacío que
hay entre el texto y la acción. Ayudaría también que en los textos no haya
tantas acotaciones para abrir paso a la imaginación.

Para hacer teatro ,no podemos encasillarnos en 1 solo estilo, porque es

ponerle límites al teatro, y esto, lo hace mortal, debemos ser versátiles y estar
abiertos a nuevos paradigmas y a estar constantemente refrescando la
informaciones tenemos, aunque a veces es difícil saber qué cosas se pueden
cambiar y que cosas son imprescindibles.

El teatro busca comunicar. El director, tiene un mensaje en común con los

actores y el director encuentra la forma de comunicar al espectador este
mensaje por medio del actor.En ocasiones, ésta comunicación es posible incluso
aunque el espectáculo no esté en el idioma del espectador, y aun así puede
transmitir, pero en otras aun compartiendo el mismo contexto social, no se
logra.

Otro factor importante que debemos tomar en cuenta, es la cultura de los

espectadores, porque mientras para unos es un espectáculo perfecto y
magnifico, para otros, en un contexto distinto, puede resultar un fracaso
rotundo. El teatro ha ido perdiendo importancia alrededor del mundo porque
no tiene un objetivo preciso ni constante.

Esta inconstancia se ve desde la formación. Cuando el estudiante deja de

estudiar y se estanca en un estilo, en un tema, en un método que se hace
arcaico y obsoleto, no distribuye bien su tiempo, haciendo que cada vez se aleje
más de un progreso como actor y como persona.

¿A QUE ATRIBUIMOS QUE EL TEATRO SEA MORTAL?

La respuesta es muy corta y clara: la incompetencia.
EL TEATRO SAGRADO

El teatro debe llevar a la escena lo que no se ve de la vida, lo que no

apreciamos. Para llevar a cabo un proyecto, debemos apasionarnos todos por
ese proyecto y tener algo que decir. Si por ejemplo, el director siente, contagia
a los demás y estos reflejan esta conmoción a los espectadores. Peter Brook
dice para aclarar este punto, que en Europa, el objetivo era recuperar de entre
las ruinas, las esperanzas de un pueblo desolado, que trae el existencialismo
con el Expresionismo por ejemplo. Esto nos enlaza con el teatro mortal, que si
no tenemos un objetivo, no podremos hacer que el teatro deje de ser mortal.

El secreto está en no “imitar” algo de lo que no se tiene idea, debemos ser

capaces de encarnar lo invisible. Como ejemplo tenemos al kathakali*, entre
otras teatralidades orientales, que aun funcionan porque estudian no solo las
formas que en si son complejas, sino todo lo que hay detrás, desde el origen y
logran llenar el espacio entre el actor y la acción, siendo que son
representaciones que llevan haciéndose muchos años, siguen vigentes.

En occidente, necesitamos un objetivo, mismo que debe hacernos ver el

teatro como algo de suma importancia. Para esto es necesario que el actor
estudie y sea capaz de adquirir una conciencia de lo que hace y así poder usar
la imaginación como una herramienta. Todos ir hacia el mismo objetivo juntos,
porque el ritual por el ritual, sólo lo deterioramos, ya que no sabemos qué
celebrar ni cómo hacerlo y lo hacemos porque sí, perdiendo con esta pseudo
representación, la capacidad de apreciar el silencio.
En lo personal creo que es una cuestión cultural el que ahora no nos permitamos
apreciar aquellas cosas que también se necesitan, como la respiración y el
simple hecho de escuchar el silencio. Claramente podemos ver esto en el teatro
cuando por inercia aplaudimos, siendo que a veces es necesario el silencio, que
puede decir mucho más que un aplauso si se siente de verdad.

Peter Brook menciona que evitamos lo sagrado porque nos ha decepcionado

y con el teatro sagrado, hemos dejado en el olvido a la poética* y hace
referencia a Antonin Artaud, que decía que tampoco con el texto podemos
llenar esta parte de sentimientos y significado, por eso decía que si no sientes
la necesidad de hablar, no hables, porque es como irse por el camino fácil de
la expresión .Sin creatividad. En el caso de Bertolt Brecht, la palabra es un
auxiliar de la imagen.Para contribuir a la construcción de una carga emocional
con qué llenar el texto y la acción, Peter Brook cuenta sobre algunos ejercicios
y dinámicas que utilizaba con sus alumnos, todo para alcanzar una verdadera
expresión y una vez que tenemos la capacidad de sentir y recibir, sigue la parte
en la que nos convertimos en reflectores de estos impulsos y emociones, eso es
la acción.

TEATRO TOSCO

La diferencia entre el teatro sagrado y el teatro tosco, es que el teatro

sagrado, se enfoca en la parte interna y cubre lo invisible, la parte emocional,
mientras que el teatro tosco es rustico*, directo e impactante; busca algo más
de fiesta. Es el teatro popular. Se ocupa de las cosas que hacemos los hombres
diario, así como el happening*, que se apoya en la sorpresa, interceptando al
público que no tiene idea de que se convertirá en espectador. Brecht habla
sobre la alienación.

¿EN QUE SE RELACIONAN LA ALIENACION Y EL TEATRO TOSCO?

En que la alienación, es un estímulo al pensamiento del público (transfiere

a escena lo mejor de la razón) y el happening elimina las reglas de la razón que
rigen al pensamiento y provocan al espectador a dejarse llevar y salir de su
rutina.
Ambos usan la sorpresa y el ataque al espectador.

Con Chejov por otro lado, vemos que aunque pareciera ir en contra de Brecht
al dar la ilusión de la realidad, no es así, ya que es otra forma de lograr la
reflexión del espectador.
Hemos visto que ahora la respuesta la buscamos en los orígenes del teatro, es
decir, nos estamos lleno a buscar en el ritual, pero necesitamos una belleza
que nos convenza .El teatro debe estar en constante revolución y entre más nos
acercamos a la esencia del teatro su campo se hace más amplio y se hace tan
vigente como el cine o la televisión.
En el teatro contemporáneo la tosquedad esta más viva y lo agrado está casi
muerto.
Debemos convencer de que no estamos fingiendo en la escena, que la magia
realmente ocurre y no “abaratar nuestro trabajo”. Sólo así podemos atraer al
espectador y lograr su permanencia.

El actor que impacta: El actor debe estar al tanto de todo lo que ocurre en su
entorno para poder hacer un teatro de calidad, acertivo, propositivo, eficaz y
útil (inmortal).

Nosotros consideramos esto un aspecto importante para lograr captar la

atención del espectador, porque no podemos transmitir, provocar ni conmover
si no tenemos idea de las cosas que les afectan. Con esto quiero decir que
debemos analizar el entorno del espectador y el terreno en el que nos estamos
metiendo. Debemos comparar y hacernos de una opinión y un criterio propio
sobre lo que está pasando en el país, ir atando cabos, sacar conclusiones,
relacionar y aplicar los conocimientos que se adquieren a diario, aprender a
escuchar lo que dice alguien más, incluso si es de una clase social distinta, si
su vida es muy distinta a la mía,… Tomar lo que creo que es importante ver
desde otro ángulo y llevarlo a escena.

REFERENCIAS Y TERMINOLOGIA

Kathakali: Tiene su origen en Kerala, India.Es una teatralidad oriental donde se

necesita un entrenamiento de entre 8 y 10 años. Consiste en un lenguaje muy
complejo de gestos tanto de la cara como de manos y pies. Para poder alcanzar
la flexibilidad y el control muscular, para un bailarín de Kathakali es necesario
seguir un entrenamiento extenuante, riguroso acompañado de masajes.

(Art India http://www.artindia.net/kathakali.html :)

Poesia: Manifestacion de la belleza o del sentimiento estético por medio de la
palabra en verso o en prosa. Cuando hablamos de algo poético en el trabajo
teatral, nos referimos a la forma de darle vida a la poesía