Lumiere, Meliés y el MRP

- Figura de Autor: Se reconocen a los directores como los autores de las

películas.


- Puesta en Escena: Encontrar la forma adecuada para el tema determinado.


- Según Noël Burch había 3 modos de representación


• Primitivo (1895-1915)

• Institucional (Clásico, 1915-Actualidad)

• Moderno (1939-Actualidad, autoconciencia sobre el lenguaje)

- Las clases más bajas le tenían más aprecio al cine debido a su naturaleza
austera y de “feria”.

- Desarrollo de Modos Estéticos: Los 2 modos se van a expandir durante el MRP.


Modo Lumière (Persecuciones) Modo Meliés (Pasiones)

Perspectiva Punto de vista teatral

Conceptos:
Efectos Especiales, utiliza cortes
- Puesta en Escena

- Posición de la Cámara

- Encuadre (gran habitabilidad del espacio, captar

la mayor cant. de planos en un plano general).

Adherencia a la realidad Enfocado en la fantasía, ficción

Imagen directa del tiempo Imagen indirecta del tiempo (ilusión a directa)

Falta de clausura, no hay remate “Creador” del Stop Motion

Películas simples Busca temas de cultura popular porque no tienen

tiempo de crear una diégesis entera

Un hombre corre en un plano y sigue corriendo en

el otro

- Meliés:


• “Viaje a la Luna”

• Planos que intentan contar una historia

• Concatenación de cuadros (lógica de una serie de acciones/temas)

• Cámara frontal

• Sobreimpresión (planos encadenados)

• Avance en la narración pero permanece el plano único.

1
- MRP:


• Frontalidad de plano

• Autarquía del plano (Cada plano es independiente del que lo antecede y del
que lo procede).

• No hay cambio de plano, lentes, ni luz.

• Centrifugado: Fuerza que lleva las cosas al centro del cuadro.

• Centrípeto: Abarcar el máximo espacio posible.

- Cine Clásico — Efecto diegético (conexión entre los planos)


- En el MRP las películas no eran autocontenidas ya que usaban cultura popular.
Sin embargo, al hacer películas autocontenidas, el género de las persecuciones
dio el primer paso al Cine Clásico.


- Burch dice que el Cine Clásico surge al reconciliarse los 2 modos.


- Porter:

• Transición del primitivo al clásico ya que en sus películas hay tensión entre los
2 modos.


• Montaje en paralelo pero con retroceso (Muestra toda la acción de vuelta

desde otro punto de vista).


• Películas:

- “The American Fireman” (1905)

- “Asalto y Robo al Tren"

Griffith y el MRI
- Cine entendido como lenguaje e institución. Irrupción de Griffith

- Griffith plantea un cine que pueda ser utilizado narrativamente, busca y presenta
soluciones o equivalencias entre la sintaxis escrita y la cinematografía (Griffith
como el “Inventor del lenguaje”). Introduce el primer Flashback en “Las
Aventuras de Dolly” (1908).

- Pensar el movimiento tanto de lo que está frente a la cámara, como de ella en sí.
Movimientos sobre su eje, el espacio y a través del uso de los lentes (aparece
cuando el plano autárquico no alcanza).


- Visión como la de un ojo humano.


- Los tamaños de plano se dan al tener al ser humano y sus emociones como
sistema de medida.


2
- Tipos de Narraciones de Griffith:


1. Narrativa Interplanos (regla de continuidad). Ej: montaje paralelo, idea de

continuidad en el tiempo.

1 2

2. Narrativa Intraplanos (importa lo que pasa dentro del plano). Ej: foco, fuera
de foco, fuera de campo, etc.

- Para crear el Cine Clásico, Griffith tiene actitudes de experimentación que

caracterizan a las vanguardias. Él se agarra del límite del horizonte estético y los
articula en la puesta en escena.


- “El Nacimiento de una Nación” (1915) = Sistematización de todos los recursos

narrativos.


- “A Drunkard’s Reformation” (1909):


• Primer película que trabaja la psicología de un personaje. Lo hace a través de

las acciones y reacciones de este.


• Espeja el orden de la realidad y el de la ficción en la escena de la obra de

teatro. Va cambiando entre 2 planos: el plano desde el punto de vista teatral
donde el escenario abarca todo el plano y el plano de la audiencia.


• En el plano de la audiencia se puede ver tanto a toda la gente que hay como
la cara del protagonista. Este ve la obra y se ve a sí mismo reflejado en ella. A
lo largo de la obra se puede ver la transformación del hombre en su cara.
Cuando la obra termina y la gente aplaude, es como si lo estuviesen
aplaudiendo a él y no a la obra.

3
Vanguardias de Entreguerra
- Paradoja del Cine: Antes de que existiera lo clásico, existía lo moderno.

• Las vanguardias coexisten con el período clásico cuando generalmente

primero viene lo clásico y luego las vanguardias.

• Esto es porque mientras Europa condensa ideas y fuerzas los

estadounidenses hacen del cine un negocio y lo masifican.


- Definición de Vanguardias: Movimientos artísticos inestables y fugaces (excepto

la vanguardia soviética).

- Tipos de Vanguardia:


• Militar. Las que mueren primero, primeras filas.

• Política. Generan un nuevo marco de discusión.

• Artística. Vienen a romper lo establecido (cánon). Movimiento estético y

formalismo fuerte.

- Las vanguardias tienen un destino de brevedad, intentan cambiar los cánones

pero no llegan.

Expresionismo Alemán

- Durante el período mudo Alemania se anota como la tercer potencia en el cine

(después de USA y Francia).


- Desconfiar de las apariencias. Cuestiones de las cuales el arte no puede estar

exento.

- Enfrenta a la impresión que genera la naturaleza en el impresionismo. No es una

relación estética. Como la naturaleza y la belleza. Hay una tensión en la relación
entre el hombre y la máquina, la cual representa el triunfo de la razón. El
expresionismo se opone a esa máquina.


- Primeras películas aparecen en 1913.


- Trabajo sobre la iluminación con negros y blancos muy contrastados, con
connotaciones morales, también por la falta de recursos económicos.


- Existen 2 líneas de pensamiento sobre este movimiento:


1. S. Kracauer

• El expresionismo fue una especie de profecía del ascenso de Hitler.

4
 • Tesis psicológica “De Caligari a Hitler”.

2. L. Eisner

• Ese momento del cine alemán no responde a un tiempo específico (“La

pantalla demoníaca”), sino a una cuestión artística.

• Destaca al romanticismo alemán.

• Habla de la predisposición al expresionismo por parte del “alma

alemana”. Cadena histórica del arte alemán.

- Se pueden articular ambas teorías, pensando en un fenómeno que esta fuera

del cine o que ya es parte de un alma.

- Películas:

• “El Gabinete del Dr. Caligari” (1919)

• “Nosferatu” (1922)

• “Metrópolis” (1927)

Surrealismo

- España y Francia, Continuidad del Dadaísmo


- Investiga la ruptura de lo racional

- Cuestiona la idea que se tiene del cine como máquina de contar historias.

- Realismo Ampliado. Se expande tanto a la realidad como a los sueños, a lo
consciente y lo inconsciente, hasta que no se note la diferencia.


- Conectan la idea de soñar junto a la película con la idea del subconsciente de

Freud. Por esta razón, las películas obedecen a la lógica onírica del sueño,
donde está lo frustrado y reprimido del ser humano.


- Reemplaza la Continuidad con la Contigüidad (Mecanismo de Asociación

Libre). Formas parecidas encadenan las imágenes en lugar de la historia (Ej: En
“Un perro de Andaluz” la imagen del ojo a punto de ser cortado y después la
luna llena atravesada por una nube).


- Los artistas surrealistas rechazaban el modelo industrial y mostraban sus

películas en espacios pequeños.

- Películas:

• “Un Perro de Andaluz” (1929, Buñuel y Dalí)

• “La Caracola y el Clérico” (1928, Dulac)

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Dadaísmo

- Realismo: Es o…

1. Género literario que responde al romanticismo


2. Realismo baziniano

- Prioriza lo que pasa en la vida real sin alterarlo porque confía que puede
aportar algo.

- Quiere preservar la esencia del cine (icónica, por que una persona se
representa a ella misma, e indicial, porque queda la huella en la
película).


- “Lo real”: La caída del semblante, de la máscara, lo que esta detrás.

• La Realidad es una convención social, una ideología.

• Se deben decodificar los procesos que definen la realidad.

• Cierta idea de destrucción.

- El dadaísmo trabaja con objetos ya fabricados (readymade), por eso toman el

cine como que siempre es una copia. Están obsesionados con la idea del
original. Agarran esos objetos para generar un movimiento político.


- Se interesa en el cine cuando se crea un lenguaje para romperlo.


- Reivindican la idea de la catarsis cómica (Meliés, Chaplin), de un cine de
atracciones. Encuentra la belleza de lo real, no la apela.


- Expone el artificio en términos plásticos y físicos, trabajando con la materialidad

del celuloide.

- Al dadaísmo le importa como hacer que el arte funcione dadaísticamente,

cambiando y desenmascarando la retórica clásica.


- Dadá —> Lenguaje de niños, por lo tanto, más libre. En contra del género
sexual.


- En contra del Esencialismo (la esencia siempre precede a la obra, lo bello está
siempre en el presente).


- El dadaísmo comenzó a vencerse cuando la publicidad adoptó su estilo lúdico.


- ¿Cómo hacer una película dadaísta? Que la función sea intervenir en la paz del
espectador.


- El dadaísmo es pura frustración, mientras que el surrealismo promete una

película clásica hasta que te frustra.


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- Películas:

• “Entreacto” (Clair)

• “Ballet Mecánico”


Vanguardia Soviética

- Por primera vez el Estado establece una política cinematográfica. Se juntan

las necesidades políticas y sociales y el cine.


- El Estado establece también la primer escuela de cine.


- El cine es visto como el elemento ideal para educar a las masas, ya que gran
parte era analfabeta. Por eso, los intertextos entre las escenas eran cortos y
simples.


- Afichismo: Gráfica muy marcada.


- Meyerhold: Relación entre el arte y la película.

- Características:


• Comienzan a escribirse los primeros textos teóricos del cine. Se funde lo

práctico con lo teórico.


• Vanguardia política y estética. Conflicto entre la necesidad de que la obra

sea útil con el cineasta como autor.


• Aparición del Montaje (se reflexiona sobre él)


- Robert Stahm: El montaje viene de la fábrica, de la práctica. Da vida a
materiales inertes. Lo opone a la noción del plano.


- Kulechov: 


• El cine enlaza tramos no orgánicos, inconexos, detrás de una idea, con

ritmo, dandole coherencia. Griffith, por el otro lado, compone sus
secuencias con planos y elementos orgánicos entre sí. Kulechov dice que
la emoción debe ser producida por la técnica, no la realidad (Griffith).


• Experimento Kulechov:

- La idea no se construye en el montaje, se construye en la cabeza del

espectador.

- El plano pierde importancia individual, es sólo un eslabón en la cadena.

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- Período de Lenin: Gran experimentación e investigación.

- Eisenstein:


• “La Huelga” (1924) tiene la intención de lograr que la imagen fuera la palabra,
y plantea los problemas de la relación del cine con el arte.


• Se refuta mucho a Griffith y se discute el problema con lo literario. Contrario a

Griffith, al que le gusta contar una buena historia.


• Se piensa al cine como cine y no como reemplazo de otra cosa.


• La dialéctica, método que propone la idea de tesis, antítesis y síntesis, supone
un conflicto.


• Construir vínculos e imágenes en la cabeza del espectador (este tiene un

papel más activo). Se puede inducir a partir de los elementos que producen
un conflicto, no sólo con el carácter emocional de un personaje.


• El cine piensa en imágenes a través de un shock que pone a pensar al

espectador (la emoción ya no es a partir de un sentimiento, viene del shock,
que se puede producir de distintas modalidades).


• Tipos de Montaje:

- Métrico: Basado en la longitud de planos.

- Rítmico: Basado en la longitud y el contenido de los planos (compases,

contrapuntos, etc).

- Tonal: Basado en la luz o en la forma gráfica de los elementos de la escena.

- Intelectual: Basado en otras formas expresivas usadas de formas más

complejas.

• Se toma el vocabulario y la lógica de la música y se la relaciona con el cine, ya

que ambas son artes del tiempo.


• Diégesis/Extradiégesis: Constituye el mundo propio de la película a partir de

lo que propone. Eisenstein introduce elementos extradiegéticos para generar
ese deseado shock.


- Ejemplos:


• En “Octubre” (1927) rompe la diégesis para remarcar algo.

• En “El Acorazado Potemkin” (1927) los rostros estereotipados socialmente

representan a personas que viven ahí, no como Griffith que tenía
estereotipos de belleza, estéticos.


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- Pudovkin:


• Gira en torno a la idea de concientización, identificación de un personaje.

Toma las herramientas de Griffith en términos de montaje para generar esa
concientización.


• “La Madre”

• La película = Mecanismo. Se preocupa por la película como forma, debe estar
planificada completamente, previsto en el guión.


• Imagen clara, no debe haber ambigüedad. Escenografía = metáfora de

conflicto.


• El guión y el montaje son la base de un film. El acto de rodaje es

insignificante.

• Trabaja los contrastes, planos muestra quien tiene más poder.


• Padre = borracho, malo. Madre = pobre (ropa, comida).

• Personajes no hablan, hay didascalias.

- Vertov:


• Trabaja en noticieros, documentales. Primer documentalista de la historia

del cine.


• “El Hombre de la Cámara”


• Nada de estudios o escenografía, la cámara en la calle (sonidos de
máquinas, de la producción y rutinas de las personas).

• Alusión a problemas sociales. El espacio es real pero no es un cine realista,

construye una nueva realidad temporal-espacial mediante el montaje.


• Cine como ojo (Cámara = Ojo).

Studio System
- Desarrollo de grandes estudios que hegemonizan la producción. Se dividen en
Mayors (las que dominan las 3 instancias de producción) y las Minors.


• Mayors

- Fox

- Paramount

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 - Warner

- MGM

- RKO

• Minors

- Universal

- United Artists

- Columbia
- Características del Studio System:

1. Las mayors son las que dominaron las 3 instancias: producción (sets),
distribución y exhibición (salas).

• Se arma a partir de la iniciativa privada (producir, construir salas, etc).


• Cine = Dinero rápido, el dinero sale de las salas, por ende era un negocio
muy rentable.


• Comienzan a asociarse con los empresarios de las salas y dominar

mercados emergentes (durante la guerra ponen filiales en distintos
países).


• Las minors tenías salas más chicas porque sabían que las más grandes
les “pertenecían” a las mayors y no tenían chance contra ellas.


• Clase B: Más baratas, productoras independientes. Concepto de 1960.

Quickies, small movies.

2. Géneros


• Cada productora tenía su propio género para que los espectadores las
identifiquen.


- Warner = Policiales

- MGM = Musicales

- Universal = Fantásticas y terror

- RKO = Películas de Autor


3. Star System: Las productoras tenían contratos de exclusividad con las

estrellas para que sean el rostro de la productora (y por ende, del género).


4. Lenguaje: Se establece una normativa de qué es el cine.


• Transparencia del montaje y el lenguaje, eliminar la ambigüedad

(progresión de planos y establishing shots). Se usan planos particulares
con menos movimiento (Medio, Americano y General).


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 • Diégesis: Todo lo que es pertinente dentro del universo del relato.

• Filmar en estudio antes que en un lugar real.

5. Tensión del lugar del director (figura de empleado en las productoras).
Tensión entre el productor y el director. El productor tiene el corte final, a
menos que el director sea una super figura.


6. Artificio vs Realidad: El cine o duplica un mundo o da cuenta de la

realidad y la reproduce.


• Pocas películas realistas en este período pero también aparecen los

documentales.

Géneros

- Estandarización de la industria.

- Películas modernas: “Las Reglas del Juego” (1939, Renoir) y “Citizen
Kane” (1941, Orson Welles).


- El cine queda atravesado por la literatura y aparecen géneros dentro de él.


- Antes existían 2 tipos de cine

1. Narrativo: MRI, linealidad, relación causal del personaje.


2. Catártico: Cine de atracciones, de feria, efecto de shock.


- El género combina ambos tipos.


- Cine de Género: Darle a la gente lo mismo pero diferente (mismos recursos
narrativos pero se busca diferencia en historia y la manera de contarla). Misma
semántica, distinta sintaxis.


- Semántica: Palabras. Determina a la vestimenta, espacios, etc.


- Sintaxis: Modo en el que esas palabras se organizan. Como se ordenan los
elementos.


- Entre la década del 20 y del 40 se forja el cine industrial.


- El género servía para vender entradas y abarcarlo todo (identificación de la
platea masculina y femenina y convivencia de la fantasía y la realidad).


11
- El género enaltece al autor (totalitarismo e imposiciones de las productoras
vuelven más interesante a la creación del individuo, al autor).


- Las películas de genero son “acumulativas”, es decir, se construyen sobre las

otras. Repiten recursos pero buscan nuevos, economiza la creación de mundos.


- Se suspende la linealidad (causa y efecto) en función de lo catártico (efecto de

shock).


- El buen cine de género inserta momentos del cine primitivo dentro de una
narrativa convencional, institucional.


- Experiencia Corporal: Catarsis. Se debe trabajar inteligentemente con la

palabra, como si fue lo físico, no sólo sirve para explicar las cosas.

- Howard Hawks:


• Películas de muchos géneros, director de género por excelencia.

• Matriz estética transparente

• “Bringing Up Baby” - Comedia de enredo. “Batalla” de sexos y clases.

Tensión sexual solapada en una discusión constante entre los protagonistas,
diálogo inteligente.


- Géneros:


• Comedia:

- El gag como unidad estructural
- Al reverso de lo trágico

- Crítica social (marco no amenazante, ridiculización del rico y la

exacerbación del pobre).

- El efecto cómico mediante:

• Reiteración (movimiento, palabra, cuerpo humano = máquina).

• Algo sale de la serie de lo común

• Equívoco que produce el lenguaje (cosas reprimidas: lapsus, actos

fallidos).

• Policial:

- Contexto años 40-45, de posguerra

- Inserción de la mujer (en el policial negro la femme fatal y la vampiresa).

- El género se va degradando cada vez más.

- 30’ = época de gangsters

• Policial de magia, figura trágica del gangster

• No esta del lado de la ley, tiene su propio código

12
 • Figura heróica y trágica

• Generalmente termina mal para moralizar al espectador debido a que se

identifica con un criminal.

- 40’ = policial negro

• Hombres de los que nunca sabemos historia previa, está entre 2 mundos.

• Las mujeres, las femme fatal, siempre terminan mal

• El personaje principal empieza a ser la mujer, el hombre queda más en

segundo plano.

• Western:

- A partir de evento histórico, la conquista del Oeste. No como sucedió pero
se representa.

- Conquista del espacio entre civilización y barbarie.

- 1930-1940 Western Clásico

- Post WWII Western Crepuscular (decadencia elementos mitológicos del

western).

- “The Man Who Shot Liberty Vallance” (1962)

- El héroe esta muerto porque la película empieza con el héroe de la diligencia

en un cajón.

- Casi no hay exteriores, muy teatral

- Anticipación del final estructurada en un flashback.

Transición del Mudo al Sonoro

- Virtualmente Sonoras: El sonido no estaba en la película pero se podía imaginar.

- Período Silente: Proyecciones donde se sustituía la falta de sonido en la película
por la música en vivo.


- En el cine japonés había un narrador en vivo, llamado Benshi.


- Cambios con la Incorporación del Sonoro:


• Guerra comercial tanto entre estudios como entre compañías de sonido.


• Expansión de salas de cine en tamaño y en cantidad.

• Comienza el desarrollo del cine a gran escala.

• Cuestionaron los tamaños de plano porque ahora tenían que poner los
equipos de sonido.


13
 • Disrupción del Star System. Más allá de los rostros y la actuación, ahora se
consideran las voces. Muchos actores se retiran.


• Muchos de los grandes nombres del cine mudo piensan que:


- El cine va a pasar a ser teatro filmado

- Significa un retroceso en cuanto a los avances que se hicieron con los

planos y posiciones de cámara ya que ahora tienen que esconder los
micrófonos.

- Los grandes cineastas del cine mudo reaccionaron de distintos modos al

sonoro.

• Muinau:

- Se va a Hollywood

- Hace 3 películas sonoras (“Amanecer”)

- Muere en un accidente de auto


• Chaplin:

- Peleaba con los productores, por eso funda “United Artists” con Griffith y
otros independientes.

- Al principio rechaza el sonoro pero después, en 1945, hace su primera

sonora.


• Griffith:

- Al principio lo rechazo pero al final de su carrera hizo 3 que fallaron

- Creó el lugar del director

• Von Strogen: Se alinea con Fox y hace 2 películas sonoras.


• Clair: Escribe un texto en contra del sonoro.

- Todos estos directores (excepto Chaplin) sufrieron gracias al sonoro.


Apogeo y Crisis del Studio

System
- Apogeo = Punto culminante

- El productor tiene el corte final, a menos que el director sea una super figura.
Discusión de quién es el autor de la película. Director problemático para las
productoras.


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- Hay 2 directores que están tanto en el Apogeo como en la Crisis del Studio
System: Hitchcock y Welles.


- Hitchcock:


• Integrado al Studio System. Sin embargo, sus películas lo fuerzan desde su

interior.


• Por haber trabajado en Europa, solía tener el corte final. Su particularidad fue
mantener su postura de director/autor dentro del sistema.


• Él se planteaba problemas y situaciones para después buscar maneras

originales de resolverlas.


• Con el recurso del suspenso, incorpora al espectador como parte de la

experiencia cinematográfica introduciendo la tríada Director - Autor -
Espectador.


• Dominio completo de la puesta en escena, por ende se adapta fácil al sistema

de estudio.


• Llega a Hollywood con su película “Rebecca” (1940).


• Rompe los géneros (hay policiales sin policías).

- Welles:


• No tenía experiencia sobre cine antes de llegar a Hollywood, pero si tenía

experiencia en teatro.


• Fundador de “Mercury”, una asociación de actores teatrales que más tarde

protagonizaron sus películas.


• Causa impacto en el radioteatro (“Guerra de los Mundos”). Por eso RKO lo

convoca para hacer una película. Después de varios intentos frustrados,
realiza “Citizen Kane” (1941).


• Citizen Kane: Rompe el molde de Hollywood


- Introduce el tema de los narradores, disolución de la vocalización
única. El prólogo es narrado por un noticiero (vida pública) y después 5
narradores cuentan distintos segmentos de la vida de Kane (vida privada),
contradiciendo al noticiero.


- Muestra el techo y el piso. Ángulos y alturas no utilizadas regularmente.


15
 - Introducción del Plano Secuencia. Eliminación del montaje y experiencia
del tiempo real al espectador.


- Acciones paralelas gracias a la Profundidad de Campo.


- Montaje en cuadros. Distintos encuadres en el mismo plano.

- Rompe la 4º pared.

- Potencia la idea de que hay una cámara filmando (picados y
contrapicados, iluminación expresionista, altura de la cámara).


- Marca autoral de la cámara (posición, lente) y luz, foco infinito y plano

secuencia. Importantes, según Bazin, para construir realismo.

• Toda su filmografía fracasa por el enfrentamiento constante con el poder.


• “F for Fake” (1975) es su última película, muy problemática. Inventa el género
de falso documental.

Cine Francés de Preguerra

- Tanto Bresson como Renoir marcan fuertemente lo que es el cine francés.
(Renoir ≠ Bresson)

- En las películas modernas filmar sobrepasa hacer una buena película, es un

ejercicio. La película es un resultado de la experiencia.

- Renoir:


• Humanista, atraviesa casi todos los períodos del cine. “Director de los
Actores”.


• Estaba en contra de las categorías, trabaja con la ambigüedad de la realidad.

• Sus películas no tienen temas ni géneros. Cambia la forma de abordar los

géneros. Trabaja sobre la tensión entre la naturaleza (bárbaro) y la
representación (teatro).


• Se opone a la idea de lo técnico. Desarrolla una “ética” antes que una

“estética”. Un modo de relacionarse con el mundo antes que con su obra.

• 1936-1939 Gobierno del Frente popular Francés (sindicatos, derechos de los

trabajadores)

- Renoir se adhiere al partido y a sus ideologías (ideología comunista)

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 - “El Crimen del Sr. Lange” (1936) - Película propagandista comunista. El Sr.
Lange es el dueño de una empresa que hace cómics, se hace pasar por
muerto y se escapa. Los empleados hacen a la empresa una cooperativa y
le empieza a ir muy bien. Cuando el Sr. Lange se entera, vuelve. Los
empleados aprovechan que todo el mundo piensa que esta muerto y lo
matan.

- Idea de hacer películas colectivas, libertad de guión. No hay protagonista

fijo.

- Renoir se crió en un entorno progre - hippie con osde.

• Realismo Poético Francés

- Representar las clases bajas

- Antecedente del cine negro

- Personajes destinados al fracaso

- Fotografía expresionista


• Representación del espacio dramático narrativo. Trabajo con la panorámica,

giro completo con profundidad de campo, secuencias cortas. Movimiento de
cámara ambiguo ≠ soviético. Se trabaja sobre la idea del tiempo.


• Teoría del Equilibrio: Varía desde el artificio o el teatro hasta con personajes o
temas naturalistas. Recurso de mezclar ambas.


• 1950 Trilogía del Espectáculo

- Escenografías super artificiales con personajes o actores naturalistas.

- Actitud documentalista de ir a buscar.


• Clásico: Esencia que precede a la existencia. Ir al lugar común de lo bello.


- El cine trabaja con la existencia, generar escenas que se vuelva autónomas
y después se transforma en un pseudo documental.


- La realidad se vuelve el centro, prioriza la realidad a lo técnico (que pasaba

delante de la cámara, no la cámara). Ej: Sonido directo


- La realidad se cuela en la película, el cine esta para extraer algo.


• Borrar los límites entre documental y ficción pero éticamente.

• Películas:

- “Boudu Salvado de las Agus”

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 - “La Gran Ilusión” (1939) - No importa la nacionalidad, sino las clases
sociales que dividen (te podes llevar bien con un colombiano de tu misma
clase social porque tienen la misma ideología, el mismo tipo de infancia,
etc).

- Bresson estaba en contra de la actuación en el cine. Más purista (forma rígida).


- Jean Vigo:


• Muere muy joven

• Tiene pocas películas pero son importantes.

Neorrealismo Italiano
- Si hay un nuevo realismo, ¿cuál es el anterior? Se debe identificar al realismo
previo. El más afín es la vanguardia soviética.


- “Neo” es la palabra que marca todos los nuevos comienzos del cine después de
los 40’.

- Cine Italiano Previo:

• Parecido a las óperas

• Temprano cine de estudio

• Sus grandes géneros eran el melodrama y la comedia.

- 20’-30’ Ascenso de Mussolini


• Cine de Régimen (en oposición al modelo capitalista libre de Hollywood). Es

causa de un rol central del Estado.


• Creación del Festival de Venecia y de la Escuela de Experimentación de Roma

(profesores de izquierda).


• Cine de Teléfonos Blancos:

- Representación de la clase alta (“Son tan ricos que hasta los teléfonos
son blancos”).


- Comedia y melodrama ajeno a la realidad (parecido a lo que sucedía en

Hollywood con la máquina de sueños).


- Marca la década del 30’.


- Cine “de escape”

18
- Peso de la discusión política (más que nada de parte de izquierda). Los
profesores empiezan a discutir el problema del realismo con la literatura de
EEUU. Se publica una revista que discute la teoría (“Bianco e nero”).


- El Neorrealismo Italiano triunfa ya que impone una nueva manera de hacer cine
que sigue vigente hasta hoy y fue un éxito comercial. Esto es lo opuesto de las
Vanguardias, que generalmente son intentos de movimientos efímero y sin éxito
comercial.


- Características:


1. Contexto Histórico. Las películas ocurren dentro de un momento histórico

determinado, generalmente en la actualidad


2. Decorados naturales. No hay estudios, se graba con una nueva cámara

usada para filmar en la guerra (más resistente, más liviana y con film más
sensible).


3. Amalgama Actoral

• Combinación heterogénea entre actores y no actores.

• Discusión ante el Star System.

• Le da al espectador un personaje más parecido a él.


4. Estética y Producción

• Vínculo inseparable

• La estética es el resultado de la producción

• Se escribe el guión en base a la estética.

• Disuelve la noción del espectáculo (“espectáculo de lo real”).


5. Espacio-Tiempo. Plano secuencia y Profundidad de Campo (el tiempo es
continuo y asemeja a la realidad).


6. Documental. Películas como documento del tiempo. Documental

ficcionado.


7. Moral/Ética. Obligación a mostrar la realidad, el artista no le puede dar la

espalda a la crisis.


8. Coral. Primero se ubica y presenta a un grupo colectivo y después toma a

un individuo (personaje principal). En oposición al personaje deshistorizado
de Hollywood, en el neorrealismo se mueve más por su construcción
psicológica que por su contexto.

- Este movimiento tiene la particularidad de revisar la historia del cine, conocer lo

que lo precede y reflexionar.

19
- Directores Importantes (1942-1950):


• Rossellini

- Indignación sobre la situación social.

- En los 30’ hacía películas de régimen para Mussolini.

- Representación y descubrimiento de la ciudad.

- Sus guiones trabajan sobre el azar, toman un pedazo de vida de los

personajes. No tienen una causa, los personajes deambulan y se
encuentran al azar.

- El neorrealismo reintroduce la lengua de la calle, popular, que antes no

aparecía.


- Presencia de niños. Mirada moral a los adultos, enjuiciando. Reemplazo de

un mundo de adultos por uno que le dejaron a los niños, el de la guerra.


- Películas:


• “Roma: Ciudad Abierta” (1945, descubrimiento de la ciudad)

• “Paisa” (1946, efecto documental, gente normal, azar)

• V. De Sica

- Compasión emocional

- Zavattini, su guionista (comunista).

- Carácter analítico de la narración (≠ Hollywood).

- “Ladrones de Bicicletas” (1948). Postguerra, reconstrucción de las

ciudades.

• Visconti

- Aproximación intelectual a los problemas, trabajando sobre la ópera y la
tragedia. Aproximación al método del materialismo histórico


- Marxista

- 20’ Viaja a Alemania, ve lo que va a ser el surgimiento del nazismo.

- 1933-1936 Viaja a Francia, conoce a Renoir, queda fascinado por el cine.

- “Obsesión” (1942)


• Adaptación de la novela americana “El cartero llama 2 veces”


20
 • Tiene que ver con la discusión de la representación del realismo (en la
literatura) que se tenía en el centro de experimentación de Roma.


• Se adapta y cambia el contexto de la novela por el contexto italiano.


• El mussolinismo se enoja, roba el negativo y lo quema.

• Después de esta película Visconti planea hacer una trilogía que de cuenta
del estado económico italiano (minería, pesca y campo), financiada por el
partido comunista.


- “La Tierra Tiembla” (1948)

• Pescadores

• Análisis para poder explicar el modo de la explotación económica.

• Lo lleva al límite, actores no actores que se representan a sí mismos.


• Reenvío entre el realismo y la ficción, completo. No es un documental
porque Visconti prepara situaciones y posiciona la cámara donde le
conviene, no donde puede.


- La trilogía nunca se completa porque se quedan sin presupuesto.


- Cine antropomórfico

- Movimiento de chamarra panorámico, que tiende más a describir. Pocos
cortes, muchos personajes en cuadro. Plano secuencia y profundidad de
campo.

Nouvelle Vague
- Traducción: Nueva Ola.

- Uno de los movimientos decisivos de la historia del cine, punto clave de la
entrada al cine moderno.


- Contexto:


• Francia no estaba tan devastada como Italia después de la guerra.

• Francia busca recuperar su lugar en el cine (en los 30’ producción pico de 100
películas por año. Post WWII pasa a 20 por año).

• Películas americanas dejan de reproducirse en ciertos países europeos,

incluyendo Francia.

• Nouvelle Vague viene 10 años después de la guerra.

21
- Se consolida la idea de cine nacional. Para que el cine siga existiendo, debe
intervenir y financiarlo el Estado. 2 medidas importantes:


1. El Estado impone cuotas de pantalla para que las películas americanas no

le saque el lugar a las nacionales.


2. Tradición de Calidad: Premios a la calidad y la alta producción. Aportes a

proyectos.

- Se gesta un campo cultural, la crítica, que da lugar a la nouvelle vague. Por

primera vez los realizadores no se formaban trabajando o en las escuelas de
cine, sino que se forman desde el campo de la crítica.


- “Nacimiento de una Nueva Vanguardia: La Cámara Lapicera” - Astruc:


• Autor = Realizador

• El autor escribe con su cámara, como un escritor con su lapicera.


• El cine cambia, las películas innovadoras son aclamadas por los críticos.

• El cine se convierte en un medio de expresión/un lenguaje.

• Escapa de lo meramente visual. Sin embargo, no deja de ser un espectáculo.

• La toma de conciencia cambio, hay que ser crítico para ser consciente del
cambio.


• Puesta de cámara expresa la relación entre los personajes, entre objetos y

personajes, etc (expresión de pensamientos).


• Conceptos Importantes:

- La puesta en escena ya no es un medio de mostrar, es una escritura.

- Los guionistas no son los autores de la película.

- “Tendencia”: El cine esta tendiendo a escribir con la cámara

- Doble procedimiento de la crítica

• Revisión de la historia del cine

• Preparación previa a la realización

- Movimiento “Parricida”: Elige a sus padres (modelos a seguir, que dejan una
marca importante para ellos) y los extermina.


• Andre Bazin. Campo teórico

• Henri Langlois. Campo formador, organizaba los espacios.


• Jean Renoir. Campo de la realización, repertorio variado.

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- “Cahiers du Cinema” - Revista de Bazin. Pasa de ser super desconocida a
estructurar el cine francés.

- Política de los Autores: “El autor no es el que escribe el guión, el autor escribe
con la cámara” - Astruc


• Concepto de Puesta en Escena. De que manera el cineasta filmó esa

película (donde puso la cámara, como dirigió a los actores, como es el
montaje, etc). Lo que define a la película.


• Crean un Olimpo Crítico, donde ponen a Hitchcock en el lugar de los grandes

autores (por la puesta en escena, no importa si escribe o no).


• Bazin esta en contra.


• “El Margen Derecho” decía que la peor película de un autor es mejor que la
mejor película de un no autor.

- Serge Daney - “Cinéfilos”


• Hijos del cine, llegan al cine a discutir todo, por primera vez

• Amantes del cine

- “Una Cierta Tendencia del Cine Francés” - F. Truffaut (Artículo de revista, 1954)


• Ataca a las películas que se basan en el modelo “los guionistas y el texto son
lo importante, el director es un empleado que pone la cámara”.


• Retoma la idea de “tendencia” de Astruc y la da vuelta (“la tendencia es la del

cine de guionistas”).

- Rasgos de la Nouvelle Vague:


1. R. Económico


• Ley de Cortometraje: Imaginan películas de bajo presupuesto.

• Cambian los premios de Tradición de Calidad, para dárselos a las

películas que aporten al lenguaje cinematográfico.

• Fondos del Estado

- Sistemas de Producción

- Unidad entre estética y producción

- Se piensa “¿Qué podemos hacer con lo que tenemos?”


2. R. Técnico

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 • Cámaras pequeñas para que entren en decorados pequeños (casa del
director).

• Descubrimiento de una película muy sensible (triequis).

• Nagra: Sincronizador de sonido con la película (grabador con cinta

cubierta).


3. R. Generacional. Todos más o menos de la misma edad. Por eso todos los
involucrados en la producción de las películas son jóvenes (directores,
técnicos, actores, etc). Además, la marca previa hace que el cine también
tenga esa marca.


4. R. Estético


• Realismo

• Más flexible y moderno

• Sistemas formales de técnica

• Elementos que parecían viejos (Cierre/apertura del iris, ideas de montaje

de Eisenstein, etc).


5. R. Crítico

- Nouvelle Vague Moderno:


• Juego entre el documental y la ficción

• Relatos débiles pero más abiertos, libres. Vagabundeo por la ciudad.

• Disyunción entre sonido e imagen, a veces rompe el espacio-tiempo.

• Personajes que parecen saber su estado de personaje (voz en off, ruptura de

la 4º pared, etc).

• Referencia fuerte al policial negro.

- Películas:


• “Los 400 golpes” Truffat

- No se puede ver a la Nouvelle Vague como un movimiento estricto porque…


• Sus referentes filman diferentemente

• No tenía manifiesto

• Es autoconsciente

- Sistema de producción:


• Piensan a las películas como críticas de otras películas (el movimiento tiene
que ver con un modo de ver las películas).

• La diferencia entre hacer cine o crítica es cuantitativa, no cualitativa.

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 • Idea de lo “liviano”

- Cámaras del neorrealismo

- Temas (adherencia a la realidad de la manera más simple posible)

• Críticos de cine formados en cine clubs, cinéfilos (Hitchcock Hawkianos)


• Cine que se expresa en 1º persona, idea de dedicatoria (Truffaut le dedica su
primer película a Bazán).

- Puesta en Escena:


• Encontrar la forma adecuada para un tema determinado.

• Tema / Forma = Contenido / Continente

• Hitchcock decía que no había que adaptar buenas novelas, había que adaptar
novelas malas.

- Influencias de la Nouvelle Vague:


• Neorrealismo Italiano
- Adherencia a la realidad

- Cámaras


• Directores

- Melville

- Cocteau

- Bresson

- Renoir

- Rosselini

- Hitchcock

- Hawks

- Jean Rouch (cine reportaje)

- Godard:


• Se pregunta como filmar una película política políticamente.

• Trabaja con la idea de collage.

• Más dadaísta (poner en evidencia el cine (mostrar una cámara filmando)).

• Cine de vanguardia

• Según Bazin, one en crisis la distinción entre directores que creen en la

realidad y los que creen en la imagen.

• La marca fundamental de Godard es la continuidad de ruptura.

• Tiene 3 etapas

1. Años Cahiers / Karina:


• Etapa muy relacionada a los géneros

• Escribía en la revista de Bazin

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 • También se llama años “Karina” porque su actriz principal era Karina,
quien más tarde se convirtió en su esposa.


• Alphaville:

- Policial negro + ciencia ficción (género poético)

- Homenaje al género norteamericano, referencias (a un personaje le

gusta mucho Humphrey Bogart).

- Idead de producción e ideas de estética van combinadas.

- Nueva generación (aparece Karina)

- Lenguaje

• Elementos realistas (luz natural, plano secuencia, etc)

• Ruptura de elementos tradicionales (discontinuidad)


• Contempt:

- Película más clásica

- Primer película a color de Godard

- Godard lee los créditos.

- Distintos filtros de colores


2. Años Mao (1966-1972)

• Empieza a forzar límites del cine comercial hacia el cine militante.

• Funda el grupo “Dziga Vertov”

• Ajeno a los sistemas clásicos/convencionales


• La Chinoise:

- Discontinuidad

- Lleno de citas

- Realismo y artificio (sangre falsa)

- Montaje eisensteniano

- El personaje deja de ser personaje y pasa a ser el actor hablando

con el director.

- Idea del cine como intervención del campo contemporáneo.

3. Video (1970-1972-1974)

• Empieza a trabajar con video (primeros videocassettes)

• Alterna cine con video

• Tout va Bien:

- Discontinuidad

- Godard va contando de que va la historia

- Personajes que le hablan a la cámara

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Nuevos Cines
- 1960 en adelante

- Intervienen varios factores


• Apoyo estatal

• Generacional

• Sinergía con otros grupos

• Realidades sociales/políticas

• Actores jóvenes

- Lo nuevo, acceso de jóvenes a realización cinematográfica,. Marco un

cambio, cambio fuerte con la Nouvelle Vague.


- Cada país tiene su variación (Cines nacionales, 60’)


• Grupos/movimientos donde representación de lo propio ocupa un lugar

importante.

• Se expande mundialmente.

- La Nouvelle Vague marcó que no hacía falta mucho presupuesto, sino que se
podían hacer con otros recursos (genera la idea de que es posible acceder a la
realización).

- 60’/70’


• Nuevo Cine Polaco y Nuevo Cine Checo:


- Cine Estatal

- Escuela de cine (llegan al cine a través del aprendizaje)


• Cinema Novo

• New American Cinema:

- Movimiento ligado al mundo de la fotografía, pintura.

- Dinamita contra el cine comercial

- Andy Warhol


• Post Neorrealismo:

- Se plantea otro tipo de problemas cinematográficos y estéticos.

- No esta ligado a clases populares. Se discute desde la burguesía, clase

media.


• Generación del 60’ (Arg, ya hay uso de la lengua argentina)

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• Nuevo Cine Alemán:

- El Cine Alemán era una potencia del cine mudo, exterminado a partir del
nazismo. Exilio de cineastas.


- Post guerra trajo Cine de Convención. Vuelve a ciertas tradiciones.


• Cine de Género de Convención

- Melodrama

- Alpinistas / Optimistas

- Vida cotidiana

- Trabajadores

- Grupo de cineastas leen manifiesto durante festival Uberhaüssen

(Manifiesto Uberhaüssen, pretenden crear un nuevo cine alemán).


• Sirvió como llamado para surgimiento del Nuevo Cine Alemán.


- Alemanes dicen que hay una historia y que los padres estaban vivos (Ej:
Fritz Lang).


• Reflexionan sobre la historia del cine alemán mientras empiezan a filmar

sus films (movimiento autoconsciente).

- Principales Exponentes:

• Fassbinder

- Crea un grupo de teatro, de trabajo (antitheater)

- Método de producción muy corto

- Trabaha género melodrama frío (por el tono)

- Fuertemente relacionado con l contexto, aparece la historia previa.

- Casi siempre protagonistas mujeres

- El primero que habla de lo que pasó

- Zonas muy provocativas que el alemán no quería ver.


- “Lola” es remake de “El Ángel Azul”. Incorpora nuevas realidades
sociales.

- “Solo quiero que me amen” (1972)

• Mucho interior

• Fuerte sentido de producción

• Presencia fuerte de lo teatral

• Muy poco corte

• Personajes destruidos por la convención / presión social

• Tema inmigración mezclado con el trabajador


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 - “El Deseo de Veronica Voss” (1980)

• Caligrafía imita cine clásico

• Toma elementos del cine mudo

• Musicalización muy fuerte

• Herzog

- El que más pelis produjo

- Relación con tradición romántica, fuerte relación con el expresionismo

alemán y con lo sobrenatural (tradición recuperada).

• Wenders

- Relación con cultura joven.

- Ausencia de géneros y de explicación psicológica.

• Kluge

- Escribieron textos

- Misma edad

- Antes no se hablaba de lo que había pasado (1945-1960).

- Recién empiezan a hablar de esto, trabajar sobre esto

• Aparece crítica o teoría que aparece junto a lo que las películas discuten,

• Década textual (mucho debate sobre el cine).

• El cine se vuelve a meter a lo relacionado con la sociedad.

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