Índice:
Propuesta ------------------------------------------------------------------ 2
Introducción
Contextualización -------------------------------------------------------- 4
Principales obras del autor --------------------------------------------- 6
Desarrollo y análisis
Arte, composición y técnica ------------------------------------------- 8
El lugar del arte en la vida social ------------------------------------- 9
Conclusiones ------------------------------------------------------------- 11
Bibliografía ----------------------------------------------------------------
2a. Evaluación Semestral. Trabajo escrito de corte investigativo individual. Ce.R.P.
S.W. Teoría de las Artes visuales I. 3ro. Comunicación Visual.
Consigna
Elegir un artista moderno con documentación escrita sistematizada. Se sugiere uno
de los siguientes: Vincent Van Gogh, Vassily Kandinsky, Pedro Figari, Miguel Ángel
Pareja, y abordarlo en un trabajo de corte investigativo con la guía en tres partes
que se propone a continuación.
1-Introducción y contextualización en torno al artista-pensador. Biografía.
Antecedentes, períodos, agrupaciones, estilos. 1 pág.
Principales obras con ficha técnica. 2 pág.
2-Reconocer, desarrollar y analizar, extrayendo citas y apoyos gráficos, sus ideas
sobre:
a) Arte, Composición, y Técnica; 1.5 pág.
y b) el lugar del Arte en la Vida Social (dónde estaban y quiénes conformaban los
artistas, el público, los especialistas, los espacios, sus relaciones) 1 pág.
3-Conclusiones, reflexiones finales, reformulación de preguntas, con referencias de
los fundamentos del marco teórico del curso y una perspectiva educativa. 2pág.
Entrega en Bedelía 23 al 27 de octubre.
Bibliografía
John Berger. Modos de Ver. Se sugiere Ensayo 1.
Pedro Figari. Arte, estética, ideal. Se sugiere capítulo “Ténica”.
Martin Kempt, El arte en la Historia. Se sugiere capítulos 8, 9, 10. La vida moderna.
La dimensión francesa./Nuevos extremos./Algo diferente.
Miguel Ángel Pareja. Escritos sobre arte y educación. Ediciones del Torito.
Montevideo 2016.
Vincent Van Gogh, Cartas a Theo. Epistolario.
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Vassily Kandinsky. De lo espiritual en el arte. Se sugiere capítulo V“Teoría” y VI “La
obra de arte y el artista”
Formato
Papel, fuente tamaño 12 interlineado 1.5 líneas, en procesador de texto o
documento diseñado en [Link], (recomendación posible), software de diseño
gráfico libre en línea muy intuitivo.
Considerar guía de producción y evaluación de texto abajo.
Consultoría: 18/10
Criterios a considerar para la evaluación de producción de texto.
Información. Cantidad, calidad, relevancia, claridad.
Presentación. Organización de contenidos, con suficientes subdivisiones.
Adecuación. Enfoque en el tema, propósitos definidos, formalidad expresiva.
Léxico. Variedad. Precisión terminológica. Uso de lector y variedades adecuadas.
Respeto a las convenciones, ortografía. Aplicación de procedimientos de citas,
Bibliografía. Consulta de fuentes de calidad. Selección y organización de imágenes.
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Introducción
Contextualización
Vicent Willem van Gogh, nace el 30 de marzo de 1853, en el pueblo holandés de
Groot-Zundert, como primogénito, - luego de que hiciera exactamente un año de
que naciera muerto un niño del mismo nombre- de los seis hijos de Theodorus van
Gogh y su muer Anna Cornelia Carbentus. El padre fue predicador de la parroquia
de la Iglesia Reformada Holandesa, mientras que la madre era hija de un
encuadernador de libros de La Haya.
En 1861 es insertado en la escuela del pueblo en Zundert hasta 1864 que se
cambia a un internado privado de Zevenberg, en 1866 se traslada al internado de
Tilburg hasta 1868 que interrumpe el colegio, volviendo a Groot-Zundert.
1869, va a La Haya para empezar como aprendiz, donde vende producciones de
arte, lee mucho y visita museos. Más tarde su padre es nombrado como pastor de
Helvoirt, adonde se traslada con toda su familia, Vincent los visita en vacaciones y
también comienza la correspondencia con su hermano Theo en La Haya.
En 1873 Trabaja un año en Goupil, se enamora de la hija de su patrona y el
rechazo de ésta le ocasiona una crisis, la cual lo lleva a vivir aislado, leyendo
mucho. Sigue yendo a museos aunque descuida su trabajo y se interesa por Corot
y la pintura holandesa del S. XVII
De 1876 a 1880, trata de salir a delante enfocándose en el lado religioso, tratando
de ser pastor, predicador, aunque no lo logra, y termina en la pobreza extrema, por
lo cual su hermano Theo había dejado de escribirle ya que estaba en desacuerdo
con sus actividades. En 1880 decide pedirle apoyo económico nuevamente por
cartas y éste que ahora trabajaba en la galería Goupil de París le ayuda. Van Gogh
dibuja muchas escenas del ambiente de los mineros y su hermano le alienta en
ello. Unos meses después va a Bruselas para estudiar dibujo en la academia de
Arte. Siente gran admiración por Millet y Daumier.
Entre varios amores y desamores, idas y vueltas, mudanzas, relaciones tensas
entre amigos y familia, se enfoca más que nada en el paisaje y en el estudio de los
colores como preparación de la pintura al óleo. En diciembre de 1883 se muda a
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Nuenen a vivir con sus padres, los cuales lo ayudan y apoyan en sus proyectos y él
los ayuda a ellos cuidándoles muy cariñosamente Su pintura pasa a enfocarse de
los paisajes y campesinos a los retratos.
En 1885 fallece su padre, el artista queda muy afectado, aun así continúa con sus
producciones, visitas a museos, etc. Vuelve a París con su hermano Theo, el cual
lo apoya y le da alojamiento; conoce a varios artistas como Bernard, Russel,
Monet, Renoir, Degas, entre otros, algunos por el estudio, otros gracias a su
hermano. En 1887 expone en la galería de su hermano junto a Bernard, Gauguin y
Toulouse-Lautrec, haciendose llamar “peintres du Petit Boulebard”, diferenciándose
de los “Peintres du Grand boulevard” conformado por Monet, Sisley, Pissarro,
Degas y Seurat.
Se muda a Arles en 1888 a “la casa amarilla” a donde luego llega Gauguin a
petición de Vincent. Donde luego de un tiempo comienzan las discusiones y el 23
de diciembre, relatado por el propio Gauguin, Vincent lo ataca con una navaja de
afeitar, a lo que Gauguin sale corriendo y se hospeda en un hotel, luego se marcha
a París para contarle del estado de su hermano a Theo. Mientras que Vicent se
quedó en un ataque aquella noche y se cortó la parte inferior de la oreja izquierda,
envolviéndola en un papel y llevándola al burdel para regalárselo a Reachel una
prostituta.
Vicent escribe a su hermano desde el hospital… “Está rodeado por un claustro
blanqueado, con arcadas como las de los edificios árabes. Delante de los arcos
hay un viejo jardín con un estanque en el centro y ocho macizos de flores,
nomeolvides, rosas de Navidad, anémonas, ranúnculos, alhelíes, margaritas, etc. Y
bajo el claustro naranjos y adelfas. Es un cuadro lleno de flores del verdor de la
primavera”
Vincent Van Gogh
En sus últimos años pinta mucho, aunque sufre reiterados ataques, en mayo de
1890 visita a su hermano y a su sobrino ahijado en París, pasan los meses y el 27
de julio se dispara una bala en el pecho, muriendo el 30 ya que había sido asistido
por un médico de confianza de su hermano Gachet.
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Principales obras del autor:
Nombre de la obra: Dolor
Tamaño: 44 cm x 27 cm
Período: Realismo artístico
Autor: Vincent van Gogh, 1882
Localización: Londres, Inglaterra
Fecha de creación: 1882–1882
Dolor es un dibujo de Vincent van Gogh realizado en 1882. Esta obra fue creada
dos años después de que van Gogh decidiera convertirse en artista. El dibujo
representa una mujer embarazada de 32 años, Clasina Maria Hoornik, conocida
como «Sien».
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Nombre: El dormitorio en Arlés
Período: Posimpresionismo
Fecha de creación: 1888
Autor: Vincent van Gogh, 1888
Estilo: Postimpresionismo
Materiales: Cañamazo, Pintura al aceite
El dormitorio en Arlés es un cuadro de Vincent van Gogh que representa el
dormitorio del pintor durante su estancia en la ciudad francesa de Arlés, un motivo
sobre el que pintó tres cuadros casi idénticos.
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Artista: Vincent van Gogh
Tamaño: 74 cm x 92 cm
Ubicación: MoMA
Autor: Vincent van Gogh, 1889
Materiales: Cañamazo, Pintura al
aceite
Períodos: Posimpresionismo, Arte
moderno
La noche estrellada es la obra maestra del pintor postimpresionista Vincent van
Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del
cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence.
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Nombre: Autorretrato
Artista: Vincent van Gogh
Tamaño: 65 cm x 54 cm
Ubicación: Museo de Orsay (desde 1986)
Fecha de creación: septiembre de 1889
Períodos: Arte moderno, Posimpresionismo
Materiales: Cañamazo, Pintura al aceite
Van Gogh pintó una gran cantidad de autorretratos durante su carrera artística, y
este es considerado uno de los más bellos, sino el mejor. Se realizó en septiembre
de 1889 en el asilo de Saint Remy, cuando el pintor acababa de recuperarse de un
enamoramiento de dos meses, durante el cual trató de suicidarse ingiriendo los
colores. Acerca de este lienzo, Van Gogh le escribirá a su hermano Theo: "Te
darás cuenta de que la expresión de mi rostro es más tranquila, aunque me parece
que su aspecto es más inestable que antes".
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Desarrollo y análisis: Arte, Composición, y Técnica;
Su vida atormentada va a reflejarse en su pintura, utilizaba pinceladas cortas,
vibrantes y sinuosas que en su última etapa llegan a ser llameantes.
El color es fundamental en su pintura. Violencia en los colores. Yuxtaposición y
superposición de colores puros, sin mezclar.
“Para un pintor, lo único verdadero son los colores. Un cuadro no representa ante
todo y no debe representar, nada más que los colores.(…) Existe una lógica en los
colores y el pintor debe obedecerla, y no a la lógica del cerebro. Cuando se pierde
en ésta, también él está perdido. Con los ojos tiene que perderse. La pintura es una
óptica, y el contenido de nuestro arte reside en primer lugar en lo que piensan
nuestros ojos.”
Van Gogh
La iluminación que viene de afuera y los objetos que reflejan la atmósfera y el
colorido, eran lo más importante para él, para él era muy importante capturar la
fuerza vital de las cosas.
“Resulta admirable mirar un objeto y encontrarlo bonito, pensar sobre él, retenerlo y
decir rápidamente: me voy a poner a dibujarlo y trabajarlo entonces hasta que esté
reproducido”
Vicente Van Gogh
Se expresa y se libera a través de la pintura, el tema es a menudo él mismo, su
propio mundo interior. Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la
sociedad y como vehículo de salvación personal.
En su obra los objetos adquieren un valor simbólico que se acentúa cada vez más,
En la etapa en Arlés, predominan las sillas desocupadas, los objetos abandonados,
las habitaciones vacías…probablemente un símbolo de soledad y de la búsqueda
de un ideal imposible como lo demuestra el fracaso de su intento de formar una
colonia de artistas. Vincent buscaba lo efímero en lo eterno, buscaba en la realidad
el momento que haga plausible su visón de una vida mejor. El instante debe hacer
realidad aquello que la imaginación ha proyectado con pasión.
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Otra de las cualidades de su obra, es que a unos metros de los cuadros, estos
adquieren una leve tridimensionalidad. Cuando uno se acerca, logra apreciar que el
autor, ha vertido palas y palas de colores al óleo sobre su lienzo. Lo embadurnaba
de pintura, aplica y da forma a las capas, no con un pincel, sino con una espátula y
con los dedos. La técnica no era nueva, tanto Velázquez como Rembrandt se
habían servido ya del impasto pero en manos de Van Gogh sus efectos consiguen
un dramatismo mayor.
El lugar del Arte en la Vida Social
El estilo impresionista, anticipó al posimpresionismo que fue en el que se destacó
Van Gogh. El impresionismo se despertó e implicó una aceleración en la evolución
del arte. Rompió con toda norma académica como elemento básico del arte, ya que
abrió una inesperada puerta de la libertad a la creatividad artística y acentuó el
aspecto subjetivo de la apreciación artística.
El artista aquí nunca partía de cero, solía estar condicionado (aunque fuera en el
subconsciente) por lo que le ha parecido ver. Así el impresionismo paga su
inevitable tributo al realismo del mismo modo que los postimpresionistas parten de
la revolución impresionista.
Frente al culto a lo fugaz del impresionismo, los postimpresionistas proponen como
alternativa el análisis de lo que percibían. El nuevo estilo asociaba la técnica de la
creación artística y a la contemplación de la naturaleza, le interesaba la luz que
daba estabilidad y delimitaba las formas, a diferencia de los impresionistas que se
enfocaban en la luz cambiante que modifica los objetos.
Los postimpresionistas entonces se interesaron más por las sensaciones táctiles,
formales, consistentes, se desligaron del arte sensorial y transitorio de los
anteriores y fueron los precursores de los primeros movimientos vanguardistas del
siglo XX. (Cézanne, que preludia el cubismo; Gauguin, el movimiento nabí y el
fauvismo, mientras que Van Gogh, el fauvismo y el expresionismo).
Con respecto lo que es ser un artista Van Gogh declaraba en unas de sus cartas:
“Mauve me hecha en cara el haber dicho “yo soy un artista”, pero no me hecho
atrás, porque resulta claro que esta palabra lleva implícita la significación de:
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2a. Evaluación Semestral. Trabajo escrito de corte investigativo individual. Ce.R.P.
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“buscar siempre sin encontrar jamás la perfección” Se contrapone a la afirmación
de: “Ya lo sé, yo ya lo he encontrado”.
Esta frase significa por lo tanto que yo sepa: “yo busco, yo persigo, y lo hago con
todo mi corazón”.
El término postimpresionista fue popularizado en 1910 por Roger Fry para
catalogar a los pintores que, por oposición o derivación se venían relacionando con
los planteamientos del impresionismo. La obstinación de los impresionistas por
eternizar el instante en el cuadro los había conducido a un callejón de trastornos,
promovidos por la constante mutación de la atmósfera. Entonces, tres grandes
artistas, insatisfechos por esta imitación, traspasaron sus fronteras sin renunciar a
los logros técnicos adquiridos. La síntesis que elaboran estos maestros abre de par
en par las puertas a las vanguardias históricas del S. XX.
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Conclusiones:
¿Cómo se ve el arte postimpresionista en relación con el concepto antiguo de arte
según Tatarkiewicz?
Según mi percepción, el postimpresionismo que precede a la revolución
impresionista, trata de romper justamente con el viejo concepto de arte, donde se
entendía el arte al conjunto de preceptos universales adecuados y útiles que sirven
al propósito de representar la realidad tal cual es, que fue conservada hasta
después del Renacimiento. Estas nuevas corrientes, proponen muchas rupturas
estilísticas a las reglas del arte antiguo, como por ejemplo: salir a pintar a fuera del
taller, tendencia a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre
todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros,
pardos y tonos terrosos, también manejaron la pintura más libre y sueltamente, sin
tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el
gran factor unificador de la figura y el paisaje.
En un principio fueron fuertemente criticadas, pero al fin y al cabo, estamos
hablando de los pioneros en el arte moderno, que rompieron con el estilo ecléctico
que le precedía. Incluso, el nombre de impresionismo surge a partir de la primera
exposición donde un crítico toma el nombre de la obra “impresión sol naciente” de
Monet en tono irónico.
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