Elementos del arte

Los elementos del arte son el grupo de una obra de arte utilizados usualmente en su enseñanza y análisis, en
combinación con los principios del arte. Serían los componentes o partes básicas para crear una obra de arte. 1
Las listas de los elementos del arte varían, su función de diferentes autores, pero en general incluyen las
siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.
Los artistas trabajan con estos elementos básicos para componer una obra de arte, no siendo necesario que aparezcan
todos, aunque han de estar presentes, al menos, dos de ellos. 2
Espacio
El espacio es el área proporcionada por un motivo particular. Puede tener
dos dimensiones (alto y ancho) o tres si se agrega la profundidad.
La creación de una perspectiva visual, que da la ilusión de profundidad es
otro elemento de arte utilizado para crear un espacio. En las técnicas
pictóricas clásicas hay un esfuerzo por recrear un espacio tridimensional. El
uso correcto del espacio es un arte en sí mismo.

Color
El color es la parte más expresiva de la obra y es visto mediante la luz reflejada en
el color; vemos estos colores gracias a que los objetos los reflejan
Cuando los colores primarios se mezclan se forman los colores
secundarios: verde, violeta y naranja. Los colores terciarios se obtienen mediante
la mezcla de un primario y un secundario: amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-
rojo, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde.

Forma
La forma es una zona que define objetos en el espacio. Puede ser geométrica (como cuadrados o círculos) u orgánica
(como formas naturales o libres).
Las formas pueden ser bidimensionales (largo y ancho) (en inglés, shape), usualmente
delimitadas por líneas o tridimensionales (largo, ancho y altura). Al visualizar una obra
de arte, lo primero que observamos son representaciones con una forma
determinada, ya sean figurativas o abstractas.
Una forma crea automáticamente otra forma alrededor de ella. Las formas en
la decoración y diseño de los interiores de una casa pueden usarse para agregar
practicidad y estilo, como por ejemplo, en el diseño de una puerta. La forma en el
diseño de interiores depende de la función del objeto como una puerta de armario de
la cocina. Las formas naturales que forman patrones en madera o piedra, pueden
ayudar a aumentar el atractivo visual en el diseño de interiores. Por otra parte esto ayuda a medio ambiente

Textura
La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay
dos tipos de textura: la óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil).
Las texturas pueden ser ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas no
siempre se sienten como se ven, por ejemplo, si representamos un cardo lleno
de espinas en un cuadro, en realidad si pasáramos la mano por las espinas de
la pintura,la textura sería suave

Valor
El valor, luminosidad o simplemente luz, describe cual claro es un color. Los artistas utilizan el valor del color para crear
diferentes estados de ánimo. Los colores oscuros en una composición sugieren
una falta de luz, como en el caso de la noche o una escena interior. Los colores
oscuros a menudo pueden transmitir una sensación de misterio o presagio. Los
colores claros suelen describir una fuente de luz, implícita, como en las velas de
un cuadro de Georges de La Tour o explícita como en un cuadro de Caravaggio, o
una luz reflejada. El valor está directamente relacionado con el contraste.
La fotografía en blanco y negro depende por completo del valor para definir a los sujetos de la composición.cosas de la
vida.

Línea
La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse
como la marca (con mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando
cualquier forma en el camino o también el camino identificable creado por un punto
que se mueve en el espacio.
Las líneas pueden ser rectas o curvas, finas o
gruesas, horizontales, verticales y diagonales.
Por oposición al color, la línea puede definir el contorno de las formas. En pintura,
cuando la línea, el dibujo, predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal",
como es el caso por ejemplo, de Durero.

Figura
Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí,
representan uno solo. La Figura puede emplearse en múltiples
contextos y con significados diferentes. Una figura es, entre otras
cosas, la apariencia o el aspecto externo de un cuerpo u objeto, a
través de la cual se puede distinguir frente a otros. En un sentido
similar, se conoce como figura a toda estatua, escultura u obra de
arte que reproduce las formas características de animales u hombres,
y al dibujo que refleja a cuerpos humanos.

La estructura arquitectónica
Es el resultado de muchos procesos. La estructura, la forma y el
espacio son un conjunto de elementos que guardan información
sobre otros elementos, masa, medidas, proporciones, cualidades y
ordenan en forma mental y material distintos elementos en la vida
humana. Los objetos carentes de estructura son intangibles y forman
parte de un fenómeno de los sentidos, cuya forma es irreal. Los
objetos que carecen de forma no existe para el ser humano. Gracias
a la arquitectura los objetos despliegan su forma y estructura para
tener significado en la vida de los hombres.
Tanto la estructura como la forma nos develan un cuidadoso análisis del comportamiento humano, a
través de la comprensión, medición y producción.
El arquitecto moldea la forma a través de la estructura como un artista del renacimiento. El
arquitecto era cientista y creativo. Con el paso del tiempo, el cientista se ha disociado del creativo,
para ganar en especialización y profesionalismo.
Algunos critican que el arquitecto actual es poco creativo y que esto se plasma en los productos
edilicios que concreta. Por ello es que el arquitecto de hoy debe formarse no sólo en adecuación
estructural sino también en capacidad creativa, liberando a forma y estructura de la exigencia de la
perfección.
La estructura en la arquitectura es el primer problema importante en el establecimiento del
espacio. Prestar atención a la estructura junto con los otros dos factores fundamentales (es decir,
forma y función) es de gran importancia en el proceso de diseño y construcción de un edificio,
una atención que requiere la sincronización del edificio estructural durante el proceso de diseño. En
el pasado, la sincronización del diseño y la construcción de un edificio inspirado por la condición
espacial y temporal de cada área daría como resultado una unidad única en el logro tangible de estos
componentes arquitectónicos.
Al mismo tiempo que la revolución industrial (es decir, desde la segunda mitad del siglo XVIII) y el
desarrollo en diferentes campos de las ciencias como la ciencia de la ingeniería estructural, la
arquitectura se alejó de la nueva ciencia estructural aplicada y ese retraso hizo que la arquitectura
perdiera su dominio los materiales y la estructura de los nuevos edificios, como la gran sala de
exhibiciones, tiendas y grandes fábricas techadas y otros tipos de edificios de ingeniería a gran
escala, e incluso se retira del espacio de trabajo en favor de los ingenieros de estructuras. En este
sentido y para eliminar la brecha creada, la arquitectura y la ingeniería estructural, parecía necesario
desarrollar una nueva línea de educación arquitectónica y acompañarla con un plan de estudios
que aumentaría el poder de percepción y análisis del comportamiento de la estructura por parte del
arquitecto. Con la continuación de dicho enfoque y con la investigación de ejemplos
arquitectónicos como las obras de Nervy, Fuller y Calatrava, a veces esa cercanía llega a un
punto en el que la frontera entre la arquitectura y la ingeniería estructural parecía nula.

PASOS PARA DIBUJO

Primero debes saber y conocer sobre lápices. Los lápices estándar se utilizan a menudo para dibujar. Estos
vienen en una variedad de estilos y tamaños, que a la vez contienen minas blandas y duras. Cuanto menor
sea el número, más suave será la mina. Las blandas son utilizadas para añadir matices y tonos mientras
que las más duras se utilizan para trazar los contornos.
Sobre la técnica de dibujo a lápiz, esta es aplicada en dos grandes etapas. La primera se basa en dibujar
las líneas que oficiarán de esqueleto del dibujo, y la segunda que abordará el sombreado. Existen distintas
graduaciones de lápices -como se había mencionado antes- que harán su trazo más o menos duro e
influirán directamente en la técnica de sombreado. Esta se puede dar en un zigzagueo abierto, en líneas
paralelas o en líneas dispares. Otras formas de sombreado, casi nunca utilizadas, son el circulismo y el
suavizado. Estas consisten en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo que le brindará otra
apariencia.
2. Crear imágenes con Carboncillo y grafito
El carboncillo y el grafito son dos de los implementos más utilizados para la creación de imágenes. Estos
implementos también son utilizados para las técnicas de dibujo secas.
El grafito puede ser utilizado sobre superficies suaves como el papel. Asimismo dependerá de la absorción,
peso o gramaje y textura.
En el caso del carboncillo, algunos artistas lo utilizan para ayudarse a crear líneas. Así también hacen uso
del carbón, el cual es adecuado tanto para línea como para mancha, y excelente para bocetos previos.
3. Técnica de dibujo con Pluma y tinta.
Este tipo de técnica es especial, puesto que se trabajan con plumas y tintas se elaboradas con fino material
(plumillas y tintas india).
Las plumillas son utilizadas para realizar trazos, así como los lápices, y existen gran variedad de estas. La
particularidad de las plumillas es que son creadas por los mismos artistas en distintos colores para
bosquejar, plumillas de caligrafía para escribir y plumillas especiales para trazar algunos bordes.
En el caso de la técnica de dibujo con tinta, se utiliza la china, la india o de lapicero. Los trazos hechos con
tinta serán más lineales que los que se desarrollan con lápiz, y las valoraciones tonales son más profundas.
Puede utilizarse sobre un boceto realizado con grafito. Una de sus grandes ventajas es que esta es que
puede ser desarrollada en varias capas, luego de que el tono secó sobre el papel.
4. Cómo dibujar con Lápices de acuarela.
Los lápices de acuarela no solo son el mejor recurso para los artistas para dibujar, sino también para pintar.
El material elaborado con lápices de acuarela se activa con agua, lo cual permite la capacidad de combinar
las técnicas de la acuarela con las técnicas de dibujo.
Es utilizada especialmente para realizar pintura artística y recreativa. Es trabajada esencialmente con agua
y usada generalmente sobre papel, tela o madera. La acuarela deberá ser aplicada con pinceles de pelo,
que sirven para componer los pigmentos. Toda superficie sobre la que se llevará a cabo el dibujo deberá ser
resistente al agua, y es posible trabajar capa sobre capa. También puede realizarse variedad de dibujos
mediante la técnica de húmedo sobre húmedo, que se logra pintando sobre una base mojada, con el pincel
excesivamente cargado.
5. Técnica del Rotuladores para dibujar.
Así como los niños pueden usar rotuladores de colores en sus libros para colorear, los artistas también.
Existe una gran gama de tamaños de puntas que permiten a las personas que los utilicen seleccionar los
rotuladores más pequeños de punta más dura adecuados para enfrentar un proyecto de dibujo de principio
a fin, incluyendo el trazo inicial y los elementos para colorear.
6. Como hacer dibujos con la técnica del aerógrafo
El cómo hacer dibujos en base a la técnica de aerógrafo consiste básicamente en la pintura por aspersión,
utilizando un aerógrafo para esparcir el color sobre la superficie. Es una técnica de las técnicas más
singulares que utilizan aquellos artistas con cierto nivel de entrenamiento, y muy valorada por la posibilidad
que brinda de aplicarla sobre superficies poco uniformes.
7. Aprende a Dibujar con lápices de color
Los colores se fabrican de la misma forma que los de grafito, salvo que las minas no se calientan en un
horno pues destruirían los pigmentos requeridos. Las barras de pigmento se sumergen en cera derretida
para que adquieran las propiedades necesarias para el dibujo.
Los lápices de color son muy sensibles a la naturaleza de la superficie del soporte. El papel blanco hecho
con un 100% de trapos y la superficie H.P. es el mejor para su permanencia y detalles. Gracias a estos se
pueden crear desde bocetos en tonos suaves, a trabajos de gran detalle con una amplia gradación tonal.
8. Como dibujar con plumones
También conocida como la técnica del marcador, es una de las más modernas y usada en su mayoría por
todos los nuevos artistas. Se aplica utilizando un marcador, plumón o fibrón, para la realización de arte
abstracto, o de combinación de colores. La ventaja del marcador es que en la mayoría de los casos no es
necesario repetir el trazo, ya que con una sola pasada es suficiente para llenar cualquier espacio.
9. Técnica para dibujar con Sanguina
La sanguina es una variante del pastel. Una barrita de pigmentos secos en polvo. Lo que la diferencia
respecto del pastel es el origen de sus pigmentos ya que se trata de un óxido de hierro, conocido como
hematites.
Con esta técnica se puede conseguir el efecto de crear una imagen a todo color con sólo tres, la sanguina,
el blanco y el negro, llamada dibujo “a tres couleurs”; la cual es utilizada mayormente para retratos.