Tabla de contenido
I. TEORÍA MUSICAL ................................................................................................................... 2
1.1. FIGURAS MUSICALES ..................................................................................................... 2
1.2. PENTAGRAMAS MUSICALES .......................................................................................... 4
1.2.1. ¿Para qué sirve el pentagrama? ............................................................................ 5
1.2.2. ¿Cómo se escribe la música en un pentagrama? .................................................. 5
1.2.3. Líneas y espacios adicionales en el pentagrama ................................................... 5
1.2.4. Características del pentagrama ............................................................................. 6
1.2.5. Elementos del pentagrama ................................................................................... 6
1.2.6. Tipos de pentagramas ........................................................................................... 7
II. HISTORIA ............................................................................................................................... 8
2.1. MÚSICA LATINOAMERICANA ........................................................................................ 8
2.1.1. Características De La Música Latinoamericana ..................................................... 9
2.1.2. Orígen De La Música Latinoamericana ................................................................ 10
2.2. La Música Latinoamericana En Algunos Países ........................................................... 10
2.3. INSTRUMENTOS MUSICALES PERUANOS EN LATINOAMERICA .................................. 11
2.3.1. Zampoña.............................................................................................................. 11
2.3.2. Quena .................................................................................................................. 12
2.3.3. Cajón.................................................................................................................... 13
2.3.4. Sicu ...................................................................................................................... 13
2.3.5. Antara .................................................................................................................. 14
2.3.6. Pututu .................................................................................................................. 14
2.3.7. Arpa peruana o andina ........................................................................................ 15
2.4. LA FUSIÓN EN LA MÚSICA PERUANA .......................................................................... 15
I. TEORÍA MUSICAL
1.1. FIGURAS MUSICALES
Las figuras musicales son símbolos o caracteres de notación musical empleados para
representar gráficamente los sonidos musicales de forma escrita. Así como empleamos
las letras para representar palabras, o los números para representar cifras; en la música
es necesario utilizar símbolos que registren sonidos.
La cualidad principal de las figuras musicales es que representan la duración del sonido
según el valor de cada figura, y la altura del sonido según su ubicación en el pentagrama.
En ocasiones se habla de notas y figuras indistintamente, sin embargo debemos aclarar
que:
Las notas musicales son: DO RE MI FA SOL LA SI DO etc.
Las figuras musicales son: NEGRA BLANCA NEGRA CORCHEA etc.
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Redonda: La redonda es la figura musical con duración de cuatro pulsos de negra,
según la notación musical actual. La mayoría de las otras notas musicales toman como
referencia el tiempo de la redonda.
Blanca: Es una figura musical, equivalente en la
notación musical a la mitad del valor de una redonda, 2 negras, 4 corcheas, 8
semicorcheas, 16 fusas o 32 semifusas. En cuanto a sus equivalencias, se trata de un
compás de subsivisión binaria, como un 2/4, equivale a dos tiempos, en un compás d
2/2 equivale a un tiempo y en uno de 2/1 a medio tiempo. Cabe mencionar que aunque
se usa con frecuencia, no se emplea casi nunca en compases de subdivisión ternaria.
Negra: La figura de referencia habitual cuando se organiza la música en compases (algo
que veremos en otra entrada).
Como puedes ver, tiene dos partes: una cabeza (que normalmente se dibuja algo
ovalada e inclinada) y una plica (barra vertical que comienza en un extremo de la
cabeza). La plica puede ir hacia arriba o hacia abajo, en función de la posición que ocupe
la nota en el pentagrama.
Corchea: Una corchea es una figura musical que equivale a 1/8 del valor de la figura
redonda. El antepasado de la corchea es la fusa de la notación mensural, que no se
debe confundir con la figura de fusa actual.
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Semicorchea: es una figura musical que equivale a 1/16 del valor de la figura redonda.
La semicorchea es una figura musical que equivale a 1/4 del valor de la negra. La
semicorchea se representa con una cabeza ovalada pintada en negro de la cual sale
una plica vertical de la cual salen dos corchetes.
Fusa: es una figura musical que equivale a 1/32 del valor de la figura redonda. Las
figuras de fusas se representan con una cabeza de nota ovalada coloreada en negro,
con una plica vertical con tres corchetes, que tienen forma de ganchos o rabillos.
Semifusa: Representa con una cabeza de nota rellena, una plica y cuatro corchetes.
1.2. PENTAGRAMAS MUSICALES
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La palabra pentagrama proviene de la combinación de dos palabras de origen griego:
penta, que significa cinco, y grama que se refiere a línea. Un pentagrama musical,
básicamente, consiste en cinco líneas trazadas horizontalmente y paralelas entre sí,
separadas por la misma distancia.
Entre ellas se forman cuatro espacios, que son tan importantes como las líneas para la
escritura de la música.
1.2.1. ¿Para qué sirve el pentagrama?
La función del pentagrama es contener todos los símbolos que representan la música.
En otras palabras, es donde se anotan todos los símbolos, notas, sonidos y silencios
Principalmente, lo que debemos saber es que las líneas y espacios definen la altura de
los sonidos, es decir, los tonos.
Es posible escribir música a través de otros sistemas de notación, pero el pentagrama
está especialmente diseñado para facilitar escritura y lectura, y es hoy día uno de los
sistemas de notación más utilizados.
1.2.2. ¿Cómo se escribe la música en un pentagrama?
Escribir música en un pentagrama es fácil, se hace a través de figuras musicales, que
según su posición en el mismo, representan los sonidos de las notas musicales.
El nombre de las notas varía según su ubicación en el pentagrama, y además dependerá
siempre de las claves musicales, pues el nombre de cada línea y espacio varía según
la clave musical que se emplee. Por ejemplo: estas son las notas en el pentagrama en
clave de Sol.
1.2.3. Líneas y espacios adicionales en el pentagrama
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Este recurso se utiliza para escribir notas musicales por encima del rango de altura que
admite el pentagrama, o por debajo del mismo.
1.2.4. Características del pentagrama
Los pentagramas facilitan el sistema de notación musical, es decir, la escritura de la
música. Estas son sus características y cualidades más importantes:
Consisten en cinco líneas horizontales que generan cuatro espacios entre ellas.
Se utilizan las figuras musicales que definen la altura del sonido y el ritmo de la
música.
Están conformados por muchos elementos, cada uno de los cuales aporta una
información importante sobre la música que está escrita en un pentagrama.
Al soporte escrito, impreso o digital, en que se escribe la música, conformado
por pentagramas y sus elementos, se le conoce como partitura.
Registran los sonidos musicales así como los silencios.
En un pentagrama se puede representar la música de uno o más instrumentos.
Cada pentagrama o conjunto de pentagramas por instrumento, es conocido
como sistema.
Las claves musicales indican el nombre de las notas que corresponden a cada
línea o espacio del pentagrama.
Existen también pentagramas de una, dos, tres y cuatro líneas, que sirven para
escribir la música de instrumentos de percusión, en los que prevalece el ritmo,
en lugar de la altura del sonido.
El siguiente es un ejemplo de un pentagrama de percusión de una línea:
1.2.5. Elementos del pentagrama
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Son muchos los elementos que se insertan en un pentagrama y que se relacionan entre
sí para codificar todas las cualidades del sonido, la materia prima de una obra musical.
Cada uno de ellos aporta una información importante a la partitura, y es necesario
incorporarlos todos para obtener una representación exacta de la música.
Los elementos del pentagrama, son: figuras musicales (notas y silencios): son figuras
que se escriben en el pentagrama para designar la duración y altura del sonido.
1.2.6. Tipos de pentagramas
Un detalle muy importante que debemos conocer es que existen diferentes tipos de
pentagrama en la música, según la cantidad de instrumentos que participen en una obra
musical:
a. Pentagramas individuales, o pentagrama solista: se emplean para escribir la
música de un instrumento musical que utiliza exclusivamente un pentagrama.
b. Sistemas de pentagramas: Es la unión de varios pentagramas a través de una
llave situada al lado izquierdo de éstos. Indica que toda la música escrita en
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estos pentagramas debe ser ejecutada simultáneamente, es decir, al mismo
tiempo. Cada pentagrama de un sistema está designado para escribir la música
de uno de los instrumentos, cuyo nombre está señalado al lado izquierdo.
II. HISTORIA
2.1. MÚSICA LATINOAMERICANA
El tema que nos ocupa en esta ocasión es tan interesante como bonito, debido al tipo
de música que conocerás hoy. Hablamos de que se conoce como Latinoamericana,
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debido al origen que tiene en diversos países de América Latina, tales como Argentina,
México y Colombia, entre otros. Este género de musical es tan extenso, que abarca
subgéneros diferentes además de muchos instrumentos, que van desde los que con
bastante conocidos como la guitarra, hasta aquellos que solo son característicos en su
lugar de origen.
2.1.1. Características De La Música Latinoamericana
La música en Latinoamérica surge principalmente como acompañamiento de bailes que
resultan muy tradicionales en distintos países. Es además de una forma de expresión y
entretenimiento, un rasgo muy particular de diferentes culturas y que incluso hoy en día,
sigue presente en muchos puntos de América. Se entiende en primer lugar, que las
maneras musicales reciben influencia directa de sonidos africanos y prehispánicos;
estos últimos acordes con lo que numerosos grupos indígenas acostumbraban escuchar
en eventos como rituales, ceremonias o danzas.
Otra característica que por bastante tiempo fue particular en las composiciones
latinoamericanas, fue la elaboración de canciones en grupos de diez estrofas con ocho
sílabas, una costumbre de origen español.
Si hablamos del influjo africano, nos encontraremos con que la religión ocupa un lugar
importante dentro de los arreglos musicales, ya que estos eran un elemento importante
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en cultos como la santería además de hacer aparición también, en los ritos de adoración
de algunas culturas antiguas como la de los aztecas en México.
Por último, vale la pena mencionar la existencia de un detalle que también permite
distinguir a la música de latinoamerica, conocido como síncopa. Este efecto consiste en
extender el sonido de una nota en especial dentro de un compás determinado, lo cual
hace que las canciones se escuchen de manera singular.
2.1.2. Orígen De La Música Latinoamericana
La llegada de los españoles y su música marca el inicio de la música latinoamericana.
En las épocas inmediatamente anteriores había existido en España y Portugal una
coexistencia de diversos grupos étnicos, incluyendo árabes, moros del Norte de África,
gitanos, judíos y cristianos, cada cual con sus propias manifestaciones musicales, que
contribuyeron a la evolución primigenia de la música latina. Muchos instrumentos
musicales de los moros fueron adoptados en España, por ejemplo, y el estilo de canto
nasal norafricano y su frecuente uso de la improvisación también fueron recogidos por
los ibéricos. De la Europa Continental, España adoptó la tradición francesa de los
trovadores, la cual en el siglo XVI fue parte importante de la cultura española. De esta
herencia se mantuvo el formato de composición lírica de la décima, la cual se mantiene
como parte fundamental de la música latinoamericana, estando presente en los corridos,
boleros, y vallenatos.
Algunos pueblos modernos de América Latina son esencialmente africanos, como los
garifuna de América Central, y su música refleja su aislamiento de la influencia europea.
Sin embargo, en general, los esclavos africanos llegaron al continente americano
modificando sus tradiciones musicales, adaptando los estilos rítmicos africanos a las
canciones europeas o viceversa.
2.2. La Música Latinoamericana En Algunos Países
Argentina: La música que más se ha destacado en este país es el tango, aunque
también tiene un papel muy importante dentro del rock en español, con exponentes
como la famosa banda Soda Estereo.
Brasil: Dentro de los muchos subgéneros de música latina que existen en un país tan
amplio como Brasil, el jazz y su derivado, el bossa-noca, cuentan con un lugar muy
especial dentro de las preferencias populares, además de los valses, los boleros y las
polcas.
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Cuba: En Cuba vieron la luz muchas clases de música que han definido la cultura del
país. Entre ellas se encuentran los boleros y danzones, que son de lo más especiales.
También resaltan la rumba, la habanera y el famoso chachachá.
Haití: Su importancia musical desciende las culturas de africa, que le brindan una
riqueza insuperable. El Zouk y el Kompa son dos estilos que si bien no suelen ser
conocidos, forman parte de la identidad de la isla.
México: El repertorio musical de México es uno de los más variados en América Latina.
Se tiene al mariachi como su exponente más característico, aunque lo cierto es que
también cuenta con importantes aportaciones dentro del rock, el pop, la música de
banda, la grupera y la norteña.
Panamá: Es otro de los países que disponen de una amplia selección de estilos
musicales, de los cuales el merengue y la salsa son los mñas conocidos, aunque sus
habitantes también suelen entretenerse bailando reggae, bachata y calipso, además de
otros.
Puerto Rico: Dentro de la música clásica de Puerto Rico, la danza puertorriqueña es la
más armónica de los ritmos musicales dentro de la isla; pero también se han impulsado
otros estilos como la plena, la salsa y la bomba.
Venezuela: En Venezuela tenemos al llanero como el género musical tradicional más
conocido. Tal y como su nombre lo dice, proviene de los Llanos, región muy importante
en dicho país. Cuenta además con el joropo y la gaita zuliana.
2.3. INSTRUMENTOS MUSICALES PERUANOS EN LATINOAMERICA
2.3.1. Zampoña
Instrumento de viento compuesto por dos hileras de tubos o cañas huecas y cerradas
respectivamente, acomodadas verticalmente y yendo de tamaño descendente; dando
como resultado un sonido distinto en cada orificio al ser soplado. Este instrumento
también tiene origen precolombino en la cultura Wari, en donde se encontraron las
primeras zampoñas. Al igual que la quena, la zampoña es otro de los pilares de la
música andina y hoy es compartida musicalmente por países de la región andina (Chile,
Bolivia, Ecuador y Argentina).
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2.3.2. Quena
Instrumento de viento de bisel, fabricado de caña con 7 agujeros (6 adelante y uno
atrás).Este instrumento es de larga data, algunas culturas andinas pre-incas ya lo
incluían como una forma cultural de comunicación y se podría decir que tuvo una
importante presencia los principios de la música en el Perú. Desde hace siglos es uno
de los instrumentos bases para la música andina junto al sicu y charango, hoy también
es popular en Bolivia, Ecuador, Colombia, Chile y Argentina, países que comparten con
Perú raíces musicales andinas.
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2.3.3. Cajón
El cajón es un instrumento de percusión fabricado de madera, su forma rectangular de
cajón le da el nombre y tiene un agujero redondo por un lado y suele estar tapado
templadamente por el otro lado, que es por donde se toca con las palmas de las manos.
Tiene origen afroperuano y el primer cajón documento data de mediados del siglo XIX,
aunque se cree que fue creado por los esclavos traídos de África a Perú en la Colonia
a principios del siglo XVII. Al principio se usó en la costa central y norteña del Perú como
acompañante de la guitarra en los diversos géneros musicales afroperuanos y luego
incluido a la música criolla. También es usado desde hace algunas décadas como parte
del flamenco español, por eso se creía que tenía origen flamenco, pero en 2001 se
reconoció como instrumento peruano. Hoy se utiliza en diversos géneros desde música
jazz hasta rock, pero sigue siendo el alma de la música criolla y de los géneros
afroperuanos.
2.3.4. Sicu
Instrumento de viento muy similar a zampoña pero más grande; consta de 2 hileras de
tubos de caña de tamaño descendente, usualmente de 7 y 6 tubos respectivamente. Al
igual que la zampoña es de origen preincaico, existen evidencias de las culturas
preincas Nazca y Mochica de este instrumento, inclusive existen algunos sicus
elaborados con huesos de aves y hasta de huesos humanos. El sicu es también otro
instrumento primordial en la música andina.
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2.3.5. Antara
También conocida como “andarita”, se trata de un instrumento de viento muy similar a
la zampoña pero de menor tamaño y con la diferencia que sólo tiene una hilera de cañas,
pero también en forma escalonada. Este instrumento es de origen precolombino, se le
da la autoría a las culturas Paracas y Nasca, inclusive son muchos los cerámicos
paracas con este instrumento musical. Al igual que la quena, la zampoña y el sicu; se
utiliza para la música andina, aunque en menor medida que los antes mencionado.
2.3.6. Pututu
El pututu o potuto es un instrumento de viento fabricado en base a una caracola marina
grande, la cual es soplada para emitir un singular sonido. Este instrumento también tiene
orígenes precolombinos y se cree que más que un instrumento, se usó para llamar o
dar aviso a larga distancia, quizás entre en la categoría de instrumento musical porque
cada tocada es distinta como si se tratara de notas musicales; uno de los usos más
conocidos fue a través de los chasquis. También se sabe de usos ceremoniales y se ha
encontrado más de una figura inca con este instrumento.
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2.3.7. Arpa peruana o andina
El arpa llegó a Perú con la llegada de los españoles, pero a los pocos años tomó
identidad propia con algunos cambios de diseño y tamaño. El arpa peruana o andina es
un instrumento de cuerda más grande que el arpa tradicional, llegando a ser un
instrumento de pie por su gran tamaño y con más cuerdas. Existen algunas variaciones
entre el arpa de Lucanas (Ayacucho), la de Huancayo, la de Cusco que lleva 8 huecos
u una versión pequeña también cusqueña llamada “domingacha”. El arpa andina es
utilizada desde sus inicios en la música popular andina, su sonido particular entre arpa
y violín lo hacen un instrumento único en su clase y muy difícil de tocar.
2.4. LA FUSIÓN EN LA MÚSICA PERUANA
Contrariamente a lo que algunos creen, pienso que la fusión en la música no solo es
válida, sino también necesaria. La primera acepción de la palabra fusión en el
diccionario de la Real Academia de la Lengua es: acción y efecto de fundir o fundirse.
Todo en la vida evoluciona. ¿Por qué la música no tendría que hacerlo? Desde los
cantos gregorianos hasta el rock, la música ha evolucionado también. Si aterrizamos en
nuestro país, vemos que el Perú tiene música tradicional en la costa, sierra y selva.
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En la sierra es maravilloso escuchar un huaino tocado y cantado en forma pura. Luego,
el género tuvo una mutación hacia la “chicha” y hoy tenemos la “cumbia”. Este último
género mezcla los sonidos de los sintetizadores y la percusión electrónica, y el público
lo consume masivamente.
En la música criolla tradicionalmente se utilizaban las guitarras y el piano. Luego, la
guitarra toma un mayor protagonismo. Se introducen las castañuelas en el conjunto
Fiesta Criolla y este instrumento aporta otro color a las canciones.
Posteriormente, y conforme avanzan los años, se introducen el clarinete, el saxofón y
hasta la batería de fondo. El cajón en los valses es posterior. He escuchado grabaciones
de música criolla con trompetas, trombones, sinfónicas, acordeón y otros instrumentos.
Estamos aquí ante un primer tipo de fusión en lo que respecta al sonido que se obtiene
de incorporar nuevos instrumentos a un determinado tipo de música. Un dato antes de
seguir: en los casos descritos solo se trataba de la incorporación del sonido nuevo, pero
no se perdía el compás original del género que se interpretaba. Así el vals, sea tocado
con el instrumento que sea, siempre mantenía el compás de ¾. El famoso tundete.
En este punto quisiera explicarles que en una canción hay melodía y armonía. Quien
hace la primera voz hace la melodía. La segunda voz hace la armonía. La guitarra es
un instrumento que tiene la posibilidad de darnos muchísimas armonías. Así, en un
momento de la historia, un músico genial comienza a introducir estas armonías a la
canción criolla: Carlos Hayre Ramírez.
Para los que tuvimos la suerte de conocerlo, podemos atestiguar que él dominaba muy
bien las armonías, sabía en qué momento debía aplicarlas y cuándo no debía hacerlo.
El enorme criterio musical que poseía le permitía colocar estos acordes “diferentes” en
el momento preciso, y dejarlos de colocar cuando no correspondían. Este criterio lo tenía
también otro grande con quien compartí escenario alguna vez: Félix Casaverde. Y de la
actual generación, el gran guitarrista Yuri Juárez. Bajo mi punto de vista, esta es una
segunda forma de fusión.
Hay un tercer tipo de fusión que es la mezcla de géneros. Baladas, bossa nova y otros
vienen siendo fusionados hace ya algún tiempo con la música criolla obteniendo buenos
resultados.
Pienso que la música peruana es como el derecho. Tiene diferentes ramas: civil, laboral,
comercial, etcétera. Todas conviven porque son necesarias. Para cada una de las ramas
de la música peruana hay un público, y es necesario que existan porque cada persona
tiene derecho a expresar y desarrollar su arte del modo que mejor le parezca. Es
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necesario porque la música no es estática, sino dinámica, cambia y se transforma. Es
necesario porque ello genera una sana competencia. Así, el músico que hace criollo
tradicional tiene que esmerarse para lograr un gran producto, que compita con el músico
que hace fusión (la semana pasada, en una canal de televisión, el videoclip de un vals
de la guardia vieja grabado con tecnología actual quedó primero en un programa de
música criolla). Al final, el que gana es el Perú porque es música hecha aquí, en nuestro
país.
Muchos creen erróneamente que porque un músico elige desarrollarse en una
especialidad (la mía es la música criolla tradicional), rechaza la fusión, lo que resulta
una falacia y, hasta diría, una afirmación de escasa o nula argumentación basada
únicamente en un prejuicio.
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