ANALISIS DE “TODAS LAS HOJAS SON DEL VIENTO”
CONTEXTO:
Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - Ibídem, 8 de febrero de 2012),
conocido como El Flaco o simplemente por su apellido, fue
un cantante, guitarrista, poeta, escritor y compositor argentino de rock, considerado uno de los más
importantes y respetados músicos en Hispanoamérica. La
complejidad instrumental, lírica y poética de sus obras le valió el reconocimiento en muchas partes
del mundo. En 1997 la revista Billboard lo definió como «ícono del rock argentino», 1 y en 2001 el
diario Página/12 lo consideró el artista más influyente en la historia del rock argentino, tras hacer
una encuesta con celebridades del rock local.2 En 2014 se estableció por ley que el día de su
nacimiento fuera el Día Nacional del Músico en Argentina. 34
Spinetta fundó diversos grupos, como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta
Jade y Spinetta y los Socios del Desierto. En su obra hay influencia de escritores, filósofos,
pensadores, psicólogos y artistas plásticos como Rimbaud, Van Gogh, Dalí, Escher, Lü
Dongbin, Jung, Freud, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Sartre, Castaneda y Artaud, así como de las
culturas de los pueblos originarios americanos y de Oriente.
En 2005 obtuvo el Premio Konex de Platino como el más destacado solista masculino de rock de la
década en la Argentina, mismo galardón que ganó en 1985 y 1995, como autor/compositor de rock y
cantante masculino de rock respectivamente. En 2009 ganó el Gardel de Oro, el más importante del
país en lo musical, mismo premio que recibió su disco póstumo Spinetta Los Amigo. Su
álbum Artaud (1973), fue considerado por la revista Rolling Stone como el mejor de la historia del
rock argentino.5 Además, otros ocho de sus discos fueron incluidos también en dicha lista: Almendra
I, Pescado 2, Kamikaze, El jardín de los presentes, Almendra II, La la la, Invisible y Bajo Belgrano.5
Los álbumes Téster de violencia, Don Lucero, Pelusón of milk, Spinetta y los Socios del
Desierto, Un mañana y Los Amigo, fueron premiados como los mejores de su año de publicación. 67
Su canción «Muchacha (ojos de papel)» fue considerada en 2002 por la revista Rolling Stone y la
cadena MTV como la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino y la vigésimo
octava del rock hispanoamericano, por el sitio web Rock en las Américas. 89 Las siguientes canciones
de su autoría también han sido consideradas entre las 100 mejores del rock argentino: «El anillo del
Capitán Beto», «Maribel se durmió», «Me gusta ese tajo», «Cantata de puentes amarillos», «Rutas
argentinas», «El monstruo de la laguna», «Canción para los días de la vida», «Resumen porteño» y
«Seguir viviendo sin tu amor» (Rolling Stone-MTV y Rock.com.ar).810 El tema «La bengala perdida»
fue votado como el mejor de la década de 1980,11 mientras que «Fina ropa blanca» y «Mi elemento»
fueron reconocidas como las mejores del año de su publicación. 6 En total, Spinetta editó 376
canciones propias durante su vida.12
En 2009 festejó sus cuarenta años de trayectoria con un mega recital titulado Spinetta y las Bandas
Eternas, durante cinco horas y media de concierto ante cuarenta mil personas en el Estadio José
Amalfitani. Allí reunió a las bandas de toda su carrera y a los más grandes y principales músicos de
rock de la Argentina. Un año más tarde, fue considerado el recital de la década.
Falleció a los sesenta y dos años a causa de un cáncer de pulmón causado por su adicción
al cigarrillo.13 Sus cenizas fueron arrojadas al Río de la Plata, siguiendo la última voluntad del
músico, al lado del Parque de la Memoria de Buenos Aires construido para recordar a
los desaparecidos en la última dictadura militar
Música y poesía[editar]
Para Spinetta música y poesía estaban íntimamente vinculadas y componían las dos facetas de su
personalidad. Su proceso creativo partía de la música para dirigirse luego hacía la letra. «Yo primero
agarro la guitarra... Es una felicidad tener una canción que todavía no dice nada». 231
Para él la música siempre estaba antes, pero cada tonada escondía una letra que debía ser
encontrada.231
Uno tiene que descubrir el texto que está escondido en esa línea melódica, tiene que poder arrimar. Son esas
palabras y no otras.
Luis Alberto Spinetta231
En la entrevista entre Gloria Guerrero y Pedro Aznar realizada en la Exposición Luis Alberto Spinetta
(2012) la periodista recuerda la negativa de LAS a explicar las letras: "A Luis nunca le gustó explicar
las letras, te acordás aquello de "las uvas viejas de un amor en el placard" ¿Qué quiere decir Luis?
no te voy a explicar nunca (respondía Luis), se ponía mal"; Pedro Aznar responde imitando la voz de
Spinetta: "Que tengo un verdulero en el armario".
Pero por otra parte Spinetta tenía una faceta poética despojada de la música. Él mismo ha dicho que
existen «cuadernos y cuadernos llenos de poesías» escritas por él. 231
Spinetta también, llevaba una tácita enemistad con otros géneros musicales, entre sus
declaraciones más antiguas esta la frase "El punk no tendría que estar acá", haciendo referencia a
bandas argentinas de los 80, como "Violadores de la ley" y otros. En el documental Spinetta, el
video, ante la pregunta sobre si había protesta social en su música, señaló: "Usar un lenguaje
panfletario no tiene swing... ahí las canciones están basadas en las palabras y no en la música... si
cuando vos tenés que decir "quiero que los gorilas me dejen vivir", tenés que componer una marcha,
negro... eso no tiene ningún rock, ni tango, ni rumba, ni nada divertido".
Respecto a otros géneros de la música popular como la cumbia se refirió cuando fue consultado, en
una entrevista para el Canal (á) (2002), sobre los resultados de una encuesta que lo ubicó como el
músico más influyente de la Argentina: "Ser el músico más influyente no significa nada... es muy
relativo... a nadie le puede molestar que digan eso... también yo pienso, bueno, demostrámelo...
Cuando hay gente que de golpe tenía como un concepto así "Almendriano" y empezó con eso y
ahora hace... (hace un gesto y emite una onomatopeya chicu chicu cercana al chingui chingui)... es
una cumbia... no sé, mucho no me debe escuchar... aflojó un poquito su entereza... se garcó y
empezó a hacer otras cosas que no tienen el mismo calibre y ni piensa ni remotamente parecido a
aquel que lo influyó, en este caso yo. La verdad es que no se nota que haya sido el más influyente,
en parte no se nota... no me molestaría ser el menos influyente, porque son cosas para dorar la
píldora y ya el hombre ya está más tranquilo".
ARTAUD
Artaud es el tercer álbum de estudio de Pescado Rabioso y el segundo como solista del músico
de rock argentino Luis Alberto Spinetta, lanzado en 1973. El disco fue acreditado a Pescado
Rabioso por razones complejas, pero fue elaborado y grabado por Luis Alberto Spinetta como
solista, quien a su vez recurrió a la colaboración de su hermano Gustavo Spinetta, Rodolfo
García y Emilio del Guercio, estos dos últimos ex compañeros de Spinetta en la banda Almendra.
El título del álbum hace referencia al poeta francés y creador del Teatro de la crueldad, Antonin
Artaud, a quién está dedicado. El concepto del disco está influido por su vida y obra, y expresa la
reacción de Spinetta ante la misma.
Se trata de una de las obras culminantes de la música latinoamericana, considerada en reiteradas
oportunidades, no solo como el mejor disco de Spinetta, sino también del rock argentino. 1
El tema "Cantata de puentes amarillos" fue incluida en la posición nº 16 entre las 100 mejores de la
historia del rock argentino, en la encuesta realizada por el sitio rock.com.ar. 2 Las canciones "Bajan",3
45678
"Por",4 "Todas las hojas son del viento",6 y "Cementerio Club",7 también han sido destacadas
entre las 10 mejores del músico.
En 2009, Spinetta eligió dos temas del álbum, "Bajan" y "Cementerio Club", para incluirlos en el
recital histórico Spinetta y las Bandas Eternas, en el que repasó toda su obra
Contexto social y personal[editar]
Luis Alberto Spinetta presentando Artaud en el Teatro Astral, Buenos Aires, 28 de octubre de 1973.
Pescado Rabioso, la banda que Spinetta había formado a fines de 1971, se separó a mediados de
1973, tras un recital en el teatro Planeta. 910 Sus integrantes no aceptaban ni entendían la visión
musical que estaba desarrollando Luis Alberto y simplemente dejaron de responder a su
convocatoria hasta que se quedó solo.10 Spinetta siguió entonces con los proyectos que venía
desarrollando para Pescado Rabioso: "Pescado Rabioso era yo". Así surgió Artaud, una de las obras
cúspides de la música latinoamericana.1
Él empezó a perfilarse para otro lugar, una mano más arreglada tipo lo que después fue Invisible. A lo último
escribía un tema y yo no lo entendía; estaba leyendo mucho a Artaud, Rimbaud. Primero se fue Cutaia, después
David y después yo. El Flaco se quedó solo, sentado en una butaca de la sala Planeta, se sintió abandonado
porque quería seguir tocando con Pescado, y me dijo que no iba a tocar nunca más conmigo. Como se quedó
solo y quedaba pendiente grabar un disco más con Microfón, grabó Artaud con los temas que tenía para
Pescado Rabioso; cuando escuché Artaud me quería matar.
Black Amaya11
El disco fue concebido en un momento crucial de la historia sudamericana, de alta violencia política,
en el que comenzaban a instalarse dictaduras civico-militares, coordinadas entre sí por medio
del Plan Cóndor y apoyadas por Estados Unidos, que anularían completamente la vigencia de los
derechos humanos durante dos décadas. Argentina en particular había conseguido que la dictadura
autodenominada Revolución Argentina, convocara ese año a elecciones libres, por primera vez en
casi dos décadas. El voto popular había dado el triunfo en marzo y por un amplio margen
al peronismo, movimiento con el que simpatizaba Spinetta. Pero el gobierno democrático no
alcanzaría a consolidarse afectado por violentas confrontaciones que llevarían a su derrocamiento a
comienzos de 1976 y a la instalación de una cruenta dictadura que se mantendría en el poder hasta
fines de 1983 y que cometería un genocidio y llevaría el país a la Guerra de Malvinas.
Spinetta junto a Patricia Salazar en 1976, esperando su primer hijo. La concepción del álbum coincidió con el
comienzo de su relación, la cual fue una gran influencia en las composiciones de Artaud.
Por otra parte, ese momento histórico coincide a su vez con un momento decisivo de la vida
personal de Spinetta, en el que conoce a Patricia Salazar, con quien formará una pareja estable
durante casi 25 años y con quien constituirá una familia con cuatro hijos. 1213 "Las letras de Artaud
nacen ahí", dice Gustavo Spinetta, refiriéndose al "mucho amor" que se expresaban mutuamente su
hermano y Patricia Salazar.14 La letra del tema "Por" del álbum Artaud -compuesta por una sucesión
de palabras sueltas, todos sustantivos con excepción de la preposición "por" que cierra el poema y
da título a la canción-, fue escrita de manera conjunta entre los dos. 15
En esa encrucijada histórico-cultural y personal aparece Artaud, inspirado precisamente en el
sufrimiento y las emociones dolorosas que la vida y la obra del dramaturgo francés Antonin Artaud,
produjeron en Spinetta. El músico se identificaba con la dureza del surrealismo, de Artaud y del rock,
pero a la vez relacionaba ese momento del país y de Sudamérica, con el anarquismo alienado de
Artaud, el nihilismo del rock expresado en las drogas y la "promiscuidad sin sentido", y lo sentía
incompatible con su propia visión del rock -expresada en el Manifiestoque Spinetta publica
simultáneamente con el disco- y de la vida.16
Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus
obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea
leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo
haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para
Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor
que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que sólo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar
distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y
guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor. Los músicos de rock somos tipos que
estamos muy desorientados. Hemos involucrado mucho a nuestro sistema neurológico y hemos aprendido muy
poco de la historia reciente. Pero hay algo claro: no podemos jugar a ser Artaud. Eso significaría no haber
entendido a Moris, no haber entendido a Lito Nebbia, no haber pescado una. Si yo no hubiera aprendido a salir
de ésa y ubicarme en mi país, no estarías conmigo en este momento: Spinetta sería apenas un nombre en una
chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de algún cementerio.
Luis Alberto Spinetta17
Todas las personas que estuvieron cerca de Spinetta en ese momento coinciden en destacar el
carácter personal, "íntimo" y hasta "casero", que tuvo la elaboración del álbum: "una ceremonia
privadísima de Luis Alberto", dijo Miguel Grinberg.18 Fue "un período egoísta" declaró Spinetta en un
programa televisivo dedicado a Artaud y relacionó ese momento con el "nuevo proyecto de vida" que
significaba su pareja con Patricia Salazar, su alejamiento de las drogas y el "back home" de volver a
su casa: "volví a la casita de los viejos, también tiene algo de eso". 18
Simultáneamente Spinetta dio a conocer un Manifiesto titulado Rock: música dura, la suicidada por
la sociedad, título inspirado en uno de los ensayos de Artaud que lo inspiraban (Van Gogh, el
suicidado por la sociedad). En ese Manifiesto Spinetta expuso su propia concepción del rock, como
un estado de plenitud interior absolutamente libre, denunciando la "profesionalidad" y el "negocio del
rock" que vacía al rock de esa "dureza" profunda.
Antonin Artaud[editar]
La vida de Heliogábalo, el emperador romano transgénero, inspiró fuertemente a Spinetta, a través del ensayo
de Artaud, Heliogábalo o el anarquista coronado.
El pintor holandés Vincent Van Gogh fue otra de las fuertes influencias del álbum, a través del ensayo de
Artaud, Van Gogh, el suicidado por la sociedad y las cartas del pintor con su hermano Theo.
Artículo principal: Antonin Artaud
Antonin Artaud (1896-1948) fue un poeta y dramaturgo francés, que a comienzos de la década de
1920 adhirió al movimiento surrealista, tomando una dirección original que rechazaba la obligación
de adherir a la militancia política marxista que proponía el surrealismo.
En la década de 1930 Artaud buscó relacionarse con formas culturales y estéticas no europeas,
como el teatro balinés y la cultura tarahumara de México, donde experimentó con el peyote. En ese
conexto crea el teatro de la crueldad, cuyas bases están establecidas en su libro más famoso, El
teatro y su doble, de 1938, de enorme influencia en el teatro moderno. Artaud proponía que el
artista, mediante la crueldad, debía desenmascarar la falsa realidad que "se acuesta como un
sudario sobre nuestras percepciones".
Es en esta época que Artaud escribiría una de las obras que llamaron la atención de
Spinetta, Heliogábalo o el anarquista coronado (1934). Se trata de un ensayo que profundiza en los
significados del sexo transgénero reivindicando la figura de Heliogábalo (218-222 d.C.), un
emperador romano transgénero que pretendió que Roma adoptara la religión siria, basada en una
extraordinaria concepción andrógina de la divinidad. La respuesta de los conservadores romanos
fue asesinarlo cuando contaba con dieciocho años, arrojar su cuerpo desmembrado al Tíber y borrar
su nombre de los registros públicos.
En 1937 Artaud es declarado demente y encerrado en diferentes hospitales psiquiátricos hasta el fin
de sus días, recibiendo constantes tratamientos de electroshock, contra los que protestó en
reiteradas cartas.19 En 1946 sus amigos lograron su traslado a un establecimiento más abierto y
volvió a escribir varias obras, entre ellas Van Gogh, el suicidado por la sociedad (1947), la otra de
sus obras que llamaría la atención de Spinetta, donde denuncia a la psiquiatría y sostiene que Van
Gogh fue empujado a la locura social y al suicidio por una sociedad que no quería ver su visión del
mundo. Meses después, el 4 de marzo de 1948, muere probablemente de una sobredosis de hidrato
de cloral, luego de haber sido diagnósticado de padecer cáncer, en lo que también pudo haber sido
un suicidio.
Hablando del álbum, Spinetta contó que la obra de Artaud que realmente lo había impactado
era Heliogábalo, el emperador transgénero anarquista que con apenas dieciocho años murió
descuartizado por los guardias y arrojado a las letrinas junto a su madre, pero que no encontraba el
modo de expresar ese impacto en el disco.20 Luego leyó Van Gogh el suicidado por la sociedad, que
a su vez lo lleva a las cartas descarnadas que Van Gogh le escribía a su hermano Theo. La «sangre
alrededor» de la que habla la canción "Cantata de puentes amarillos", diría Spinetta, "es la sangre
de la herida de la oreja de Van Gogh y también la sangre de Heliogábalo cuando lo tiran a las
letrinas de la ciudad".21
Spinetta manifestaría años después su solidaridad con "los alienados y los marginados del
mundo",22 que aquí se manifiestan a través de Artaud y los personajes que él evoca, Heliogábalo y
Van Gogh.
Muchos años después, en la conversaciones que mantuvo con Juan Carlos Diez publicadas
en Martropía (2006), Spinetta se explayó largamente sobre la importancia de Artaud en su obra:
Leer a Artaud y tratar de degustarlo no se trata de una experiencia inicialmente filosófica, sino que parte de una
experiencia sensorial. Ver cómo las palabras danzan con un peso inconcebible. Y al razonarlas y advertir lo que
él ve, ahí empieza el mundo. Yo creo que de eso no sale una filosofía, aunque él asoma como filósofo. Al
advertirnos acerca de la actividad interior, parece que él quisiera escribir La literatura y el mal, que después
escribe otro gran escritor como Georges Bataille. Pero es como si él lo encarnara. Artaud es un atormentado
inconcebible. No era muy sano el tipo. Era meningítico, fue adicto a la morfina y a otras drogas toda su vida para
tratar de evadir los dolores de cabeza y otros síntomas de su enfermedad mal curada en aquella época. Él
reconoce su enfermedad y trata de transformar su lenguaje. Es increíblemente profundo. De precisión daliniana,
diría, porque tiene la precisión de la pintura de Dalí, que te hace un huevo que se transparenta sobre el mármol
y parece una foto de algo que uno no podría concebir. De esa calidad es Artaud para escribir sobre algo que es
indecible. Solamente él se atreve a hablar de esa manera de las cosas que ve y siente, y a internarnos en el
mundo de las neuronas y sus pesadillas, de la pesadilla biológica del pensar. Parece que todo el tiempo deseara
extraer el mal de su poesía y ponerlo en evidencia porque no quiere ser débil. No quiere la debilidad y el
tormento, entonces acusa, sentencia. Artaud sentencia, es sentencioso. Eso lo hace poético, lo hace
williamblakeano, pronosticador de pesadillas. Y mucho más inocente que el inocente, porque si uno pudiera
escribir con tanta calidad posiblemente lograría liberarse de sus males. Sólo momentáneamente. A la vez, se ve
que el dolor vino después; antes y después de eso para él. Pero escribir ese dolor, de esa manera, le permite
seguir respirando, o de otro modo se hubiera matado a continuación de un texto. Menos mal que se le ocurrió
uno detrás de otro... Él tiene esos raptos, inventa el mundo. Un genio tremendo: insoslayable e inubicable.
Insoslayable para la literatura, inubicable para la filosofía. Inubicable. Y grandioso por el aporte lingüístico. La
visión es grandiosa. Es un mundo de células que sienten. Se introduce en el ser como la sangre de su propio
cuerpo y desde ahí habla. Es mortífero, casi lo más grande que hay para leer
Luis Alberto Spinetta23
El estilo[editar]
Spinetta circa 1973
La música de Artaud significa una ruptura en el estilo musical del llamado "rock nacional" en
Argentina, y del rock latino en español, en general.14 También significa una ruptura en la obra de
Spinetta, porque a partir de éste álbum Spinetta definiría una trayectoria musical que no tendría
como fin el éxito popular y menos aún comercial, sino su propia necesidad expresiva sin
condicionamientos de ningún tipo.1424
El sonido del álbum es primordialmente acústico e intimista. Se emparenta en este sentido con el
que tendría nueve años después el álbum Kamikaze. Numerosas guitarras acústicas, un ascetismo
marcado en los arreglos y un viraje abrupto respecto de su disco anterior. Las canciones son
complejas y ya señalan una incorporación armónica del jazz en su música, que sería notable a partir
de 1977, con el álbum A 18' del sol y luego con la Banda Spinetta y Spinetta Jade.
Disco previo al inicio de Invisible, donde la búsqueda estética, lírica y musical se consolida, este
disco representa una bisagra que sobrevendría y que persistió en su obra hasta el final.
Portada[editar]
Silueta del LP original de Artaud, famoso por su forma irregular y rupturista.
La portada del disco original no es cuadrada, como era y sigue siendo usual en los discos, sino que
fue diseñada por Spinetta para que tuviera una forma octogonal irregular de cuatro puntas, de fondo
verde y con una mancha amarilla en su cuadrante inferior izquierdo. En el frente lleva una pequeña
foto de Artaud viejo, en el ángulo superior derecho, mientras que en el contrafrente lleva una
pequeña foto de Artaud similar, pero joven y en el ángulo superior izquierdo.
El disco original tiene un sobre interno blanco, con las lista de temas y los créditos, así como una
cita de Artaud escrita en mayúsculas, que dice:
:"¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la
resurreción y el amarillo para la descomposición, la decadencia?"
Antonín Artaud (Carta a Jean Paulhan)
París - 1937
Del mismo lado del sobre, figura también la siguiente aclaración sobre la integración de Pescado
Rabioso:
Pescado Rabioso es una idea musical creada en 1971 por Luis Alberto Spinetta. A través de esta idea tocaron
en grabaciones y actuaciones los siguientes músicos: Juan Carlos Amaya, Osvaldo Frascino, Carlos Miguel
Cutaia y David Oscar Lebón. Los músicos que aparecen en este disco sólo están ligados a la idea Pescado
Rabioso por las circunstancias de la grabación y a expreso pedido de Luis Alberto Spinetta.
En la parte inferior del sobre, figura la dedicatoria:
Este L.P. se denomina "Artaud" porque está dedicado a Antonin Artaud, poeta francés (1896-1948)
La idea del diseño de la portada fue del propio Spinetta y el diseñador fue Juan Gatti, el artista
responsable de varias tapas de los primeros años del rock argentino. Es considerada una obra
maestra para toda una generación, y recordada como una de las joyas del diseño de portada de
todos los tiempos.
En ese momento la hicimos con Luis Alberto y quedó como un delirio, porque realmente estábamos volados,
pero no por las drogas, sino como en estado de permanente alucinación. Hicimos esa tapa que no entraba en
ningún stand y las tiendas de discos nos querían matar porque no sabían cómo exhibirlo, la gente no lo podía
guardar. Fue un objeto muy incómodo y movilizador para la época.25
Juan Carlos Diez recoge en su libro Martropía: conversaciones con Spinetta el siguiente recuerdo
del músico sobre la resistencia de los ejecutivos de la discográfica a la tapa informe:
¡Tuve unas luchas!... Me pedían de rodillas: "Te la hago de oro, pero cuadrada". Y yo les contestaba: "¡Nooo,
ahora que me la aceptaste, no te vuelvas atrás. Pensá que estás sacando un disco muy original y chau". Las
disquerías devolvían los discos porque las tapas se doblaban en las bateas.
Luis Alberto Spinetta (en Martropía).26
TODAS LAS HOJAS SON DEL VIENTO
“Todas las hojas son del viento" es una canción compuesta por el músico argentino Luis Alberto
Spinetta que integra -como track 1- el álbum Artaud de 1973, de Luis Alberto Spinetta bajo el
nombre de Pescado Rabioso, álbum que ha sido considerado el mejor de la historia del rock
argentino.1
Luis Alberto Spinetta hace las voces y ejecuta las guitarras acústicas y eléctrica
"Todas las hojas son del viento" es el primer track del álbum Artaud. Se trata de un tema
casi exclusivamente acústico, con Spinetta como único intérprete, quien hace las dos
voces, a la vez que ejecuta la guitarra acústica que lo acompaña, y luego realiza el solo
de guitarra eléctrica con el que cierra la canción.
La letra está referida a Cristina Bustamante, exnovia de Spinetta y musa del famoso
tema "Muchacha (ojos de papel)". Toca un tema duro para la época, porque se refiere a
una joven embarazada que luego de analizar la posibilidad de abortar, decide tener a su
hijo, con la carga de angustia e incertidumbre que ello significaba.
Hoy que un hijo hiciste
Cambia ya tu mente
Cuídalo de drogas
nunca lo reprimas
Dale el áurea misma de tu sexo.
Mi antigua mujer iba a tener un hijo con otra persona. Yo ya había sellado esa relación para siempre con el Blues de
Cris pero nos seguíamos viendo y ella me contó que tenía dudas de tener el bebé o no. Finalmente decidió tenerlo. Yo escribí
Todas las hojas son del viento, porque en ese momento ella era como una hoja en el viento, al tener que decidir algo
semejante... Nunca hubo en mí semejante intención moralizadora, yo no predico; yo vivo y lo hago con un convencimiento.
Pero en esa canción, cuando digo "cuídalo de drogas" en realidad estoy diciendo "cuidalo de tu propia droga". Todos los que
pudimos salir de la mano pesada y mirar hacia atrás siempre concluimos que nuestros padres, la sociedad, la bomba atómica,
Hitler, la Iglesia... todo eso nos llevó a consumir drogas, y ésa fue nuestra forma de relacionarnos con el mundo.
Luis Alberto Spinetta5
El crítico musical Claudio Kleinman, en un artículo en la revista Rolling Stone, describe
del siguiente modo sus impresiones sobre la canción:
"TODAS LAS HOJAS SON DEL VIENTO". La bellísima canción que inicia el disco encuentra a Luis solo con su guitarra
acústica, cantando -a dúo consigo mismo- un tema que mira hacia el futuro ("hoy que un hijo hiciste..."), y nos recuerda la
fragilidad de la vida, a la vez que la necesidad de ocuparse de las nuevas generaciones ("cuida bien su mente..."). La
declaración resulta particularmente conmovedora si pensamos que no está relatando su propia experiencia (su primer hijo,
Dante, nacería en 1976). En 1973, y proviniendo de un grupo como Pescado Rabioso -que para muchos era uno de los
símbolos del "reviente"-, la declaración "cuídalo de drogas" sonaba valientemente transgresora.
Claudio Kleinman6
En la letra se destaca la frase "cuídalo de drogas", sobre todo teniendo en cuenta que se
trata de una canción de rock escrita por un joven que en ese momento tenía 23 años.7
"Ahí el niño soy yo", dice Spinetta.8 La frase aparece además inmediatamente seguida
de "nunca lo reprimas", rompiendo la contradicción e instalando una dualidad dinámica
con el mandato anterior de cuidarlo.8
En una nota escrita con motivo del fallecimiento de Spinetta, el músico uruguayo Pablo
Leites recurrió a "Todas las hojas son del tiempo" para exponer la naturaleza humanista
del mensaje profundo de la obra de Spinetta:
Volvamos a Todas las hojas... "Cuando digo 'Cuidalo de drogas', estoy diciendo: 'cuídalo de tu propia droga",
explicó. Detrás de sus dos preocupaciones, lúcido, El Flaco había entendido que había que cuidar al hombre del
hombre. Su legado, inconmensurable y eterno, es ante todo el de un humanista.
"TODAS LAS HOJAS SON DEL VIENTO"
La bellísima canción que inicia el disco encuentra a Luis solo con su guitarra acústica,
cantando -a dúo consigo mismo- un tema que mira hacia el futuro ("hoy que un hijo
hiciste..."), y nos recuerda la fragilidad de la vida, a la vez que la necesidad de ocuparse
de las nuevas generaciones ("cuida bien su mente..."). La declaración resulta
particularmente conmovedora si pensamos que no está relatando su propia experiencia
(su primer hijo, Dante, nacería en 1976). En 1973, y proviniendo de un grupo como
Pescado Rabioso -que para muchos era uno de los símbolos del "reviente"-, la
declaración "cuídalo de drogas" sonaba valientemente transgresora.
Claudio Kleinman
En la letra se destaca la frase "cuídalo de drogas", sobre todo
teniendo en cuenta que se trata de una canción de rock escrita
por un joven que en ese momento tenía 23 años.7 "Ahí el niño
soy yo", dice Spinetta.8 La frase aparece además
inmediatamente seguida de "nunca lo reprimas", rompiendo la
contradicción e instalando una dualidad dinámica con el
mandato anterior de cuidarlo.8
En una nota escrita con motivo del fallecimiento de Spinetta, el
músico uruguayo Pablo Leites recurrió a "Todas las hojas son
del tiempo" para exponer la naturaleza humanista del mensaje
profundo de la obra de Spinetta:
Volvamos a Todas las hojas... "Cuando digo 'Cuidalo de drogas',
estoy diciendo: 'cuídalo de tu propia droga", explicó. Detrás de
sus dos preocupaciones, lúcido, El Flaco había entendido que
había que cuidar al hombre del hombre. Su legado,
inconmensurable y eterno, es ante todo el de un humanista.
sta canción, una especie de tierno manual rockero para la crianza y la
educación de los niños, sugiere que Spinetta lo compuso pensando en sus
propios hijos. Pero en realidad es todo lo contrario. La canción, de hecho,
surgió a partir de la duda sobre tener hijos. El mismo Spinetta cuenta: "Mi
antigua mujer (Cristina, la inspiradora de "Muchacha Ojos de Papel") iba a
tener un hijo con otra persona. Yo ya había sellado esa relación para siempre
con el "Blues de Cris" pero nos seguíamos viendo y ella me contó que tenía
dudas de tener el bebé o no. Finalmente decidió tenerlo. Yo escribí ´Todas las
hojas son del viento´ porque en ese momento ella era como una hoja en el
viento al tener que decidir algo semejante".
LETRA Luis Alberto Spinetta
Todas La Hojas Son Del Viento
Cuida bien al niño, cuida bien su mente,
dale sol de enero, dale un vientre blanco,
dale tibia leche de tu cuerpo.
Todas las hojas son del viento,
ya que el las mueve hasta en la muerte;
todas las hojas son del viento,
menos la luz del sol.
Hoy, que un hijo hiciste, cambia ya tu mente,
cuidalo de dogas, nunca lo reprimas,
dale el aura misma de tu sexo.
Todas las hojas son del viento,
ya que el las mueve hasta en la muerte;
todas las hojas son del viento,
menos la luz del sol...
menos la luz del sol.
