EL LENGUAJE DEL CINE
La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha
experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado
mucho, desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha
evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros
cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos
cinematográficos y cinematografías nacionales.
Causas técnicas y sociales que dieron lugar al nacimiento del cine
La aparición de nuevas fuentes de energía mineral y la aplicación de la electricidad a usos industriales.
La erradicación de las epidemias y el desarrollo de la medicina.
Los nuevos medios de transporte (buque a vapor, ferrocarril), así como las innovaciones orientadas a la comunicación
(telégrafo, cable submarino, telegrafía sin hilos), trajeron consigo una amplia y rápida difusión de la información, lo que
condujo a una globalización efectiva.
La consolidación de las ciudades: aparición de un público de masas.
Inicio del cine y fundación de la industria fílmica
Primeros pasos del Cine: Creación del cinematógrafo
La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, existieron antecedentes en la cámara oscura,
o el taumatropo. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores
del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente
y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio creado en su laboratorio por
William Dickson, el cual, sin embargo, solo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste e integrándolo a
diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, con antiguos conocimientos como
la persistencia retiniana (consiste en que una imagen cuando es capturada por la retina, queda fija unos breves
instantes, al ocurrir esto el cerebro se encarga de unir una imagen con la siguiente, hasta que se logra la sensación del
movimiento), los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo: este dispositivo que
desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento; el espectáculo público
derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato. La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895. La
función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero el puntapié inicial para
realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales fue cuando George Méliès, un ilusionista que en principio,
usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando
rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales. Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902). Los noveles
realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía y fue así como en la primera década del siglo
XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes
eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario,
eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las
funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad
de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la
comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro. También en la época se produjeron los
primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría
con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.
Cine mudo
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las
proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones
en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por
la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes
desconocedores del idioma entendieran la película.
El cine mudo europeo
Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del
celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial
hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. Hasta 1914,
Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, el
cine cómico francés, con André Deed y Max Linder o el colossal italiano, con grandes escenografías y participación de
extras, en películas como Quo vadis? (1912) o Cabiria (1914) fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y
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el cine cómico norteamericano o David W. Griffith que asumió los presupuestos del peplum en Judith de Betulia o
Intolerancia. Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida
de la preponderancia internacional de su cine.
Aun así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a hacer escuela. El movimiento más importante en estos
años fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película El gabinete del doctor Caligari (1919), y
cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por Nosferatu,
el vampiro (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo
exponente más célebre es Un perro andaluz dirigida por Luis Buñuel.
La creación del lenguaje cinematográfico
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas
concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba
una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen
básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado o contrapicado, pero que en
esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra
especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años [Link] cineastas fueron claves en
este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con El nacimiento de una nación e Intolerancia, cambió el cine
para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Unión
Soviética, otro tanto realiza Sergéi Eisenstein, con películas claves como El acorazado Potemkin u Octubre, entre otras;
a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una
asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el
lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
El cine sonoro
El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la
imagen. Por su parte, el cine mudo es aquel que no posee sonido, y consiste únicamente en imágenes. Antes de la
existencia del cine sonoro, los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa
voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Hacia 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de
desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica
en Hollywood, y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a
hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la
cámara perdió movilidad, quedó relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética frente a la
mayor importancia del diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes
estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica.
Debido a esto, surgieron nuevos actores en su reemplazo.
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin, con Tiempos
modernos (1936). Y, sin embargo, a partir de 1940 comenzó a realizar películas con sonido, la primera de las cuales
fue El gran dictador. Así mismo, Sergei Eisenstein, Vsévolod Pudovkin y Grigori Aleksandrov manifestaron en 1928 por
escrito su negativa al cine sonoro.
El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo.
El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto
de banda sonora. –
CONSIGNAS:
1-Mencionar y describir brevemente las causas técnicas y sociales que dieron lugar al nacimiento del cine.
2- ¿En qué momento se da el inicio del cine como elemento para realizar historias y experimentar recursos
narrativos visuales?
3- Describir las principales características del cine mudo, sus representantes y obras destacadas.
4- ¿Cómo surge el lenguaje cinematográfico?
5- Explicar los principales cambios producidos por el cine sonoro. ¿Qué actor siguió haciendo cine sin sonido?
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