Historia de la Trompeta

Los primeros instrumentos denominados trompetas no tenían columna de

aire vibrante, ni boquilla, ni extremo acampanado; eran megáfonos cortados
en una rama hueca o en una
caña ancha, cuernos o
caracoles, colmillos de
elefantes, en los cuales el
ejecutante hablaba, cantaba o
bramaba (hacía chillar a la
trompeta). La evolución desde
el simple megáfono hasta la
trompeta actual fue lenta,
incluso no es fácil decir
cuándo se originaron las
primeras trompetas
verdaderas que daban una o
dos notas. El sonido aterrador de las trompetas primitivas se asocia con
muchos ritos mágicos, ceremonias de tipo militar y religioso (ritos de
cosecha, matrimonios, conjuros de lluvias, presentación de ofrendas a los
dioses, la salida del rey, inicio de guerra, comunicación
entre comunidades, etc.).

Del año 1400 a.C., en Egipto se encuentra una

lista detallada de cuarenta cuernos, todos enchapados
en oro y algunos decorados con piedras preciosas;
posteriormente en el proceso de evolución aparecen
cuernos y trompetas rectas construidas en oro
totalmente.

En Egipto las trompetas estaban hechas de

un metal amarillo y tenían forma cónica,
embocadura precisa y pabellón más bien
ancho; medían sólo 60 centímetros, el tono
fundamental debe haber sido
aproximadamente un Do y no es probable
que pudieran producir más que esa nota, su
octava y su décimo segunda. Según Plutarco
el sonido de la trompeta egipcia era como el
rebuzno de un asno.

Más adelante cuando aparece el bronce, el tubo se encorva hacia arriba o en

forma de letra G. En Roma se asignan
soldados a la ejecución de estas
trompetas (trompeteros), quienes
requieren de gran potencia y soplo
produciendo un sonido áspero,
penetrante y de largo alcance. El cuerno
corto de animal con unos pocos orificios
apareció en la Persia medieval alrededor
del año 700. En el barroco la bomba de la
embocadura se alarga aproximadamente a 25 cms,
probablemente para ajustar el tono del
instrumento posibilitando complementar la escala
natural de los armónicos y dando origen al
sacabuches.

El último y más efectivo sistema para completar

las escalas deficientes de las trompetas estaba
basado en el principio que combina varias escalas armónicas en un solo
instrumento. Las partituras de fines del siglo XVIII y de principios del siglo
XIX, muestran abundantes pruebas de un paso preliminar que consistió en
usar dos o cuatro cornos en diferente tonalidad para poder proporcionar las
notas requeridas. Luego se utilizaron secciones con roscas para los
instrumentos, pero esto no era funcional.

La invención necesaria de las válvulas fue hecha

alrededor de 1815 por dos músicos: Bluhmel de
Silesia, y Heinrich Stôlzel de Berlín. Conectaron
válvulas rotatorias de resorte que soltaban
rápidamente como cualquier instrumento de
teclado.

En 1843 Adolph Sax desarrolló una serie de

instrumentos llamados saxhorns, ampliando
la gama de registro al incluir cornetas,
flugelhorns, tenorhorns, saxón y tubas,
enriqueciéndolas con el sistema
de válvulas rotatorias.

En la segunda mitad del Siglo XIX

Perinet diseñó los tres pistones
que actualmente facilitan y
concretan la escala cromática y la serie armónica, a través de
las siete posiciones brindando grandes posibilidades para la
ejecución de la trompeta.

Partes de la Trompeta
La trompeta es un instrumento de metal de construcción cónica. En el
instrumento vemos tres grandes partes que son: la boquilla, el cuerpo y
la campana. En ellas distinguimos los siguientes componentes:
¿Qué trompeta debería comprar?
Comúnmente cuando empezamos a
estudiar trompeta y obviamente si no
poseemos, llegará el momento en que nos
surgirá la imperiosa necesidad de comprar
una. Y es aquí donde surgirá la duda de
qué comprar, que marca, etc. Realmente
esta es una decisión algo difícil, más aun si
no tenemos mucha idea de marcas y
fabricantes de instrumentos musicales.

Creo lo primero que tenemos que pensar,

es en lo que realmente queremos hacer de
la música en nuestra vida. Me refiero a si deseamos aprender trompeta por
hobby, dedicarnos de lleno a la música, aspirar a ser un respetado músico,
etc. Estos razonamientos nos darán la pauta y ayuda de donde apuntar
cuando estemos en ese momento de incertidumbre.

En un principio, a veces nos acercamos a la ejecución de algún instrumento

en forma experimental, es decir probamos si tal instrumento va con
nosotros. En estos casos, el razonamiento nos dirá que comencemos con
alguna trompeta de estudio que posea una buena calificación dentro de sus
características de sonido. Dentro de estos parámetros, algunas marcas
chinas poseen un aceptable sonido. Y vienen a ser una buena alternativa en
instrumentos económicos. El tiempo nos dirá y exigirá en algún momento la
compra de una trompeta de mejor calidad.

Pero, si nuestra idea es hacer de la música

algo importante en nuestra vida, debemos
aspirar a una trompeta de gama intermedia
hacia arriba. Ya que este tipo de
instrumento tendrá más calidad de sonido y
lo más probable es que también sea más
duradero. Siendo esta la gran diferencia,
aparte del sonido, entre instrumentos de
estudio y profesionales. Los de la gama
intermedio y profesional son fabricados
cuidando el más mínimo detalle. Y además
utilizando materiales que en conjunto
hacen que el instrumento a través de los
años, no sufra un marcado deterioro
comparado a los de estudio o de menor
calidad.

Las mejores marcas para trompetas son: Bach, Selmer, Conn, Yamaha,
Calicchio, Benge, King, pero lamentablemente son algo costosas.

Básicamente, la compra de una trompeta debe basarse en 2 puntos:

1.- Proyecto hacia la música: aspiraciones personales como músico.

2.- Presupuesto con el cual contamos.

Cuidados
Las siguientes son las recomendaciones
más importantes en cuanto al cuidado que se
debe tener con la trompeta. Estas son
válidas tanto para aquellos que poseen un instrumento propio como para
quienes deben compartir su instrumento en algunas de las bandas del
país.

Del cuidado que usted tenga de su instrumento, sea propio o compartido,

podrá sacar de él el máximo provecho. Un instrumento mal cuidado no será
útil para quien lo ejecute, pues su deterioro hará que con el tiempo la
ejecución sea difícil y en ocasiones penosa.

Tenga en cuenta las siguientes indicaciones:

- Cuando se comparte el instrumento limpiar la boquilla con

alcohol.

- No colocar la boquilla presionándola ni golpeándola con la

palma de la mano.

- Mantener la trompeta en el estuche o en las manos del

ejecutante.

- Lubricar todos los días los pistones. Tenga en cuenta su

aseo personal, tanto de sus manos como de su boca.

- No ingerir alimentos durante el tiempo de estudio,

especialmente aquellos que contengan azúcar (dulces,
golosinas, chicles, etc.)

- Cepillarse los dientes antes de tocar si se ha terminado de

comer.

Para después del uso:

- Quitar la boquilla y limpiarla soplando en ella para

eliminar el exceso de condensación (agua).

- Cada cierto tiempo realizarle mantenimiento a la

trompeta limpiando las bombas, pistones y demás
partes.

Contacto con la Trompeta

Actitud general del cuerpo

No hay limitantes físicas particulares para la práctica de la trompeta. Una

buena postura permite librarnos de tensiones, facilita la respiración y el
aprovechamiento máximo de los recursos y aptitudes de cada persona.

Cabeza

Mantenga la cabeza recta y la cara directamente

frente al cuerpo del instrumento, tanto de pie
como sentado. Esto permite mantener la
garganta abierta para tener una mejor
circulación del aire y que el aparato superior de
la respiración esté libre de obstrucciones.
 Columna y Espalda

Es importante mantener la columna derecha, más no

tensionada. Buscar que no esté rígida pero tampoco curva.
Cualquier posición exagerada evitará el buen desempeño
del ejecutante y llegará al
cansancio más rápidamente,
además de afectar el sistema
respiratorio y el sonido.

Cuello

En la estructura del cuello están

la tráquea, la laringe, y la
epiglotis. Si estas partes están tensionadas o
cerradas será imposible tener una buena
respiración. Por esto siempre debemos mantener
la garganta relajada y nunca
tensionar el cuello.

Tórax

Debe estar en posición relajada, con toda la

musculatura distensionada para no bloquear el proceso
natural de respiración. En pocas palabras en estado
natural de reposo.

Pelvis

La pelvis debe estar alineada con el eje longitudinal del cuerpo al ser visto
de perfil. Evite empujarla hacia adelante, pues esto no
permite realizar una respiración correcta, y produce una
mala postura corporal

Piernas

Deben estar separadas a una distancia similar a la

anchura de los hombros, sin flexionar las rodillas y sin
ponerlas rígidas.

Pies

Las plantas deben estar en total contacto con el suelo.

Los pies estarán ligeramente orientados hacia afuera, o
si se está sentado siguiendo la prolongación del ángulo
de las piernas

Hombros

Los hombros permanecen en igual posición

como cuando se camina, se lee, o se escribe.
Nunca deben levantarse porque tensionan la
garganta y no dejan que el aire fluya
libremente.

Brazos

Mantenga los brazos con los codos

ligeramente separados del cuerpo,
sosteniendo el instrumento en una posición balanceada, de tal manera que
la campana siempre esté dirigida hacia el frente y no hacia el suelo.

Manos

Use una posición cómoda de las manos para que pueda manipular los
pistones y bombas sin dificultad. La mano izquierda sostiene el instrumento.
Debe estar firme más no rígida. Los dedos
índice, medio, anular y meñique pueden
manipular la bomba n°3 y
generalmente el anular va dentro del
gancho situado sobre esta bomba. El
pulgar va sobre la bomba n°1. La mano
derecha es la que manipula los pistones.
Para esto los dedos índices, medio y
anular van sobre los pistones 1, 2, y 3
respectivamente. Las yemas de los dedos
van situadas sobre los pistones, la palma
de la mano no debe tocar el tudel y ésta
debe estar ligeramente redondeada. El
meñique va dentro del gancho del tudel, lo más relajado posible y el pulgar
en la parte del tudel frente al primer pistón.

Postura de pie

Está comprobado que el uso del aire es más eficaz cuando

estamos de pie. En esta postura podemos mover una mayor
cantidad de aire tanto al inhalar como al exhalar. La mejor
postura se obtiene cuando pensamos en el balance del
cuerpo y esto se logra manteniendo las piernas y los pies
separados a una distancia equivalente a la anchura de los
hombros. Si se debe tocar caminando es necesario buscar la
mejor manera para que el instrumento no se mueva
demasiado.

Postura sentado

Lo primero que se debe tener en cuenta es el uso de una

silla cuya altura sea similar a la distancia entre los pies y las
rodillas, la silla no debe tener brazos. El trompetista debe sentarse de la
mitad hacia adelante, procurando formar un ángulo de 90° entre los muslos
y la pantorrilla. Las piernas estarán separadas a una
distancia equivalente a la anchura de los hombros. El
cuerpo debe tener la sensación de estar apoyado en
un trípode constituido por los pies y los glúteos. Es
recomendable proyectar la pelvis hacia adelante para
enderezar la columna y permitirle al sonido una
proyección más amplia.

Efecto de la postura sobre la respiración

La buena utilización del sistema respiratorio

depende de una buena postura. Si nos acostamos en
el suelo nos damos cuenta que
la respiración se realiza desde la
parte inferior del tronco ya que
los músculos abdominales se
encuentran liberados de tensión
y el diafragma trabaja muy relajadamente. Lo cual
significa que si presionamos el diafragma y los músculos que lo recubren por
una mala postura, no podemos trabajar eficientemente. Por esto siempre
debemos pensar en cómo nos sentamos, además de la naturalidad del
cuerpo para mover el aire más fácilmente y no producir un sonido
pequeño y apretado.

Problemas más comunes con relación a la postura

• El peso del instrumento puede en los niños ocasionarles problemas de

postura si no se tiene cuidado en recordarles que
deben acostumbrarse a mantener la trompeta en la
posición correcta.

• Por tensión del cuerpo se produce cansancio y el

sonido se empobrece.

• Dolores del cuello, espalda y hombros por postura

inadecuada.

• El torso se comprime y el aire no pasa adecuadamente, la garganta se

cierra.

Iniciación a la trompeta
Colocación de la embocadura

Colocar la boquilla sobre los labios en una

actitud relajada, como si se pronunciara la
sílaba “bus”, y permitiendo que el aire
circule lo más naturalmente posible. Evite el
escape por los costados. Los labios deben
ser colocados de tal manera que el aire no
se disperse por fuera de la boquilla. De igual
forma usted no debe tensionarlos
demasiado pues estaría realizando un
esfuerzo inútil que podría cansarlo y no
darle flexibilidad a la técnica de
embocadura.

Músculos faciales

La máscara fisiológica o facial es el conjunto de músculos que rodea la boca

partiendo de la base de la nariz, la cual debemos saber usar sin producir
fuerzas excesivas.

La lengua actúa como un articulador del

movimiento del aire. Su función es
ayudar al aire y a la embocadura para
obtener una articulación clara y
controlada. Debe tener un movimiento
libre y sin ninguna tensión. Igualmente
debe interaccionar sobre la columna del
aire, sin interrumpir su movimiento y
preferiblemente empleando la sílaba “da”.

Para una mayor facilidad en la colocación

de la boquilla y una mejor emisión de
sonido se recomienda que los dientes tengan una buena conformación.
Cualquier deformación causará problemas en el desarrollo de la sonoridad y
en el trabajo de articulación. Los dientes superiores e inferiores deben estar
ligeramente separados permitiendo que el aire pase a través de ellos.

Tipos de mordida

Es importante que los dientes estén bien

formados, en buena salud y completos. Es
preferible que los incisivos superiores e
inferiores estén alineados los unos frente
a los otros para tener una embocadura
más nivelada. En tal caso dependiendo del
tipo de mordida que la persona tenga se
harán las correcciones que sean
necesarias.

Los labios

Cualquier tipo de labio es apto para tocar la trompeta, siempre y cuando

esté en perfectas condiciones de salud. Los
labios deben estar ligeramente separados en
su sección central y ayudando a la
producción del sonido, como consecuencia
del choque del aire, al pasar por el medio de
ellos haciéndolos vibrar. Es esta vibración la
que transmitida por la boquilla a la trompeta
hace vibrar el aire contenido en ésta con el
resultado directo de la producción del sonido.

Problemas más comunes relacionados con la embocadura

• Labios deformados.

• Falta de la dentadura anterior.

• Movimiento excesivo de la mandíbula.

• Demasiada presión de los labios sobre la boquilla.

• Apertura exagerada de los labios.

• El uso exagerado de los músculos faciales, que

generan problemas de flexibilidad en la embocadura.

• Inflar excesivamente los músculos bucinadores

(cachetes).

• Demasiada presión de los labios del uno contra el

otro.

• Tensión de la lengua.

• Dientes muy apretados.

• Mala formación de la dentadura.

Producción del sonido

Principios básicos
El factor determinante en el sonido y su emisión es el aire. El soplo debe ser
amplio, sostenido, sin uso de la lengua para no producir interferencias
negativas. Se puede iniciar el proceso directamente con el instrumento, si se
quiere. Si no se posee un instrumento propio se puede ejercitar con una
manguera del diámetro del tudel en el cual se coloca la boquilla. Esto con el
fin de practicar la sensación de vibración de los labios al paso del aire.
Recuerde la sílaba “bus” al colocar la boquilla sobre los labios, para permitir
que el aire pase por el medio de ellos, hasta que éstos entren en vibración.
No pierda la velocidad del aire una vez el sonido empiece a vibrar en el
instrumento.

Registro

Se recomienda iniciar en los primeros cinco tonos del registro medio del Do
(1) al Sol (1). Con ejercicios cromáticos se puede ir trabajando esta parte,
bajando por grados conjuntos, utilizando las siete posiciones. Se recomienda
iniciar en una dinámica forte natural sin forzar la sonoridad.

Problemas más comunes con relación al sonido

• No mantener la columna de aire constante.

• No identificar los sonidos usando posiciones de pistón que no

corresponden.

• No controlar el soplo por la expectativa y la emoción del sonido que se va

formando.

• Excesiva tensión corporal y de los labios.

Principios acústicos de la producción del sonido

El sonido se produce por vibración de los cuerpos sonoros,

esta vibración forma ondas sonoras que son percibidas por
nuestros oídos al ser transmitidas por el aire. Para obtener
sonido en la trompeta se precisa de:

Un medio transmisor que es el aire. Una fuente vibratoria

que son los labios. Un aparato amplificador que es el tubo
del instrumento y la caja torácica del instrumentista. Un
sujeto receptor que es el auditor o el público y el tacto
mismo del trompetista que percibe de esta manera las
vibraciones en sus manos.
Factores de la emisión

Los principales factores que intervienen en la emisión del sonido son los
siguientes:

- Movimiento y recorrido del aire.

- Vibración de los labios.

- Vibración ondulatoria dentro del instrumento la cual produce el sonido.

Velocidad del aire

El tema del aire es imprescindible cuando de instrumentos de viento se

trata. Generalmente este tema se aborda con diferentes puntos de vista,
pero en general hay acuerdo en que sin una buena técnica sobre el uso
correcto del aire no se puede tocar eficientemente un instrumento de viento.
La velocidad del aire se relaciona con los registros. A mayor velocidad se
pueden obtener las notas agudas, también se puede tocar más fuerte, y
viceversa, a menor velocidad se tocan las notas graves y se obtienen
sonidos más suaves.

Apoyo

Durante la inhalación el diafragma se mueve hacia abajo y se expande, al

igual que la cintura y la caja torácica que se abren para dar espacio a los
pulmones permitiendo que se llenen a su máxima capacidad. El aire entra
rápidamente. Durante la exhalación se
proyecta el aire al exterior de los pulmones y
simultáneamente se crea una presión por
acción de los músculos intercostales y los
abdominales, que no permiten que el proceso
de salida sea instantáneo. Este fenómeno es
lo que se llama apoyo, el cual debe ser
controlado para así obtener una presión justa
que de cuerpo a la sonoridad. Esto permite
trabajar sobre todos los registros, variar las
dinámicas, tener buena afinación y variedad
de timbres, en una palabra, es la clave de una
técnica segura y confiable puesta al servicio
de la música.

Boquillas
La boquilla se puede denominar como la parte más importante del
instrumento; podemos decir que es el alma del mismo, proporciona dirección
y concentración a la columna del aire, mediante su copa, así mismo capta
las vibraciones de los labios y las transmite a la trompeta. Se recomienda el
uso de las siguientes boquillas para los principiantes:

BACH 7 ó 7C • 11C4-7C YAMAHA • GIARDINELLI 7C • SHILKE 15B • BACH 3C

• GIARDINELLI 5C
 Articulación
Es la acción de la lengua
sobre el movimiento del
aire. El movimiento de la
lengua para articular debe
ir precedido del máximo de
aire. Se recomienda la
articulación de la sílaba
“Da” para comenzar. El ataque con lengua, consiste
en dar un impulso adicional a la columna del aire en el instante en que ésta
entra a la boquilla, para así poner en vibración la columna del aire dentro del
instrumento. La pronunciación de la sílaba “da” o “du” facilita la claridad de
la articulación.

En caso de que sean varias articulaciones continuas, entonces se mantiene

el aire y el sonido, y se separa ligeramente con la lengua. La lengua debe
estar muy flexible y relajada, pero al mismo tiempo debe ser muy precisa al
hacer la articulación.

Separada

Usando el “da” de manera más

incisiva se obtiene el stacatto.

Ligada

Emisión del sonido en forma continua

atacando con la lengua solo la primera nota de la frase. En el ligado, una
sucesión de notas realizadas con un solo golpe de lengua en la primera nota
de la serie, permite realizar fraseos más flexibles y expresivos. En las
ligaduras se debe mantener la lengua abajo mientras se realiza la frase.

Portatto

Articulación intermedia entre stacatto y ligado. Articulación muy suave de la

lengua para separar. Se indica por puntos sobre cada nota y sobre ellos una
ligadura.

En el portatto la lengua va con la sílaba “da” y se mantiene la columna de

aire en movimiento, sintiendo que las notas se separan ligeramente.
Dinámicas
Consiste en regular la cantidad de aire, en relación con la intensidad del
sonido.

Lo que se recomienda al comenzar el estudio del instrumento, es procurar

producir un sonido pleno, sin preocupación excesiva por la dinámica. La idea
es que el sonido logre una dinámica entre o y que se trabaje con ésta
por un buen tiempo hasta que se consiga afianzar su sonido.

Lo que si se debe controlar desde el comienzo es que el sonido no sea

demasiado débil o excesivamente fuerte, sino que logre un equilibrio y sobre
todo que busque la mejor entonación posible.

Lo que permite el cambio del matiz es la variación del apoyo y la velocidad

del aire, los cuales aumentan en el piano con el fin de sostener la vibración
de las notas y su afinación.

La intensidad f o p dependen de la amplitud del sonido la cual corresponde a

la velocidad del aire. A más velocidad, más fuerte será el sonido y a menos
velocidad más suave será el sonido. A medida que la velocidad aumenta o
disminuye, se presentan las siguientes secuencias:

Aumenta (Crescendo) pp, p, P, F, f, ff

Disminuye (Decrescendo) ff, f, F, P, p, pp

Reguladores

Son las graduaciones propias de la intensidad del sonido. A

través de ellas son conducidas de manera musical las
diferentes intensidades del sonido. El instrumentista debe
pasar por las distintas dinámicas sin que la afinación
cambie y sin alterar la calidad del sonido. Para obtener un
buen crescendo deberá aumentar gradualmente la
velocidad del aire y al contrario, un decrescendo, disminuir
la velocidad y subir la presión del apoyo para mantener la
afinación y la altura del sonido.

Acentos

Son exageraciones o marcaciones súbitas en la articulación de ciertas notas

dentro del discurso. Pueden ser de carácter rítmico o expresivo para dar así
relieve a una idea musical. El resultado de una interpretación es
responsabilidad del ejecutante. Para obtener la mayor claridad en la
realización musical el intérprete debe tener claro
el uso de las variedades de acentos y efectos similares.
Esto da más interés a la pieza y permite al auditor
tomar consciencia del discurso musical. Algunas
de las indicaciones más usadas son:

Además existen las notaciones de los compositores contemporáneos las

cuales normalmente son incluidas en las partituras y son explicadas por los
autores mismos.

Vibrato
Es una fluctuación de la frecuencia del sonido utilizada para dar mayor
expresividad a ciertos pasajes musicales y variar así el interés musical de
una frase. Requerido o no por los compositores, debe ser utilizado con
moderación y buen gusto de acuerdo a los requerimientos de la obra
musical.

Afinación
En su totalidad depende del manejo del aire, del control de
la embocadura, de una manera sensible de escuchar y de
la construcción del instrumento. Aunque se considera
como la discusión entre la afinación temperada (afinación
de hoy día), la afinación pura (sistema de escalas mayores
y menores) y la serie armónica (usualmente se refiere a un
acorde con su estructura tonal natural).

Todos los instrumentistas de metales tienen que relacionarse con los

problemas de afinación derivados de la serie armónica y los tonos abiertos
“overtones”, la cual es diferente a la afinación de los pianos, que tienen
escalas temperadas.

Contando desde la nota fundamental que es la número 1, la 5ta es baja, la

6ta es alta, la 7ma es extremadamente baja, la 11va es aproximada en
afinación, la 12ava es alta, la 13ava y la 14ava son aproximadas en
afinación.

La construcción de los instrumentos juega un papel

importante en la afinación. Por ejemplo, la primera y
segunda válvula son generalmente altas en afinación y la
tercera válvula está construida baja, además del tamaño de
las bombas de afinar.

Algunas combinaciones en el instrumento tienen las siguientes tendencias:

1 y 2 válvulas en combinación - levemente alta

2 y 3 válvulas en combinación - moderadamente baja

1 y 3 válvulas en combinación - muy alta

1, 2, 3 válvulas en combinación -
extremadamente alta

Este problema de afinación con el instrumento se

puede manejar manualmente, halando las bombas
de afinar de la primera y tercer válvula.

Cada ejecutante deberá encontrar la forma más adecuada para ajustar y

acomodarse a su instrumento.

Se recomienda estudio del solfeo, por ser un gran ejercicio mental y un

medio para mantener la relación de los intervalos y las tonalidades.

Afinación en el grupo

Labor esencial de un instrumentista es tocar en un grupo lo más afinado

posible. Los músicos deben estar afinados con ellos mismos y con otros
músicos. Muchas agrupaciones usan diferente afinación, desde el La de 440
hasta el La de 442. Por esto el ejecutante debe tener una afinación flexible
en situaciones de ensambles.

No se debe insistir en que “yo” tengo la afinación más acertada.

La afinación en grupos tiene cambios constantes, por esto hay que estar
siempre alerta auditivamente y disponible para ajustar con un compañero
músico.

Hay muchos factores que pueden ayudar a que la afinación sea variada.
Factores como la temperatura y la altura tendrán un papel importante.

Es aconsejable hacer ejercicios de notas largas y unísono para que el

estudiante tenga la oportunidad de calentar bien el instrumento y escuchar a
sus compañeros

Siempre antes de comenzar a tocar recordarles sobre los conceptos de

sonido, ataques, ritmo y manejo de aire, creando buenos hábitos.

El trabajo de equipo es mutuo y debe corresponder a un parámetro de

generalidad.

Se requiere que por lo menos todos los instrumentos empleen las mismas
posiciones para asegurar mejor afinación.

Debe procurarse crear conciencia de oír a los demás músicos y comprender

el sitio armónico de su línea.

El balance se consigue analizando el trabajo en sección para entender la

funcionalidad de las voces y poder ajustar balance con afinación, teniendo
en cuenta la idea de apoyarnos mediante la interacción.

Si no puede conseguir, ya elaborado, material didáctico hacia la afinación en

el grupo, es preciso
usar la iniciativa
del director para
diseñarlo.
Diferenciación en los sonidos y papel que juegan los
metales dentro de un grupo
Para poder obtener una mejor mezcla y afinación en un grupo de cobres,
banda y orquesta, el instrumentista deberá saber cuál es su papel, melodía,
acompañamiento, armonía, etc.

Por lo general dentro de las bandas y orquestas los metales tienen la función
de acompañamiento. En esta instancia si tocamos fuera de contexto habrá
pérdida de afinación y ensamble.

Los metales son usados de la siguiente forma:

- Como una unidad homofónica, donde van en unísonos y en octavas dando

un color de profundidad y obteniendo un sonido poderoso.

- En una forma melódica ya sea solos, en combinación con otros

instrumentos o solos con toda una sección. En este caso, mientras más
personas intenten tocar en unísono fuerte un pasaje agudo, más difícil será
lograr una buena afinación.

El uso de los metales de una manera climática es uno de los elementos más
usados por los compositores, dándole a una obra un sonido peculiar, lleno de
claridad, color y añadiendo un ambiente de grandeza a la música.

Con una escritura contrapuntística, los instrumentos de metal se pueden

destacar tanto individual como seccionalmente, ya sea en un efecto de fuga
con un instrumento solo o añadiendo instrumentación hasta usar grandes
secciones de metales.

Otra utilización de los metales es en el Jazz y en nuevas técnicas de

composición, creando efectos con sordinas, acentos y todos los recursos
disponibles para el compositor.

Teniendo un amplio conocimiento de los usos y posibilidades que tienen los

instrumentos de metal dentro de una agrupación, se hace más fácil entender
su papel dentro de una composición y se constituye en una ejecución más
clara y precisa.

Bueno, con eso concluyo mi trabajo, espero que haya

sido de su agrado. Me tomó mucho tiempo
investigar todo esto, pero fue beneficioso porque aprendí bastante acerca de
la Trompeta.

Paz y bien.

Oscar Iriarte Palacios 4to “A” Secundaria.

Puede ser necesario el uso de un apoyo para tener las manos libres para
tocar.

Postura del
arco
Desplazamiento del arco:
El arco debe deslizarse en forma paralela al
puente, entre éste y el mástil. Es
recomendable desplazar el arco un poco
inclinado hacia el mástil como muestra la
figura.

Movimiento del arco:

Para el movimiento del arco debemos
imaginar que nuestro codo es un eje estático,
sólo moveremos el antebrazo, muñeca y la mano
mientras lo deslizamos, recordar el codo y el
brazo permanecen estáticos.

Movimiento del brazo:

El brazo se mueve muy poco, la mayor parte lo
hace el antebrazo y la muñeca para formar una
especie de extensión del arco. No levantes
mucho el brazo, a lo mucho unos pequeños
grados necesarios (imagina que no te has
echado desodorante).
Registro del Violín
El registro del violín va desde SOL2 hasta donde la cuarta cuerda pueda
tocar, depende de la calidad del instrumento y de la habilidad del ejecutante.
La mayoría de violines llegan hasta LA6 sin problemas, sin embargo hay otros
que incluso llegan hasta RE7, en realidad depende de la longitud y posición
del mástil, así que en promedio, se diría que llega hasta DO7, igual que la
nota más alta del piano.

Notas en el violín
Las cuerdas del violín se afinan en SOL2, RE3, LA3, MI4. Los violines comunes
no tienen trastes como las guitarras,
y creo que la razón es porque los
espacios para las notas están muy
cercanos, aún así los espacios se
agrandan estando más arriba del
mástil, quizás ahí si se podrían poner
unos cuantos trastes, pero no sería
práctico si queremos aprender a
tocar bien en todas las posiciones.

Como se observa, cada cuerda tiene

su propio registro, así que tenemos
muchas posibilidades para
posicionarnos en las notas. La
imagen muestra las cuatro cuerdas y
el lugar donde sintoniza cada nota,
están en ese orden, no se tienen
distancias específicas, así que lo
mejor es usar el oído para
determinar la posición exacta de las
notas, recordar que el violín no es un
instrumento en el cual las notas son
fijas, como en un teclado, sino que
nosotros somos los que afinamos y
producimos las notas todo el tiempo.
Para empezar, tocaremos las primeras notas, en la primera posición,
reemplazaremos el nombre de los dedos con números, por ejemplo, la escala
de Do mayor, es decir, solo las notas naturales. Como verás la posición de los
dedos cambia en cada cuerda, hay que tener en cuenta donde están las
notas naturales y los sostenidos.

Solo queda empezar a ensayar, tocando las notas en

escalas y practicar temas, no hay más teoría en esto,
solo práctica.

Práctica
Para practicar con buenos resultados no se recomienda hacerlo durante más
de 45 minutos seguidos; por lo que conviene tomar un descanso unos 10
minutos, y después continuar durante otros 45 minutos.. Tocar el violín
seguido es bastante cansado, en especial cuando se empieza a aprender. Por
eso, se debe parar en el momento mismo en que se nota cansancio ya que la
posición adecuada para tocar bien no es natural para el cuerpo, además, hay
que permanecer en esa posición si se quiere obtener resultados.
Si se puede dedicar una hora y media al día, dividida en dos sesiones, se
sorprenderá del progreso seguido: encontrará completamente natural él
tomar el violín con una mano y el arco con la otra, colocar el instrumento
bajo la barbilla en su posición correcta y empezar a tocar.
Una vez preparado para practicar, tiene que saber que es lo que va a
practicar. Lo mejor (aburrido como pueda ser para usted y fastidioso para su
familia y, quizá, vecinos) es tocar escalas. Debe hacerlo para aprender dónde
están las notas y cómo tocar afinadamente: hoy en día esto es mucho más
fácil que antes. Lo más conveniente es preparar una pequeña grabadora
junto a usted, ponerla en marcha y tocar una escala. Entonces, escúchese y
juzgue lo bien (o mal) que lo ha hecho. A partir de aquí, puede corregir sus
defectos y empezar afinadamente
Con este método, su oído se pule y aprende a escuchar.
Su oído le ayudará a buscar el sonido exacto de la nota según su dedo la pisa
en la cuerda sobre el mástil.
Muy pronto descubrirá que una nota no suena necesariamente afinada por el
hecho de pisar la cuerda con un dedo después de otro. Tendrá que aprender
a ajustar la afinación y a asegurarse de que separa las notas con el intervalo
correcto.
Todo esto puede sonar complicado, pero no lo es en realidad, porque lo único
que necesita es usar su «oído» cuando toca las notas de forma que
reconozca rápidamente cuándo no toca la nota correcta para poder
corregirla.
Bueno, después de haber efectuado estas ligeramente complicadas
maniobras sobre el violín, podemos asumir que ha aprendido la diferencia
entre tocar con los dedos tonos o semitonos ayudado por su oído, las fotos y
los diagramas. Así que ¡enhorabuena!: ha completado su primera escala sin
haberla tocado en realidad.

El violín es uno de los instrumentos más difíciles de tocar, porque hay que
tener muchas cosas en consideración: colocar los dedos en el lugar exacto
sin ninguna ayuda en absoluto por parte del instrumento entre ellas. Para
ejercer la presión adecuada con el arco, se puede presionar un poco con el
dedo índice de la mano derecha, aunque diferentes violinistas usan
diferentes dedos para conseguirlo.
Si se toca con el arco en otra posición que la correcta, se puede producir una
especie de silbido, en particular en las cuerdas al aire, porque hay un
armónico natural que puede sonar si el arco no frota la cuerda en la posición
correcta exactamente, o con la presión adecuada.
Para finalizar, recordar que la perseverancia es la clave del éxito, mientras
más practiques el violín mejor lo tocarás, se empieza de poco en poco como
ya lo mencioné, primero escalas y reconocimiento de notas para luego entrar
a cosas más complejas y al final terminar tocando como los violinistas de las
sinfónicas. Lo que he explicado está de mejor forma en videos a través de
youtube, hacer este trabajo fue realmente interesante, aprendí mucho.
Una canción en la que se aprecia la belleza del sonido del violín es “Love’s
Theme” de Barry White, la súper recomiendo, es simplemente magnífica.

Gracias y bendiciones.

Oscar Iriarte Palacios 4to “A” de Secundaria

cticas

Para practicar con buenos resultados no se recomienda

hacerlo durante más de 45 minutos seguidos; entonces
conviene descansar unos 10 minutos, y después continuar
durante otros 45 minutos.. Tocar el violín seguido es
bastante cansado, en especial cuando se empieza a
aprender. Por eso, se debe parar en el momento mismo en
que se [Link]. ya que la posición adecuada para
tocar bien no es natural para el cuerpo, . además, hay
que permanecer en esa posición si se quiere obtener
resulta:: (vuelva a mirar la foto de la página 14).

Si se puede dedicar una hora y media al día, dividida en

dos sesiones, se : prenderá del progreso seguido:
encontrará completamente natural el tome- - violín con
una mano, el arco con la otra, colocar el instrumento
bajo la ba:-: - en su posición correcta y empezar a tocar.
Una vez preparado para practicar, tiene que saber qué va a
practicar. Lorr = (aburrido como pueda ser para usted y
fastidioso para su familia y, quizá, vec·- :.: es tocar escalas.
Debe hacerlo para aprender dónde están las notas y cómo
afinadamente: hoy en día esto es mucho más fácilque
cuando yo empecé a :::e:. Lo más conveniente es preparar
una pequeña grabadora junto a usted, po-: en marcha y
tocar una escala. Entonces,escúchese y juzgue lo bien (o
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lo ha hecho. A partir de aquí, puede corregir sus defectos y
empezar a
afinadamente. Con este método, su oído se pule y aprende a
escucha·r.

26
 Su oído le ayudará a buscar el sonido exacto de la nota según su dedo la pisa
en la cuerda sobre el mástil.

Muy pronto descubrirá que una nota no suena necesariamente afinada por el
hecho de pisar la cuerda con un dedo después de otro. Tendrá que aprender a
ajustar la afinación y a asegurarse de que separa las notas con el intervalo
correcto.

Todo esto puede sonar complicado, pero no lo es en realidad, porque lo único

que necesita es usar su «oído» cuando toca las notas de forma que
reconozca rápidamente cuándo no toca la nota correcta para poder corregirla.

Bueno, después de haber efectuado estas ligeramente complicadas mªniobras

sobre el violín, podemos asumir que ha aprendido la diferencia entre tocar con
los dedos tonos o semitonos ayudado por su oído, las fotos y los diagramas. Así
que, nuestra enhorabuena: ha completado su primera escala sin haberla tocado
en realidad.

Empezando a tocar

El violín es uno de los instrumentos más difíciles de tocar, porque hay que tener
muchas cosas en consideración: colocar los dedos en el lugar exacto sin
ninguna
. ayuda en absoluto por parte del instrumento entre ellas. Para ejercer la
presión adecuada con el arco,se puede presionar un poco con el dedo índice
de la mano derecha, aunque diferentes violinistas usan diferentes dedos para
conseguirlo.

Si se toca con el arco en otra posición que la correcta, se puede producir una
especie de silbido, en particular en las cuerdas al aire, porque hay un armónico
natural que puede sonar si el arco no frota la cuerda en la posición correcta
exactamente, o con la presión adecuada.

La escala de G (Primera posición)

Bueno, vamos a empezar a tocar en una cuerda. Digamos que se inicia en la

cuerda G y que comienza a tocar la escala de G mayor. Primero se toca la
cuerda G al aire, el primer dedo que la pisa da A, el segundo B, y el tercero
C. Ahora bien, para la siguiente nota, que es D, se puede hacer una de dos
cosas: puede pisar con el cuarto dedo en esta misma cuerda en G, o puede
tocar la siguiente al aire,que es la cuerda en D. Yo diría que lo mejor es usar el
cuarto dedo, porque es el más débil, y cuanto más lo use más se fortalecerá;
por otro lado, la cuerda D al aire puede no estar afinada con precisión. Y otra
cosa que es necesario recordar es que las distancias entre un dedo y otro
cambian: entre la cuerda G al aire y el primer dedo, no hay problema, porque lo
aprende y ya está, y la siguiente nota va separada un tono completo,pero la
siguiente de la B o sea, la
www .Freelibros.m
 27
.....J

www .Freelibros.m
C, va separada un semitono, así que entre el tercer dedo y el segundo la
distancia es más pequeña que entre el segundo dedo y el primero. Después de
tocar C con el tercer dedo, usted quiere usar el cuarto dedo para tocar D en la
misma cuerda en
G. Esto supone un tono completo (equivalente a dos semitonos), así que la
distancia entre estas dos notas es mayor que la distancia entre las dos notas
anteriores. (Estudie de nuevo las fotos de las páginas 22 a 26).

1 -AI aire- -1- -2- -3- --4-

Toque cada nota como una nota larga y separada. Toque usando el arco en
toda su longitud, manteniéndolo centrado y con la misma presión mientras-
dura la nota.
De la misma forma que ha tocado en la cuerda G, toque ahora la cuerda D.

,. g o u

!-Al aire- ! -1- -2- -3- --4-

Ahora, la cuerda en A.
u
o

1 -A I aire-I -1- -2- -3- --4-

Finalmente, la cuerda en E.
o

1 -AI aire- I 1 -1- -2-

Los movimientos del arco

Vamos a usar las iniciales d.a. para indicar cuándo el arco toca hacia arriba,
o sea, en dirección ascendente, y d.d. cuando toca en dirección contraria, o sea,
en dirección descendente, como muestran las fotografías de la siguiente
página. Naturalmente, cuando es necesario, no se recorre las cuerdas con toda
la longitud de arco,desde el talón hasta la punta y viceversa, sino que se toca
en recorridos más cortos o más largos según lo exija el «tiempo» de la pieza que
www .Freelibros.m
se esté tocando.
En las partituras de música, esto se indica por medio de ligaduras cubriendo
el número de notas que se han de tocar con un movimiento de arco, sea en
dirección ascendente (d.a.) o descendente (d.d.).

28
'f2ff f

www .Freelibros.m
Estas direcciones se indican en la música escrita para violín con estos dos signos:

V
Dirección ascendente Dirección descendente

....,
'"\
"

•
\
\
\
\
'9t """

"" ... -1..

y

'
'

Si no se indica otra cosa, toque alternativamente en d.a. y d.d.,después de

seguir la indicación expresada para la primera nota.

Según se va familiarizando más y más, el violinista puede decidir que una

pieza en particular podría sonar mejor adaptando los signos indicadores del
arco a su propio sentido de fraseo.

Ahora intente tocar la escala de G completa.

La escala es ascendente, cada nota una longitud de arco, empezando en d.d.

,
d.d. d.a. d.d. d.d. etc.
o 1 1 1 1 2
n- e o
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e e n
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Ahora la escala es descendente.

o

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2 1 4 4 4
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29 .

www. [Link]
www. [Link]
 ::>espués de practicar las escalas, puede progresar tocando arpegios, en la
misma posición (primera). Para hacerlo, tendrá que aprender gradualmente a
cruzar las cuerdas en una longitud de arco bien sea en d.a. o en d.d.,sin que se
detecte una diferencia de tono. Los dedos cambian, y para practicar los
arpegios puede em pezar con una longitud de arco completa por nota, hasta que
pueda ligar las notas
·y tocar tres o cuatro por pasada de arco. Primero es mejor aprender la escala de
G muy bien, y entonces intentar el arpegio. Toque las cuatro primeras notas y
pase a la siguiente octava, todavía tocando en primera posición. Para tocar los
arpegios,es más fácily más segura una nueva entonación si se tocan al aire, las
cuerdas que correspondan a menos que esté tocando una pieza muy lenta en
cuyo caso el sonido es mejor no usando las cuerdas al aire para garantizar la
entonación.
Así es como se escribe musicalmente.
Cuerda G

f
Al aire Cuerda D Cuerda A ---,
Cuerda Cuerda G al aire Cuerda D Cuerda E
o
e
Arriba M 6
6

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Digitación o 2 o 3 1 3 2

Cuerda Cuerda E Cuerda A --, Cuerda Al aire Al aire

f
Cuerda Cuerda G Cuerda
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D Abajo o e
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Digitación 2 3 1 3 o 2 o

El arpegio en G.

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G Al aire G Ab A A# Bb B e C# /Db D
Comienzo 0----------- 2 _t

30

www.
 Ahora es un buen momento para tocar la escala y el -arpegio, en lugar de
intentar una melodía simple después de la escala solamente. Al practicar escalas
y arpe gios en G en diferentes recorridos de arco, se empieza a saber lo que es
tocar el violín.

Después de aprender a tocar la escala y el arpegio de G, en primera posición,

pase a tocar la siguiente escala, la de A. Ahora va a tocar la escala de A, otra
vez en dos octavas, en la primera posición.

La escala de A

La escala ascendente

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e
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La escala descendente o o # n o
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escala de A º#
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G Al aire G . Ab A A# Bb B e C# /Db D

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Comienzo 1-------+ 2---- --3---4 _j
31

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 Este es el arpegio de A, ascendente y descendente
Cuerda G. Cuerda D Al Aire Cuerda A Al Aire Cuerda E
Cuerda A Cuerda E e

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Arriba
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1 3 1 o 2 o 3

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Abajo Cuerda E Al aire Cuerda A Al Aire Cuerda D Cuerda G
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G Al aire G# A b A A # Bb B e e# 1ob o
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 o Comienzo 1-------------- 3 _j

Puede hacer una escala más en la primera posición. Es un sí mayor más

difícil, tiene cinco sostenidos y lo incluímos aquí para completar la primera
posición. Esta clave es muy del gusto de los instrumentistas consumados.

32

www.
 La Escala de B

1
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Plano de la escala de B
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Cuerda A --,
Cuerda D ---¡
Cuerda G

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Plano del arpegio de B
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B e C# /Db D D# /Eb E

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G Al aire A A# Bb
Comienzo 2
B J C C# /Db D

Practicar con escalas y arpegios es la mejor forma de aprender las posiciones y

la notación musical. En la página 65 encontrará una lista de las escalas y
arpegios más frecuentes. Verá también que hay escalas menores. Debido a su
construcción diferente, algunas veces hay que añadir sostenidos, bemoles y
becuadros. Aquí hemos usado la escala menor conocida por el nombre de
«melódica menor».

Escalas mayores y menores

Compare las diferentes estructuras de las escalas siguientes: una es en C

Mayor, y la otra su relativa A Menor:
C MAYOR
'e Tono
Tono Semitono Tono Tono U Semitono u
Tono 8
0 6
0 6

4
A MENOR
Tono Semitono Tono Tono Semitono Tono Tono
o
()

& o
[Link]
34 Las escalas menores aparecen en la Sección de Escalas que empieza en
la página 65. _,/

[Link]
Plano de la escala de A Menor (Todas las notas en primera posición}
.. E - - h.... "' .+.... e ...,,.. 'P-.o.
-

E Al aireF F# /Gb G G#/Ab A A#/Bb B

1 2 - 3 Final

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A# /B B e C# /Db D D# /Eb E
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G Al aire G# Ab A C# /Db D
Comienzo ---.. 2- -3 4-
El valor de l as notas
La duración de las notas se expresa por medio de su apariencia.
La nota más común es la NEGRA
iguales que se llaman CORCHEAS} }(o
J JJ1
Esta nota se puede dividir en dos
o en cuatro notas iguales que
se llaman

SEMICORCHEAS J))) ( Jj jjo jffl ). Dos NEGRAS forman una

BLAN CA J, y dos BLANCAS forman una REDONDA o.
El siguiente diagrama muestra las correspondenci as entre ellas, a partir de uñ
compás de cuatro negras.

SEMICORCHEA:
J=j=J JjJ JjJ J J jJj
=j
J J J J J
n
CORCHEA : 1

r-l
or 1
' 1 2 3 4

NEGRA:

BLANCA: J Dura dos negras (tiempos)! d Dura dos ngras (tiempos}

1
Dura cuatro negras (tiempos):
REDONDA: o '
Las corcheas y las semicorcheas se pueden agrupar en diferentes combinaciones,
en las que cada grupo vale una negra, por ejemplo,

m
[Link]
n J J j j !J. j
35

[Link]
 A veces el tiempo que dura una negra se divide en tres notas que se llaman
tresillos; pueden ser tres corcheas que duran una negra, o tres negras que duran
una blanca, o tres blancas que duran una redonda. O sea:

3 CORCHEAS unidas con el número 3 sobre ellas: m

r--3 ----,
va en igual que una
l
NEGRA 1

" .--J-.
3 NEGRAS con un tres sobre ellas: J J J valen igual que una BLANCA
¡-3-....,
!L NCAS con un tres sobre ellas: d d valen lo mismo que una REDON-

El siguiente esquema muestra los valores de los tresillos correspondientes a un

compás de cuatro NEGRAS:

NEGRAS:

TRESILLOS DE CORCHEA:

TRESILLOS DE NEGRA:

TRESILLOS DE BLANCA:

Una nota seguida de un punto indica que su duración aumenta en la mitad:

). Jugada a) J.
Ligada J ª•
'----'
....
1 J... .
L igada
.a.,) 0 •
...L. igada
a c
0
..,
Las líneas curvas que se ven en los ejemplos anteriores se llaman
ligaduras indican que las dos notas que unen suman sus valores respectivos.
'36

www. Freelibros. me
 Al comienzo de toda música escrita, aparece un signo llamado CLAVE. En las

partituras para violín sólo se usa esta clave ( ).Inmediatamente después de la

clave, hay dos números,uno encima del otro, por ejemplo, i·. El número de arriba

NEGRAS se expresan así ,

indica el valor de cada tiempo. El cuatro indica una NEGRA, así que cuatro
y 3 NEGRAS así .

El dos indica una BLANCA, así que 2 BLANCAS por compás se indican así: .

El ocho indica una CORCHEA, así que 6 CORCHEAS se expresan así: .

En el siguiente cuadro verá algunas de las formas en que pueden agruparse las
notas en los diferentes compases.

4 NEGRAS 3 NEGRAS 6 CORCHEAS

POR POR COMPAS POR
COMPAS COMPAS

J J J J
J J J § ITi m
J J J.
iJ J J § J.
iJ J J J nJ )J )
J
4 J d J. ) J 6J )JJJ
4 8

iJ n J nn §J JJJ )

n J. .ñJ § j J9J j JJ
Los SILENCIOS se escriben así:

iJ. ) ff.J J ) )
J - - '1 -

J
1

4
4 se escribe algunas veces
= -- o - .....
37

[Link]
La tercera posición

Después de la primera posición, viene la segunda, pero es la más difícil. En

realidad, se usa rara vez: en ocasiones puede ser necesaria para tocar unas
pocas notas con las que se cruce en una pieza musical de vez en cuando. Si
es posible, se evita oor completo, porque la afinación en esta segunda posición
es muy difícil Y comprobará que incluso violinistas con experfenc1·a pfóéüfáñ
é\í({áfa.

í que pasaremos a la tercera posición, que empieza en la nota C, en la cuerda

Todas las notas en la tercera posición. Cuarto dedo

extendido
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38

[Link]
 Practique tocando las escalas y los arpegios en sus varias posiciones, hasta
el momento en que, a fuerza de practicar, aprenda dónde está exactamente
cada nota en el violín, de forma que podrá colocar los dedos sobre una nota
determi nada automáticamente, porque ya sabe dónde está dicha nota.

Algunas veces una pieza musical puede empezar con una nota alta y, quizá, en
una de las posiciones menos practicadas. En esas ocasiones, usted tiene que
saber dónde poner el dedo en su posición correcta, sin tener que recurrir a
pulsar suavemente la cuerda para averiguarlo. Y esto sólo se consigue con
práctica.

esta es la escala de C

i:I e Q .o. e

u e I:! e

4'
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D
1 1 1 1
& .o. e Q e 1:1
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Plano de la escala de C. Todas las notas en tercera posición.
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[Link]
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La escala de D

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Plano de la escala de [Link] las notas en tercera posición.

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Comienzo 2 4 -

Más sobre el uso del

arco

Después de haber practicado todo esto, ya puede aprender a tocar dos notas
seguidas con una sola pasada de arco. En otras palabras, a unir las notas de la
escala de dos en dos. O sea, empiece tocando la cuerda G al aire con media
pasada de arco y, entonces,ponga el dedo primero sobre la cuerda para tocar
A con la segunda mitad del arco. De este modo se toca lo que llamamos
un legato, sucesivas notas ligadas. Practique esta forma tocando las escalas
ascendentes y descendentes.

Después de ligar dos notas,la idea es ligar tres notas. Pero lo más importante
es ser muy diligente y hacer prácticas tan frecuentemente que, el tomar el
violín, ponerlo en posición correcta, tomar el arco y empezar a tocar, se
convierta en algo perfectamente natural para usted. Es como cuando un niño
pequeño aprende a escribir: nunca ha escrito hasta ahora, nunca ha sostenido
un lápiz, nunca se ha sentado delante de un papel en blanco -igual que usted
antes no había tocado un violín o había leído música. Entonces,el maestro
escribe una A en el tablero, y el niño intenta copiarla en su papel,de la misma
manera que usted lee la nota

www. [Link]
 en la pieza musical o intenta tocarla en el violín. Al principio el niño no hará
una A muy bien hecha, ni usted producirá un sonido perfecto. Pero pronto
mejorará, y el niño pasará, a la siguiente letra, y usted a la siguiente nota.
Gradualmente usted tocará notas separadas con mayor soltura, y el niño
escribirá letras aisladas muy bien. Y entonces llega el momento de gozo: para
él, escribir «de verdad» . De hecho, es un proceso muy similar.

* Toque de nuevo la escala de G, esta vez tocando dos o tres notas en una
sola pasada de arco.
Practique primero tocando dos notas por arco descendente (d.d.) y ascendente (d.a.).
d.d. d.a. etc. o

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d.d. d.a. etc.

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<==>•

U" &
o

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Ahora toque tres notas por arco ascendente (d.a.) y descendente (d.d.).
d.d. d.a. etc.
<.

d.a. d.d. etc.

º ,
s :>' s

* Practique de esta forma todas las escalas y todos los arpegios.

Encontrará que en las secciones Melodías para tocar (pág. 53) y El primer
reper torio (pág. 77), los movimientos del arco están indicados.
Veamos ahora el método para tocar con el arco, notas repetidas. Para tocar estas
notas rápidas hay que hacer «rebotar» el arco ligeramente en cada una de ellas.
Este tipo de notas se conocen por Spiccato y se indican en la música escrita para
violín con la abreviatura Spicc. Kreisler lo conseguía teniendo las crines de su
arco muy tensas, pero la mayoría de los violinistas prefieren no tener las crines
tan estiradas. Pero, una vez más, depende del estudiante: si él o ella producen
mejores resultados alterando la tensión de sus arcos, eso es lo que deben hacer.
spicc.

www. [Link]
f 1J j j J° J j J j t t t r e e e r 1
43

www. [Link]
dirección descendente \ d.d. 1 o ascendente·a.a.
cosa. Pero, para el estudiante que ya domina e
formas presentará problemas.
Cada nota en una d.d. d.a. d.a. d.d. d.a.

'F
pasada de arco d.d.

V F
Tres notas en una
pasada de arco =: i=r--
-

-
.

Cambios de posición

Se toca cambiando de la primera posición a la tercera en una cuerda, y entonces

se pasa a cambiar de la primera posición a la tercera en dos cuerdas.

Por ejemplo: toque B con el segundo dedo en la cuerda G; entonces cruce a

G (tercera posición) en la cuerda D usando el primer dedo. Mueva la mano
evitando deslizar el dedo.

Tiene que poner extremo cuidado en que este cambio de una posición a otra sea
inaudible.

Para obtener notas más altas, debe cambiar de posición en la cuerda E.

Mientras está aprendiendo, no necesita tocar notas mucho más altas en las
cuerdas D, A, y E. Después, cuando ya toca piezas, puede encontrar que las
notas altas suenan mejor tocando en la cuerda D o en la A, en vez de en la E. Es
posible que sean más adecuadas a la música que toca, y que le den la
oportunidad de producir un timbre diferente.

Para terminar esta sección, recordemos otra vez que la mejor manera de aprender
a tocar el violín es tocándolo con regularidad: con ello se familiariza con el
instrumento y, al mismo tiempo, fortalecerá sus dedos y sus brazos.

Intente tocar las melodías que empiezan en las páginas 53 y 77.

El vibrato

Hay dos métodos para tocar el vibrato sobre una nota que,por lo general,suele
ser larga. (En realidad,hay tres métodos, pero el tercero no se debe usar
jamás, y consiste en mover la muñeca hacia arriba y hacia abajo con gran
rapidez.) Así que, eliminada esta técnica, volvamos a los dos métodos
correctos. El primero

44
www. [Link]
co-s ste e"' rrover so amente el dedo que toca la nota, pero cuidando que no
ca:nbie de posición en absoluto, pues,de hacerlo, produciría una nota
diferente. E. segundo es cuando todo el antebrazo, la mano y el dedo se
mueven como si eran uno. Lo más importante respecto al vibrato, es que hay
que mantener el dedo sobre la cuerda vibrada durante toda su duración,
moviendo bien el dedo o elantebrazo, mano y dedo (pero no muñeca). Esta
vibración se aprende a hacer
con la práctica.

El trémolo

Por regla general, el trémolo sólo aparece cuando se toca en la orquesta, y

consiste en mover el arco con gran rapidez arriba y abajo, bien en una nota, bien
en una sucesión de [Link] suele efectuar el trémolo sobre una nota y,después
de cierto tiempo, se puede cambiar a otra, pero continuando con el trémolo. El
arco se mueve en una distancia cortísima y con mucha' ligereza: toda una
sección tocada con esta técnica produce el sonido característico del trémolo. Se
escribe así:

11

Trinos

Los trinos se suelen tocar en dos notas contiguas. Supongamos que quiere tocar
un trino en E o en F, en cualquier posición. Esto se obtiene pisando una nota,
generalmente la más baja de las dos,y moviendo el dedo que pisa la
siguiente nota consecutiva con gran rapidez. Se escribe así:
Ú ..,,_,..,_,. --"""""'""""
__.r.'\

o
º
11 11
El fraseo

El fraseo es algo muy personal. Si uno toca una pieza bien conocida, es
evidente que la mejor manera de realizarlo es hacerlo como si se estuviera
cantando la melodía, pero con el violín en lugar de con la voz. También se
puede copiar el fraseo que se ha escuchado en una grabación, a alguien
cantando o tocando la música en el violín. Pero lo que debe conseguir es
hacer cantar al violín. Fritz Kreisler fue el maestro más excelso en hacer cantar
a su violín,y tenemos la gran suerte de que nos han quedado grabaciones que
podemos escuchar . En la pági na 94,damos una corta discografía.

45
www .[Link]
5· e e- -..'"'a C '"C ...eS:a e --
; :_..-..
......
de1 arco, y todos os v:o
director de orquesta dirá alconcert:r:o c...e s::- =--==
de que todos los violinistas sigan el rn:s,..... o s-=-c r-:- _:c -
=- :.:
esta forma, la sección de cuerda puede tocar ce....... - a - -
=.

Sin embargo, para el solista el fraseo es algo purarrerie :Je'"So ...a· _a regla
de oro es que debe sonar agradable al oído, y que no se debe apa rta: oe.
ritmo en que está escrita la pieza: es necesario moverse dentro de los límites
impuestos por el tempo de la música que está tocando . Los más hermosos
fraseos dependen de una serie de matices. Pero recuerde siempre que tiene
que cantar a través del violín, que es un instrumento cantante y melódico,
no percusivo. Por eso, el violinista debiera siempre hacer cantar a su violín.

Dos escalas y arpegios más: E y F.

Para tocar la escala de E,toque la nota E en la cuerda G, con el segundo dedo:

esto le pone en la cuarta posición (IV) VE LA TABLA DE POSICIONES pág.

La escala de E.

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1 1 1

-
El arpe
()

f) o o
o

,.
g io de E.

2 4 1 4 2 4 3

Para tocar la escala de F, empiece con el segundo dedo sobre la nota F en

la cuerda G. Esto le dará la quinta posición (V). VEA EL CUADRO DE
POSICIONES.

La escala de F. 3.• pos.

[Link]
4 .• pos.
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2 1 1 2 1 234
El arpegio de
F. .Q los mismos dedos en la
e cuerda a 4.• posición

2 4
46

[Link]
 "
Las escalas cromáticas

Las escalas cromáticas son las que se tocan en semitonos. Hay varias formas
de usar los dedos (digitar) para tocarlas.

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1 of 4 3 2 1 2 1 o
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11

Se puede empezar a tocar una escala cromática en cualquier nota. - t -

El pizzicato

Si tiene delante de usted notas en pizzicato,

antes de tocarlas debe seleccionar la primera
nota con los dedos de la mano izquierda. Para
rasguear las cuerdas, se usa el primer dedo de
la mano dere cha, al tiempo que ésta sujeta el
arco, porque con mucha frecuencia [Link]
unos cuantos compa ses en pizzicato, pero
enseguida hay que tocar con arco otra vez.
Entonces se pisa la nota en cuestión con los
dedos de la mano izquierda, y se rasgue la
cuerda con la derecha sobre el mástil, no en el
espacio entre el puente y el comienzo del mástil.

47

[Link]
[Link]
 Claro que también hay piezas musicales que
son completas en pizzicato, como la «Polka
Pizzicato» de Strauss, la «Plink, Plank, Plunk» de
Leroy An derson,y «Silvia». En las páginas 86 y
87 encon- trará algunas de estas piezas.
Realmente son di vertidas de tocar y, si lo hace
bien, suenan agra dablemente.

También se puede tocar el pizzicato al estilo de la

guitarra. Para tocar una pieza entera en pizzicato,
ponga el violín bajo su brazo derecho y rasguee
las cuerdas con el pulgar de la mano derecha.

Esto es mucho más fácil porque no tiene que tener el violín sujeto con la
barbilla todo el tiempo en posición de tocar, y es más rápido. Puede descansar
un rato de esa posidón y, también resulta interesante el ver a un violinista
tocando el violín como si fuera una guitarra o un banjo.
En el concierto para violín de Elgar, hay un fragmento con una cadencia para
el solo de violín que parcialmente se acompaña del resto de la cuerda tocando
en pizzic ato con el violín en posición de guitarra-banjo, con lo cual se obtiene
un efecto de trémolo.
Se debe practicar el pizzicato porque, para tocarlo correctamente, tiene que saber
con exactitud en qué momento ha de sonar la nota. En otras palabras: tiene que
preparar el dedo con el que va a rasguear la nota y tocarla en el mismo momento
en que debe sonar.

Algunas piezas musicales se escriben para tocar con sordina: esto se indica en la
partitura poniendo «con sordina». Hay tantos tipos de sordinas que es muy difícil
decidir cuál es la mejor en términos generales. Lo mejor es que vaya a una tienda
especializada en instrumentos musicales con su violín, donde le mostrarán una
selección de modelos que usted podrá probar allí mismo, y elegir el que produzca
mejor sonido. Su objetivo es, en realidad, amortiguar el sonido.

Algunas sordinas se pueden incorporar al violín de forma que, cuando se

necesite, no haya más que deslizarla del cordal del puente.

Si tiene que tocar un solo y hay una

bella melodía repetida, puede tocarla
sin sor dina la primera vez, y con
sordina la se gunda, obteniendo así
una expresividad diferente. En un caso
así,no necesita es perar a ver la
indicación «con sordina» en la pieza,
sino que usted mismo deci dirá cuándo
usarla.

[Link] [Link]
48

[Link] [Link]
Acordes posibles en el violín

Es posible tocar hasta un acorde de tres notas con el arco, simultáneamente,

pero no es frecuente tener que hacerlo. Es más frecuente encontrar acordes
de dos notas,por regla general, uno de sexta o uno de tercera (muy rara vez de
quinta, por las dificultades de entonación). Es interesante observar que no se
suele pedir a los violinistas,cuando tocan en la orquesta que toquen acordes
(dos notas a la vez). Cuando este efecto es necesario,lo que se hace es que un
grupo de la cuerda toca una nota, y el otro grupo la otra. Sólo tocando como
solista podría encon trarse de vez en cuando en ciertas piezas, con algún
acorde de tercera, de sexta o incluso de cuarta. Naturalmente, en la música de
cámara y en los cuartetos de cuerda pueden darse este tipo de acordes. En la
página 65 encontrará algunas escalas con acordes de dos notas.

Armónicos

Hay armónicos naturales que se obtienen tocando en la cuerda al aire: cuando

pone el tercer dedo sobre la cuerda G, pero sin pisarla, sólo tocándol a
levemente con el dedo, y pasando el arco como de costumbre , obtiene el
armónico de G. Lo mismo pasa con la cuerda D. Estos son armónicos
naturales en primera posición. o o o o
1-,.....,.,.__-_-_-___-__[Link] __3__ ...,...) :::<3.:::.-::.:=.=.:::

o
u
En tercera posición, puede producir armónicos extendiendo el [Link] dedo
para posarlo sobre G en la cuerda G: éste sonará G.

Tocando en el extremo del violín, en la

parte superior del mástil,puede producir
los armónicos naturales E, A, D y G.

Para obtener un armónico artificial,

tiene que pisar la nota y, entonces,tocar
leve mente la cuerda que está tocando:
así se produce un armónico que es una
octava, o, en algunos casos, dos
octavas más altas que la nota que toca.

49

[Link]
[Link]
 Cómo cambiar las cuerdas rotas

Hay diversos tipos de cuerdas. Las cuerdas G, D, A consisten en un hilo de

tripa cubierto por hilo metálico. Una marca muy conocida es la de Pirastro.

Uno de los dos extremos de la cuerda lleva un nudo para sujetar la cuerda
al cordal. El cordal tiene cuatro agujeros, uno para cada cuerda. Estos
agujeros tienen la fo' rma de «OJO de llave)), esto es, parte son redondos y
parte estrechos
y ;ectos. Se jnserta la cuerda por Ja parte redonda, y, entonces, se ajusta en la
estrechapara que Ja cuerda quedefíja. Hecho esto, sepasapor encimadelpuente
poniéJJdo/a eJJ su muesc¿¡ CO/'/'e o/Jd/8/J/6'y .d6'
o/// osuckY _,L?o/Pév-/ú/ //?L? se puede poner, por
ejemplo, fa cuerda O en fa cfavqa G/. los agujeros en el corda(
se corresponden geométricamente con los de las clavijas. Un par de pinzas (de
las que se usan para depilar las cejas), guardadas en la misma caja del violín, le
ayudarán a hacer esta operación rápidamente. El otro extremo de la cuerda es
muy fino y está muy bien rematado para poder insertarlo en el finísimo orificio
de las clavijas. Métalo por un lado y, cuando salga por el otro, estire y sujételo
con la cuerda misma, de forma que cuando gire la clavija pueda tensarla.

Acostúmbrese a inspeccionar su violín antes de tocar y después de hacerlo, antes

de meterlo en su caja para observar los posibles cambios en las cuerdas: si ve
que se afloja una y que el hilo metálico empieza a desenroscarse, hay que cam
biarla.

También se puede romper mientras toca,

o encontrársela rota al abrir la caja el día
siguiente, aunque no lo estuviera cuando
lo guardó. Tiene que aceptar que una
cuerda puede romperse, y se romperá,
mientras toca. La única recomendación
posible es la de llevar con usted, siem
pre,un par de repuestos. Según los usa,
compre otros dos, de la misma forma
que el ama de casa siempre se aprovisio
na cuando termina una lata o un frasco
de cualquier conserva.

50

www. [Link]
Reglas de oro

Límese las uñas de la mano izquierda de tal forma que las yemas puedan
tener un contacto redondo con la cuerda.

No se puede hacer buena música con manos sucias.

Después de tocar, verá que parte de la resina se ha depositado sobre la caja

del violín: límpielo siempre mientras está en forma de polvo con una bayeta
suave, antes de que se adhiera a la madera. Limpie también de igual forma la
varilla del arco, siempre que haya resina depositada, pues suele desprenderse
de las crines cuando se frotan.

Aunque algunas cosas no son de interés inmediato para usted si acaba de

co menzar a estudiar, siempre conviene saber que, a veces, el violín puede tener
un problema que no esté a la vista, como el de que se haya «abierto» -
desencola do-tal vez en la parte donde la mano lo roza con frecuencia al
tocar en tercera posición. Yo, siempre, antes de empezar una serie de
conciertos, llevo mi violín a un experto para que me lo ponga «a punto».

Una de las cosas que yo recomendaría a un principiante es que escuchara

con frecuencia discos o programas de radio de violín. Me refiero a escuchar
DE VERDAD,en especial si es una pieza por la que siente particular interés y
tiene la música en casa. Escuche a los grandes violinistas. Estoy en completo
desacuerdo con la gente que dice que copiar es malo. En mi opinión, depende
de a quién se intenta copiar. Se podría pensar que tratar de copiar a Jascha
Heihetz es una falta de modestia por su parte, pero no es esto lo que yo quiero
decir. Mi consejo es que, si copia ese estilo, esa bellísima expresividad, ese
fraseo, esa técnica impe cable, esto le ayudará a tener una meta que intentar
alcanzar. Si, por ejemplo, ejecutan un fragmento donde la digitación es en
extremo difícil, por lo menos sabrá que es posible realizarlo, y eso le dará
ánimos para seguir practicando.

51

www. [Link]
www. [Link]
Términos musicales prácticos

Para repetir una parte de una pieza musical,se usa este signo ll::ll, que
indica
que tiene que repetir los compases comprendidos entre las dos series de
puntos

Por ejemp1o : Ij :------1f----+-- +-----,4,... :l s---+--f6'l.---+--+7---t

,8..i-------:-
io2-.i 3..

Esto se tocaría así: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8.

Además,se suele poner encima de los compases un 1, y un 2. Así:

11. 11 2.
11=
1 2 a 1
4
=11
5
11
En este caso, la secuencia a tocar sería: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 5.

Algunas veces se usa este signo , en cuyo caso se sigue tocando hasta
lleg2- al signo Dal Coda •, que quiere decir que se vuelve al siglo y se
sigue : música hasta encontrar •To Coda. De aquí se va al•Coda que
se encuer:"C después de D. ·al Coda.
To Coda -(!)-
1.e. 11 1 2 1 3 1 4 11 D. $S al Coda

CODA

1 5 1 6 11

En los dos ejemplos anteriores se tendría que tocar 1, 2, 3, 4, y 1, 2, 3, 5, 6.

Las letras D.C. quieren decir vuelta al principio. FINE significa «final». [Link]·
2
de una nota en el pentagrama quiere decir que se ha de tocar una octava ras
alta. De la misma forma, si 8va. está debajo del pentagrama, entonces signif;ca
que la nota en cuestión se ha de tocar una octava más baja.
Los grados de velocidad se expresan Los grados de volumen así:
así:
ANDANTE Bastante despacio pp suavísimo
ADAGIO Despacio p suave
LENTO Despacio mf medio fuerte
ALLEGRO Rápido f fuerte
PRESTO Rápido W\ ff fortísimo
W\G't't\\ t)dl'ddt)
G
www. [Link]
Para acelerar o retardar la velocidad se usan estos términos:

RALL
RIT
RALLANTANDO
R t d
e ar ar
J ACCELERANDO J
l
acelerar

RITARD Calderón (pausa) /7'. Acento >- '

52
Melodías pa ra toca r

EN PRIMERA POSICION
54 Long Long Ago
Frere Jacques
Sur le Pont D'Avignon
Scarborough Fair
55 The Ash Grove
Drink To Me Only
56 Beautiful Dreamer
57 The Keel Row
The Oak And The Ash

EN TERCERA POSICION
58 Robín Adair
Golden
Slumbers
59 When Johnny Comes Marching Home
Amazing Grace
60 Abide With Me
The Last Rose Of Summer

PRIMERA V TERCERA POSICION

61 Morning Has
Broken
Shenandoah
62 My Grandfather's
Clock Silent Night
63 1 Dream Of Jeannie With The Light Brown Hair

ACORDES DE TERCERA V DE SEXTA

64 The Camptown
Races All Through
The Night

www. [Link]
www. [Link]
www .[Link]