DIEGO ÁNGULO IÑIGUEZ

CATEDRÁTICO DE LA UNIVERSIDAD DE MADRID

HISTORIA
DEL A R T E
TOMO SEGUNDO

DISTRIBUIDOR E. I. S. A.
OSlVTE, 15 - MADRID - so
196»
 DIEGO ÁNGULO INIGUEZ
CATEDRÁTICO DE LA UNIVERSIDAD DE MADRID

HISTORIA
DEL MISMO AUTOR

Manual de Historia del Arte. Madrid, 1954. Dos tomos de 259 y 267 páginas, con
DEL ARTE
173 grabados de línea intercalados en el texto. Tamaño 22 x 16. Agotado.
Resumen de Historia del Arte. 1955. Un tomo de 323 páginas, con 479 grabados de
línea intercalados en el texto, más 32 láminas de papel cuché con 186 grabados
de retícula. El texto ocupa unas 240 páginas y. los grabados de línea unas 75.
TOMO SEGUNDO
Tamaño 21 x 14.
* **
El autor agradece a los Sres. Ruiz Argilés y Delojo los numerosos dibujos que
para ilustrar esta obra han tenido la bondad de hacer expresamente.

DISTRIBUIDOR E. I. S. A.
OÑATE, i 5 . MADRID-ao
1962
 CUARTA EDICIÓN

; CAPITULO I

ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO

EN ITALIA

E L RENACIMIENTO.—El recuerdo del mundo clásico como dechado

de perfecciones artísticas, científicas y técnicas, en realidad, no llega
ES PROPIEDAD\ a extinguirse en el occidente de Europa durante la Edad Media, aun-
DEL AUTOR/ que a los dioses paganos se les figure con armaduras e indumentaria
medievales, y la bella cabeza de la Gorgona se transforme en la bar-
bada testa del gigante Algol. En los albores de la Edad Moderna ese
recuerdo es ya amor exaltado, y ese amor no tarda en convertirse en
verdadero culto. Los dioses paganos penetran en el interior de los pa-
lacios de los Papas y alternan con los santos en la decoración de algu-
nas catedrales. Al calor de este entusiasmo por la antigüedad, el arte
europeo cambia de rumbo y se esfuerza por imitar los modelos clási-
cos. Arquitectos, escultores y pintores creen que en sus obras renace
el arte de aquellas ruinas romanas por ellos tan admiradas. Pero esto,
que ellos consideran simple renacimiento del mundo clásico, como siem-
pre que en las épocas fecundas se estudian con talento las creaciones
ejemplares de tiempos pasados, es, en realidad, un arte nuevo y ori-
ginal.
Aunque este proceso de supervivencia clásica no es exclusivo de
Italia, e incluso en algún aspecto es más intenso fuera de ella, el Re-
nacimiento artístico es creación puramente italiana, y es natural que
así sea. Los grandes estilos occidentales de la Edad Media encuentran
en Italia manifiesta resistencia. La sensibilidad del pueblo que creara
N.° de Registro: 2471-62 el gran arte romano, alentada por el recuerdo de un pasado glorioso.
D¡pósito legal: M. 11060-59 y alimentada por la contemplación constante de las grandiosas ruinas
Gráficas Cóndor, S. A.—Aviador. Lindbergh, 5.—Madrid-2 1581-62 existentes en toda la península, se limita a transigir con formas que
le son ajenas, pero nunca las acepta con entusiasmo. Los arquitectos
 6 EL RENACIMIENTO ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 7

italianos no precisan, por tanto, un gran esfuerzo para liberarse de humanos, y en parte vegetales, recibe ahora el nombre de grutescos,
ellas. por haberse difundido su uso a raíz del descubrimiento de las pinturas
La parte de Italia donde este fervor por el arte antiguo adquiere murales de ese tipo del palacio imperial, cuyos salones, por estar so-
más temprano y amplio desarrollo es Toscana. Dividida la península terrados, semejan grutas. Ordenada con frecuencia esa decoración en
en pequeños Estados, sus príncipes y tiranos pugnan por distinguirse torno a un vastago vertical que le sirve de eje, llámase de candelabro
como mecenas de artistas, escritores y humanistas. Pero,- entre todos, —a candelieri—. Los tallos ondulantes ascendentes, por lo general, con
descuella la familia de los Médicis, que, aunque propiamente no son roleos laterales que suelen usarse en las pilastras, denomínanse su-
señores de la bella ciudad del Arno hasta el siglo xvi, rigen sus des- bientes. Flores, frutos, trofeos y objetos diversos pendientes de cintas,
tinos durante la centuria anterior. La casa de Cosme de Médicis es festones, coronas y medallones, son también temas frecuentes en la de-
un verdadero museo de escultura clásica, centro de reunión de artistas coración renacentista. En las artes industriales se emplea, además, el
y literatos, cuyas conversaciones son un continuo elogio de la antigüe- arabesco (figs. 1-5).
dad. Academia artística en que se forman los jóvenes florentinos —en- El artista que sienta las bases del nuevo estilo es el florentino Fe-
tre ellos el propio Miguel Ángel—, alcanza su máximo esplendor bajo lipe Brunelleschi (t 1446), cuya actividad llena el segundo cuarto del
su nieto Lorenzo el Magnífico, persona de sensibilidad exquisita y poe- siglo xv. El es quien abre el capítulo de la arquitectura del Renaci-
ta de primer orden. Este exaltado entusiasmo por el mundo antiguo miento con la cúpula de la catedral de Florencia, quien construye las
termina provocando la más violenta reacción religiosa, y el propio Lo- primeras iglesias del nuevo estilo, y quien crea el tipo de palacio re-
renzo él Magnífico puede contemplar cómo, impulsadas por la arre- nacentista.
batadora oratoria del dominico Savonarola, las turbas y aun sus pro- El viejo edificio gótico de la catedral florentina está por terminar.
pios autores queman en las calles de Florencia algunas de las obras Le falta el cimborrio que debe cubrir la enorme anchura de sus tres
en que el paganismo triunfa. La propaganda de Savonarola, que paga naves (fig. 6). Su diámetro ha de ser como la media naranja del Pan-
en la hoguera su demagogia, no pone fin, sin embargo, al culto p o r la teón de Roma, pero Brunelleschi, a pesar de su entusiasmo por el arte
antigüedad. Pero, pocos años después, Florencia pierde la hegemonía romano, al tener que resolver el aspecto técnico de su cúpula, idea un
artística que disfrutara en Italia durante cerca de dos siglos. sistema de contrarresto netamente medieval, disponiendo una bóveda
En la evolución del Renacimiento suelen distinguirse tres etapas cuyos empujes laterales contrarresta con la carga de otra exterior, si
correspondientes a sus tres siglos de vida: la del siglo xiv —en italia- bien, para mayor seguridad, cincha aquélla con poderosos anillos de
no, mille e trecentó—, o Trecento; la del xv, o Quattrocento, y la madera. Gracias a su apuntamiento y al tambor octogonal en que ca-
del xv, o Cinquecento. (Pronunciase trechento, cuatrochento y chin- balga la cúpula florentina, se distingue por la elegancia de sus propor-
cuecento.) ciones. Su construcción consume más de veinticinco años de la vida de
Brunelleschi, que muere cuando se comienza la linterna.
LA ARQUITECTURA CUATROCENTISTA. FLORENCIA. BRUNELLESCHI.—Aunque Si en la cúpula de la catedral, Brunelleschi resuelve un gran pro-
durante algún tiempo se conservan formas góticas, el nuevo estilo re- blema técnico creando una obra de las más bellas proporciones, donde
presenta un cambio radical en los elementos arquitectónicos y en los se nos muestra realmente en posesión del nuevo estilo es en las dos
temas decorativos. Mientras que el gótico es la consecuencia de la evo- iglesias hermanas de San Lorenzo (1420) y del Espíritu Santo (1436),
lución del románico, el Renacimiento rompe con el estilo precedente y en la capilla de los Pazzi, en Santa Cruz. En todas ellas desapare-
y toma por modelo el de la Roma antigua, muerto hace muchas cen- cen las formas medievales, y tanto los elementos constructivos como
turias. los decorativos son clásicos. El pilar y el baquetón góticos ceden su
El Renacimiento vuelve a emplear los elementos constructivos y puesto a la columna y a la pilastra romanas, coronadas por ricos ca-
decorativos clásicos, claro que con una libertad y unas preferencias piteles corintios o compuestos; el entablamento reaparece, los arcos son
que son la base de su originalidad. La decoración de tipo fantástico, de medio punto y las bóvedas, váidas o cupuliformes, se decoran con
en la que el artista funde caprichosamente los diversos reinos d e la grandes casetones al gusto romano, lo mismo que las cubiertas adin-
Naturaleza creando seres monstruosos, en parte animales, en parte teladas.
8 BRUNELLESCHI

Aunque Brunelleschi no consigue crear el tipo de iglesia renacen-

tista, San Lorenzo y Santo Espíritu representan también en este sen-
tido un esfuerzo de primer orden (figs. 7-8). Tomando por modelo las
basílicas cristianas, las traza de tres naves sobre columnas, la central
con cubierta adintelada con grandes casetones, y las laterales, above-
dadas. Los arcos no descansan directamente sobre las columnas, sino
que se interpone un trozo de entablamento a guisa de capitel, cosa que
los romanos sólo habían hecho sobre soportes adosados.
En la capilla Pazzi vuelve Brunelleschi a la cúpula, que, como ve-
remos, será una de las obsesiones de los arquitectos renacentistas. Pero
esta cúpula está mucho más inspirada en los modelos romanos, y, so-
Figs. 1-5.—Grabados decorativos de grutescos, candelabros y arabescos.
bre todo, se asienta en una fábrica de proporciones casi cuadradas. La
capilla Pazzi es el primer templo renacentista de este tipo (figs. 10-12,
15). El deseo de disfrutar de las ventajas del templo de cruz latina sin
perder las propias del más cuadrado de cruz griega, o de planta cen-
tral, tendrá como consecuencia, según veremos, la creación de la iglesia
jesuítica de Vignola y la forma definitiva de San Pedro de Roma.
En el palacio Pitti (fig. 14) (1440), ampliado considerablemente en
el siglo xvi, crea Brunelleschi por último el nuevo tipo de palacio re-
nacentista. Aunque al prescindir de la torre defensiva de las casas
florentinas medievales le preste un mayor carácter urbano, toma de
la arquitectura romana el fuerte paramento almohadillado, recubre con
él toda la fachada y traza en la planta baja las ventanas pequeñas y
a gran altura.
Esta fachada, con cierto aspecto de fortaleza, pero rica al mismo
tiempo, hace escuela. Los restantes palacios florentinos no son sino Figs. 6, 7.—Brunelleschi: Catedral y S. Lorenzo, Florencia. (Burckhardt.)
consecuencia del modelo brunelleschiano. En el palacio Riccardi (figu-
ras 9 y 13), la residencia de los Médicis durante el siglo xv, su discípulo
Michelozzo procura introducir ciertas novedades subrayando la dife-
rencia entre el almohadillado de las dos plantas y enriqueciendo los
vanos con unos parteluces, mientras en el palacio Strozzi otro discí-
pulo, B. da Majano, introduce un elemento tan importante como la
gran cornisa de coronamiento, donde el autor hace alarde de su domi-
nio de la ornamentación romana. De la influencia brunelleschiana fuera
de Toscana es buen ejemplo el llamado palacio de los Diamantes de
Ferrara y el de Bevüacqua de Bolonia (fig. 16). Ya veremos el eco de
estos paramentos almohadillados en España. Además de estos para-
mentos almohadillados, no faltan los esgrafiados (fig. 17).
En la generación siguiente, el otro gran arquitecto florentino es
León Bautista Alberti (t 1472). Profundo conocedor de la arquitectura Figs. 8, 9.—Brunelleschi: S. Lorenzo.—Michelozzo: Palacio Riccardi, Florenc
romana, sabe presentir mejor que Brunelleschi lo que ha de ser el fu- (Burckardt.)
 » *
10 LOMBARDÍA, VENECIA Y ÑAPÓLES

turo templo cristiano. Su San Andrés de Mantua (ñgs. 20, 21), de una
sola nave cubierta por poderosa bóveda de cañón, con pequeñas capi-
- r^-w;m* » 4-
llas laterales y cúpula en el crucero, es el precedente ilustre de la igle-
sia jesuítica de Vignola. Corona la fachada, distribuida a semejanza i» » a 8 '• ir
de un arco de triunfo romano, gran frontón, como un siglo más tarde
hará Palladio. A Alberti se debe también el templo levantado en Rí- Figs. 10-12.—Brunelleschi: Capilla Pazzi, Florencia. (Burckhardt, Delojo.)
mini por Segismundo Malatesta en recuerdo de su amada Isolda, de-
jándonos así uno de los testimonios más elocuentes del paganismo re-
nacentista (fig. 22). En cuanto a la arquitectura civil, introduce nove-
dades de interés en la fachada del palacio, reaccionando en el palacio
Rucellai (fig. 19) contra la uniformidad del almohadillado brunelles-
chiano al trazar pilastras entre los vanos de sus tres plantas. Es el mis-
mo sistema empleado en el Palacio de la Cancillería de Roma (figs. 31,
39), que se le ha atribuido, al parecer sin demasiado fundamento. Su
tratado De re aedificatoria nos dice que Alberti, además de arquitecto
práctico, es uno de los grandes teóricos del Renacimiento.
Aunque sin la categoría de los dos grandes arquitectos anteriores,
trabajan en Florencia otros varios, entre los que destaca G. de Sanga- Figs. 13, 14.—Palacios Riccardi y Pitti. (Burckhardt.)
11o (t 1516), autor de dos bellos edificios de planta central o de varios
ejes de simetría iguales: la iglesia de Santa María delle Carceri (figu-
ra 23), de Prato, de forma de cruz griega, y la Sacristía de S. Spirito mmmmmm
de Florencia, octogonal, ambas de los últimos años del siglo. Su her-
mano, Antonio Sangallo el Viejo levanta, ya muy entrado el siglo xvi
y, por tanto, influido por el estilo de la nueva etapa renacentista, la
iglesia de Montepulciano (figs. 24, 25), de cruz griega, como la de Prato,
pero con ábside semicircular.

LOMBARDÍA, VENECIA Y ÑAPÓLES.—Como es natural, el nuevo estilo no

tarda en rebasar las fronteras de Toscana. En Lombardía, gracias a
la actividad del arquitecto Giovanni Antonio Omodeo, fórmase una es-
cuela deseosa, sobre todo, de crear grandes efectos decorativos. Lle-
vada de su afán de riqueza, no se contenta con la columna cilindrica Figs. 15-17.—Capilla Pazzi.—Palacio de Bolonia.—Palacio con decoración esgrafiada,
de tipo clásico, sino que la estrangula transformándola en una especie Florencia. (Burckhardt.)
de balaustre que, como veremos, ejercerá gran influencia en los arqui-
tectos españoles. Sú obra maestra es la Cartuja de Pavía (fig. 26) (1491).
No menos representativa, aunque de otro arquitecto, es la fachada de
la catedral de Como (fig. 36). La principal aportación de Venecia a la
arquitectura renacentista de este período es su tipo de palacio, dife-
rente del florentino. Con dos fachadas, una al canal y otra a la calle
de tierra, carece de palio, y mientras la planta baja está dedicada a JLJUUil i I
la vida comercial, el centro de la alta es un gran salón de fiestas, que Ift^Tw ^wi liw ^IB "jgJwT
rfd
12 BRAMANTE Y MIGUEL ÁNGEL

ocupa toda la profundidad del edificio. Contra lo que sucede en Flo-

rencia, el muro de fachada casi desaparece y se reduce a encuadrar
los numerosos y amplios ventanales que iluminan los salones de las
plantas superiores, siguiendo en ello los modelos góticos del palacio de
los Dux y de la casa Pisani. El ejemplo más bello de este tipo de vi-
vienda es el palacio Vendramín Calerghi (1481), obra de P. Lombardo
(figura 30). El tipo de Iglesia veneciana cuatrocentista se distigue, sobre
todo, por terminar sus fachadas en semicírculos y cuartos de círculo,
como en Santa María de los Milagros (figs. 27-29).
En Ñapóles no llega a formarse una escuela tan claramente defini-
da como en Lombardía y Venecia, pero se labra una de las obras más
representativas del Renacimiento. Alfonso V el Magnánimo, al ocupar Figs. 20-22.—Alberti: S. Andrés de Mantua.—Templo Malatestiano, Rímini.
el trono de Ñapóles, se convierte en uno de los grandes mecenas del
Renacimiento. Monarca espléndido, hace decorar el viejo castillo gótico
con una portada de mármol (1461-70), que, concebida como una especie
de arco de triunfo con victorias en las enjutas, le permite mostrarse en
ella cual un emperador romano desfilando en su carro triunfal (fig. 33).

E L «CINQUECENTO»: BRAMANTE Y MIGEL ÁNGEL.—Al comenzar el si-

glo xvi Florencia deja de ser la capital artística de Italia, y Roma pasa
al primer plano. La Ciudad Eterna no es ya el lugar de peregrinación
de los artistas florentinos que van a estudiar las ruinas de la antigüe-
dad, sino la población donde se emprenden las obras más importan-
tes de la época. Elegido Pontífice en los primeros años del siglo, Julio II
no duda en ordenar la demolición de la antiquísima basílica de San Fig. 23.—G. Sangallo: Santa María delle Carceri, Prato. Figs. 24, 25.—A. Sangallo:
S. Blas de Montepluciano. (Laspeyres.)
Pedro, cabeza de la cristiandad, y da comienzo a la ingente mole que
hoy admiramos. El es quien llama a su corte a artistas como Rafael
y Miguel Ángel. A su muerte le sucede León X, tan amigo de las aites
como su padre, Lorenzo el Magnífico, y fastuoso como un emperador
romano.
El arquitecto de Julio II es un hombre del Norte, el urbinense Bra-
mante (t 1514). Al terminar el siglo es hombre viejo, frisa en los se-
senta años y ha hecho en Lombardía obras como San Sátiro, donde
alardea de riqueza decorativa al gusto cuatrocentista (fig. 34). Pero al
trasladarse a Roma no son los temas ornamentales los p e le interesan.
Lo que atrae toda su atención es la grandiosidad de la arquitectura
romana, la simplicidad y la armonía de las masas -del teatro Marcelo
y del Coliseo, lo puramente constructivo. Y el a ñ o ' 1499 labra u n pe-
queño templete, que es algo así como el manifiesto de la, nueva etapa
renacentista, la del Cinquecento. El bello monóptero de San Pietro in
Montorio (fig. 40), costeado por los Reyes Católicos; es un descendien- Figs. 26-28.—Cartuja de Pavía.—Iglesia de Venecia—San Zacarías, Venecia.
14 BRAMANTE Y MIGUEL ÁNGEL

te directo de los templos de Vesta y de la Sibila, a los que, como no

puede menos de suceder en momento tan culminante del Renacimien-
to, se corona con una media naranja. Sobre unas gradas descansan
las lisas columnas, en su entablamento dórico se dibujan levemente
algunos objetos litúrgicos, y en el segundo cuerpo alternan sencillos
nichos de dos tipos, ambos igualmente desornamentados.
Poco después Julio II le encomienda la obra del nuevo templo de
San Pedro. Realmente, no puede existir empresa de mayor responsabi-
lidad para un arquitecto. Bramante, hijo legítimo del Renacimiento,
tenía la obsesión de la cúpula, como Brunelleschi en la catedral de
Florencia y en la Capilla Pazzi, y Alberti en San Andrés de Mantua. Figs. 29, 30.—Los Milagros y palacio Vendramín, Venecia.
Trabajando en Roma y para Roma, el hermoso interior del Panteón (Burckhardt.) i
viene a reforzar ese anhelo renacentista con fuerza avasalladora, y él
mismo dice que desea hacer cabalgar la bóveda de aquel monumento
sobre dos naves abovedadas, como las de la basílica de Constantino.
En la alternativa entre el modelo de cruz latina de San Andrés de Man-
tua o el de la Capilla Pazzi, adopta el de cruz griega, más en conso-
nancia con las proporciones cuadradas de la cúpula (fig. 43). Aunque
Fig. 33.—Arco de Alfon-
no definitivamente, la cruz griega triunfa sobre la cruz latina en este so V, Ñapóles. (Burck-
momento culminante del Renacimiento. Proyecta cada uno de los bra- hardt.)
zos terminado en ábside semicircular y con pórtico al exterior. En los
ángulos formados por las naves, e inmediatas a la cúpula central, dis-
pone otras cuatro menores, y más al exterior, otras tantas torres de
gran altura (fig. 51). En el proyecto de Bramante el tambor de la cú-
pula central estaba rodeado por una columnata.
Figs. 31, 32.—Palacio de la Cancillería.—Bramante: Santa
Empresa de proporciones gigantescas, las obras avanzan lentamen- María de la Paz. (Burckhardt.)
te con arreglo al proyecto de Bramante. Más tarde la obra se encomien-
da sucesivamente a varios arquitectos, que, como veremos, introducen
en aquél novedades esenciales.
A Bramante se deben, además, en Roma, el bello claustro de Santa
María de la Paz (fig. 32), de admirable simplicidad, y, sobre todo, el
arreglo del Belvedere, en cuyo fondo levanta gigantesca exedra (figu-
ras 35-38).
Entre las obras de su escuela merece recordarse, por adoptar el tipo
de cruz griega con cuatro ábsides, como San Pedro, la iglesia de Todi
(figuras 41, 42).
Discípulos de Bramante son Rafael de Urbino y Baltasar Peruzzi.
Rafael, de quien se tratará más adelante como pintor, dirige la obra
de la iglesia de San Pedre durante algún tiempo y es el autor d e la Figs. 34-36.—Bramante: S. Sátiro, Milán; Belvedere, Roma (Burckhardt).-
Villa Madama y de su propia casa (fig. 46), que no se conserva. A Pe- Catedral de Como. (Paravicini.)
 ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 17

ruzzi se debe el palacio Massimo (fig. 47), en cuya fachada las columnas
desempeñan importante papel.
Cuando Paulo II decide, en 1546, encomendar la dirección de las
obras de San Pedro a Miguel Ángel, éste ha cumplido los setenta. El
gran florentino se resiste cuanto puede, pero, al. fin, acepta, si bien
recabando plena libertad para introducir en el proyecto todas las no-
vedades que estime convenientes. Consisten éstas en la desaparición
de tres ingresos laterales con pórticos y de las sacristías, alojadas en
las torres, y, sobre todo, en la transformación de la cúpula (figs. 44-
Figs. 37-39.—Bramante: Santa María de las Gracias, Milán; Belvedere, Roma.- 48, 49). Educado en la contemplación de la de Brunelleschi, la hace de
Palacio de la Cancillería, Roma. proporciones mucho más elegantes y la eleva hasta alcanzar los 131
metros. Gracias a él, lo mismo que en Florencia, la cúpula se convier-
te en el rasgo más característico' del perfil de la ciudad. Decora su
tambor con columnas pareadas y frontones triangulares y curvilíneos
alternados, y a este tema de frontones de dos tipos, juntamente con
las hornacinas bramantescas, reduce la decoración de las fachadas ex-
teriores, recorridas por gigantescas pilastras lisas (fig. 53). La influen-
cia de la cúpula miguelangelesca en los arquitectos posteriores será de-
cisiva. Pocas dejan de ser simples variantes en mayor o menor grado
de la creación miguelangelesca.
Además de la gran empresa del Vaticano precisa recordarse, den-
tro de la reducida labor arquitectónica de Miguel Ángel, el proyecto
de fachada de San Lorenzo (fig. 52), de Florencia; la escalera de la bi-
blioteca Laurenciana (fig. 56), donde es notable el efecto de dinamis-
Figs. 4042.—Bramante: S. Pietro in Montorio.—Iglesia de Todi. (Delojo, Lavisse.) mo contenido que producen sus elementos constructivos; la capilla Me-
dicea (fig. 50), ambas en Florencia, para la que labra sus famosos
sepulcros de que se trata más adelante; la regularización de la plaza
del Capitolio (fig. 54), con el palacio de los Conservadores (fig. 55), y
la Puerta Pía (fig. 58), de Roma.

ANTONIO SANGALLO, EL JOVEN.—Sin la genialidad de Miguel Ángel,

Sangallo, nacido ya en Roma y contemporáneo suyo, deja también hue-
lla perdurable en la historia de la arquitectura renacentista. Formado
en las normas del arte austero y grandioso de Bramante, es el creador
del tipo de palacio cinquecentista. En el palacio Farnesio (1514) (fi-
guras 57, 58, 59), que construye para el futuro Paulo III, renuncia al al-
mohadillado de Brunelleschi, limitando el efecto de claroscuro al en-
cuadramiento de los vanos. Para evitar una excesiva reiteración, cubre
las ventanas bajas con simples cornisas horizontales, mientras en la
Figs. 43-45.—Plantas de S. Pedro, Roma: de Bramante, Miguel Ángel y Maderna. planta principal alterna los frontones curvos con los rectilíneos. La
(Geymüller.)
enorme cornisa que corona el edificio es obra de Miguel Ángel. La mis-
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Figs. 54, 55.—Miguel Ángel: Plaza del Capitolio y Palacio de los Conservadores,
Roma. (Delojo.)

Figs. 46, 47—Rafael: Su casa.—Baltasar Peruzzi: Palacio Massimo. (Delojo.)

Figs. 56, 57.—Miguel Ángel: Escalera laurenciana.—Sangallo: Palacio Farnesio.

(Delojo.)

Figs. 48-50.—Miguel Ángel: Fachada y cúpula de S. Pedro. Capilla de los Médicis,

Florencia. (Tiersch.)
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Figs. 58, 59.—Sangallo: Palacio Farnesio, Roma. Fig. 60.—Miguel Ángel: Puerta Pía,
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Figs." 51-53— B r a m a n t e : Proyecto para San Pedro.—Miguel Ángel: Modelo p a r a
San Lortnzo.—Ábside y cúpula de San Pedro. (Delojo.)
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Fies. 61-63.—Vienola: Ielesia de Jesús. Roma.—Palacio de Caprarola. (Guríttt.)

 ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 21

ma grandiosa sobriedad típicamente cinquecentista-impera en el patio

(figura 60), donde, según los modelos clásicos del teatro Marcelo y él
Coliseo, se superponen los órdenes y el arco se encuadra en un sis-
tema adintelado. Las grandes familias romanas no se reducen a cons-
truir casas monumentales como ésta, sino que labran otras de recreo,
como la Villa Farnesina, la Villa Médicis, la Villa Julia, etc.
En Venecia, el principal representante del pleno Renacimiento es
J. Sansovino (t 1570), quien, a pesar de haberse formado con Braman-
Figs- 64-66.—Vignola: Iglesia de Jesús, Roma.—G. Della Porta: Fachada de la misma. te, no olvida la riqueza decorativa del siglo anterior, como puede obser-
Palladio: El Redentor, Venecia. (Delojo.)
varse en la librería de San Marcos (1536) (fig. 75) y en la Loggeta (fi-
gura 77). A él se debe, además, el palacio Correr (fig. 76).

E L BAJO RENACIMIENTO: VIGNOLA Y PALLADIO.—Bramante muere en

1514, y Sangallo antes de mediar el siglo, y aunque Miguel Ángel vive
aún hasta 1564, sus coetáneos hace mucho tiempo que han desapare-
cido. Además, ya inicia su carrera una nueva generación, que comienza
a dar sus frutos poco antes de 1550. Es la que llena la última etapa
renacentista, que muchos denominan Bajo Renacimiento. Durante ella
la arquitectura pierde ese sentido de la claridad en la composición y
esa simplicidad grandiosa que distingue al siglo xvi del cuatrocentismo,
y comienza a multiplicar innecesariamente los elementos arquitectóni-
cos. La decoración, en general, sin embargo, no es ni más rica ni más
profusa, pero se tiende a subdividir la superficie de la fachada en va-
rios campos independientes y aislados.
Por otra parte, después de un siglo de construir en el estilo anti-
guo, los arquitectos italianos creen llegado el momento de sistemati-
zar sus concimientos y experiencias. Sebastián Serlio publica en 1537
su después famosa Arquitectura, de que tantas ediciones y traducciones
Figs. 67, 68.—Vignola: Palacio de Figs. 69, 70.—Vignola: Villa Julia.- han de hacerse y que tan profunda influencia ha de tener en toda la
Caprarola.—Palladio: Palacio Palladio: S. Jorge.
Chiericati. (Delojo.) arquitectura occidental, y grandes teóricos son también, como veremos,
los principales arquitectos de esta época.
Vignola (t 1573), discípulo de Miguel Ángel, es el verdadero crea-
dor del primer tipo de iglesia renacentista verdaderamente original. En
la de Jesús de Roma (1568), labrada para la recién fundada Compa-
ñía, en vez de colocar la cúpula sobre un templo de cruz griega lo hace
sobre uno de cruz latina (figs. 61, 64); ahora bien, los brazos del cru-
cero son muy poco profundos y la nave central se ensancha a costa de
las laterales, que se reducen a dos filas de capillas bajas, pequeñas y
comunicadas entre sí. Muy apropiadas por su recogimiento y oscuri-
dad para la oración, la luz, en cambio, inunda la capilla mayor y el
crucero. La escasa altura de las capillas laterales permite disponer so-
22 PALLADIO

bre ellas unas tribunas, desde las cuales la comunidad puede asistir a
los oficios sin ser molestada por los fieles. El Jesús de Roma es el pro-
totipo de la llamada iglesia jesuítica, que tanto se generaliza en el pe-
ríodo barroco. Dadas la gran anchura de su nave y la intervención en
la obra de San Francisco de Borja, se ha pensado en la posible influen-
cia del tipo de iglesia gótica del Levante español (I. fig. 826). La porta-
da (fig. 65) se debe al discípulo de Vignola, Giacomo della Porta, quien,
inspirándose en el viejo modelo de Alberti, la corona con un gran fron-
tón y establece el tránsito entre el cuerpo bajo y el alto por medio de
unos grandes mensulones. Obra de Vignola es, además, el palacio de Figs. 73-75.—Palladio: Teatro Olímpico, Vicenza; San Jorge, Venecia.—Sansovino:
Caprarola, de planta pentagonal y patio circular (figs. 62, 67) y la Villa Librería, Venecia.
Julia (ñg. 69), de Roma. Los conocimientos adquiridos por Vignola,
al medir los monumentos romanos por encargo de la Academia Vitru-
biana, sirven de base a su Trattato degli Ordini, de tan perdurable in-
fluencia en el futuro.
Andrea Palladio (t 1580), autor de la obra / quattro Hbri dell'Ar-
chitectura (1570), deja huella no menos profunda, sobre todo en la ar-
quitectura civil. Discípulo también de Miguel Ángel, se establece en
Vicenza, su patria, y trabaja principalmente en el norte de Italia. La
fachada de la basílica (fig. 71) de aquella población está concebida con
sobriedad casi bramantesca, pero su gran novedad consiste en el em-
pleo simultáneo en su fachada de columnas de dos escalas, unas bajo
los arcos, y otras que recorren toda la planta y que al contacto de aqué-
llas resultan mayores de lo que realmente son. En el Teatro Olímpi-
co (figs. 63, 73) resucita el modelo clásico. Sus villas de recreo, a las Figs. 76-78.—Sansovino: Palacio Correr y «Loggetta», Venecia.—Palacio de Blois.
que dedica uno de los libros de su tratado, semejan verdaderos tem- (Delofo.)
plos de gran empaque monumental, con grandiosas columnatas, am-
plios frontones y no"bles gradas de acceso. La Villa Capra (fig. 72), de
Vicenza, construida para un alto empleado pontificio y conocida por
la Rotonda, puede servir de modelo. En sus palacios (fig. 68) se mul-
tiplican columnatas j , sobre todo, frontones y áticos para crear gran-
des efectos monumentales, en que la sensación de reposo, no exenta a
veces de amontonamiento, es decisiva en el conjunto. Sus templos más
conocidos son los del Redentor y de San Jorge, ambos de Venecia
(figuras 66, 70, 74).
La influencia de Talladio es particularmente intensa en Inglaterra,
y a través de ella, en los Estados Unidos, donde perdura casi todo el
siglo xix. Por su simplicidad y reposo de líneas, es también fuente de
inspiración de no pocos arquitectos neoclásicos. Figs, 79, 80.—Palacio de Chambord. (Ducerceau.)
 24 FRANCIA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 25

FRANCIA.—La introducción del Renacimiento en Francia aparece li- visible exteriormente (fig. 83). Equiparable en mérito a Lescot es su
gada con las expediciones reales a Italia en demanda de Ñapóles y del
contemporáneo Filiberto de l'Orme (t 1570), que construye a cierta
Milanesado. Carlos VIII reúne, ya en 1495, un importante núcleo de
distancia del palacio del Louvre el de las Tullerías -—en francés Tui-
artistas italianos en el castillo de Amboise, a la cabeza de los cuales
íeries, tejerías— (1564) (fig. 84 II), donde emplea lo que él mismo de-
figura Fra Giacondo, primer editor de Vitrubio y uno de los arquitectos
nomina —pues además de arquitecto práctico es un teórico— el orden
de San Pedro de Roma, y desde entonces no faltan artistas italianos
francés, cuyos rasgos más característicos son las fajas decoradas que
en la corte francesa, y en Francia pasan sus últimos años algunos tan
interrumpen el fuste estriado de sus columnas (fig. 85).
insignes como Leonardo de Vinci y el tratadista Serlio. La llamada
escuela de Fontainebleau, constituida por los artistas italianos y sus Estas dos obras de los dos principales arquitectos renacentistas
discípulos franceses allí reunidos, es el gran centro írradíador del nuevo franceses son el núcleo del Louvre actual. Todavía en el siglo xvi se
estilo, bajo Francisco I y Enrique I I ; pero, pese al decidido favor del construye el ala del lado del río de la actual plaza del Carroussel,
monarca y a los hermosos palacios que se construyen, el Renacimiento que llega hasta las Tullerías (fig. 84 III y IV). Bajo Luis XIII y
no alcanza en Francia un desarrollo tan extraordinario como en Es- Luis XIV se cierra el patio cuadrado comenzado por Lescot (fig. 84 VI
paña. y VII). Napoleón I construye parte de la segunda ala del patio citado
La arquitectura renacentista francesa es principalmente de carác- (figura 84 IX), y Napoleón III lo completa con varios patios menores
ter civil y, más concretamente, palaciega, como presintiendo el fu- (figura 84 X). El palacio de las Tullerías fue destruido durante la re-
turo de su gran florecimiento barroco. Los reyes franceses no em- volución de 1871.
prenden, sin embargo, en los primeros tiempos, la construcción del A Lescot, en colaboración con el escultor Goujon, se debe la bella
gran palacio de la Monarquía, y se dedican a reformar y ampliar en Fuente de los Inocentes (fig. 81).
el nuevo estilo los castillos-palacios del valle del Loira. La gran em-
presa de este tipo es el ala agregada por Francisco I al castillo de
Blois (figs. 78, 82), en la que la gran escalera helicoidal y las cubierta vio-
lentamente inclinada, con sus numerosas chimeneas, desempeñan pa-
pel de primer orden. El dragón coronado y lanzando llamas por las
fauces, emblema de Francisco I, es simple tema ornamental en el cen-
tro de los recuadros, sin adquirir el desarrollo extraordinario que con-
cederán a los temas heráldicos los arquitectos castellanos.
Aún más representativo del renacimiento cortesano de Francisco I
es el castillo de Chambord (figs. 79, 80), edificio concebido para el
lucimiento de una doble escalera helicoidal en el interior y la ostenta-
ción de un bosque de chimeneas en el exterior; en realidad, un escena-
rio pensado para la apoteosis de un monarca amigo de cacerías y fies-
tas. Obra de Pedro Trinqueau, es, como se ha dicho, para Francisco I
lo que El Escorial para Felipe II y Versalles para Luis XIV.
Al mediar el siglo se emprende, ya en París, la gran obia del pala-
cio del Louvre. Su arquitecto, Pierre lescot (t 1578) lo traza (1546) con
un patio cuadrado del que sólo llega a construir un ángulo, si bien al
completarse se sigue, al menos en rasgos generales, su modelo (fig. 84).
Es éste de dos plantas corintias, la baja con arcos y la alta con ven-
tanas cubiertas con frontones triangulares y curvos. Sobre ellas carga
una tercera más baja, a manera de ático, con empinada cubierta muy
 ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 27

resca». Distingüese por su extraordinaria riqueza decorativa, y, en

Tealidad, buena parte de nuestros arquitectos de este período son más
bien grandes decoradores que propiamente arquitectos. Como en la es-
cuela lombarda, cubren las fachadas temas decorativos que en Toscana
se reducen a puertas, retablos y sepulcros. Candelabros, subientes, fes-
tones, seres fantásticos o bichas, como suelen denominarse las figu-
CAPITULO II ras monstruosas (fig. 88) y, en suma, todo el caprichoso repertorio
del grotesco, se emplean con profusión extraordinaria y, a medida
que avanzan los años, con dramatismo creciente. Algún elemento, co-
ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO mo la columna abalaustrada (figs. 87-89), adquiere tan temprana y rá-
EN ESPAÑA pida difusión, que llega a convertirse en uno de los temas caracterís-
ticos del plateresco. Es lo que Sagredo denomina columna monstruosa,
cuyo fuste consta de una parte superior terminada en su base en forma
bulbosa y revestida de hojas, que por su semejanza con la flor del
E L PLATERESCO.—La introducción del Renacimiento en España es
granado se llama balaustre —del latín balaustium, granado—; de partes
una consecuencia natural de nuestras relaciones con Italia. Desde mu-
rehundidas o estranguladas —degolladuras o retraimientos, según Sa-
cho antes de mediar el siglo xv, Alfonso V de Aragón es también rey
gredo—, vasos y cajas o cuerpos cilindricos superpuestos. Elementos
de Ñapóles, y al terminar esa centuria no es sólo Aragón, sino toda
decorativos que se emplean también con particular insistencia, son los
España la que recorre Italia a las órdenes del Gran Capitán. Hace
medallones con bustos o cabezas, especialmente en enjutas, basamen-
mucho tiempo, por otra parte, que los artistas italianos han traído
tos, entablamentos y entrepaños. País donde el gótico tiene raíces tan
la buena nueva renacentista, y no faltan españoles que han estado
profundas, es frecuente, hasta muy avanzado el siglo, que mientras
en la vecina península. A las obras labradas en el nuevo estilo se les
el exterior del edificio se engalana con todo el repertorio renacentista,
llama «del romano» u «obra a la antigua», para distinguirlas de las
en el interior continúan empleándose las bóvedas de crucería.
ejecutadas en el que hoy denominamos gótico y en el siglo xvi se cali-
Como es natural, el estilo plateresco no permanece estacionario en
ficaba de «obra moderna». El Renacimiento arraiga con tal fuerza
sus sesenta años largos de vida, y, aunque no siempre sea fácil fijar
entre nosotros, que en España se escribe el primer tratado del nuevo
con precisión el cambio del estilo, hacia el año 1530 suelen advertise
estilo arquitectónico impreso fuera de Italia. Lo publica Diego de Sa-
ya las novedades delatoras de su segunda etapa. Durante el primer
gredo, en Toledo, en 1526, con el nombre de Medidas del Romano (fi-
período la decoración es más plana, más menuda, menos movida, y los
guras 86, 87). Unos cuarenta años más tarde aparece una traducción del
temas animales y humanos también menos frecuentes. Con posteriori-
célebre libro de Serlio.
dad a 1530 esa decoración se proyecta más, su escala aumenta, se nos
El Renacimiento cuatrocentista se difunde en España cuando en
muestra dotada de un mayor dramatismo, y los elementos fundamen-
Italia toca a su término, es decir, cuando allí se inicia la reacción
tales de la composición arquitectónica se destacan más intensamente.
bramantesca, reacción que no tiene lugar entre nosotros hasta media-
dos del siglo xvi. El estilo correspondiente al cuatrocentismo italiano,
runque con las naturales diferencias, es el plateresco; el de inspira- MONUMENTOS IMPORTADOS.—Aunque no sean los monumentos más an-
ción bramantesca, el herreriano. El plateresco llena los dos primeros tiguos del estilo, conviene recordar, en primer lugar, un grupo de
tercios del siglo; el herreriano, el último. La obra en que se crea el obras importadas de Italia, total o parcialmente, que demuestran el en-
segundo es El Escorial, cuya primera piedra se pone en 1563. tusiasmo con que la nobleza española acoge el nuevo estilo. Una de las
más típicas es el patio del castillo de la Calahorra (fig. 94), construido
El plateresco, a l parecer, debe su nombre al analista de Sevilla,
al pie de Sierra Nevada, cerca de Guadix, por el marqués de Cénete,
del siglo xvn, Ortiz de Zúñiga, quien, al elogiar la primorosa deco-
quien no sólo trae de Italia un crecido número de elementos decorati-
ración de un monumento de ese estilo, la califica de «fantasía plate-
vos ya labrados, sino que hace venir al conocido decorador genovés
28 TOLEDO

Miguel Carlone en 1509. Labrados en Italia, las familias de marmolistas

de Carrara, de los Aprile, los Gazzini y los Carona, envían también a la
Península, hacia 1520, toda una serie de grandes sepulcros riquísima-
mente decorados, entre los que merecen recordarse los de los Ribera,
el de los marqueses de Ayamonte y el del obispo Ruiz en San Juan
de Toledo (figs. 243, 257). El de don Ramón de Cardona, en Bellpuig (Lé-
rida), es obra de G. de Ñola (lám. 52).

TOLEDO: LORENZO VÁZQUEZ, GUMIEL Y COVARRUBIAS.—La personalidad

más destacada que aparece a la cabeza de la escuela toledana, y aun de
todo el Renacimiento español, es Lorenzo Vázquez de Segovia, el arqui- Figs. 81-83.—Lescot y Goujon: Fuente de los Inocentes.—Palacio de Blois.—Lescot:
tecto de los Mendoza, que emplea el estilo brunelleschiano poco antes Louvre. (Delojo, Harttnann.)
de terminar el siglo. En la fachada del Colegio de Santa Cruz (1491)
(figuras 90, 95), fundado por el Gran Cardenal, y en el palacio de Co-
golludo (fig. 91), introduce, con las formas renancentistas, el almohadi-
llado florentino, que tomará desde entonces carta de naturaleza en el
Renacimiento castellano. En el patio del convento de la Piedad (fig. 92),
de Guadalajara, hoy Instituto, crea uno de los prototipos de la hermosí-
sima serie de patios renacentistas toledanos. Es de galerías arquitra-
badas sobre columnas con grandes zapatas y cornisas con canecillos.
A esta primera etapa del plateresco correponde la actividad de Pe-
dro Gumiel, el arquitecto del cardenal Cisneros. De personalidad mal
conocida y formado en la tradición toledana, ofrece una versión mo-
risca de esta primera etapa del plateresco. Sus cubiertas son lujosos
artesonados mudejares y las decoraciones de yeso o estuco. Obra suya Figs. 84, 85.—Palacio del Louvre. I. III-VIII, siglos xvi y xvn. II, Tullerías;
de gran riqueza extraordinaria es la Sala Capitular de la catedral de IX, X, Época de Napoleón. F. de l'Orme: Columna. (Nauke.)
Toledo (1504) (fig. 97). A él se deben, además, el Paraninfo de la Uni-
versidad de Alcalá (fig. 96) y el patio de San Juan de la Penitencia (fi-
gura 98), fundaciones ambas del cardenal Cisneros. Otro de los intro-
ductores de la decoración cuatrocentista en Castilla es Vasco de la
Zarza (t 1524), autor, en la catedral de Avila, del sepulcro del Tostado
(fig. 222, lám. 53) y de la restante decoración de la giróla.
Después de estos maestros introductores del Renacimiento en Cas-
tilla la Nueva, la gran figura que llena el segundo tercio del siglo es
el toledano Alonso de Covarrubias (t 1570), que se nos presenta como
el continuador de Alonso Vázquez. Así, en los dos patíos hermanos
del Hospital de Santa Cruz, de Toledo (1524), y del Palacio Arzobispal, ( "¡m TO
de Alcalá (figs. 100, 105), nos ofrece dos hermosísimas escaleras de gran
aparato, donde el almohadillado de Vázquez gana en riqueza e impor- .id )%m
tancia. El gran desarrollo de las escaleras es uno de los rasgos que dis- Figs. 86, 87.—Sagredo: Portada, columna abalaustrada y capiteles.
tinguen a nuestra arquitectura renacentista de la italiana. De medio Figs. 88, 89.—Grutesco con bichas—Coíumna abalaustrada.
 Figs. 100-102.—Palacio arzobispal, Alcalá.—Casas de Lozoya, Segovia, y de Polentinos,
Avila. (Delojo.)
Figs. 90-92.—Lorenzo Vázquez: Colegio de Santa Cruz, Valladolid.—Palacio de
Cogolludo.—Convento de la Piedad, Guadalajara. (Delojo.)

Figs. 103, I04.-Covarrubias: Puerta de Bisagra e iglesia de Getafe. (Delojo.)

Figs. 93, 94.—Capilla de los Reyes Nuevos,
Toledo.—Castillo de la Calahorra. (Lampé-
rez.) Figs. 95, 96.—Vázquez: Colegio de Santa
Cruz, Valladolid.—Gumiel: Paraninfo, Alcalá.
(Delojo.)

Figs. 105, 106,-Covarrubias: Hospital de Santa Cruz y Alcázar de Toledo-

I'i«s. 97-99.—Gumicl: Sala Capitular y San Juan de la Penitencia.—Santa Cruz,
 32 SALAMANCA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 33

punto las arquerías de las dos plantas dei patio toledano, en la segunda El arquitecto de nombre conocido que trabaja ya en esos años y
del de Alcalá, adopta las zapatas y el sistema adintelado de su maestro. llena todo el primer tercio del siglo es Juan de Álava (t 1537). Re-
Después de esta etapa de gran riqueza ornamental, de que son tam- cibida probablemente su primera formación en el gótico, tal vez con
bién buenos ejemplos la portada de San Clemente (1534) y la capilla Juan Gil de Hontañón, alarga y emplea a veces los elementos arqui-
de los Reyes Nuevos, cubierta con bóveda de crucería (fig. 93), al en- tectónicos renacentistas con un sentido de las proporciones aún gó-
cargarse de la fachada principal del Alcázar (figs. 106-108) parece ini- tico. Como es natural todavía en estos años, su decoración está con-
ciar un estilo más sobrio. Comprendida entre los dos torreones de las cebida muy en plano y los elementos se proyectan poco. En la portada
esquinas, aunque conserva el almohadillado en la galería alta, en el de San Esteban (1524) (fig. 114), obra de madurez del artista, aparecen
cuerpo principal reduce la decoración al encuadramiento de las venta- bien de manifiesto esos caracteres.
nas, y la de la puerta misma es sumamente sobria. Un paso más en De estos mismos años es la bellísima portada de la Universidad
el mismo sentido representan la Puerta de Bisagra (1559) (fig. 103), y (lámina 1). No obstante ser una de las obras maestras de la arquitec-
la iglesia de Getafe (fig. 104). tura plateresca, ignoramos el nombre de su autor. Limitada por dos
Aunque de autor desconocido, deben recordarse en la bella serie de pilastras que terminan a la altura de las impostas, la decoración se
patios renacentistas de escuela toledana los del monasterio de Lupiana distribuye en varias calles y cuerpos, en los que la escala aumenta con
y de San Pedro Mártir, de Toledo (figs. 109, 110). La figura 111 repro- la altura. Sobre el fondo de grutescos de admirable finura de ejecución
duce un ejemplo de portada de frontón curvo —frontispicio de vuelta se recortan medallones con los retratos de los Reyes Católicos, bustos
redonda, lo llamaría Sagredo— muy repetido en la ciudad, y la 99 la y estatuas de héroes y deidades paganas, y tal vez símbolos de las dis-
rica portada del Hospital de Santa Cruz, aún con no pocos resabios ciplinas universitarias.
góticos. La Casa de las Muertes, de hacia 1515, es, por su calidad, digna del
La creación segoviana más importante de esta segunda etapa re- autor de la Universidad (fig. 119).
nacentista es el tipo de casa con patio adintelado sobre columnas con A esta etapa se debe la formación de un tipo de portada muy ca-
zapatas, cuyas galerías sólo suelen ocupar tres de los lados. En algún racterístico de la escuela, que se distingue porque los soportes que
caso el muro del cuarto lado presenta decoración esgrafiada de viejo encuadran el vano quedan suspendidos antes de descender hasta tie-
abolengo en la ciudad. Los ejemplares más importantes son las casas rra. Algunas, como las de la casa de los Maldonado y la del convento
del marqués del Arco y del marqués de Lozoya (1563) (fig. 101). En de las Dueñas, recuerdan mucho el estilo de Juan de Álava (figuras
Avila debe recordarse la de Polentinos, actual Academia Militar, de 115, 118).
patio adintelado (fig. 102). Rodrigo Gil de Hontañón (t 1577), hijo del arquitecto Juan Gil
de Hontañón y que sucede a Juan de Álava en la maestría mayor de
SALAMANCA: ÁLAVA Y HONTAÑÓN. LEÓN. BURGOS.—En ninguna pobla- la catedral, es la gran figura de la escuela durante el segundo tercio
ción de la Península tiene el estilo plateresco acogida tan entusiasta del siglo. Pocos arquitectos trazan y dirigen tantas obras como él.
como en la vieja ciudad universitaria. Salamanca es la ciudad plate- Su labor, lejos de limitarse a la región salmantina, se extiende por
resca por excelencia, tanto por el número de sus monumentos como toda Castilla la Vieja y deja en la Nueva un monumento tan impor-
por la exquisita finura de su decoración, debida en gran parte a la ex- tante como la Universidad de Alcalá (1549) (fig. 125). Su fachada es
celente calidad de su piedra, ligeramente rosada. de composición clara y grandiosa. Corónala galería corrida como la
El Renacimiento se inicia en algunas casas concebidas todavía en del Alcázar de Toledo, y su gran calle central remata en frontón, bajo
gótico, como la de las Conchas (1512) (figs. 112, 113), donde la decora- el cual campean en la gran escala acostumbrada en Castilla las armas
ción del romano enriquece el dintel de las puertas o los antepechos de imperiales, que con los dos grandes ventanales constituyen uno de los
las ventanas. Por desgracia, ignoramos el nombre del principal maes- principales elementos del conjunto. Todo lo demás es secundario y
tro de este momento. Sin su importancia, a esta etapa pertenece, entre aparece totalmente subordinado a estos grandes temas principales. La
otras, la casa del médico Abarca. menuda y abundante decoración de Álava ha desaparecido, el paramen-
to liso del muro luce con fuerza y las mismas columnas casi han per-
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Figs. 107, 108.—Covarrubias: Alcázajr de Toledo. Fig. 109.—Monasterio de Lupiana. Figs. 116-118.—Conventos de Corpus Christi, del Espíritu Santo y casa de los
(Delojo.) Maldonado, Salamanca. (Delojo.)

Figs. 119-121.—Casa de las Muertes, patio de los Irlandeses y casa de Fonseca,

Salamanca. (Delojo, Camón.)
Figs. 110-112.—San Pedro Mártir y casa de Toledo.—Casa de las Conchas, Salamanca.
(Delojo.)

Figs. 122, 123.—Casa de Fonseca Salamanca. Fig. 124—Juan de Badajoz: Sacristía

Figs. 113-115.—Casa de las Conchas, San Esteban y Las Dueñas, Salamanca. (Delojo.) de S. Marcos, León. (Delojo.)
 36 SALAMANCA, LEÓN, BURGOS

dido totalmente su carácter monstruoso. A este mismo arquitecto se

debe la casa de los Guzmanes, de León.
Obra conjunta suya y de fray Martín de Santiago se considera el
palacio de Monterrey (1539) (fig. 126), del que sólo llega a construirse
una de sus fachadas. Las galerías corridas, y las riquísimas cresterías
caladas que coronan tanto sus dos torreones como los muros por ellos
flanqueados, son de las creaciones más afortunadas del Renacimiento
salmantino.
Deficientemente conocido, Pedro de Ibarra (t 1570) es, sin embargo,
un contemporáneo de Hontañón, de gran valía, a quien se atribuye
el patio del Colegio de los Irlandeses (fig. 120), sin duda el de más be- Figs. 125, 126—Hontañón: Universidad de Alcalá.—Palacio de Monterrey, Salamanca.
llas proporciones de Salamanca. Sus arcos, en lugar de cabalgar direc-
tamente sobre las columnas, como en los de Covarrubias, siguen ya el
sistema romano de la columna adosada al pilar. Ibarra, en unión de
otros arquitectos, interviene además en la casa de Fonseca o de la Sa-
lina (figs. 121-123), con fachada de amplias galerías que le prestan cierto
aire de edificio público, y patio de forma irregular, con curiosa galería
volada sobre enormes y ricos mensulones.
El plateresco produce en León obras tan ricas e importantes como
el convento de San Marcos —la sacristía es obra de Juan de Badajoz
(1549) (fig. 124)— y en Extremadura una bella serie de casas, entre las
que destaca en Cáceres la de los Golfines.
En Burgos, el último miembro de la familia de los Colonia, Fran-
cisco, inicia el estilo en la Puerta de la Pellejería (1516) (fig. 127) de la
catedral. El arquitecto de mayor personalidad es Juan de Vallejo, que Figs. 127-129.—F. de Colonia: Puerta de la Pellejería.—Casas de Miranda y del Cubo,
sucede en la gran empresa de la reconstrucción del cimborrio de la Burgos. (Delojo.)
catedral, hundido en 1539, a Felipe de Borgoña o Vigarni, de quien se
tratará más adelante como escultor. A Vallejo se ha atribuido la porta-
da dé San Cosme, la iglesia donde reposan sus restos. ^~
Entre los monumentos civiles sobresalen la casa de Miranda (figu- "' dé^"

m
ra 128), de patio adintelado, con especie de zapatas, formadas por ca-
piteles y ménsulas a los lados, y la de Ángulo (fig. 130). La del Cubo p1
1
(figura 129) se distingue, en cambio, por el movimiento de sus temas ' LÍpT
3* • ~
\ ^
decorativos. De estilo burgalés muy discutido, hasta el punto de pen-
sarse también en algún maestro toledano, es el hermoso palacio de
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Peñaranda de Duero. L a menuda labor de su portada (fig. 131), de finu- i

ra admirable, sitúa el monumento en la misma etapa de Francisco de

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Colonia. Conserva uno de los salones más bellos de nuestro Renaci-
miento, con rica chimenea, tribuna de músicos cerrada por tracería
aún gótica, y lujoso artesonado. Figs. 130-132.—Casa de Ángulo, Burgos.—Palacio de Peñaranda de Duero.—Iglesia de
Viana. (Delojo.)
38 GRANADA Y JAÉN

En la vecina Navarra, la grandiosa portada de la iglesia de Viana

(1549) (fig. 132), con enorme hornacina ante la puerta principal, es
una de las creaciones españolas más monumentales de la época. Es, al
parecer, obra de Juan de Goyaz.
n"TT
GRANADA Y JAÉN: MACHUCA, SILOE Y VANDELVIRA.—Las catedrales y
el gran número de templos que precisa construir en el recién conquis-
tado reino nazarí, atraen a varios arquitectos que no tardan en con-
vertir su capital en el centro de mayor actividad arquitectónica de An-
dalucía. Sus dos figuras principales son Machuca y Siloe.
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Figs. 133, 134.—Machuca: Palacio de Carlos V, Granada.
Pedro Machuca (t 1572) es un toledano que ha estado largos años
en Italia. En 1530 se le encomienda el palacio de Carlos V (figs. 133, 134),
en el que se desentiende de las exuberancias decorativas platerescas,
entonces en pleno apogeo, y traza con gran originalidad un patio circu-
lar adintelado, de sobriedad bramantesca, cuya encanto reside en las
bellas proporciones de las columnas y el entablamento, y en el claros-
curo que prestan a sus galerías algunas hornacinas. En sus fachadas
(figura 135), de gran monumentalidad, almohadilladas en su planta
baja, y con balcones encuadrados por pilastras en la alta, dispone dos
portadas con relieves que celebran, en el lenguaje de la fábula anti-
gua, las victorias del César. Inconcluso el palacio, los planos conser-
vados muestran los dos grandes patios con pórticos que se proyecta-
ron ante sus fachadas.
Este episodio bramantesco de Machuca apenas tiene eco. El fun-
dador de la escuela es el burgalés Diego Siloe (f 1563), hijo del es- Figs. 135-137.—Palacio de Carlos V, Granada.—Siloe: Escalera Dorada, Burgos.-
Torre de Santa María del Campo. (Delojo.)
cultor Gil Siloe, que también ha estado en Italia, donde se conserva
alguna obra suya. En la catedral de Burgos labra la Escalera Dorada
(figura 136), en el pueblo de Santa María del Campo una esbelta to-
rre (fig. 137), y en Salamanca se le atribuye la portada del Colegio
de los Irlandeses (fig. 138). Pero lo que le hace famoso es la catedral
de Granada, que se le encomienda en 1528, cuando ya ha construido
sus cimientos Enrique Egas, inspirándose muy de cerca en la de To-
ledo (fig. 139). Deseoso de respetar las elevadas proporciones de aquel
proyecto de templo gótico, pero considerando indispensable el empleo
de la columna clásica, labra unos pilares con medias columnas en los
frentes, dispone s o b r e ellos un trozo de entablamento a guisa de ca-
pitel (figs. 140, 143), según la transformación del modelo de Brunelles-
chi en la catedral de Pienza, e inspirándose en la Mezquita de Córdo-
ba, labra encima u n segundo soporte, duplicando así la altura. Obse-
sionado, además, como buen renacentista, por la media naranja, con- Figs. 138-140.—Siloe: Colegio de los Irlandeses, Salamanca.—Catédrals de Granada.
vierte la capilla mayor semipoligonal (fig. 144) en circular, para lo que (Delojo, Dehio.)
40 SEVILLA Y CÓRDOBA

sacrifica la primera nave de la giróla. Pensada para capilla funeria, los

enterramientos irían sobre los primeros arcos. A ejemplo de la cate-
dral primada, y por las mismas razones, las capillas son alternativa-
mente grandes y pequeñas. Aplicado a templo de una sola nave, aunque
ejecutado por Vandelvira, repite el mismo tipo de capilla circular en el
Salvador, de Ubeda, algo anterior a 1540 (figs. 152, 153).
Siloe ejecuta o intervine en otras muchas obras, entre las que des- Figs. 141,
142.-San Jerónimo, G r a n a d a - C a t e d r a l de Guadix. (Gómez Moreno.)
taca la iglesia de San Jerónimo (fig. 141), panteón familiar del Gran
Capitán. Pero lo más trascendente de su labor es la importancia de la
catedral granadina como prototipo de templos posteriores renacentis- co*w.™* » ! l P E ! , W ! B C i W O * 1
tas, en los que se renuncia, sin embargo, a su solución de la capilla
mayor. La catedral de Málaga, hecha probablemente por su traza, se
distingue por la elegancia de sus pilares y sus bellos efectos de pers-
pectiva (figs. 145, 146); en forma más simplificada, la de la Guadix
(1549) (figs. 142, 147) repite también su modelo y hasta en la lejana
Guadalajara, de Méjico, se imitan sus pilares.
Obra contemporánea de Siloe, pero no suya, es la casa de Castril
(figura 148), de Granada.
En estrecho contacto con la granadina de Siloe, la escuela rena-
centista de Jaén es también del mayor interés. Su gran personalidad
es Andrés de Vandelvira (t 1575), que en la catedral de Jaén (1540)
adopta el pilar de Siloe, si bien cubre todas las naves a la misma al-
tura, y la traza de planta rectangular, como la de Sevilla (figs. 149-150).
Sus bóvedas son váidas, el tipo de cubierta que hace fortuna en la
escuela y para el que crea un género de decoración muy característico Figs. 143, 144.—Siloe: Catedral de
Granada. (Dehio.)
de molduras concéntricas. Partes importantes en la misma catedral son
la sacristía (fig. 151) y la sala capitular. Ya hemos visto la interven-
ción de Vandelvira en el Salvador de Ubeda, al que, si no el plano
general del templo, deben atribuirse las portadas laterales, el empleo
de telamones y cariátides (figs. 154, 155) y la sacristía. A él se deben,
además, el hospital de Santiago, el Ayuntamiento (fig. 157), donde uti-
liza de nuevo los soportes humanos con gran acierto, y la intervención
en otros varios edificios. Su influencia en toda la comarca es profunda
(figs. 156, 166). Tanto Ubeda como Baeza son de las ciudades más ricas
en monumentos renacentistas, pudiendo distinguirse una primera etapa
anterior a la llegada d e Vandelvira, y una posterior, en que la influen-
cia de éste es bastante sensible.

SEVILLA Y CÓRDOBA. ARAGÓN. AMÉRICA.—Contra lo que haría suponer

la enorme riqueza que significa el monopolio del comercio de Indias,
-Catedral de Málaga. Fig. 147.-Catedral de Guadix. (Delojo.)
Sevilla, aunque construya en el siglo xvi lujosos monumentos, no con- Figs. 145, 146.
 IR ¿W HÍ
cbuda Figs. 157, 158.—Casa de las Cadenas, Ubeda.—Ayuntamiento de Sevilla. (Delojo.)

Fig.148.—Casa de Castril, Granada.—Figs. 149, 150.—Vandelvira: Catedral de Jaén.

Fig. 159.—Casa de las Dueñas, Sevilla. Figs. 160, 161.—Sacristía de la catedral de

Sevilla. (Delojo, Gómez Moreno.)
Fig. 151.—Vandelvira: Sacristía de la catedral de Jaén.—Figs. 152, 153.—Salvador
de Ubeda.

Figs. 154, 155.—Vandelvira: Salvador de Ubeda. Fig. 156.—Casa de los Vela de los
Cobos, Ubeda. (Delojo.) Figs. 162-164.—Gaínza: Capilla Real.—Sala Capitular y Sta. Paula, Sevilla. (Delojo.)
44 SEVILLA Y CÓRDOBA : '1^

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sigue formar una escuela como la granadina. El vallisoletano Diego de
Riaño (t 1534), durante sus breves permanencias en la ciudad, traza
el Ayuntamiento y lo dirige breve tiempo. Muy gótico todavía en las
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partes más antiguas el interior, sus fachadas constituyen uno de los Fig. 165.—Fernán Ruiz I I : Iglesia del Hospital, Sevilla. (Chueca.)
conjuntos decorativos más ricos de nuestro Renacimiento (fig. 158).
El segundo gran monumento del plateresco en Sevilla es la sacris-
tía mayor de la catedral (1532) (figs. 160, 161), atribuida corrientemente
a Riaño, pero que, al menos en gran parte, se debe a inspiración de
Sí loe. De planta de cruz griega, casi cuadrada (fig. 160), se cubre con
enorme cúpula sobre bóvedas cónicas muy abiertas, enriquecidas con
relieves en casetones. Grandioso y rico, su interior es una de las creacio-
nes más bellas de nuestro plateresco. A Martín de Gaínza (t 1555), nom-
Fig. 166.—Casa del conde de Guadiana, Ubeda. Fig. 167.—Casa de Pilatos, Sevilla.
brado maestro mayor de la catedral a la muerte de Riaño, se debe la (Delojo.) Fig. 168.— Fernán Ruiz III: Torre de la catedral de Córdoba. (Delojo.)
capilla real (1544) (fig. 162), de traza nada vulgar, donde la gran cúpula,
continuándose en la gigantesca venera del ábside, crea también uno de
los efectos de espacio abovedado más grandioso de nuestro Renaci-
miento. De autor desconocido es la hermosa sala capitular (fig. 163).
Aparte de este tipo de arquitectura de estilo castellano en piedra,
empléase otro durante la primera mitad del siglo, en el que el nuevo
estilo se mezcla con la tradición morisca, siempre vigorosa. Ya en 1504
el italiano Niculoso Pisano decora con bellos grutescos esmaltados en
azulejos la portada gótica de ladrillo en limpio de Santa Paula (figu-
ra 164). Pero la creación más importante del estilo es la llamada Casa
de Pilatos (1533), donde a las columnas y portadas renacentistas de
mármol traídas de Italia se agregan altísimos zócalos de azulejos tria-
neros y riquísimos artesonados mudejares (fig. 167). Del mismo estilo
es la Casa de las Dueñas (fig. 159).
Frente a la dispersión sevillana, Córdoba presenta la familia de Fig. 169.—Santa Engracia, Zaragoza. Figs. 170, 171.—Sariñena: Lonja, Zaragoza.
arquitectos de los Fernán Ruiz, que se suceden en tres generaciones. (Delojo, Camón.)
De origen burgalés Fernán Ruiz I (t 1547) trabaja en gótico y es el
autor de la catedral (1523) que se construye en el interior de la Mez-
quita. A Fernán Ruiz I I (+ 1569), maestro mayor de la catedral de Sevi-
lla, se debe la iglesia del Hospital de la Sangre, cubierta con bóvedas
váidas, y con tribunas sobre las capillas laterales (fig. 165), y el bello
campanario con que se corona (1568) la vieja torre almohade, que, al
ser rematada por la estatua giratoria de la Fe, recibe el nombre de Gi-
ralda. Y Fernán Ruiz I I I (t 1604), quien, al revestir el viejo alminar de
la Mezquita de Córdoba, crea la última gran torre del siglo xvi, in-
tensamente influida ya por el estilo herreriano (fig. 168).
Pese a las viejas relaciones políticas y comerciales de Aragón y
Cataluña con Italia, el Renacimiento no adquiere en esta parte de la
 46 ARAGÓN. AMÉRICA

Península el desarrollo que en Castilla y en Andalucía. En su primera

etapa produce la portada de la iglesia de Santa Engracia (fig. 169), de
Zaragoza, obra de finura exquisita y que se considera de una fecha
tan temprana como la de 1504. Se cree de Morlanes, padre e hijo.
El capítulo más original del Renacimiento aragonés es el de su
arquitectura civil. Juan de Sariñena, en el hermoso edificio de la Lon-
ja (1541) (figs. 170-172) de Zaragoza, nos ofrece en su interior la ver-
sión renacentista de los grandiosos interiores de las lonjas góticas le- -Bustamante: Hospital de Afuera, Toledo. (Schubert, Delojo.)
Figs. 175, 176,
vantinas, donde las columnas con capiteles clásicos reemplazan a los
pilares de baquetones, si bien las bóvedas continúan siendo de cruce-
ría. Su exterior, de ladrillo, remata en galería corrida de arcos, bajo ale-
ro de grandes proporciones típicamente aragonesa. Tudelilla (t 1566)
es el autor de la casa de Zaporta (1546) (fig. 173), el banquero de Car-
los V, cuyo patio se encontraba en París hace años y últimamente ha
vuelto a Zaragoza. Según es corriente en Aragón, su planta baja es
adintelada y descansa sobre escaso número de columnas, mientras la
alta es de arquería de vanos estrechos y numerosos. El antepecho, rica-
mente decorado, contiene grandes relieves con los trabajos de Hercules.
De menos importancia decorativa, también es típico ejemplo de casa
aragonesa la de los Luna, hoy Audiencia (fig. 174). Es igualmente de
mediados de siglo y tiene la característica galería de arcos en la parte
superior, patio con columnas anilladas y rica portada con las estatuas
de Hércules y Teseo.
En Cataluña y Valencia el entusiasmo por la arquitectura renacen-
tista es menor, aunque no faltan casas tan bellas como la destruida de Figs. 177-179 -Conventos de Actopan y Calpan.-Posa de Huejotzingo. (Delojo.)
Gralla, en Barcelona.
En América, la creación arquitectónica más interesante de la pri-
mera mitad del siglo es el tipo de iglesia conventual fortificada, de Mé-
jico. De una nave con cubierta de crucería gótica y coronada de alme-
nas (fig. 177), como resulta insuficiente para la numerosísima pobla-
ción indígena que precisa evangelizar, se forma ante ella un enorme
patio con cerca almenada, en cuyos cuatro ángulos se labran otros tan-
tos templetes o posas para enseñar la doctrina y hacer estación las pro-
cesiones que en él se celebran (figs. 178, 179). Al fondo de ese patio se
construye, además, u n a capilla abierta para decir misa a los indios en
él reunidos. Ejemplo típico de esta clase de convento es el de Hue-
jotzingo. Entre las capillas abiertas de indios, que pueden ser de for-
mas muy diversas, merecen recordarse las de Cholula y Teposcolula
(figuras 181-184). A veces, la capilla se encuentra situada en alto, como
de Tlahuelilpa.-Capilla Real de Cholula. (Argilés.)
en Tlahuelilpa (fig. 180). Figs. 180, 181.—Convento
 48 ESTILO HERRERIANO

El estilo propiamente plateresco deja, además, en América varias

obras tan importantes como la portada de la catedral de Santo Domin-
go, cuyo interior es gótico, y la de San Agustín Acolman (figs. 185,
186) y la de Yuririapúndaro, en Méjico. Entre las casas renacentistas
figura en primera línea la de Montejo, en Mérida.
Al lado de estas obras de estilo peninsular créanse otras donde la
influencia indígena da origen a una escuela con caracteres propios. La
portada de San Andrés Calpan (Méjico), cargada todavía de goticis-
mo, nos ofrece temas de la flora indígena, como el quiote del maguey.
En la capilla de indios de Tlalmanalco, también en Méjico, el gru- Fig. 182.—Iglesia de Cholula.
Figs. 183, 184.—Capilla de indios de
tesco renacentista, interpretado por artistas aborígenes, adquiere rit- Teposcolula. (Argües.)
mo y expresión desconocidos en la Península.

E L ESTILO HERRERIANO. CATEDRALES AMERICANAS.—A mediados de si-

glo, sin perjuicio de que se continúen labrando fachadas con grutescos
y columnas monstruosas, el gusto comienza a fatigarse de tanta de-
coración, y algunos arquitectos se deciden a emplear un estilo más
sobrio y exclusivamente arquitectónico. En realidad, no hacen sino in-
corporarse con retraso a la reacción iniciada en Italia cincuenta años
antes por Bramante, cuyas consecuencias sacan por aquellos años los
discípulos de Miguel Ángel.
Las figuras más representativas de este momento propiamente pre-
herreriano son Juan de Toledo (t 1567) y Bartolomé Bustamante
(t 1570), autor este último del hospital de Afuera, de la ciudad imperial,
de hermosos patios gemelos y bellas perspectivas (figs. 175, 176). Toledo
Figs. 185-187.—Catedral de Santo Domingo.—San Agustín Acolman—Herrera: El
permanece largo tiempo en Italia, principalmente en Ñapóles, pero en Escorial. (Argües, Délo jo.)
1563 es llamado a España por Felipe II para dirigir las obras reales.
El monumento que hace triunfar esa reacción contra el plateresco
e impone al nuevo estilo sus rasgos propios en España es el monaste-
rio de San Lorenzo d e El Escorial (fig. 191). Concebido por Felipe II
para panteón real, palacio y monasterio, encomienda su traza a Juan
de Toledo, quien, siguiendo el precedente del Alcázar de la ciudad im-
perial, dispone una gran planta cuadrada con una torre en cada án-
gulo. Dividida en tres zonas verticales (fig. 194), traza en la central
el gran patio de los Reyes, así llamado por las estatuas de los de Judá
que decoran la fachada del templo, situado al fondo (fig. 193). Bajo el
testero de aquél se encuentra la cripta, y tras él, en un cuerpo saliente,
parte del palacio, que, además, ocupa la zona lateral izquierda. La zona
lateral derecha es la dedicada a convento, con varios patios, de los
cuales el mayor y m á s bello es el de los Evangelistas (fig. 188). Debido
al sistema de cuadrícula con arreglo al cual se ordenan dependencias Figs. 188-190.—Herrera: Patio de los Evangelistas y sepulcro de Felipe II,
El Escorial.—Catedral de Valladolid.
50 ESTILO HERRERIANO

y patios, y el cuerpo saliente situado en la parte central tras el templo,

la forma de parrilla del conjunto ha hecho pensar én su posible valor
simbólico como atributo del santo titular. La parte anterior del mo-
nasterio, formada por el gran patio central de los Reyes y cuatro pa-
tios menores a cada lado, está inspirada en el hospital de Milán, de
Filarete (fig. 195). Comenzado el edificio en 1563, al morir Juan de
Toledo cuatro años después, Felipe II encomienda la dirección a su au-
xiliar, el montañés Juan de Herrera (f 1597), hombre estudioso que
hace con aquél su tardía formación. Deseoso el monarca de ampliar
la capacidad del monasterio, se decide a elevar considerablemente la
altura del edificio, al paracer por sugestión de fray Antonio de Villacas- Fig. 191.—Herrera: Monasterio de El Escorial.
tín, el gran cerebro organizador, gracias al cual la magna construcción
puede ser realidad en breve tiempo.
Parte capital en el conjunto es el templo. (1574), para el que se pre- SE n

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sentan varios proyectos, entre ellos alguno italiano, que deben servir
de base a Herrera para trazar el definitivo. Es de cruz griega, con D D D
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gran cúpula central, cañones en los brazos y cúpulas rebajadas en los
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Fig. 192.—Portada del monasterio. (Delojo.) 2 jJJ
ángulos, según el esquema vaticano, si bien los brazos terminan en
plano. La capilla mayor (fig. 187) es profunda y muy elevada, para al-
bergar bajo ella la cripta de los enterramientos reales, y a los pies se
prolonga el templo en toda su anchura. Gracias a esta prolongación,
que apenas influye en el efecto interior del templo, se forma un coro
alto casi al nivel de la capilla mayor. A los lados de ésta se encuentran
los monumentos funerarios de Carlos V y Felipe II (figs. 189, 265), con
estatuas de tamaño mayor que el natural, obra de los Leoni. Debido a
la gran elevación de la capilla, la planta alta del palacio queda a su
nivel, en forma tal, que el monarca puede presenciar los oficios desde
su dormitorio con vistas al altar mayor, cuyo retablo de mármol es
obra del italiano Jacometrezo. La gran cúpula del crucero y las dos to-
rres de los pies del templo, juntamente con las cuatro de los ángulos
del monasterio, rematadas en chapiteles de pizarra de gusto flamenco
y que tanta influencia tendrán en la arquitectura castellana posterior, Fig. 193.—Portada de la
son elementos decisivos en el efecto de conjunto del exterior del mo- iglesia. (Delojo.)
numento.
Herrera renuncia, tanto en las fachadas exteriores como en el inte-
rior, a toda decoración que no resulte del mero encuadramiento de los
vanos o del orden dórica de sus portadas (fig. 192). Los temas ve-
getales desaparecen, los figurados se convierten en grandes estatuas y
los geométricos se reducen a pirámides y bolas. Pero Herrera tiene un
exquisito sentido de las proporciones y de las formas, que le permite F i g . 194.—El Iscorial. Fig. 195—Hospital de Milán. (Perret, Zuazo.)
ordenar éstas con sabiduría admirable. Gracias a ese talento, emplea-
 ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 53

do en edificio ya de por sí gigantesco, y teniendo por norte el ideal

de lo grandioso, pocos monumentos lo son en tan alto grado como El
Escorial.
Obra también de Juan de Herrera, pero que deja inconclusa, es la
catedral de Valladolid (1585) (figs. 190, 196, 197), de planta rectangular,
como la de Jaén, con dos torres grandes a los pies y dos menores en
el testero, reflejo del modelo de Bramante para San Pedro de Roma.
A Herrera se atribuye la traza de la Casa Lonja de Sevilla (fig. 204),
donde el ladrillo alterna con la piedra y la mayor riqueza decorativa
revela la presencia de arquitectos de sensibilidad muy diferente.
Uno de los continuadores más destacados en Castilla del estilo de
Herrera es Juan de Nates, autor de Santa Cruz de Rioseco y de las
Angustias, de Valladolid (figs. 200, 201).
Figs. 196, 197—Herrera: Catedral de Valladolid. (Chueca.) Fig. 198—Herrera:
Palacio de Aranjuez.

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Figs. 204, 205.—Casa Lonja de Sevilla—Catedral de Puebla. (Delojo.)

Cuando, al comenzar el último tercio del siglo xvi, se trazan las

primeras catedrales americanas, se ha iniciado en la Península la reac-
ción contra el plateresco y se coloca la primera piedra de El Escorial.
Figs. 199, 200.—Catedral de Valladolid.—Nates: Santa Cruz de Rioseco. (Chueca.) Ellas constituyen el último capítulo de las catedrales renacentistas es-
pañolas. Son de planta rectangular, como las de Jaén y Valladolid. A
Claudio de Arciniega- se debe la de Méjico (1563) (fig. 206), de tres
naves más dos de capillas. De pilares cruciformes con medias colum-
nas dóricas en sus frentes, es probable que se concibiesen en un prin-
cipio según el modelo de Siloe, con un trozo de entablamento por capi-
tel, pero se terminan alargando los fustes a toda la altura del templo
y aun continuándolas en el intradós de los arcos; gracias a ese alar-
gamiento, el interior es de proporciones muy elegantes. Terminadas
las torres y rehecha la cúpula ya en época neoclásica, la catedral de
Méjico (figs. 206, 207) es la obra magna de la dominación española. La
catedral de Puebla (figs. 202, 205) repite en lo esencial el mismo modelo,
y tanto una como otra se proyectan con cuatro torres, aunque sólo
Figs. 201-203.—Nates: Angustias, de Valladolid.—Catedrales de Puebla y Lima. se terminan las de los pies. En ía de Guadalajara, de Méjico, se sigue
(Schubert, Argües.) en los pilares, en parte, la solución de Siloe, y se cubre de crucería.
 ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 55

Las grandes catedrales peruanas de Lima (1572-1578) y el Cuzco (1573-

1578) (figs. 203, 208, 209) son hermanas, y consta que traza la primera
F. Becerra. En ambas se conserva el trozo de entablamento granadino
en los pilares, pero se reemplazan las medias columnas por pilastras,
como presintiendo los gustos seiscentistas. Las bóvedas son de cru-
cería. Las de Lima son del siglo xvm, y se hacen de madera para resistir
mejor los terremotos. A la misma etapa estilística de las catedrales
corresponde la hermosa fachada de San Francisco de Quito (fig. 210).

Figs. 206, 207.—Arciniega: Catedral de Méjico. (Alvarez, Argües.) PORTUGAL.—Después del estilo manuelino, entre cuya desbordante
decoración gótica se pierden los candelabros y grutescos italianos, la
fecundidad arquitectónica decae, y sólo se construyen algunos monu-
mentos de estimable valor, pero que no prueban la existencia de una

^1
nueva escuela de rasgos muy precisos. Figuran entre los más antiguos
la iglesia de Marvila, de Santarem, y la catedral de Leiría, aún con
bóvedas de ojivas, no obstante datar de mediados de siglo.

1 ü? La iglesia de Gracia, de Evora (1529), hace pensar, por sus propor-

ciones, más en modelos septentrionales que italianos, formando con-
traste con la elegancia y pureza de líneas de la Concepción de Tho-
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mar (fig. 212), que se diría italiana. De autor desconocido, se ha pen-

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sado en Juan del Castilho. En cambio, sabemos con seguridad que el
español Diego de Torralba es el arquitecto del claustro (1562) del mo-
nasterio de Thomar, mal llamado de los Felipes (fig. 211). El Rehaci-
Sc3 miento produce todavía veinte años después, y ahora sí bajo la soberanía
de los Felipes españoles, el gran templo de San Vicente de Fora
Figs. 2C8-210.—Becerra: Catedrales de Lima y Cuzco.—San Francisco de Quito. (figura 213), debido al italiano Terzi.
(Argües.)

F i g s . ill-213.—Claustro de los Felipes.—Concepción de Thomar.—San Vicente,

Lisboa. (Delojo, Haupt.)
 ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 57

en vestidura de aspecto y factura clásicos, y su ministro Pedro de la

Viña se hace retratar en un busto de tipo romano y coronado de laurel.
Estos primeros destellos del Renacimiento escultórico no tienen con-
secuencias en el sur de Italia. Sus verdaderos frutos se recogen en
Toscana, que desde este momento asume el papel director, que con-
servará hasta fines del siglo xvi. Hasta 1400 es Pisa la que marcha
a la cabeza. El Prometeo que trae del sur de Italia el fuego del nuevo
estilo es Nicolás de Plugia, quien, al establecerse en Pisa, termina
CAPITULO I I I firmando sus obras como Nicolás Pisano (t 1280). El año 1269, es de-
cir, cuando no pocas regiones de Europa cultivan todavía el estilo ro-
ESCULTURA DEL RENACIMIENTO mánico y comienzan a emplear el gótico, recibe el escultor forastero
EN ITALIA el encargo del pulpito del baptisterio de la catedral de Pisa (lám. 2),
obra con la que durante mucho tiempo se ha comenzado la historia de
la escultura del Renacimiento. En realidad, es sólo su primera gran
creación. De planta hexagonal y .de formas arquitectónicas todavía ro-
ITALIA. LOS PÍSANOS.—La imitación de las formas clásicas comienza mánicas, en sus grandes relieves la imitación de los modelos de la
en la escultura antes que en las otras artes. La arquitectura exige, antigüedad es manifiesta, y, a veces, tan fiel, que se ha podido com-
salvo en lo puramente ornamental, u n cambio en los procedimientos probar cómo la Virgen de la Adoración de los Reyes (lám. 5) está di-
técnicos, y los monumentos pictóricos, que pudieran servir de modelo, rectamente inspirada en un sarcófago pagano aún conservado en la
por su carácter más deleznable, apenas se conservan. En cambio, las catedral. La monumentalidad y la corrección clásica de los tipos les
estatuas y los relieves abundan en las principales ciudades italianas y hace distinguirse de cuanto hasta entonces se ha esculpido en Italia.
son un canto perenne de las perfecciones de la escultura clásica. El Al pulpito del baptipsterio de Pisa sigue el octogonal, más grande y
arte románico y el bizantino h a n impedido a los italianos estimar la más lujoso, de la catedral de Siena (1265). El estilo de sus relieves, me-
belleza de aquellos modelos, pero cuando el sentimiento naturalista nos uniforme, delata ya la existencia de una escuela en la que acusa
del gótico difundido p o r Occidente invade Italia, no les es difícil apre- bastante claramente la mano de los diversos discípulos. Frente al tono
ciar el naturalismo de la escultura romana, que, además, s« les ofrece reposado y sereno suyo, de Arnolfo y de fray Guillermo, destaca ya
realzada por el halo cada vez más trillante con que la rodea el cre- el dramatismo de su hijo Juan.
ciente humanismo. Influida por el estilo gótico en algunos momentos Juan de Pisa es el segundo gran maestro de la escuela. La admi-
de sus primeras etapas, la escultura italiana evoluciona iispirándose ración producida por los pulpitos esculpidos por Nicolás no tarda en
en los modelos clásicos. Pero, como en el caso de la arquitectura, el despertar en otros templos de Toscana el deseo de poseer una joya de
hilo vital nace del espíritu de unas cuartas generaciones artísticas fe- mármol análoga, y así las obras principales de Juan son también pul-
cundas que, deseando resucitar el estilo de los romanos, cream otro com- pitos. En el de San Andrés de Pistoya (lám. 3), como de templo pe-
pletamente nuevo. queño, continúa empleando columnas con arreglo a los modelos pa-
Donde la imitación de la escultura clásica comienza de manera más ternos, pero en el de la catedral de Pisa hace evolucionar ese prototipo
consciente es en el sur de Italia, en la corte de Federico II, el emperador reemplazando aquéllas por estatuas o grupos de estatuas que prestan
alemán enamorado de l a Antigüedad y del mediodía, q u e pasa gran al conjunto una mayor riqueza.
parte de su vida en tierras napolitanas rodeado de hombres de letras.
Juan de Pisa hereda de su padre el talento y la técnica, pero no
Los restos conservados d e la escuela artística nacida bajo su protec-
el temperamento artístico, que es completamente opuesto al suyo, y,
ción son muy escasos, pero los suficientes para descubrirnos el entu-
por otra parte, sin abandonar el estudio de los modelos clásicos, se
siasmo de sus escultores por los modelos romanos. Así, e n la estatua
deja seducir por el encanto de la escultura gótica contemporánea, más
que se le erige sobre el puente de Capua aparece el emperador envuelto
movida y flexible que la paterna. El reposo y parsimonia clásicos de
58 GHIBERTI
ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 59
Nicolás se tornan en él dramatismo y violencia. Sus personajes se
mueven bruscamente, y se agitan con nervio que tiene más de gótico a los materiales, el mármol, aunque nunca deja de emplearse en Italia,
que de clásico, no sólo en historia, como la de la Degollación de los debido ahora a la influencia de los monumentos romanos, se convierte
Inocentes (lám. 4), en donde su estilo alcanza las notas más agudas, en el material preferido, y, junto a él, y también por sugestión clásica,
sino incluso en obras de tono menos violento, como, por ejemplo, sus el bronce ocupa puesto de honor, revelando a los florentinos todos sus
Vírgenes con el Niño. secretos técnicos. En menos escala empléase también el barro vidriado.
Los otros discípulos de Nicolás de Pisa agregan poco a lo creado Si la arquitectura del Renacimiento se inicia en la cúpula de la
por el maestro. Fray Guillermo, de dotes más limitadas, lleva el nuevo catedral de Florencia, el primer capítulo de la escultura cuatrocentista
estilo a Bolonia al hacerse cargo del arca funeraria de Santo Domingo, comienza con las puertas del vecino baptisterio. Posee éste ya unas
mientras el florentino Arnolfo lo difunde en Italia central y Roma. hermosas puertas de bronce (1330) labradas por Andrés Pisano, en la
Arquitecto al mismo tiempo que escultor, Arnolfo crea en el sepulcro centuria anterior, pero necesita aún dos más, y el comercio florentino,
del cardenal Braye, en Orvieto, el primer tipo de sepulcro renacentista, deseoso de que se termine lo antes posible el bello monumento, abre
que bajo formas todavía góticas, inicia ahora su historia espléndida. un concurso en 1401, al que acuden, entre otros escultores toscanos,
Tiene forma de baldaquino, cuyas cortinas recogen dos ángeles. Sus Brunelleschi, que hasta esta fecha ha cultivado con igual interés la
discípulos lo introducen en Ñapóles, donde labran la importante serie arquitectura y la escultura, y el joven Lorenzo Ghiberti (t 1455), que
de monumentos funerarios de los príncipes anjevinos. acaba de cumplir los veinte años y ha hecho su formación en el taller
de un orfebre. Aún se conservan en el Museo Bargello los relieves de
De personalidad más vigorosa que los anteriores son Andrés Pisano,
bronce del Sacrificio de Isaac (láms. 6, 8), interpretados por ambos ar-
autor de las primeras puertas de bronce del baptisterio de Florencia, y
tistas con arreglo a un programa bastante preciso en cuanto a la
Niño Pisano, que esculpe deliciosas Vírgenes con el Niño, y Anuncia-
forma de encuadramiento y al número de las figuras. Las diferencias no
ciones de primoroso modelado, todo ello bastante influido por el estilo
son grandes: Brunelleschi se inspira para uno de los personajes en la
de la escultura gótica francesa.
estatua griega del Niño de la Espina. Pero el jurado ve en Ghiberti al
Para completar el cuadro del trecentismo italiano recuérdese, por
gran escultor que, efectivamente, se manifestará después, y le adjudica
último, aunque al margen de las novedades pisanas comentadas, los
la obra.
maestros campionenses que cultivan en el norte de Italia la estatuaria
monumental aislada, cuyo ejemplo más representativo es la estatua Una vez terminada la puerta, en 1424, se le encarga otra, en la
ecuestre de Cangrande de la Scala, de Verona. De formas artísticas que invierte también unos veinte años. En ella no sólo abandona la
muy simples, es, sin embargo, ilustre precedente de las obras rena- forma cuatrilobulada de los compartimientos haciéndolos rectangula-
centistas posteriores de este género. res, sino que reduce el número de éstos a la mitad, con el consiguiente
aumento de tamaño de los mismos. Dedicada la primera puerta a la
E L SIGLO xv. GHIBERTI.—A la muerte de Juan de Pisa, el cetro de
vida de Jesús, está consagrada la segunda al Antiguo Testamento.
la escultura italiana pasa a la ciudad de Florencia, que plenamente En estas puertas, que prácticamente son la labor de su vida, Ghi-
consciente de su misión, limpia el estilo renacentista de este lastre berti hace dar al relieve renacentista un paso gigantesco. Habiendo
medieval, aún tan manifiesto en el período anterior. La escultura, gra- tomado por modelos los sarcófagos romanos, el relieve ha sido para
cias a la maravillosa fecundidad florentina en artistas de primer orden, Andrés y Juan de Pisa una superficie totalmente cubierta de figuras,
emprende ahora una de las jornadas más progresivas de su historia, de actitudes reposadas en el uno y violentamente agitadas en el otro,
sólo equiparable a la recorrida por el pueblo griego en los siglos v -y iv. pero tanto unas como otras situadas en primer término. Para Ghi-
En siglo y medio los florentinos, partiendo de una escultura como la berti, en cambio, el relieve se transforma en un amplio escenario
pisana, no sólo terminan dominando el relieve, el "bulto redondo, el donde los numerosos personajes se mueven con holgura, sea un dila-
retrato de busto y ecuestre y cultivando los más diversos temas, sino tado paisaje o una hermosa perspectiva arquitectónica (lám. 7, 9). En
que hacen evolucionar su estilo hasta crear el manierismo de los dis- una ocasión nos dice sentirse orgulloso por haber introducido en uno
cípulos de Miguel Ángel de la segunda mitad del siglo xvi. En cuanto no menos de un centenar de personajes. A ese deseo de ampitud se
debe, sin duda, el aumento de tamaño de los compartimientos de las
 60 DONATELLO ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 61
segundas puertas, lo que le obliga, naturalmente, a incluir en un mismo desfilan ante nosotros saltando y cantando en el más bello desorden.
escenario varias historias. ¿A qué se debe este nuevo concepto del re- Si los comparamos con los graves cantores que precisamente por es-
lieve? Al estudio de la perspectiva, una de las grandes preocupaciones tos mismos años pinta Van Eyck en San Bavón de Gante, se percibirá
de los artistas florentinos del siglo xv, preocupación que, como vere- toda la alegría y todo el optimismo que anima ahora al Renacimiento
mos, culminará en el pintor Pablo Ucello. El mismo Ghiberti, que no florentino. En la tribuna de Prato, que es de planta circular, los grupos
sólo es un artista práctico, sino un teórico, nos dice cómo «observando se encuentran separados por pilastras pareadas, mientras en la de
las leyes de la óptica he llegado a darles una apariencia de realidad Florencia, el delicioso tropel infantil aparece tras ricas columnillas re-
que a veces, vistas de lejos, las figuras parecen de bulto redondo». Es vestidas de mosaico, que con su verticalismo subrayan el movimiento
decir, con un sentido esencialmente pictórico gradúa, en los diversos de los inquietos personajes.
planos del escenario, el relieve de las figuras para producir el efecto de La elegancia y la vida del adolescente cuyas gráciles formas aún no
profundidad (lám. 10). El sistema no es nuevo en la historia de la es- ha comenzado a deformar la musculatura, es su preocupación en el
cultura; se emplea por el arte helenístico de tiempos de Augusto, y de San Juanita (lám. 19) del palacio Martelli de Florencia, y casi lo mismo
él recibe probablemente la inspiración. Sus figuras son de elegantes pro- podría decirse del David vestido y del David desnudo (lám. 20), sin duda
porciones, como en la pintura de principios de siglo, pero la belleza una de las obras maestras del Renacimiento.
de las actitudes descubre el estudio de los modelos clásicos. Su arte de
En el San Jorge (1416) (láms. 11, 14) se enfrenta con el hombre
componer y su manera de enlazar los movimientos curvilíneos de las
en la plenitud de la vida. Las piernas seguras en tierra, el gran es-
figuras en que el ritmo del estilo internacional se funde con el clásico,
cudo romboidal recorrido por la señal de la cruz, la cabeza erguida
son realmente admirables.
y la mirada iluminada por la fe y fija en el porvenir, hacen de la bella
estatua la versión perfecta del caballero cristiano. Si en el San Jorge
DONATELLO.—Donato di Nicolo di Betto Bardi (f 1466) es sólo diez es la gallardía del héroe, en el San Juan Evangelista viejo, de la cate-
años más joven que Ghiberti, pero avanza mucho más que él en el do- dral, lo que nos ofrece es la grandiosidad del profeta en forma tan
minio del natural y en la asimilación de las formas clásicas. Artista inspirada, que hasta los días del Moisés de Miguel Ángel los italianos
más polifacético que Ghiberti, no se limita casi exclusivamente al re- no podrán contemplar nada análogo.
lieve, al que hace dar, sin embargo, pasos decisivos, sino que esculpe Pero el afán insaciable de Donatello por interpretar nuevos tipos y
con no menor entusiasmo en bulto redondo y, al cultivar un gran nú- expresiones humanos no se limita a estas obras, donde la gracia y lo
mero de géneros escultóricos hasta ahora intactos, ensancha conside- heroico triunfan. No se le oculta el valor expresivo de lo feo, y en su
rablemente el campo de la escultura. David del Campanile toma por modelo a un hombre calvo, y, en efecto,
Lo decorativo, tan vigoroso en Ghiberti, pasa a segundo término, los florentinos llaman a esta escultura Zuccone, el calvo (lám. 12). De
y es la figura h u m a n a lo que sobre todo concentra su atención. Tal una gran belleza expresiva es el busto del Bautista joven (lám. 17).
vez no haya existido artista que se haya lanzado con el entusiasmo de Donatello es también el creador del retrato renacentista. En el de
Donatello al descubrimiento del hombre. El interpreta la figura hu- Nicolás de Uzzano (lám. 18), de acusado realismo y gran gesto a la
mana en las más diversas edades y tipos, en los más variados gestos italiana, define el tipo de busto renacentista cortado horizontalmente
y actitudes y expresando los estados espirituales más dispares. Su y no a la clásica sobre el pedestal, mientras en el del condottiere Gat-,
personalidad artística es, desde este punto de vista, d e una riqueza de tamelata (lám. 23) nos ofrece el primer gran retrato ecuestre escultó-
facetas verdaderamente admirable. rico del Renacimiento. Por sus grandes propcrciones y su temprana
Donatello es u n o de los grandes intérpretes de la alegría infantil. fecha es también obra cumbre en la historia de la fundición de bronce.
Ningún otro escultor le ha superado en este aspecto. Unas veces hace En el campo del relieve, por último, la huella de Donatello es
de la risa de un n i ñ o el tema de un busto, y otras, como en las fa- igualmente profunda. Ya quedan citados los famosos de la cantoría
mosas tribunas de las catedrales de Florencia (1433) y de Prato, des- de Florencia y de la tribuna de Prato. Aunque en ellos la preocupa-
arrolla ese tema d e la alegría infantil en un grupo de niños que, re- ción ghibertiana por la amplitud del escenario desaparece, no deja de
bosantes de vida, y de rostros más graciosos y expresivos que correctos. proponerse el problema en obras como en el Banquete de Herodes, de
 62 OTROS ESCULTORES CUATROCENTISTAS
ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 63
San Juan de Siena, donde a la ingravidez ghibertiana opone la mo-
numentalidad romana. Además, en el relieve es donde ha dado las no- relieves robbianos nos presentan grupos de esbeltos muchachos que
tas más agudas de su cuerda trágica, que no en vano el de bronce cantan, hacen música y ríen (lám. 26), pero incluso en las escenas más
del Calvario de San Antonio de Padua (1443) es una de las creaciones movidas es la gracia de algunos de los más pequeños presenciada por
más dramáticas del arte italiano. los demás lo que interesa al escultor y no, como a Donatello, el movi-
miento desenfrenado del grupo.
JACOPO DELLA QUERCIA.—De la misma generación que Ghiberti, Jaco- El mejor dotado de los sucesores de Luca es su sobrino Andrea della
po della Quercia (f 1438) es el tercer gran maestro de la escultura tos- Robbia (t 1525), a quien se deben los tondos o medallones circulares
cana de la primera mitad del siglo. Su estilo viril y grandioso forma de Niños, de la Casa de Misericordia de Florencia.
contraste con el de Ghiberti. Los relieves de la portada de San Petro- Durante la segunda mitad del siglo, el número de escultores es gran-
nio (1425), de Bolonia (lám. 13), esculpidos por los mismos años que de. Aunque ninguno es equiparable a Donatello, son varios los capaces
las segundas puertas del baptisterio florentino, con sus figuras de as- de crear obras, si no tan originales como las anteriores, sí de gran
pecto hercúleo trazadas en gran tamaño sobre fondos sencillos, son belleza.
la antítesis del estilo menudo y pintoresco de aquéllas. En sentido de El de mayor personalidad es Andrea Verrocchio (t 1488), que en
la monumentalidad de Della Quercia y su grandiosa manera de conce- sus obras capitales nos deja ver el deseo de emular a Donatello. Tan-
bir la escena lo convierten en uno de los más dignos precedentes de to el David joven (1476) del Bargello (láms. 14 y 21), como la estatua
Miguel Ángel. A él se deben también la Fonte Gaia, en Siena, su patria, ecuestre del candotíiere Colleone (lám. 25), de Venecia (1479), no pue-
y el sepulcro de Hilaria del Carreto (lám. 24), en Luca. den por menos de suscitar la comparación con las famosas estatuas de
aquél. Más inquieto y nervioso en el David, subraya en el Colleone la
Los DELLA ROBBIA. OTROS ESCULTORES CUATROCENTISTAS.—Más famoso expresión de energía del personaje. A él se debe también la Increduli-
que J. della Quercia, Luca della Robbia (t 1482) es el más joven de dad de Santo Tomás.
los grandes escultores de esta época. Nacido justamente en 1400, aun- Antonio Pollaiuolo (+ 1498) cultiva, sobre todo, la escultura funera-
que su vida se prolonga hasta fines del siglo y sus familiares continúan ria, siendo de especial interés, como precedente de sepulcros españo-
su taller hasta comienzos del siguiente, su estilo es creación anterior les, el de bronce de Sixto IV, en el Vaticano. Es un túmulo en forma
a 1450. El es quien introduce en la escultura la técnica del barro vi- de pirámide truncada, de lados algo cóncavos con relieves de las Virtu-
driado. des y estatua yacente.
En barro vidriado (lám. 15) labran él y su escuela desde el busto Agostino di Duccio (t 1481), Desiderio de Settignano (t 1464), Mino
y el pequeño relieve hasta el gran retablo de numerosas figuras, ri- de Fiésole (T 1484), los Rosellino y Benedetto de Majano (t 1497), Lau-
camente decorado con guirnaldas y festone? de frutas y flores. Las rana, etc., son escultores ilustres, autores de imágenes deliciosas de la
figuras son, por lo general, de color blanco y el fondo azul, y aunque Virgen con el Niüo, de bustos donde resplandece toda la elegancia flo-
a veces el color invade los ropajes, donde la policromía hace alarde rentina, de lujosos sepulcros (figs. 214, 215) y ricos conjuntos de escul-
de toda sus galas desde un principio es en la decoración vegetal. tura decorativa, en que continúa floreciendo el lado amable de la fe-
Luca es principalmente el escultor de la Virgen adorando al Niño cunda personalidad de Donatello (láms. 27-29).
en tierra o sobre las piernas. De temperamento mucho menos inquie-
to que Donatello, sólo parece gozarse en el lado amable de la vida, E L SIGLO XVI. MIGUIL ÁNGEL. OTROS ESCULTORES.—Ya nos hemos re-
prefiriendo representar figuras bellas y correctas en actitudes elegan- ferido al Miguel Ángel arquitecto y aún hemos de tratar de su obra
tes y graciosas. pictórica, pero lo que él se considera es escultor. No en vano escribe en
No obstante su entusiasmo por el barro vidriado, no abandona el una ocasión que no existe idea que no pueda expresarse en un bloque
mármol ni el bronce. E n el primero de esos materiales esculpe una tri- de mármol: Non ha l'ottimo artista alcun concetto, che un sol marmo
buna (1431) de la catednl de Florencia, cuya comparación con la de in se non circonscriva. Si el paso de Miguel Ángel por el campo de la
Donatello pone bien d e manifiesto el temperamento de uno y otro. Los arquitectura y de la pintura es decisivo para el destino de ambas ar-
tes, en el de la escultura lo es aún más. No sólo todos los escultores

\
64 MIGUEL ÁNGEL

del siglo resultan a su lado verdaderos pigmeos, sino que en su estilo

se encuentra ya todo el manierismo posterior a él, y en germen el es-
tilo barroco.
Miguel Ángel, nacido en las cercanías de Florencia, es hombre de
mediano cuerpo, de movimientos rápidos, ojos claros y perfil correcto,
hasta que su condiscípulo Torrigiano se lo quiebra en una disputa. De
temperamento esencialmente poético, e incluso altísimo poeta de arre-
batos místicos, es de genio inclinado al pesimismo y a la meditación
y tiene la gran desgracia de que los continuos encargos no le permitan
dar cima al sepulcro de Julio II, la obra en que pone sus mayores
ilusiones y considera la empresa de su vida. Por otra parte, su pro- 1-3.—Universidad de Salamanca.—NICOLÁS DE PISA: Pulpito de Pisa.—JUAN DE PISA:
fundo patriotismo le hace sentir en el fondo de su alma las constantes Pulpito de Pistoya.
desventuras de su patria. Los gritos de dolor y desesperación abundan

fflt*
en sus cartas: Se si potessi moriré de vergogna e di dolore io non sarei
piu vivo, nos dice en una de ellas. Y en otra escribe al pie de su es-
cultura de la Noche de los amargos versos: Caro mi e'l sonno e piu
l'esser di sasso / Mentre ch'l danno e la vergogna dura / Non verer,
non sentir mi é gran ventura... En su edad madura la vida de Miguel
Ángel encuentra un remanso espiritual en el amor platónico que siente
por Victoria Colorína, la viuda del marqués de Pescara, de «cuyo divino
espíritu estaba enamorado», según permite escribir a su primer bió-
grafo. El recuerdo de Victoria Colonna continúa inspirando sus poesías
en los veinte años de su prolongada vejez, posteriores a la muerte de
aquélla, y en su creciente misticismo llegará a deplorar el tiempo res-
tado por el arte a la contemplación de Dios. ***é<
El mundo soñado p o r Miguel Ángel es un mundo de gigantes, de 4-5.-NICOLÁS DE PISA: Adoración de los Reyes.—JUAX DE PISA: Degollación
actitudes grandiosas, facciones perfectas y gestos terribles, la terribi- de los inocentes.
litá de los gestos que tanto celebran en Miguel Ángel sus contempo-
ráneos. El sentido de la grandiosidad q u e hemos visto apuntar en Ni-
colás Pisano e inspirar la obra de Jacopo della Quercia y no pocas
creaciones de Donatello, se intensifica ahora en Miguel Ángel en pro-
porciones insospechadas. Su reacción frente al estilo amable y a las
sonrisas femeninas e infantiles de fin d e siglo no es menos brusca que
la de Bramante ante la graciosa decoración cuatrocentista.
En sus criaturas, gigantescos arquetipos humanos hijos de su exal-
tado idealismo, la vida late en todas partes y su alma apasionada bo-
rra de los rostros toda expresión de superficialidad. En los cuerpos la
musculatura, cada vez más acusada, revela los largos años dedicados
por el artista al estudio de la anatomía y la honda impresión en él pro-
ducida por el grupo del laoconte, la obra maestra del barroquisnio
6-7.—BRUNBLLESCHI : Sacrificio de Isaac—GHIBERTI: Creación de Adán.
 ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 65

helenístico, recién descubierta (1506). Los desnudos miguelangelescos

están dotados de una fuerza en tensión sin igual en la historia de la
escultura. Los músculos viven y pugnan por acusarse bajo la piel, y el
cuerpo todo, rebosante de dinamismo contenido, se revuelve sobre sí
mismo, adoptando posiciones ricas en movimiento. Las actitudes nue-
vas y grandiosas al servicio de ese ideal de dinamismo son una de sus
principales preocupaciones. En este afán de movimiento recogido sobre
sí mismo, como veremos, se encuentra sustancialmente todo el manie-
rismo posterior.
Miguel Ángel comienza su carrera de escultor con un donatelliano,
y desde muy joven estudia con empeño la escultura clásica. Siendo
todavía casi un niño, el propio Lorenzo el Magnífico le enseña cama-
feos y medallas antiguas para educarle el gusto en las formas clási-
cas, y una de sus mejores creaciones juveniles es el Cupido, que entie-
rra y hace pasar por antigua durante algún tiempo. La Batalla de los
Centauros (1493), tema clásico sugerido por Poliziano, el humanista de
Lorenzo el Magnifico, es, sin duda, su obra maestra de este período.
Pero si en las dos anteriores expresa sus preocupaciones por el mundo
clásico, en la Virgen de la escalera (1493) (lám. 30) aparece dueño del
arte del relieve de tipo donatelliano.
• El vaje a Bolonia en 1494, al tener que abandonar Florencia a la
caída de los Médicis, le permite conocer el estilo de J. della Quercia,
que deja en él profunda huella; al año siguiente marcha a Roma, ce-
rrando así su etapa florentina. En sus primeros años romanos, en los
que con la contemplación constante de la escultura antigua se perfec-
ciona su sentido clásico, esculpe la Piedad (lám. 37) (1497). En ella,
según él mismo dice, representa a María «joven, más joven que el Hijo,
para mostrarse eternamente Virgen; mientras que el Hijo, incorporado
a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como otro hombre cual-
quiera en sus despojos mortales». El rostro de la Virgen es de una be-
lleza perfecta y en el cuerpo de Jesús aún no se advierte exageración
anatómica alguna.' La Virgen de Brujas, de hacia 1500, refleja las mis-
mas preocupaciones estéticas, con la nota original de presentar al Niño
de pie en tierra. Poco después esculpe el David (1501) (láms. 31, 34),
la obra culminante de su época juvenil. De tamaño colosal, nada ha
producido hasta ahora el Renacimiento de actitud mas grandiosa. Con
el aire clásico del Apolo del Belvedere, la obra más admirada por sus
contemporáneos, refleja ya en su rostro esa vida interior tan apasio-
nada y característica de su amor. El típico gesto de la terribilitá mi-
guelangelesca es tan manifiesto .en el rostro, como en el cuerpo la pre-
ocupación por la musculatura.
66 MIGUEL ÁNGEL

Al David sigue el primero de los grandes conjuntos de la época

romana. Julio II le encarga el magno monumento sepulcral que desea
hacerse construir en el crucero mismo de San Pedro. Miguel Ángel
marcha a Carrara y dirige el corte de bloques de mármol colosales;
los mármoles llegan a Roma y Miguel Ángel acaricia en su fantasía
las gigantescas estatuas que ha de esculpir. Este sueño es la gran
ilusión de su vida. Lo imagina rectangular, con cámara funeraria en
el interior, estatuas en los frentes y un profeta de remate en cada es-
quina (fig. 218). Pocos años después (1512) se ve obligado a disminuir
las proporciones del proyecto (fig. 219). Ya tendrá que ser adosado,
aunque todavía muy grande. Pero los años continúan transcurriendo y
los encargos no le dejan avanzar en la obra. El propio Julio II le obliga
a interrumpirlo para que pinte la capilla Sixtina. Además, la nueva Portugal.—Sansovino: Sepulcro fleí L<U ^ - ^
empresa pictórica transforma su estilo. En ella adquieren forma de-
finida sus grandes gestos terribles, sus actitudes violentas; en suma,
su arte se enriquece considerablemente, y se carga aún más de dra-
matismo. Y, por otra parte, a poco de encomendársele el sepulcro se
descubre el Laoconte (1506), que era conocido por las descripciones de
Plinio. El entusiasmo de las gentes es extraordinario, y el efecto produ-
cido en Miguel Ángel, profundo. El Pontífice lo adquiere, y a la sereni-
dad del Apolo del Belvedere viene a agregarse, con el prestigio y la
fuerza ejemplar de un monumento clásico, el movimiento, el dolor, el
retorcerse las formas, el intenso claroscuro de la vigorosa musculatura,
es decir, los valores presentidos por el artista florentino. Los años con-
tinúan pasando y, al cumplirse los cuarenta del encargo, escribe: io mi • , » i. d«,,iirrn d e Julián d e Médicis.—Proyectos p a r a el
trovo auer perduto tuta la mia giovinezza legato a questa sepoltura.
Muy poco después, en 1547, muerto el Pontífice que se lo encomendara,
el viejo artista ve reducida la empresa de su vida a un modesto monu-
m e n t o en forma de fachada (fig. 220), en la iglesia de San Pedro in
Vincoli, con Moisés (1513), el único profeta que llega a terminar, en el
centro, y las estatuas de Lía, o la vida activa, y Raquel, o la vida con-
templativa, a los lados.
En el Moisés (láms. 33, 36), representado en el momento de contem-
p l a r la adoración del becerro de oro, la impresión del movimiento con-
tenido del David alcanza extremos aún superiores. Ninguna escultura
le aventaja en grandiosidad. De las figuras laterales sólo termina los
Esclavos, del Louvre (1513) (fig. 218, lám. 35), dejándonos otros comen-
zados a desbastar. El propio Condivi, que escribe su biografía en vida
del maestro, mientras nos dice en una ocasión que representan las H
A r t e s liberales, en otras los cita como las Virtudes encadenadas a la
m u e r t e de Julio II, por no existir ya quien las defienda. Si en el Moisés
»»^SX¿"I^?SÍ- J S
 • *

68 MIGUEL ÁNGEL ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 69

Miguel Ángel representa todo el noble arrebato del conductor de un con la cabeza de Medusa (lám. 39), en que simboliza el triunfo de los
pueblo que se levanta contra la idolatría, en los gigantescos desnudos Médicis sobre la República florentina. Al francés Juan de Bolonia
nos expresa todo el dolor de su anhelo artístico encadenado por el des- (t 1608), de Boulogne de Francia, que también es un gran maestro en el
tino adverso, o, lo que es lo mismo, el drama interior de su vida. arte de fundir, se debe la popular estatua de bronce de Mercurio ele-
Los sepulcros de los Médicis (fig. 217, lám. 32), en San Lorenzo de vándose en los cielos con el caduceo, y Rapto de las Sabinas (láms. 42,
Florencia (1521), encargados por Clemente VII, son la otra gran em- 43). Obra suya es la estatua ecuestre de Felipe III, de la Plaza Mayor
presa escultórica de su vida, a que tampoco puede dar cima, y que, de Madrid, fundida después de muerto el artista (fig. 405).
a su vez, le impiden terminar el sepulcro de Julio II. En su origen Grandes fundidores en bronce y de particular interés para nosotros,
deben dedicarse a Cosme y a Lorenzo el Magnífico, y a los Médicis por haber trabajado principalmente para Felipe II, son los escultores
que ocupan el solio pontificio, pero al fin sólo ejecuta los de otros León Leoni (t 1590) y su hijo Pompeyo Leoni, naturales de Arezzo, en
dos miembros de la familia por los que no puede sentir gran entu- Toscana, y establecidos en Milán. Pompeyo pasa casi toda su vida en
siasmo: Julián y Lorenzo de Médicis, hermano y sobrino, respectiva- Castilla, y a ellos me referiré al tratar de la escultura española.
mente, de León X. Los presenta sentados: a Lorenzo, como escribe
el Vasari, pensativo, Pensieroso, y a Julián, «de perfil divino», según FRANCIA: COLOMBE, GOUJON.—En Francia la escultura del Renacimien-
el mismo biógrafo, en actitud arrogante. Recostados a sus pies sobre to no alcanza seguramente el amplio desarrollo que en España, pero
las tumbas, forman pareja las figuras alegóricas de la Aurora y el si se tiene presente la devastación de templos durante la Revolución
Crepúsculo, el Día y la Noche, espléndidos estudios de desnudo y mo- y la presencia de escultores franceses en la Península, es muy probable
vimiento, en contrapuestas actitudes, ya que ei Día muestra la espalda que su importancia sea mayor de lo que a primera vista permiten su-
y la Noche el frente. poner los monumentos conservados.
El final de su carrera de escultor está representado por dos temas Durante la primera etapa renacentista, la escuela más vigorosa ra-
dolorosos: la Piedad, de la catedral de Florencia (1550), que deja sin dica en Troyes, y su cabeza es el escultor Miguel Colombe (t 1512), en
concluir (lám. 38), y la del palacio Rondanini (1564), que sólo se encuen- cuyas encantadoras estatuas de la Virgen (lám. 44) y en las de su escue-
tra comenzada (Museo de Milán). Los tiempos henchidos de entusiasmo la, se funde en forma admirable la gracia de los últimos días del cua-
por la belleza clásica de la Piedad del Vaticano están ya muy lejos. trocentismo florentino con el sentido francés de lo femenino. A Colom-
Han transcurrido muhos años cargados de desilusiones. El artista, en b e se debe el rico sepulcro de Francisco de Bretaña con las estatuas
sus arrebatos místicos de la vejez, sólo quiere pensar en el espíritu, de las "Virtudes en los ángulos (fig 226). Como en España, no faltan
y en esas dos figuras del grupo Rondanini es eso lo que quiere ex- italianos establecidos en el país, descollando entre ellos la familia flo-
presarnos: espíritu y dolor, y no bellezas corporales. Así termina su rentina de los Giusti, que conserva su vitalidad artística en Francia
vejez el escultor que en su mocedad había esculpido una bellísima durante varias generaciones. A ellos se debe el hermoso sepulcro de
estatua de Cupido que sus contemporáneos toman por obra de un es- Luis XII, en San Dionisio, en forma de templete de dos plantas, con
cultor pagano. las estatuas orantes en la superior y las yacentes en la baja (fig. 227).
Los restantes escultores italianos quedan, naturalmente, oscureci- Pero cuando la escultura francesa del Renacimiento desarrolla su
dos por el genio de Miguel Ángel. Varios de ellos, sin embargo, dejan máxima personalidad es en la etapa siguiente, durante la que, al con-
alguna obra famosa. Andrés Sansovino, algo mayor que Miguel Ángel, trario de lo que sucede en España, se aceptan con entusiasmo los temas
emplea un estilo muy clásico, pero un tanto frío, y es el autor del Se- paganos, contribuyéndose así a la formación del futuro arte francés. La
pulcro del Cardenal Sforza (fig. 216) en Roma. Su discípulo, Jacobo personalidad más insigne es Juan Goujon, al servicio de la corte. De-
Sansovino (t 1570), a quien ya conocemos como arquitecto, es el difun- cidido entusiasta del mundo antiguo, es en ella el gran difundidor de las
didor del estilo miguelangelesco en Venecia, donde trabaja principal- formas clásicas i de los temas paganos. A él se deben las hermosas
mente, aunque su obra más bella es el Baco, que esculpe en su época cariátides de mármol que sostienen la tribuna de los músicos del gran
florentina. Benvenuto Cellini (t 1571), orfebre famoso, cuya célebre salón de baile del Louvre y los bellos relieves de las Ninfas (lám. 50)
autobiografía es obra literaria de primera calidad, es el autor de Perseo de la. fuente de los Inocentes (1550) (fig. 81). Tanto en aquéllas como
70 FRANCIA

en éstos, los hermosos cuerpos femeninos viven bajo paños plegados a

la romana, con un sentido netamente clásico. Pero donde el paganismo
se refleja de manera más patente es en el elegante retrato de Diana de
Poitiers, la favorita de Enrique II, representada como la diosa de la
caza, de cuerpo entero, desnuda y recostada sobre un ciervo (lám. 49).
Vivo reflejo del tono renacentista de la escuela de Fontainebleau, por
su belleza y por sus proporciones, este retrato es uno de los ejemplos
más antiguos e importantes del tipo mitológico que, como veremos,
hará fortuna en el barroco francés.
Germán Pilón ( t 1590) es autor también de obras importantes, donde CAPITULO IV
el amor al desnudo y a la belleza femenina resplandecen. Para el mo-
numento funerario del corazón de Enrique II esculpe el bello grupo de ESCULTURA DEL RENACIMIENTO
las Tres Gracias (lám. 48), hoy en el Museo del Louvre, que los reli- EN ESPAÑA
giosos encargados de su custodia consideran de las tres Virtudes. Pilón
tiene, además, un sentido realista, que convierte la hermosa estatua
orante del canciller Birague, del Louvre, en una de las obras maestras
de la escultura francesa. LA POLICROMÍA.—Durante el primer tercio del siglo xvi los escultores
españoles abandonan el estilo gótico y se entregan con entusiasmo a
las formas renacentistas. Algunos marchan a Italia, pero a la difusión
del nuevo estilo contribuyen también artistas italianos y franceses, que,
atraídos por la prosperidad económica y política, realizan obras im-
portantes o afincan definitivamente en nuestro país.
Pasados los primeros momentos, la sensibilidad española se reco-
bra y, partiendo de las formas recibidas de la vecina península, no tarda
en producirse un estilo renacentista intensamente expresivo y original.
Se emplean el mármol y el bronce en los monumentos funerarios, pero
fuera de ellos, nuestros escultores continúan aferrados, como los del
período gótico, al uso de la madera policromada, y gracias a ese mate-
rial y a ese procedimiento, el gusto por lo dramático y por la riqueza,
tan propio de nuestra manera de ser, puede manifestarse plenamente
y sin gran esfuerzo. La escultura de madera policromada renacentista
aspira a producir el efecto de riqueza deslumbrante de una gigantesca
obra de orfebrería y la ilusión de vida real de una representación de
teatro. El color no se da directamente sobre la madera, sino sobre una
primera capa de yeso. En la parte correspondiente a los ropajes, y es
la técnica llamada del estofado, se aplican, además, los panes de oro.
Para incrementar la riqueza del estofado se raya en la capa de color
dada sobre el oro el dibujo deseado, y, al dejar descubierto ese fondo
de oro, se obtiene una primera decoración general de tipo esgrafiado.
Sobre el resto de la capa de color puede pintarse una segunda decora-
ción. La parte de policromía de rostros, manos y desnudos es el en-
carnado.
I
 ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 73
72 ESCULTORES ITALIANOS

don Diego Hurtado de Mendoza (1509), sobrino del Gran Cardenal,

Este tipo de policromía, como es natural, hace que no sea el escul- y la tumba del príncipe don Juan (1511) (figs. 229-230), en Santo Tomás
tor, sino el pintor, quien termine la obra, con los naturales inconve- de Avila. El sepulcro sevillano, que es un arco rehundido en el muro
nientes que de ello se derivan. Y esto explica que el escultor del si- con la estatua yacente sobre el sarcófago, estatuillas y relieves, parece
glo xvn Martínez Montañés, insista textualmente al contratar una de derivar en su composición general del de Paulo II por Mino da Fiésole
sus obras en que los «rostros y carnes de las figuras... se han de apare- y Giovanni Dálmata en el Vaticano. El del príncipe adopta, en cambio,
jar —es decir, prepararlas para recibir el color— con tanto primor el tipo de túmulo. La novedad respecto de los modelos medievales se
y curiosidad que parezca que no se han hecho el tal aparejo, sino que debe a la inclinación de sus frentes, que hace pensar en el de bronce
está como cuando salió de las manos del escultor», para «que no encu- de Sixto IV, por Antonio Pollaiuolo, y que se encuentran decorados
bra ninguna cosa del primor con que está acacaba la obra». con grandes «tondos» o círculos, figuras entronizadas, trofeos y guir-
La técnica de la policromía en madera, como veremos, sigue culti- naldas, todo ello de muy bajo relieve. La esbelta figura del príncipe
vándose por nuestros escultores barrocos. El tratado antiguo sobre la que yace sobre el lecho mortuorio se adapta a la envolvente general del
materia es el contenido en los capítulos que le dedica en su libro Arte sepulcro. Del mismo tipo, pero más lujoso, es de los Reyes Católicos
de la Pintura el pintor sevillano de fines del siglo xvi y principios de la Capilla Real de Granada (1517) (fig. 231). Poco antes de morir
del xvn Francisco Pacheco. recibe el encargo de labrar el de Cisneros (fig. 232), pero escasamente
llega a trazarlo. Como veremos, es en lo fundamental obra de Bar-
E L PRIMER TERCIO DEL SIGLO. ESCULTORES ITALIANOS : FANCELLI Y TORRI- tolomé Ordóñez. Fancelli, típico representante del gracioso arte floren-
GIANO. OBRAS IMPORTADAS.—Los comienzos de la escultura italiana cua- tino de ñnes del xv, tal vez formado en el círculo de Mino da Fiésole,
trocentista no tardan en ser conocidos en España, pues todavía en vida más que un gran escultor con personalidad en su patria es, sobre todo,
de Ghiberti, Giuliano de Poggibonsi, a quien se llama en Valencia Julián un excelente decorador.
Florentino, esculpe en la catedral de la ciudad levantina toda una serie Su compatriota, el florentino Pietro Torrigiano, es, por su vida bo-
de relieves (1417) influidos por el estilo de aquél. Pero, en realidad, es rrascosa, una de las figuras más representativas del Renacimiento.
necesario esperar hasta fines de siglo para que la escultura renacentista Condiscípulo de Miguel Ángel, el desgraciado escultor tiene la mala
se difunda en nuestro país. A la cabeza de quienes la introducen figura, suerte de chocar en violento altercado con él, hasta el punto de llegar
tanto p o r su renombre como por lo temprano de la fecha en que, según a golpearle. Torrigiano abandona Florencia, y, después de hacer vida
sus biógrafos, viene a la Península, Andrea Sansovino. El Vasari nos de soldado durante algún tiempo en Italia, aparece en Londres escul-
dice q u e pasa su juventud en Portugal y que se encuentra ya de vuelta piendo el sepulcro de Enrique VII y su mujer (lám. 46), en la Abadía
en Italia antes de terminar el siglo. Es posible que sea el Andrea Flo- de Westminster. Con su intranquilidad característica se ausenta de la
rentino que se cita interviniendo en la catedral de Toledo, pero el corte inglesa y le encontramos en Sevilla (1521), donde pocos años des-
hecho es que no conocemos ninguna obra suya segura labrada en Espa- pués retrata a la emperatriz Isabel con ocasión de su boda. De creer
ña. Con él se ha querido relacionar el Sepulcro del Gran Cardenal al Vasari, su fin no puede ser más trágico, pues habiéndole discutido
Mendoza (1495 t 1503) (fig. 228), el magnífico mecenas del Renacimiento el duque de Arcos el precio de una estatua de la Virgen, enojado el
en España, en la catedral de Toledo. Cierra uno de los lados de la artista, destruye violentamente la imagen, dando lugar a que interven-
capilla mayor, y mientras presenta en el frente interior el sarcófago ga la Inquisición, en cuyas cárceles se deja morir de hambre. Su obra
con la estatua yacente del cardenal, en el exterior forma un retablo maestra en nuestro país es el San Jerónimo (lám. 47) del Museo de
con el relieve del cardenal arrodillado ante Santa Elena, bajo la pro- Sevilla. De barro cocido, el material tan en boga en la ciudad andaluza
tección de San Pedro. desde el siglo xv, en él nos ha dejado Torrigiano tal vez la versión
El principal propagador del nuevo estilo, o, al menos, el de labor más perfecta en la escultura italiana de un cuerpo de anciano. La
más conocida, es Micer Domenico Alessandro Fancelli de Settigna- anatomía está exquisitamente estudiada, y la figura toda, compuesta
no (+ 1519), que trabaja para los Reyes Católicos y las personas más con ponderación admirable. Pesé al fogoso temperamento del artista,
allegadas a su corte. Con escaso tiempo de diferencia, emprende sus la expresión de la imagen no refleja el apasionamiento de su autor.
dos p r i m e r a s obras conocidas: el sepulcro del arzobispo de Se-villa,
J
74 ESCULTORES ITALIANOS ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 75

La otra obra que de él conservamos es la Virgen sentada con el Niño, doza, de Fancelli, pero con largos relieves en el fondo. Están firmados
también de barro cocido y en el mismo museo (lám. 45). De prestan- en Genova, el uno por Pace Gazini y el otro por Antonio María Aprile
cia cinquecentista, tampoco deja sentir la vehemencia que arruinara de Carona. El gran monumento sepulcral del Marqués de Ayamonte
la vida de su autor. (1525) (figs. 223-225), que hace para San Francisco, de Sevilla, se en-
El tercer maestro italiano importante de este primer período de la cuentra hoy en San Lorenzo, de Compostela. Pero la importación de
escultura renacentista en España es Jacobo Florentino, el Indaco (t 1526), estos grandes monumentos marmóreos no se reduce a las ciudades
que aparece trabajando en Granada después de la muerte de Fancelli, accesibles por vía marítima. En Bellpuig, en la provincia de Lérida,
coincidiendo con la presencia de Torrigiano en Sevilla. A él se atribuye consérvase el no menos valioso del virrey de Ñapóles don Ramón de
Cardona (1524) (lám. 52), obra del napolitano Giovanni da Ñola, y hasta
que fue destruido, en 1936, existió en Toledo el del obispo de Avila (1526) '
(figura 221), debido a los Aprili, Giov. Antonio y P. A. Bernardino.
También de grandes proporciones y rehundido en el muro, era, sin
embargo, de tipo bastante diferentes a los anteriores.

VASCO DE LA ZARZA, FELIPE VIGARNI Y PERRIN.—Al lado de estos escul-

tores italianos renacentistas que trabajan en España, y de estas obras
importadas, antes de que termine el primer tercio del siglo, es preciso
citar a los españoles Vasco de la Zarza y Bartolomé Ordóñez y al fran-
cés Vigami.
Vasco de la Zarza (t 1524), que trabaja en Avila y Toledo, se man-
tiene dentro de los límites estilísticos cuatrocentistas, como Fancelli,
y como él, es, sobre todo, un decorador. A este aspecto decorativo
se reduce, en efecto, su intervención en el retablo mayor de Avila, en
los primeros años del siglo, donde aplica sus nerviosas ornamenta-
ciones renacentistas a una estructura gótica. Pero sus obras princi-
Figs. 223-225.—Aprile y Gazini: Sepulcro de los marqueses de Ayamonte, Santiago. pales son los monumentos funerarios. El de don Alonso Carrillo, de la
catedral de Toledo, obedece al tipo ya comentado de gran arco rehun-
el hermoso grupo del Santo Entierro (lám. 51) de Granada, en una dido en el muro con la estatua yacente del difunto sobre el sarcófago,
de cuyas figuras —uno de los Santos Varones— es manifiesta la influen- coronado por ancho entablamiento y flanqueado por ricas columnas.
cia del Laoconte. Su obra de más empeño y la que llena los últimos años de su corta
Simultáneamente con la actuación de estos artistas se importan carrera conocida es la decoración del trasaltar mayor (1518) y los alta-
obras de Italia desde fecha bastante remota. Figuran entre ellas relie- res del crucero (1521-1524) de la catedral de A'vila, que no termina-
ves y aun retablos de cerámica vidriada robbianos, t a n importantes Zarza cubre los muros interiores de la giróla abulense con grandes
como los de la catedral de Sevilla y del Museo Arqueológico Nacional, paños de rica ornamentación renacentista, encuadrados por sencillas
y, sobre todo, grandes sepulcros de mármol labrados en la costa geno- portadas y con relieves de los Evangelistas en medallones. En el gran
vesa, en los talleres de los Gazini y de los Aprili, y transportados por paño central dedicado al sepulcro del Tostado (fig. 222, lám. 53) don
m a r . Para Sevilla se esculpen varios. Los de los padres del primer mar- Alonso de Madrigal, la estatua del difunto, que aparece escribiendo,
qués de Tarifa (1524), encargados por éste a su paso p o r Genova, de es completamente exenta, y la escena del gran medallón, casi de bulto
regreso de Tierra Santa, que se encuentran en la iglesia de la Univer- redondo. Completan la decoración escultórica del sepulcro las figuras
sidad, son del mismo tipo de arco rehundido del de H u r t a d o de Men- alegóricas de las Virtudes.

\
76 ESCULTORES ITALIANOS

Obra de Zarza es también el sepulcro de doña María Dávila (t 1511)

en el convento de las Gordillas, de Avila, y a él se atribuyen, además,
los restos del sepulcro del tesorero Núñez de Arnalte, en Santo Tomás,
de la misma población. Zarza forma escuela en Avila, pudiendo recor-
darse entre sus discípulos y colaboradores a Juan Arévalo, Lucas Gi-
ra] do y Juan Rodríguez, este último uno de los decoradores de la capilla
mayor de la iglesia del Parral, de Segovia (1518).
Aunque la actividad del burgalés Bartolomé Ordóñez (t 1520), que
muere joven, corresponde a estos mismos años, como su estilo rena-
centista es más avanzado, es preferible estudiarlo al comienzo de la
etapa siguiente. Figs. 226, 227.—Colombe: Sepulcro de Francisco de Bretaña, Nantes.—Giusti:
Sepulcro de Luis XII, París.
No sucede lo mismo al borgoñés Felipe Biguerny (+ 1543), cono-
cido en Castilla con el nombre de Vigarni. Su labor llena medio siglo,
y aunque la segunda parte de su carrera delata su deseo de incorpo-
rarse a las nuevas modas renacentistas, la parte más valiosa de su
producción corresponde a este primer período. Establecido en Bur-
gos, donde organiza un taller muy activo, trabaja para toda Castilla
la Vieja hasta los últimos años de su vida, en los que, para atender
a la obra de la sillería del coro de la catedral de Toledo, se traslada
a esta población. Cuando aparece en Burgos, lo vemos esculpiendo los
grandes relieves en piedra (lám. 54) de la giróla de la catedral (1498-
1513), en el más antiguo de los cuales, que es el del Camino del Cal-
vario, emplea ya en los fondos formas arquitectónicas renacentistas.
El estilo de estos relieves descubre a un artista formado en el círculo
de Tours, con fina sensibilidad para interpretar los ropajes y cierta Figs. 228, 229.—Sepulcro del g r a n cardenal Mendoza, Toledo.—Fancell i: Sepulcro
del príncipe Don Juan, Avila. (Argües.)
rigidez mantegnesca en las actitudes y en las agrupaciones. Sus am-
plios fondos de paisaje de elevada línea de horizonte, con su sentido
eminentemente pintoresco, nos dejan ver la influencia del gótico de
los últimos tiempos.
Pero Vigarni no se contenta con seguir expresándose en el estilo
cuatrocentista, y, al mediar la tercera década, comienza a transfor-
marse. En el retablo mayor de la Capilla Real de Granada (1520) lá-
mina 55) los personajes pierden la ingenuidad cuatrocentista de sus
obras burgalesas, se hacen más grandiosos y movidos, y ganan en dra-
matismo, probablemente por sugestión de Berruguete. Dedicado a los
Santos Juanes, además de las escenas de los encasamientos centrales,
son muy interesantes los bajos relieves del banco, donde se representa
la Entrega de la ciudad (lám. 56) y el Bautismo de los moriscos. Las
estatuas orantes de los Reyes Católicos que flanquean el retablo, son,
al parecer, de Diego Siloe; las esculpidas por Vigarni se encuentran
Figs. 230, 231.—Fsncelli: Sepulcros del cardenal Mendoza, Sevilla, y de los Reyes
hoy en la sacristía de la Capilla. Católicos, Granada. (Ivisti.)
78 ARAGÓN ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 79

Otro gran retablo, inmediatamente posterior, es el de la Capilla del dero creador de la escuela es el valenciano Damián Forment (t 1540),
Condestable (1523-1525), de la catedral de Burgos, que hace a medias cuya labor es extensa, y, como es corriente en artistas a quienes se
con Diego Siloe. La división del trabajo entre los dos artistas alcanza pide más de lo que pueden producir, en no pequeña parte de taller.
incluso a la gran historia central de la Presentación, donde se cree Forment inicia su carrera conocida con las esculturas del retablo de
que Vigarni ejecuta las esculturas del gran sacerdote y de la profetisa la Colegiata de Gandía (1501-1507); pero su primera obra importante
Ana a la derecha, y Siloe el grupo de la izquierda. es el retablo mayor del Pilar de Zaragoza (1509) (lám. 58), comenza-
La obra más representativa de su esfuerzo por incorporarse a las do (1484) por Gilbert. La impresión de conjunto es la de un retablo
nuevas modas estilísticas es la ya citada sillería de la catedral de To- gótico, y gótica es, en efecto, toda su parte arquitectónica. El deseo
ledo (1538-1543). E n sus numerosos relieves se advierte cómo seduce al de emular al de la Seo ya es explícito en el contrato, y la propia obra
viejo escultor el afán de movimiento de la nueva generación, pero es nos lo confirma. La distribución es la misma. El bancal, compuesto de
incapaz de asimilarlo. El encargo de la mitad de la sillería es, sin siete casas con escenas del Nuevo Testamento en relieve, el sotabanco
duda, un reconocimiento a la fama del anciano maestro, pero su arte y dos grandes estatuas laterales, forman el cuerpo inferior; sobre él,
ha pasado ya de moda; sus relieves resultan arcaizantes frente a los tres grandes calles, la central mucho más alta para dar espacio a la
de su nuevo copartícipe, que es ahora Alonso Berruguete, de quien se claraboya del típico sagrario aragonés, con escenas cubiertas por am-
tratará más adelante. plios doseles o chambranas, constituyen el cuerpo principal. Las late-
De origen francés es también Miguel Perrin, que inicia su carrera rales figuran la Presentación y el Nacimiento, mientras la central nos
en Sevilla, por los mismos años en que trabaja Torrigiano y se im- muestra a María con los apóstoles en primer término, interpretada con
portan los lujosos sepulcros de mármol de los Aprili y los Gazini. tan notable grandiosidad que hace pensar en el pleno Renacimiento.
Como en el caso de Vigarni, sus obras principales, las que realmente En las escenas del banco, los fondos arquitectónicos son renacentistas.
representan una novedad, corresponden a esta etapa estilística, aun- Los retratos del escultor y de su esposa, en sendos medallones, deco-
que las conocidas apenas remontan más allá del año 1520. El es el ran el banco.
autor de los grandes relieves de la Adoración de los Reyes y de la en-
La claridad de la composición del cuerpo principal del retablo del
trada de Jesús en Jerusalén (lám. 57), y de las estatuas de las dos por-
Pilar, con sus tres amplias calles, disminuye considerablemente, en
tadas orientales de la catedral, todo ello de barro cocido, según la
tradición sevillana. Como en el caso de Vigarni, los fondos del paisaje cambio, en el de la iglesia de San Pablo (1511-1517), al multiplicarse
delatan el lastre gótico de su origen nórdico. Algunas de sus figuras aquéllas hasta cinco. En el de San Miguel de los Navarros (1519) la
nos hablan de su formación, al menos en gran parte, francesa. A Perrin traza varía ya por completo, tal vez por deberse a otro artista. Las
se deben, además, el relieve y las estatuas de la Puerta del Perdón de composiciones, antes amontonadas en estrechas casas góticas, se des-
la misma catedral (1519) y una Quinta Angustia (1529) en la de Santiago arrollan ahora en amplios escenarios apaisados.
de Compostela. El prestigio del retablo gótico de la Seo, aumentado, además, por
el ejemplo del retablo del Pilar, es, sin embargo, demasiado grande
para que, al encargársele poco después el de la catedral de Huesca,
ARAGÓN: MORLANES, FORMENT Y YOLY. CATALUÑA.—A esta etapa del la hojarasca del «estilo moderno» no encuadre de nuevo sus figuras.
primer tercio del siglo corresponde también la actuación de los prin- Salvo en el banco, donde el artista vuelve a retratarse, en este caso
cipales escultores renacentistas que trabajan en Aragón. No obstante con su hija, la distribución es idéntica a la del retablo del Pilar. Su
las viejas e intensas relaciones de la monarquía aragonesa con Italia, cuerpo principal está dedicado a las tres grandes escenas del Cristo
no se establecen en ella artistas de ese origen, como los arriba citados, con la Cruz, el Calvario (lám. 59) y el Descendimiento.
y la única obra traída d e la vecina península es el sepulcro de Bellpuig,
En la última parte de su vida, Forment esculpe el magno retablo
en Lérida.
de Poblet (1527-1529), cuyo estilo denota ya, en lo arquitectónico, un
Los comienzos de l a escultura renacentisa aragonesa están repre-
manifiesto cambio de rumbo artístico. El gótico desaparece, y tanto
sentados por Morlanes el Viejo, cuya obra más fidedigna es el retablo
las escenas en relieve como las estatuas sorprenden por su mayor cla-
de Montearagón (1506-1512), en la catedral de Huesca. Pero el verda-
sicismo, como contagiadas por el estilo renacentista de su arquitectura.
80 BARTOLOMÉ ORDÓÑEZ

En el de Santo Domingo de la Calzada (1538), del que Forment labra

una gran parte, vemos la típica claraboya aragonesa de la custodia
como apresada en una organización renacentista extraña. El barro-
quismo con que las numerosas figuras de los encasamientos se des-
bordan por las entrecalles, nos habla del estilo más avanzado de la
escultura castellana.
Tampoco es hijo de la tierra el segundo maestro del Renacimiento
aragonés. Gabriel Yoly (t 1538), que así se españoliza su nombre, es
francés. Aparece trabajando en nuestro país algunos años después de
Forment, pero muere hacia la misma fecha. Se le ha atribuido la
estatua de San Miguel (1519), del retablo del santo ya citado, y el reta 7 16-19.—DONATELLO: S. Jorge, S. Juan, Nicolo de Uzzano, S. Juanito.
blo de San Agustín, de la Seo de Zaragoza (1520), donde la arquitectura
es también del romano, y la escultura nos lo muestra más comedido
en la expresión que Forment. La última parte de su vida transcurre
en Teruel, donde esculpe el retablo mayor (1536) de la catedral, cuya
gran escena de la Asunción se encuentra influida por el retablo de
Forment en el Pilar (láms. 60, 61). Sus numerosos relieves revelan gra-
cia y vida en el arte de componer y gran dominio de la técnica de la
escultura en madera.
El tercer gran maestro de la escuela parece haber sido Morlanes
el Mozo, muerto ya a mediados de siglo, que termina la portada de
Santa Engracia, de Zaragoza. Obra de más fama que calidad es, por
último, la de los relieves de la sillería de la catedral del Pilar, debidos
a los escultores Obray y Lobato.
En Cataluña, donde hemos visto trabajar a Forment en el retablo
de Poblet, el principal escultor es el vasco Martín Diez de Liatzasolo, 20-22.—DONATELLO: David.—VERROCHIO: David.—DONATELLO: Cantoria.
que se establece en Barcelona al comenzar el segundo tercio del siglo.
Sus obras principales son el Tránsito de la Virgen, del Museo de Bar-
celona, y el Entierro de Cristo, de la iglesia de Tarrasa (1539).

LA ESCULTURA CASTELLANA DEL SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO. ORDÍÍÑEZ

Y SILOE.—La escultura castellana de esta nueva etapa del Renacimiento
se distingue por abandonar el estilo cuatrocentista, dominante en el
primer tercio del siglo, y mostrarse cada vez más influido por el dra-
matismo miguelangelesco.
Aunque la verdadera capital de la escultura castellana radica alora
en Valladolid, preciso citar a la cabeza de los propagadores del nuevo
estilo a los burgaleses Bartolomé Ordóñez y Diego Siloe, que estudian
en Italia. Ordóñez (t 1520) es un escultor de primer orden, que, des-
\ M JL
graciadamente, muere joven. El es, probablemente, el primero que de
una manera franca emplea las formas miguelangelescas. Las primeras 23-25.—DONATELLO: Gattamelata.—QUERCIA: Sepulcro de Hilaria de Careto.-
VERROCHO: Colleoni.
 ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 81

noticias que de él tenemos le presentan en Ñapóles esculpiendo, en

unión de su paisano Diego Siloe, el retablo de mármol de San Giovanni
a Carbonara, donde, al parecer, se le debe el gran relieve de la Adora-
ción de los Reyes. Dos años más tarde se encuentra ya en Barcelona
trabajando, también en unión de su paisano, en el trascoro y en la
sillería de la catedral. En los bellísimos relieves de mármol de aquél,
dedicados a la vida de Santa Eulalia, y en los de madera de la sillería,
de carácter más decorativo, nos dice cómo sabe fundir los gestos-
terribles miguelangelescos con no pocos recuerdos donatellianos, ins-
pirados por una gracia todavía típicamente cuatrocentista. Entre los
ia.—DESIDERIO DE SETIGNANO: Marietta Strozzi.—A. DI DUCCIO: relieves de la sillería merece destacarse el del Entierro de Cristo, digno
Virgen.
de Donatello, y entre los del trascoro, el de Santa Eulalia (lám. 62) ante
el magistrado.
Colabora con Ordóñez en el coro barcelonés, entre otros, el escultor
de Metz, Juan Monet, uno de los principales introductores del Renaci-
miento en Bélgica y Holanda, donde goza de gran fama.
El deseo de adelantar la ejecución de estos relieves y de varios mo-
numentos sepulcrales decide a Ordóñez a trasladarse a Carrara, donde
muere poco después. El más importante de estos últimos es el de Don
Felipe y Doña Juana (fig. 233), de la Capilla Real de Granada, en que
emplea el tipo tumular de frentes verticales y no inclinados, como los
de Fancelli. Agrega al modelo de éste una urna con las estatuas yacen-
tes de los monarcas; es decir, un segundo cuerpo, que rompe con la
simplicidad del de los Reyes Católicos, en la misma capilla. Lo decoran
relieves tan bellamente compuestos como los de Barcelona. Aunque
no llega a terminarlo, también es obra d e primer orden de nuestro
.—MIGUEL ÁNGEL: Virgen de la escalera, David, J. de Mediéis.
Renacimiento el sepulcro del Cardenal Cisneros (fig. 232), de Alcalá
de Henares, muy dañado por la última guerra y la vergonzosa incuria
posterior. Como obra de bulto redondo, merece recordarse la Virgen
con el Niño, de la catedral de Zamora.
Escultor también de muchos quilates es s u compaüero Diego Si-
loe (t 1563). Aunque su vida es larga, como abandona la escultura en
plena juventud, al marchar como arquitecto a Granada (1528), su labor
escultórica es muy reducida. Ya hemos visto corno colabora en Ñapóles
y Barcelona con Ordóñez. En Burgos, además de l a decoración de
la Escalera Dorada de la catedral, ejecuta con Vigarni el retablo ma-
yor (1523) de la capilla del Condestable, donde, además del grupo de
la Presentación, esculpe en el banco la Visitación. El Cristo muerto
y el San Jerónimo penitente de los retablos laterales d é l a misma capi-
lla ponen bien de manifiesto sus dotes de escultor. Pero, aparte de estas
obras de la catedral burgalesa, existen otras importanes en diversas
,—MIGUEL ÁNGEL: Moisés, David, Esclavo.
82 ALONSO BERRUGUETE

partes de Castilla. Sirvan de ejemplo el sepulcro de frentes cóncavos

en talud del patriarca Fonseca, de Santa Úrsula, de Salamanca, y el
bello relieve del Bautista (lám. 63) del Museo de Valladolid. No obs-
tante que en Granada se consagra a la arquitectura, pueden recordarse
el Cristo a la columna, de San José, de Granada, de dramatismo extre-
mado, y el relieve de la Virgen con el Niño, de la sillería del coro de
San Jerónimo, en el que resucitan sus recuerdos donatellianos.

ALONSO BERRUGUETE.—Ausente Siloe de Burgos y muerto joven Bar- Figs. 232, 233.—Ordóñez: Sepulcro de Cisneros y de Don Felipe y Dona Juana, en
tolomé Ordóñez, el porvenir de la escuela burgalesa se trunca, y la Alcalá y Granada. (Argües.)
gran escuela renacentisa castellana termina formándose en Valladolid
_—
gracias a la presencia de Alonso Berruguete y, desde pocos años más
''iiiiii
i
Lj
tarde, del francés Juan de Juni, animados ambos, pese a sus diferen-
cias esenciales, por el mismo fuego miguelangelesco. Una importante

i
serie de escultores de segunda ñla, influidos por estos dos grandes maes-
1
tros, completa el cuadro de la escuela vallisoletana.
Alonso Berruguete (1488-90 t 1561), natural de Paredes de Nava, en
Tierra de Campos, es hijo del pintor Pedro Berruguete y se forma en
Florencia y en Roma. No faltan en él huellas de escultores florentinos
como Ghiberti, pero su principal fuente de inspiración es Miguel Ángel, =-.^--=
pues hasta es posible que sea el joven español que copia el cartón de
la guerra de Pisa de aquél, citado por el Vasari. Consta, además, y sus
obras son testimonio de ello, que copia también el grupo del Laoconte Figs. 234-236.—Berruguete: Retablo de la Adoración de los Reyes y sepulcro del
recién descubierto (1506) en Roma. Toda esta serie de modelos no hace cardenal Tavera.—Leoni: Sepulcro de Felipe. II, Escorial. (Argües, Delojo.)
sino dar forma a su afán de movimiento y a su temple intensamente
dramático, que movimiento y expresión dramática son las aspiraciones
a que sacrifica casi todos los demás valores plásticos. Berruguete es
artista que trabaja de prisa. El intenso arrebato de sus personajes habla
más del fuego impetuoso con que fueron trazados, que de un deseo de
perfección, y tan es así, que, aun no debiendo olvidarse que los más de
sus relieves y estatuas se hacen para retablos de ciertas proporciones
y que forman parte de un gran conjunto decorativo, adolecen con fre-
cuencia de lamentables incorrecciones. Sin embargo, también debe te-
nerse presente que esas estatuas de retablos han sido concebidas para
ser contempladas en el marco de éstos, y que salvo en contados casos,
no ofrecen más que muy pocos puntos de vista. Al parecer, los retablos
decorados por sus esculturas son también obra suya, pudiendo notarse
en algunos de ellos su esfuerzo por romper con la estrecha cuadrícula
tradicional, y su deseo de crear grandes escenarios de columnas muy
finas que apenas se advierten entre el remolino e ímpetu de sus figuras.
Fig. 237.—Leonardo de Vinci: La Cena, Milán.
84 ALONSO BERRUGUETE ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 85

Berruguete, tan original en tantos aspectos, como veremos, llega a crear Pero la obra capital de este período, de que forma parte la Transfi-
escenarios esencialmente barrocos. guración toledana, es la hermosa serie de relieves (lám. 69) de la mitad
El retablo más antiguo que conocemos del artista es el de Olme- de la sillería del coro, cuya otra mitad ejecuta Vigarni. Son figuras de
do (1527), hoy en el Museo de Valladolid, donde se nos muestra con santos y profetas que, arrebatados por una intensa vida interior, cons-
todo su intenso sentido dramático y con sus frecuentes incorrecciones. tituyen la galería de místicos más maravillosa producida hasta entonces
En 1532 crea una de sus primeras obras maestras: el retablo de San por el arte español y cuya fecunda semilla h a de florecer pocos años
Benito, conservado en el mismo museo. Compónese de varias escenas después en el Greco. Labrados en madera sin policromía alguna, puede
en relieve, figuras de bulto redondo e historias de pintura. Los re- apreciarse en ellos la finura de modelado de que es capaz el escultor
lieves representan historias benedictinas y de la vida de Jesús; no de Paredes de Nava.
obstante la vida intensa de algunas figuras y de la expresión de las Berruguete, con el sepulcro del Cardenal Tavera, del hospital de
cabezas, como la de los caballos de la conversión de Totila o la de Afuera, de Toledo, agrega un nuevo eslabón a la brillante serie iniciada
San Benito moribundo, están, en general, torpemente compuestos. Su por Fancelli. En el rostro del Cardenal, interpretado con intenso realis-
parte más bella son las estatuitas y grupos de los intercolumnios. El San mo, utiliza la mascarilla del difunto (fig. 235).
Sebastián (lám. 65), con el movimiento de huida de su cuerpo de ado-
lescente hacia el tronco del árbol, ofrece una mezcla de temor y de gra- JUAN DE JUNI. OTROS ESCULTORES.—El otro gran maestro de la escue-
cia que hace pensar en Donatello y en el Miguel Ángel joven. Pero la, o, como dice un contemporáneo suyo vallisoletano, «uno de los mejo-
donde su sentido dramático se expresa en forma más aguda es en el res maestros de escultor que hay en España, quitando a Berruguete»,
grupo de Abraham e Isaac (lám. 66) —inspirado en modelos de Donatello es el francés Juan de Juni (f 1577). Como hemos dicho, desliza su carre-
y Miguel Ángel— y en el San Jerónimo (lám.67), cuyo arrebato místico ra por los mismos cauces miguelangelescos que Berruguete. Pero ¡ qué
alcanza alturas a que sólo sabrá elevarse años después el Greco. En abismo no le separa del escultor castellano! ¡ Qué frescura y qué inge-
varias de las restantes estatuitas (lám. 68) es muy sensible la influencia nuidad no respiran las obras de Berruguete, siempre hechas de prisa,
del Laoconte. y qué cantidad de preparación y de estudio no se ven tras las creaciones
del francés! Un escultor de su tiempo le acusa de haber necesitado
Antes de terminar esta misma década, en 1537, esculpe el reta- cinco años para hacer «tan poca cosa» como el Entierro de Cristo, del
blo de la Adoración de los Reyes (fig. 234, lám. 64), de Santiago de convento de San Francisco, y con frecuencia se le reprocha, con motivo
Valladolid. Las grandes columnas que en Olmedo recorren sus dos del ruidoso pleito del retablo de la Antigua, su falta de fecundidad. En
cuerpos encuadrando el retablo, aunque más delgadas, persisten aquí, cambio, uno de sus testigos dice de su proyecto para aquel retablo, como
pero las pequeñas llegan a desaparecer en el gran cuerpo principal para queriendo traslucir algo de las teorías artísticas de Juni, «que tiene en
crear un amplio escenario de toda la anchura, donde poder desarrollar sí otro secreto y entendimiento más de lo que parece».
la escena de la Adoración, animada por el más intenso movimiento y
Juni es Un enamorado de lo grandioso; más aún: de lo gigantesco.
por las más arrebatadas actitudes, inspirados por los frescos de Miguel
Sus personajes, de rostros anchos y hermosos, son siempre corpulentos.
Ángel en la Sixtina.
No son de temperamento nervioso, como los de Berruguete, capaces
Este mismo fuego anima el choque de las figuras de la Virgen y de de dispararse hacia el mundo exterior en el primer arrebato, en un
Santa Isabel en la escena de la Visitación, de la iglesia de Santa Úrsula, rápido y fácil movimiento corporal. Por el contrario, se retuercen sobre
de Toledo, choque violento en que transforma nuestro escultor el ele- sí mismos con esos movimientos angustiosos del que prefiere consumir
gante saludo cortesano en que convierte el tema Ghirlandajo (lám. 117). en su interior e l fuego de su pasión. En el fondo, es uno de los grandes
En el camino de sus geniales atisbos de barroquismo, que tantos manieristas del Renacimiento, en el que al sentido de lo gigantesco de
años tardarán todavía en sospechar los italianos, el límite máximo lo Miguel Ángel se agregan esa inquietud y esa angustia de espacio que
acusan sus dos magnas Transfiguraciones (lám. 70) de la catedral de distinguen a la pintura florentina de la segunda década del siglo. Es
Toledo (1543-1548) y del Salvadoi d e Ubeda (1559), las dos creaciones muy probable que, además, haya influido, en su manera de plegar los
capitales de bulto redondo de su última época. ropajes, J. della Cuercia, y en algunas actiudes, modelos venecianos.
 86 JUAN DE J U N I ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 87

En la cuarta década del siglo le encontramos en León (153.3-1538), los Benavente (1551), de Rioseco, en la que la decoración escultórica
trabajando en San Marcos, y a esa época deben de pertenecer el Descen- renacentista alcanza extremos de riqueza inigualados hasta ahora.
dimiento y un retablo del claustro, ambos de piedra. En el retablo de En Andalucía no se forma una verdadera escuela. Deben citarse, sin
la Concepción de Rioseco (1538) crea ya una de sus obras maestras. En embargo, en Sevilla, al flamenco Roque Balduque, autor de Vírgenes
el Abrazo (lám. 78) en la Puerta Dorada, que ocupa el primer cuerpo, con el Niño (lám. 80) bastante uniformes e inspiradas, entre las que
encontramos una de esas compactas composiciones tan típicamente su- destaca la del hospital de la Misericordia (1558), y al castellano Bau-
yas, de grandiosas figuras angustiosamente apretadas por la arquitec- tista Vázquez (t 1589), autor de varios de los relieves de la sala capitu-
tura. Y con análogo esfuerzo se abre paso en su hornacina del segundo lar de la catedral (1581-1586).
cuerpo la Inmaculada (lám. 79), fruto de aquella simbólica unión.
Su obra de mayores proporciones es el ya citado retablo de la igle- E L ÚLTIMO TERCIO DEL SIGLO: BECERRA Y ANCHETA.—Las obras de El
sia de Santa María de la Antigua (1544-1562), hoy en la catedral, cuya Escorial dan lugar en nuestra escultura a un nuevo capítulo italiano,
traza, debida al propio Juni, carece de precedentes en la escuela. La en el que se proscribe la madera y se emplea el bronce. Es el de los
forma admirable cómo se encuentran enlazadas entre sí la arquitectura ya citados León Leoni (t 1590) y su hijo Pompeyo Leoni. Del primero
general, las esculturas, los relieves y las diversas piezas decorativas, lo poseemos en España la estatua de Carlos V (lám. 81), del Museo del
convierten en el retablo más orgánico y original que el Renacimiento Prado, donde la contraposición entre la figura triunfante del César y
ha dejado entre nosotros. Pero sus dos creaciones más conocidas son la del Furor vencido está expresada con grandiosidad. La armadura,
el Santo Entierro y la Piedad, que con diferencia de casi treinta años que se desmonta, permite convertir la estatua en un retrato desnudo
esculpe para Valladolid (1543) y para la catedral de Segovia (1571). El como los de los emperadores romanos.
Santo Entierro (lám. 73), de Valladolid, hoy en el museo, es de bulto Por sus modelos se funden las esculturas del retablo mayor (1582-
redondo, y a la vista de figuras como éstas se explica que afirmase un 1590) de El Escorial, pero lo más importante son los grupos funerarios
contemporáneo que «vale más el espíritu de una de las hechas por de Carlos V y de Felipe II (fig. 236, lám. 82), con sus respectivas fami-
Juni que todo lo hecho por Giralte». Presos del más intenso dolor se lias, concebidos con solemnidad más española que italiana. El bronce
retuercen en angustiosas actitudes en torno al gigantesco cuerpo de dorado y las incrustaciones de colores de las estatuas hacen que los
Cristo muerto, seis personajes concebidos como para encajar unos en grupos destaquen suavemente en la media luz de la capilla mayor, y
otros (láms. 76, 77). Y este mismo sentido típicamente manierista cul- su actitud y expresión graves, encuadradas por las monumentales colum-
mina en la Piedad (láms. 74, 75), de Segovia, donde los soldados de los nas, las incorporan al ambiente majestuoso del templo. Obra exclusiva
intercolumnios reiteran el tema un tanto sansonista de los cuerpos hu- de Pompeyo es la escultura orante, de mármol, de la infanta doña Juana,
manos pugnando por vencer la presión de los elementos arquitectó- de las Descalzas Reales de Madrid. Muerto ya Felipe II, da el modelo
nicos. (1601) de las estatuas orantes de bronce de los duques de herma, del
Museo de Valladolid.
La escultura más popular de Juan de Juni es la Virgen de los Cuchi- Al lado de este escultor italiano trabaja, en piedra, para El Esco-
llos (láms. 71, 72), de la iglesia de las Angustias, de Valladolid, donde rial el toledano Juan B. Monegro (t 1621), cuyas principales obras son
la expresión trágica, el sentido del movimiento típico de su autor, de los Evangelistas y los Reyes de Judá (1584), en los patios de esos nom-
pura estirpe miguelangelesca —piénsese en la Virgen de San Lorenzo bres.
de Florencia— y el ansia de grandiosidad, se aunan para crear una de La reacción que esta estatuaria escurialense significa con su clasi-
las obras maestras de la escultura renacentista. cismo y con su tono solemne, contra el dramatismo y el afán de movi-
De los escultores vallisoletanos de segunda fila merecen recordarse miento de la del segundo tercio del siglo, se había manifestado antes
los discípulos y colaboradores de Berruguete, Francisco Giralte (t 1576) fuera de la corte. Uno de los rasgos más destacados de esta última etapa
e Isidro de Villoldo, autores, respectivamente, del retablo y sepulcros renacentista es su entusiasmo por los tipos hercúleos del Miguel Ángel
de la Capilla del Obispo, de Madrid, y del retablo de la sacristía de la del Juicio final y de la Capilla Paolina. Figura a la cabeza del nuevo
catedral de Avila. A los Corral se deben las yeserías de la capilla de estilo el andaluz Gaspar Becerra (1520 t 1570), pintor y escultor edu-
88 v BECERRA Y ANCHETA

cado en Roma, que, al regresar a su patria, poco antes de 1560, se esta-

blece en Valladolid y entra como pintor al servicio del monarca. Su
obra principal de escultura es el retablo de la catedral de Astorga (1588)
(lámina 83), donde hace buen alarde de los hercúleos modelos miguelan-
gelescos y de las composiciones escalonadas típicamente manieristas,
todo ello en un tono frío, que hoy nos entusiasma mucho menos que
a sus contemporáneos, entre los que Becerra goza de gran fama. Este
mismo estilo miguelangelesco encuentra otro ilustre cultivador en An-
cheta (t 1592), que trabaja en las provincias vascas en el norte de Cas-
tilla la Vieja y en Aragón. Al parecer, comienza su carrera en el retablo
de Santa Clara, de Briviesca, figurando entre sus obras posteriores las
de Valmaseda y Aoíz. Tal vez su creación más perfecta sea el de ala- 36-38.—MIGUEL ÁNGEL: Moisés. Piedad, Vaticano. Piedad, Milán.

bastro, de la Trinidad de Jaca (lám. 84), donde nos pone de manifiesto

que no sólo asimila las formas del maestro, sino su ideal de grandio-
sidad.
Sin el exaltado miguelangelismo de los escultores anteriores, repre-
senta esta etapa de reacción clásica, en Valladolid, Esteban Jordán
(1535 t 1600), a quien se debe el retablo de la Magdalena, en la misma
capital.

3943.—MIGUEL ÁNGEL: Día, Noche.— CELLINI: Perseo.—BOLONIA: Mercurio, Rapto

de las sabinas.

44-47.—COLOMBE: Virgen.—TORRIGIANO: Virgen, Sepulcro de E n r i q u e VII, S. Jerónimo.

 CAPITULO V

65-69.-BERRUGUETE: San Sebastián. San Jerónimo. Abraham. Profeta. Moisés

PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
HASTA FINES DEL SIGLO XV

Los PREGIOTESCOS.—La pintura italiana del siglo x n i anterior a Giotto

se mantiene fundamentalmente dentro de las normas generales del
estilo bizantino de la centuria anterior, es decir, del estilo que los ita-
lianos del Renacimiento denominan la maniera greca. Cultivador de ese
estilo en Roma a fines del siglo x m es Torriti, a quien se debe el mosai-
co de la Coronación (lám. 85) de Santa María la Mayor. Más progresivo
es Pietro Cavallini, que vive en Roma y se forma con los maestros
romanos del mosaico. El mismo emplea preferentemente esa técnica
hacia 1300. En sus mosaicos de escenas evangélicas, de Santa María
in Transtevere, dentro de la monumentalidad propia de este género de
pintura, se distingue por su grandiosidad romana, pero, sobre todo, por
70-72.—BERRUGUETE: Transfiguración.—JUNI: Virgen de los Cuchillos. la expresión de los rostros, donde apunta ya el naturalismo d e la nueva
era. Esa expresión naturalista se intensifica considerablemente en los
frescos de la iglesia de Santa Cecilia, donde las formas se hacen más
redondas y blandas (lám. 86).
Pero esa ráfaga de vida que anima las figuras del artista romano
puede decirse que casi desaparece en el resto de ]a pintura italiana,
cuya calidad es, por otra parte, notablemente inferior. La misma Tos-
cana, donde habrá de producirse la gran revolución pictórica al comen-
zar la centuria siguiente, no crea nada equiparable. Por su interés ico-
nográfico, sobre todo, merecen recordarse los Crucificados, recortados
en tabla, y a veces con ensanchamientos laterales para escenas de la
Pasión. A mediados del siglo x m , el cuerpo se arquea hacia l a izquierda,
adoptando una actitud muy típica de la escuela t o s cana de la segunda
mitad de esa centuria, y distinta de la m á s generalizada en Occidente
de la escuela gótica francesa. El pintor de nombre conocido más ilustre
 90 GIOTTO PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 91

de este período es Giunta Pisano, autor del Crucifijo firmado del se- pintura. Giotto vuelve valientemente la espalda a los convencionalismos
gundo cuarto del siglo xin, de la Basílica de Asís (lám. 87). Durante la y formulismos del estilo bizantino y mira cara a cara a la naturaleza.
segunda mitad del siglo la actividad pictórica en la región es grande Claro que como la historia de la pintura no es sino una parte de la
y no faltan obras firmadas, pero ninguna de ellas aporta novedad de historia del espíritu humano, ese amor de Giotto por la naturaleza no
mayor interés. es un fenómeno aislado, sino el reflejo de las doctrinas de San Fran-
El único artista que sabe percibir muy levemente el norte de la cisco de Asís, muerto en 1226, que predica el amor de Dios en sus cria-
nueva era es Cenni Cimabue, que debe de nacer a mediados del si- turas, por humildes que sean, y San Francisco, a su vez, no es sino
glo XIII. Florentino, y formado, al parecer, con ciertos pintores de Bizan- uno de los portavoces de la gran corriente espiritual que en arte pro-
cio que trabajan en la ciudad del Arno, aunque viene dándosele desde duce el estilo gótico. Giotto es el intérprete genial de la nueva icono-
el Renacimiento papel preponderante en la renovación pictórica, se grafía, impregnada de sentido humano, de los predicadores y escritores
mueve, sin embargo, dentro de la maniera greca, dejando ver solamente franciscanos.
en la expresión de algunos rostros el deseo de inspirar en la naturaleza. El naturalismo no impide a Giotto concebir las escenas con monu-
En su gran tabla de los Uffizi nos presenta a la Virgen (lám. 88) en su numentalidad extraordinaria. La monumentalidad es categoría propia de
trono sostenido por cuatro ángeles simétricamente dispuestos, con la la pintura en mosaico de sus predecesores, pero en él responde tam-
cabeza inclinada y dirigiendo la mirada hacia el espectador a la manera bién a su propia sensibilidad y adquiere caracteres diferentes: ante
bizantina, e igualmente bizantinos los convencionales pliegues realza- sus corpulentos personajes se adivinan ya las grandiosas figuras de
dos con oro de sus ropajes. La pintura mural renacentista italiana es Masaccio y Miguel Ángel. En este tono mayor es la cabeza de una
al fresco, y la de caballete, al temple. familia gloriosa. La otra nota más destacada del temperamento de
Giotto quizá sea su hondo sentido dramático. Nadie representa antes
FLORENCIA: GIOTTO.—El artista que reacciona de manera decidida que él en forma tan intensamente expresiva el tema de la Piedad (lá-
contra los convencionalismos y el amaneramiento de la maniera greca mina 95); los gestos y las actitudes de los personajes no los copia de
es el discípulo de Cimabue, Giotto di Bondone (t 1337), cuya actividad sus predecesores, sino que los ve en los momentos de dolor y deses-
corresponde ya a la primera mitad del siglo Xiv. Lo revolucionario de peración de sus convecinos. Contemporáneo y paisano de Dante, ofre-
su estilo y la sorpresa que causa a sus contemporáneos dan lugar a una ce con él, en este aspecto, indudable parentesco espiritual. Testimonio
leyenda que dos siglos más tarde, cuando ese estilo por él iniciado ha de su mutua estimación son los versos en que el poeta nos dice cómo
producido la gran pintura del Renacimiento, nos refiere el Vasari en Giotto ha superado el estilo de Cimabue —Credete Cimabue nella pin-
términos análogos a éstos. En un pueblecito próximo a Florencia nace tura I Tener lo campo, ed ora ha Giotto el grido j Si che la fama de
a fines del siglo XIII un niño que al cumplir los doce años es enviado colui oscura— y el retrato de Dante, por Giotto, del palacio del Podestá.
por su padre a cuidar de un rebaño de ovejas. Pero la inclinación por
En su interpretación del paisaje, aun utilizando los convenciona-
el dibujo es en él tan profunda, que entretiene sus largas horas en re-
lismos bizantinos, se distingue por su sobriedad y su monumentalidad
presentar sobre la tierra o sobre las piedras cuanto tiene a la vista.
características.
Cierto día pasa junto a él Cimabue, precisamente en el momento en que
La obra principal de Giotto es la serie de pinturas al fresco de la
dibuja una oveja. Asombrado el entonces famoso pintor de que la
iglesia de la Arena de Padua (1303). En sus paredes laterales repre-
copiase del natural —ritraeva una pécora di naturale, senza avere im-
senta en varias filas diversas historias evangélicas (láms. 89, 90) y a
parato de aítri che della natura— le invita a marchar con él, a lo que
los pies el Juicio Final, en cuya parte inferior retrata al donante, En-
el joven Giotto accede gustoso. Trasladado a Florencia, no sólo aprende
rique Scrovegni, ofreciendo el templo a la Virgen.
con rapidez el estilo de su maestro, sino que, entregado al estudio de
la Naturaleza, logra desterrar la maniera greca y crear la buena pin- Aparte de este gran ciclo de pinturas murales, consérvase en Flo-
tura moderna, o, lo q u e es lo mismo, pintura renacentista. Como tan- rencia alguna capilla decorada por él, como la Bardi (1316), de Santa
tas otras leyendas, es probablemente falsa en sus detalles, pero en el Croce; pero, contra lo que se ha supuesto por mucho tiempo, no pa-
fondo refleja exactamente lo que Giotto representa en la historia de la rece que pueda atribuirse sino a' sus discípulos la gran serie de histo-
rias de San Francisco, de la iglesia alta del santo de Asís, donde por
92 SIENA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 93

no tratarse de la rígida iconografía evangélica, anquilosada por varios etapa la influencia del gótico francés, que contribuye en no pequeña
siglos de repetición, sino de temas que se interpretan por primera vez, medida a crear un sentido de la forma más blando y flexible. Frente
y cuyo protagonista ha muerto poco más de medio siglo antes, la al tono giottesco fuerte y dramático, distingüese la escuela senesa por
inspiración naturalista del pintor puede manifestarse sin el freno de su gracia y elegancia ligera. Debido al estilo más arcaizante del fun-
la tradición. Allí aparecen representados los típicos temas de la icono- dador y a la gran personalidad de sus sucesores, el estilo evoluciona
grafía del Poverelto de Asís predicando a los hermanos pájaros, par- más que en Florencia.
tiendo la capa con el pobre, etc. Es la ilustración gráfica más elocuen- El patriarca de la escuela es Duccio de Buoninsegna (t 1311), quien
te y completa de la literatura piadosa que tan rápidamente nace al calor ya en 1285 pinta la Madonna Rucellai (lám. 92), la que, dentro de su
del recuerdo del apóstol de la pobreza; el gran homenaje que la nueva aspecto esencialmente bizantino, descubre una leve expresión de en-
pintura rinde a uno de sus padres espirituales. sueño que persistirá en la escuela. Pero su gran obra es la Maestá (lá-
Giotto cultiva también la pintura en tabla. Su Virgen con el Niño mina 98), cuyo traslado (1310) procesional desde el estudio del pintor
(lámina 91), del Museo de los Uffizi, es pintura hecha al temple y, al altar mayor de la catedral resulta un acontecimiento. Es un gran
como sucederá hasta mediados del siglo xv en Italia, sobre fondo de tablero ligeramente apaisado, en cuyo anverso aparece la Virgen en
oro. Verdadera matrona romana sobre un trono gótico, su compara- majestad sentada en su trono y rodeada por los ángeles y santos pa-
ción con la de Cimabue pone bien de relieve la novedad del estilo trones y mártires de la ciudad, mientras en el reverso se presentan
giottesco. numerosas escenas de la vida de Jesús (láms. 97, 99). Pese al tono
Durante el resto del siglo, la pintura florentina es esencialmente grave y solemne de la gran composición de la Virgen rodeada de santos,
giottesca, sin que, en realidad, aporte novedades importantes, no obs- cuyo bizantinismo es patente, tanto en el conjunto como en los me-
tante la indudable valía de sus cultivadores. Figuran entre éstos, to- nores detalles, el aire fino y elegante que anima a las figuras es vivo
davía en la primera mitad del siglo, Tadeo Gaddi (t 1366), a quien se reflejo de la delicada sensibilidad senesa. Y esa misma gracia leve y
debe la decoración de la capilla Baroncelli de Santa Croce, y Andrea sutil se hace aún más sensible en la interpretación de las deliciosas y
Orcagna (f 1368), autor del políptico del Salvador, de Santa María No- pequeñas historias del dorso.
vella (1359) y miembro de una activa familia de pintores, a la que se El segundo gran maestro de la escuela es Simone Martini (t 1344).
deben las grandes figuras murales del Paraíso, el Juicio Final y el In- De una generación posterior a Duccio, su estilo es considerablemente
fierno, de la misma iglesia. De Tadeo Gaddi se consideran las historias más avanzado. El bizantinismo pierde tanto terreno que, de ser el ele-
de San Eloy, del Museo del Prado. A Orcagna se atribuye también, aun- mento preponderante, pasa muy a segundo término. El sentido senes
que sin fundamento, el popular fresco del Triunfo de la Muerte, del de la elegancia, derivado por sugestión del gótico en pro de lo curvi-
camposanto de Pisa, de sorprendente realismo. En la segunda mitad líneo, hace que sus figuras, al abandonar la rigidez bizantina, se tor-
del siglo, la figura más progresiva es Andrea Bonaiuti, de Florencia, nen Mandas y flexibles, y sus rostros graciosos y expresivos. La nota
que se deja influir por la -vecina escuela senesa y pinta al fresco la im- suave y femenina da un paso decisivo en Simone Martini.
portante alegoría de las Artes liberales (1365), de la capilla de los es- Lo mismo que Duccio, pinta una Maestá (láms. 94, 100), la gran
pañoles de Santa María Novella, donde al pie de cada una de aquéllas pintura mural de la Virgen rodeada de santos y bajo palio sostenido
figura a su más ilustre cultivador. por ángeles (1315), del Ayuntamiento. Sólo cinco años posterior a la
de Duccio, la diferencia es notable, tal vez no menor que la existen-
SIENA: DUCCIO, SIMONE MARTINI Y LOS LORENZETTI.—La otra gran es- te entre Cimabue y Giotto. En la divina asamblea ha desaparecido
cuela trecentista radica en la misma Toscana, en la vecina Siena, la todo rasgo de rigidez; las figuras que rodean a la Virgen se mueven
rival de Florencia. con suavidad y soltura, y la monotonía y reiteración de las actitudes
La mística ciudad de Siena disfruta en esta época de intensa acti- han disminuido también considerablemente. Pero donde el fino sentido
vidad pictórica. De vida tan corta que no rebasa el fn de siglo, sus de lo curvilíneo alcanza valor decorativo extraordinario es en su deli-
rasgos más destacados son su sentido lírico y su apego al estilo tradi- cadísima tabla de la Anunciación (1333) (lám. 101), una de sus últimas
cional o, lo que es igual, su bizantinismo. Agrégase a ello en su segunda obras y sin duda de las creaciones más seductoras de la pintura trecen-
 94 ESCUELA FLORENTINA DEL SIGLO XV P I N T U R A DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA F I N E S DEL S. XV 95

tista. Si en la Anunciación culmina la elegancia y el sentido decorativo debe olvidarse la gran parte que corresponde al pueblo mismo flo-
del autor, en los frescos de San Martín (1316), de la iglesia baja de rentino, tan naturalmente elegante en sus movimientos. En realidad,
Asís, vuelca toda la delicada poesía de su temperamento. En el gran la figura humana se transforma siguiendo un proceso análogo al visto
fresco de Guidoriccio (1328), del Ayuntamiento de Siena, al mismo en la escultura. Y, lo mismo que en la figura humana, se avanza en
tiempo que nos reitera su admirable sentido de lo decorativo y de la la interpretación del paisaje. Aunque a principios del siglo continúan
elegancia, ofrece el primer gran retrato ecuestre de la pintura moder- estilizándose los montes según la tradición bizantina, las formas re-
na (lám. 93). dondeadas, mucho más naturales, terminan por desplazar los con-
Con motivo del cisma de Occidente, Simone Martini se traslada a vencionales cortes de los montes giottescos, y a fines del siglo el pai-
Aviñón, lo que, al mismo tiempo que le permite conocer más de cerca saje se convierte, en alguna escuela, en elemento capital del cuadro.
el arte gótico, contribuye a difundir la influencia de su propio estilo. Los ingenuos escenarios arquitectónicos trecentistas, por otra parte,
La última etapa de la escuela está representada por los hermanos además de trocar sus formas góticas por las renacentistas, gracias a
Lorenzetti, quienes con frecuencia parecen haber heredado el sentido la honda preocupación de los florentinos por la perspectiva, conclu-
poético de Simone Martini. Ambroggio es el continuador de las gran- yen siendo de perfección admirable. La luz interesa ya como elemento
des composiciones murales del Ayuntamiento. A él se deben (1337) las de primer orden en el cuadro, e incluso, cargada de poesía, constituye
cuatro grandes alegorías de la Paz (lám. 103), representada bajo la la preocupación fundamental de. uno de los principales maestros. En
forma de una joven matrona acompañada en su estrado por la Forta- Venecia, por último, se descubre que el porvenir de la pintura está en
leza y la Prudencia; del Buen gobierno (lám. 102) en la ciudad; del el predominio del color sobre la línea. Nunca la pintura ha evoluciona-
Buen gobierno en el campo y del Mal gobierno. Lorenzetti pinta con do tanto en el espacio de un siglo.
este motivo gran número de figuras alegóricas (lám. 96) y de escenas Como en arquitectura y escultura, la primera generación es deci-
de vida profana, donde comenta los efectos del buen y del mal gobier- siva para los destinos de la pintura cuatrocentista. Es la generación
no, ordenándolas con grandiosidad y gracia narrativa. De Pietro Lo- que termina cuando Cosme de Médicis (t 1464) rige los destinos de
renzetti es la bella pintura de la Virgen entre dos santos, de San Fran- la ciudad. Gracias a su habilidad y talento, Florencia goza de largo
cisco de Asís, donde, bajo la suavidad de expresión y el blando mode- período de paz y prosperidad, y la presencia en la ciudad del patriarca
lado típicamente senes, se percibe un dramatismo que parece apren- de Constantinopla, del emperador bizantino e incluso del propio Pon-
dido en Giotto. tífice con motivo del concilio, contribuyen a realzar su esplendor. Cos-
Como queda dicho, después de estos cuatro grandes pintores, todos me, que los tiene de huéspedes, robustece su prestigio, que redunda
ellos de acusada personalidad no obstante su estrecho parentesco es- en beneficio de las artes. El llega a ser el primer gran mecenas del Re-
piritual, la vena pictórica senesa se agota y no vuelve a producir nin- nacimiento. Nadie simboliza mejor que él estos primeros años dorados
gún pintor de categoría. La fecundidad florentina al comenzar la nue- del cuatrocentismo. Bajo su mandato construye Brunelleschi la cúpula
va centuria, p o r el contrario, es cada vez mayor. de la catedral, y las iglesias de San Lorenzo y del Espíritu Santo; por
su encargo labra Michelozzo, para su familia, el palacio Ricardi, y
ESCUELA FLORENTINA DEL SIGLO XV.—Durante el siglo xv el natura- decora F r a Angélico el convento de San Marcos. Su escultor preferido
lismo que inspira la gran renovación giottesca continúa siendo resorte es Donatello, que le esculpe la Judit, símbolo de su triunfo.
de primer orden en la evolución renacentista. Los pintores aprenden
a representar cada vez mejor el cuerpo humano, y los rostros, con- FRA ANGÉLICO.—Después de un primer momento en que Fra Lo-
forme avanza el tiempo, son también más variados. Por primera vez renzo Monaco (t 1425) (lám. 111), siguiendo el gusto del estilo inter-
se hacen verdaderos retratos en los que se copian fielmente los rasgos nacional coetáneo, exalta el amor a lo curvilíneo, ya comentado en Si-
del retratado. Paralelamente a esta sana inspiración naturalista, la mone Martini, y alarga las figuras con criterio esencialmente deco-
escultura clásica ejerce en tos pintores cuatrocentistas una influencia rativo, aparece una figura de primer orden: Guidolino Di Pietro
altamente beneficiosa, t a n t o en las actitudes y en la mímica como en (1387 i 1455), que al vestir el hábito de Santo Domingo toma el nom-
la interpretación de los ropajes, aunque, en cuanto a la primera, no bre de F r a Ciovanni da Fiésole, y después será conocido con el de Fra
 96 FRA ANGÉLICO

Angélico. Es en cierto grado un maestro de trasición, y, desde luego,

menos progresivo que otros pintores contemporáneos, quizá en buena
parte porque su temperamento místico no es el más apropiado para de-
jarse obsesionar por el modelo ni por las actitudes y gestos grandiosos.
Es pintor esencialmente religioso y su actitud ante los temas que re-
presenta es la de la más humilde reverencia. Ningún pintor ha inter-
pretado de manera más pura, serena y devota los temas religiosos. En
realidad, la pintura es para Fra Angélico una especie de oración, una
manera de ejercitar su propia devoción. Según nos refiere uno de sus
biógrafos, él mismo dice que el pintor de Cristo debe estar siempre
con Cristo. La Iglesia lo ha considerado digno de figurar entre sus
75.77._JüNI: Retablo de Segovia. Detalles del Santo Entierro, de [Link].
beatos.
Aunque no sea tan progresivo como algunos de sus contemporáneos,
es, sobre todo, desde el punto de vista formal y técnico, artista de pri-
merísima categoría. Su lastre trecentista se manifiesta en la importan-
cia que todavía concede al oro y en el alargamiento y lo curvilíneo de
sus figuras. Su sentido del volumen es, en cambio, típicamente cuatro-
centista.
Espíritu contemplativo, Fra Angélico es el pintor por excelencia de
la Virgen con el Niño, de las visiones celestiales como la Coronación
de la Virgen, y del Paraíso. Por eso al representar el Juicio final, mien-
tras copia con amor franciscano las múltiples y menudas florecillas de
las praderas donde los elegidos se mueven felices acompañados por
ángeles, despliega un entusiasmo que falta cuando pinta los condenados
y los martirios infernales.
Que no siente lo trágico lo prueba el que al representar el Descen- Santa Ana. Concepción.-BALDUQUE: Virgen.
78-80,-JUNI: Abrazo de S. Joaquín y
dimiento (lám. 105), que es una de sus obras principales, lo hace sin
gritos ni estridencias. No es el dolor, sino los gestos de la veneración
de los santos varones al tomar las piernas del Salvador, o los clavos
que horadaron sus manos y pies, lo que le importa subrayar. El cortejo
de su Descendimiento con el de su contemporáneo "Van der Weyden
pone bien de manifiesto toda la intensidad de su lirismo.
Sus pinturas murales más numerosas se encuentran en el convento
de San Marcos, de Florencia, cuyo claustro, salones y celdas decora
con historias y figuras, algunas tan bellas como la de San Pedro Már-
tir imponiendo silencio, o la de Dos dominicos recibiendo a Jesús pere-
grino. En cada celda pinta además una escena, que con frecuencia e s el
Crucificado. Convertido hoy el convento en Museo de Fra Angélico,
en él se han reunido después buena parte de sus retallos.
El tema d e la Virgen con el Niño es uno de los que Fra Angélico Encerador, y su s e p u l c r o . - B ™ : Relieves, Astorga.
interpreta con mayor deleite. La Virgen de la Estrella es de simplici- 81-83.—LEONI: El
 PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 97

dad admirable. Recortado su esbelto contorno sobre fondo de oro, lo

que subyuga a quien la contempla es la ternura infinita del amor que
resplandece en María y el Niño. Otras veces imagina la Virgen sen-
tada, ante rica tela sostenida por ángeles, y luciendo amplio manto que
cae en suaves curvas al gusto de principios de siglo (lám. 104). En la
Sagrada Conversación, del convento de San Marcos, se muestra me-
nos arcaizante, y traza un sencillo fondo arquitectónico de puro estilo
Renacimiento y ante él la divina asamblea reunida, todo ello dotado
de un sentido plástico típico del nuevo siglo.
Pocas visiones celestiales tan puras y supraterrenas como las su-
100-101.—SIMONE MARTINI: Virgen y santos. Anunciación. yas de la Coronación de la Virgen. La de ese mismo convento de San
Marcos (lám. 110) está pintada sobre deslumbrante fondo de oro, cuya
lisura sólo rompen los rayos que parten del grupo central. La numerosa
corte de santos y ángeles se ordena a uno y otro lado en amplio círculo,
con sencillez tal, que hace pensar todavía en composiciones trecentis-
tas. En la Coronación del Museo del Louvre (lám. 106), el escenario se
convierte en elevadísimo trono sobre numerosas gradas jaspeadas de
alegre y luminoso colorido, muy de acuerdo con la rebosante beatitud
de los rostros de quienes presencian la celestial ceremonia; todo ello
en el tono de la más extasiada contemplación divina.
También repite el tema de la Anunciación en varias ocasiones. Tan-
to en la de Cortona, como en la del Museo del Prado (lám. 107), la Vir-
gen María, sentada bajo un pórtico de finas columnas renacentisas,
acata sin sorpresa ni temor el divino mensaje. En Cortona las delicadas
y elegantes manos del ángel dicen con admirable ingenuidad cómo ese
102-103.—A. LORENZETTI: El Buen gobierno. La Paz.
mensaje viene de las alturas; en Madrid, al cruzar siis brazos sobre
el pecho, al mismo tiempo que la reverencia del saludo, parece expre-
sar el homenaje a la que será la Madre de Dios. En le versión madri-
leña, por otra parte, se concede mayor espacio al Paraíso terrenal por
cuya pradera sembrada de menudas flores salen acongojados y pudo-
rosamente vestidos nuestros primeros padres. E n el naneo represéntan-
se cinco escenas marianas que comienzan en los Desposorios y terminan
en el Tránsito de la Virgen. En la Anunciación de Montecarlo (Tos-
cana), el escenario arquitectónico pierde importancia j el paisaje des-
aparece.

MASOLINO, MASACCIO, P. UCELLO Y A. DEL CASTAGMO.—De la misma ge-

neración de Fra Angélico es Masolino da Panicale, y como él, conserva
rastros del trecentismo tardío. El, sin embargo, es considerado el maes-
tro del gran innovador de este momento, Masaccio, cuyo estilo es muy
104-106.—FRA ANGÉLICO: Virgen, Descendimiento, Coronación. semejante al suyo. Con él colabora en los frescos de] Carmen, donde
7
98 MASACCIO, UCELLO
P I N T U R A DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA F I N E S DEL S. XV 99

pinta el Pecado original y dos historias de San Pedro. A él se deben, para P. Ucello en verdadera obsesión. Cuenta de él Vasari, que, cuando
además, los frescos de Castiglione de Olona. dedicado a sus estudios de perspectiva hasta altas horas de la noche,
Si Fra Angélico se limita a contarnos en forma maravillosa sus su mujer le invitaba al descanso, exclamaba: ¡O che dolce cosa e la
sueños místicos, Tomás Masaccio (t 1428) se siente impulsado por fuer- propettiva! Pero para él la perspectiva no es algo blando e impalpable,
za irresistble hacia un arte grandioso y dramático como el de Dona- una ilusión de espacio sin aristas, como para su maestro Ghiberti; her-
tello, poco mayor que él, y con quien pronto entra en relación. Des- mano legítimo de Masaccio, para él es, sobre todo, volúmenes y masa.
graciadamente, Masaccio muere al cumplir los veintiséis años, pero Si en la historia de San Jorge, de la colección Lanckorouski, de Viena,
le bastan para crear un estilo lleno de novedad. Se diría que en él nos dice de cuánto es capaz su fino sentido poético al contraponernos
reencarna el espíritu de Giotto o, al menos, en él parece aprendido el en una dilatada llanura el monumental corcel blanco del santo en vio-
sentido de la monumentalidad de las grandes masas y su vigoroso lento escorzo, y la gentil y delicada figura de la princesa, su ansia de
arte de componer. Su obra maestra son los frescos de la capilla Bran- volumen y monumentalidad, servidos por su perfecto dominio de la
cacci (1422), de la iglesia del Carmen, que, copiados durante varias perspectiva, triunfa en el fresco del condottiero inglés Hawkwood
generaciones por los jóvenes pintores, convierten esta capilla en una (1436), que, colocado a gran altura, produce plenamente la deseada
verdadera escuela. La historia de San Pedro sanando con su sombra ilusión de una estatua ecuestre. Cuatro años anterior a la de Gattame-
está concebida con grandiosidad extraordinaria y sentido plástico sor- lata, de Donatello, es su digno precedente. El tema del caballo de con-
prendente. En la estrecha calle, de la que sólo vemos uno de los lados, cepción monumental, y visto en los más violentos escorzos, es el que
los enfermos se escalonan en diversas actitudes, mientras el santo desarrolla en sus tres cuadros de Batallas (lám. 113) que pertenecieron
avanza majestuoso y con todo el sentido plástico de una escultura, a los Médicis y hoy se encuentran repartidos entre los museos de Flo-
pero con expresión que no deja dudas sobre su poder sobrenatural. rencia, París y Londres.
Esa fuerza que aparece como ahogada en el estrecho escenario ante-
De la generación siguiente, pero muerto muy joven, Andrea del
rior, se manifiesta más ampliamente en el Tributo de la Moneda (lá-
Castagno (t 1457) es quien parece haber heredado el estilo intensamen-
mina 108), representado ante un extenso paisaje de las más sobrias for-
te plástico y el sentido de la grandiosidad de Masaccio y Ucello. Es
mas, y con edificios igualmente simples. Sus personajes envueltos en
el autor de los frescos de la Cena, donde abandona la interpretación
sencillas vestiduras, sabiamente iluminados, sorprenden por la sensa-
iconográfica giottesca, y de los Varones ilustres (lám. 112) del convento
ción de volumen que producen, por la fuerza extraordinaria, y el aplo-
de Santa Apolonia, hoy museo dedicado al artista.
mo con que están plantados en tierra, y, sobre todo, por sus gestos
grandiosos, con los q u e el joven Masaccio se nos presenta como uno
FRA FILIPPO L I P P I , B. GOZZOLI Y P. DELLA FRANCESCA.—De la misma
de los más gloriosos predecesores de Miguel Ángel. De gran intensidad
dramática es el grupo de Adán y Eva (lám. 109). generación que Masaccio y Ucello, Fra Filippo Lippi (t 1469) es otro
de los grandes creadores del estilo cuatrocentisa. Ingresado muy niño
Masaccio no termina los frescos de la capilla Brancacci, que con-
en la Orden de los carmelitas, no siente vocación religiosa y su vida es
cluye Filippino Lippi. Según algunos, tampoco los comienza él, sino su
el reverso de la de Fra Angélico. En cierta ocasión sufre tormento por
maestro Masolino, cuyos frescos en Castiglone de Olona, aunque
haber falsificado una firma, y poco después rapta del convento en que
carecen de la monumentalidad de los de Masaccio, descubren a u n ar-
es capellán a una novicia, Lucrecia Butti, que le sirve de modelo. Fra
tista muy progresivo en quien precisa reconocer a uno de los creadores
Filippo frisa en los cincuenta años, y el fruto de esos amores, que le-
del estilo cuatrocentisa. El es discípulo, a su vez, del pintor de fines
gitima el Pontífice relevándole de sus votos, es el delicado pintor de
de siglo Starnina, que, como veremos, trabaja en España.
fin de siglo Filippino Lippi.
De temple heroico como Masaccio, es su coetáneo Paolo di Dono, Fra Filippo siente con demasiada fuerza el encanto de la natura-
a quien se conoce con el nombre de Paolo Ucello (t 1475). Comien- leza para dejarse llevar por el estilo de Fra Angélico. Aunque apren-
za su carrera en el a r t e de la platería, figurando como auxiliar o gar- de de sus dos grandes contemporáneos el sentido del volumen y el en-
zone de botega de Ghiberti cuando labra sus segundas puertas y de canto de la perspectiva, lo que constituye el nervio de su estilo es ese
él debe aprender el interés por la perspectiva que después se convierte sentido humano, en cierto modo análogo al de Donatello, que sabe in-
 PINTTJRA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 101
100 FRA FILIPPO LIPPI, B. GOZZOLI

piar todas las escenas de la Vendimia en el valle del Arno, era una de las
fundir a sus escenas religiosas. Aunque sin la pureza de las de Fra
obras más representaivas del interés por lo anecdótico del cuatrocen-
Angélico, sus Vírgenes son, sin embargo, de un encanto extraordinario
tismo, que desaparece en la centuria siguiente. Al lado de figuras de
(lámina 130). La de los Uffizi, en que unos ángeles elevan al Niño
elegancia clásica, como las jóvenes que llevan sobre sus cabezas las
hasta la altura de su Madre, es una de las obras maestras de la pintura
canastas de uvas, nos ofrece rasgos naturalistas, como el de la hija de
italiana, no sólo por su preciosa composición, sino por la vida de los
Noé que, al cubrirse el rostro con la mano aparentando no querer con-
rostros, más expresivos que correctos. En el Nacimiento (lám. 115), de
templar a su padre ebrio, entreabre los dedos para hacerlo disimulada-
que poseemos tres importantes interpretaciones —Museos de Berlín y
mente.
Florencia—, lo esencial es el tema de la Virgen adorando al Niño, de
gusto italiano. En cuanto al fondo, mientras en el primer término figu- Si este discípulo infiel de Fra Angélico representa el triunfo de lo
ra una pradera donde, como Fra Angélico, representa con verdadero anecdótico en la pintura florentina cuatrocentista, su coetáneo Piero
amor las flores y las hojas más menudas, en el último plano crea una della Francesca (t 1492) es el pintor enamorado de la luz —que quizá
zona de misterio, donde la luz ilumina los derechos troncos de un bos- por haberla amado tanto muere ciego sin poder contemplarla—. Ningún
quecillo. artista ha tenido hasta ahora en Italia su preocupación por elemento
de tan capital importancia en la pintura. Pues aunque desde pocos años
La Coronación de la Virgen (1447) (lám. 115), de los Uffiizi, proba-
antes vienen interesándose por su representación con particular empe-
da por gran número de personajes, es otra de sus obras principales.
ño los pintores flamencos, es con un sentido naturalista completamente
Inspirada su composición en la de Fra Angélico, su sentido plástico
distinto. Para Piero della Francesca la luz es esencialmente poesía; su
dota de intenso relieve a las figuras, mientras su arrebatado natura- actitud ante la luz tiene algo de estática. Ella le sirve para ilurri^ar el
lismo convierte en retratos a los más de sus modelos. Hasta nos ofrece milagro de Constantino (lám. 116) en su lecho y para henchir de luz
en primer plano su propio rostro, de escasa expresión mística, con el blanca opalina los cuerpos de sus personajes. Gracias a ella tiene trans-
letrero: Is perfecit opus. parencia de aparición. Y es curioso advertir cómo al ablandar esa luz
Como buen florentino, Fra Filippo cultiva también el fresco. La suave y difusa los volúmenes de sus cuerpos, no obstante la erguida
serie más importante decora la catedral de Prato (1452), cuya escena apostura de la figura, sus creaciones pierden el tono épico de Ucello y
más movida es la del Banquete de Herodías, donde el espíritu profano Masaccio y se convierten en un mundo de formas ligero y casi transpa-
del pintor se desenvuelve sin trabas y sus aficiones naturalistas se en- rente. De su interés por la perspectiva es buen testimonio su tratado
cuentran a tono con el tema. Salomé danzando y las dos jóvenes ha- De prospectiva plngendi. Su obra capital son las historias de la Santa
biéndole al oído son buena prueba de ello. Cruz (1452-1466), que pinta al fresco en Arezzo.
El espíritu profano y naturalista de Fra Filippo encuentra su con-
tinuador durante la segunda generación en Benozzo Gozzoli (t 1498),
LA ÚLTIMA GEKERACIÓN: GHIRLANDAJO.—La Florencia cuatrocentista
que es, en realidad, u n discípulo de Fra Angélico, de quien hereda,
ofrece uno de los espectáculos más admirables de fecundidad de la
al par que no pocos d e sus modelos y convencionalismos, el gusto por
historia del arte. Por los mismos años en que esta segunda generación
el paisaje poblado de figurillas y escenas anecdóticas. Benozzo es el
produce sus obras decisivas, nace una tercera que hace recorrer al
gran narrador del quattrocento florentino. Al encargarle los Médicis
cuatrocentismo su última etapa. Es la de Lorenzo el Magnífico (t 1492),
la decoración de la capilla de su palacio (1459), cuyo retablo es el Na-
el nieto de Cosme, en quien el amor a las artes es aún más intenso que
cimiento, de Fra Filippo Lippi, del Museo de Berlín, imagina, sobre
en su antecesor. El es la figura central en torno a la cual gira la Flo-
todo, u n paisaje rico en accidentes y poblado de elegantes cipreses y
rencia de fines de siglo, apasionada por las artes y la literatura y an-
menudos caseríos p o r donde desfilan por uno y otro lado las larguísi-
siosa de revivir los tiempos clásicos. Amigo también de la Filosofía, es
mas cabalgatas de los Reyes Magos (lám. 114), en las que, al pare-
uno de los más asiduos de la Academia Platónica y además es poeta.
cer, retrata a los dueños de la casa, a la Florencia de su tiempo, e in-
Enamorado de las flores, como Fra Angélico o Fra Filippo, dedica un
cluso nos deja su p r o p i o retrato. Importantes eran también los des-
soneto a la viólela. Pero, sobre todo, sabe presentir en esa inconsciente
truidos frescos del Campo de Pisa, entre los que sobresalía el de Noé
alegría de la juventud y del artista los días tristes de Savonarola y del
ebrio. Concebida con tal lujo de pormenores que nos permite contem-
102 GHIRLANDAJO PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 103

destierro de los suyos. Nos lo dice en los versos admirables de sus De sus pinturas en tabla merecen recordarse la Visitación (lám. 117),
Canti carnascialeschi: del Museo del Louvre, que está interpretada como un saludo de corte,
y la Adoración de los pastores (lám. 123), donde el pesebre es un sar-
Quant'e bella giovinezza cófago romano, y aparece al fondo un arco de triunfo con dedicatoria
che si fugge tuttavia a Pompeyo Magno. Entre sus retratos, que, de acuerdo con la moda
Chi vuol esser lieto sia! florentina de la época, son de riguroso perfil y con el cuerpo erguido,
Di doman non c'e certezza. es excelente el de Giovana degli Albizzi (lám. 118), de propiedad particu-
lar, si bien es más atractivo el del Abuelo y el nieto, del Museo del
Es la gota de pesimismo que, convertido en honda tragedia, inspi- Louvre (lám. 132), donde poesía y realidad se contraponen y equilibran
ra a Botticelli, el más sensible y fino de sus pintores. Rodeado de ar- en forma admirable.
tistas maduros de primer orden, su casa continúa siendo, como en los
días de Cosme, el palacio de las artes y las letras, y la academia de los BOTTICELLI. OTROS PINTORES.—Sandro Botticelli (t 1510) es un tem-
jóvenes en que, como hemos visto, el propio Lorenzo enseña sus ca- peramento artístico profundamente sensible y apasionado. Lejos de la
mafeos a Miguel Ángel niño. Al morir el año mismo en que Colón des- inexpresión y rigidez de que a veces peca Ghirlandajo, la emoción guía
cubre el Nuevo Mundo, Florencia sólo continúa siendo la capital artís- su dibujo nervioso, agita los cuerpos de sus personajes y se desborda
tica de Occidente por muy breve tiempo. Sus dos hijos más ilustres, en sus rostros, expresivos y cargados de pesimismo.
Leonardo y Miguel Ángel, la abandonan al comenzar el siglo, y Rafael, Botticelli es además el gran pintor de fábulas paganas de la Flo-
que a ella acudiera deslumhrado por su prestigio, se traslada también rencia de Lorenzo el Magnífico. Aunque sus contemporáneos creen ver
a la Ciudad Eterna. resucitado en sus representaciones mitológicas el arte antiguo, sólo tie-
El espíritu narrativo y profano que hemos visto constituir el nervio nen de clásico el tema. En realidad, son una creación renacentista, y
de Benozzo Gozzoli, parece continuarse en Domenico Ghirlandajo su tono, un tanto enfermizo y romántico, es puramente botticelliano.
(t 1494). Amigo de imaginar grandes conjuntos de numerosos persona- Botticelli pone en su interpretación tal entusiasmo y cree él mismo
jes, apuestos y elegantes, de una elegancia un tanto rígida, y de rostros llegar tan lejos, que cuando sobreviene la reacción antipagana, movido
a veces algo inexpresivos, hace que lo profano invada las historias re- por la arrebatadora palabra de Savonarola, parece ser que él mismo
ligiosas en proporciones hasta ahora desconocidas. A veces parece que lleva a la hoguera alguna de sus obras de este tipo.
el tema religioso es simple excusa para desarrollar una escena pro- Botticelli es uno de los más inspirados pintores de la Virgen. Des-
fana, en la que, por o t r a parte, lo secundario y anecdótico adquiere pués de las de Fra Angélico, en las que la beatitud de la contemplación
extraordinaria importancia. Buena parte de los personajes de sus esce- divina se expresa en forma nunca superada y de las ya mucho más
nas suelen ser retratos de los patronos y sus amistades. Como digno humanas de Fra Filippo, las de Botticelli pierden la alegría y la tran-
fondo de sus agrupaciones numerosas, gusta de imaginar amplias ar- quilidad y su expresión se torna melancólica. Sus rostros son tristes,
quitecturas, ricas en perspectivas y decoración, arcos de triunfo, etc. su mirar de ensueño. Cuando contemplan al Niño parecen pensar ya
Su obra principal es la hermosa serie de grandes frescos de Santa en el Gólgota. Sus tondos —pinturas circulares— de la Virgen del Mag-
María Novella (1486), dedicados a las vidas de la Virgen y de San gificat (lám. 131) y de la Virgen de la Granada figuran entre las crea-
Juan, y encargados por la familia Tornabuoni, que se hace retratar en ciones más inspiradas del Renacimiento y típicas del pintor. En la
varias historias. El Nacimiento de la Virgen (lám. 122), por ejemplo, de San Bernabé presenta a la Virgen de cuerpo entero, rodeada de san-
está representado en el interior de un lujoso palacio renacentista, don- tos de diversas épocas, es decir, formando lo que se llama una Sagrada
de Santa Ana se incorpora sobre su lecho para recibir al elegante grupo Conversión, presenciando cómo muestran al Niño los instrumentos de
de damas, la primera de las cuales es Ludovica Tornabuoni, que avanza la Pasión.
majestuosa hacia ella, corno en una escena de corte. El tema secundario Ese dramatismo que se manifiesta en la expresión de los rostros
de la joven echando agua para lavar a la recién nacida adquiere impor- mueve también las actitudes, a veces con violencia tal que parece que-
tancia de primer orden. brar las figuras, como sucede en la Anunciación y en la Piedad (lámi-
104 BOTTICELLI

na 120). La historia religiosa concebida con mayor originalidad y arre-

bato místico más intenso, quizá sea su Nacimiento, de la Galería Na-
cional de Londres, donde los ángeles se abrazan en primer término,
mientras otros, en los aires, con coronas y azucenas pendientes, danzan
en corro.
En el Nacimiento de Venus (láms. 121, 124), trata de reconstruir una
pintura perdida de Apeles, descrita en una poesía de Poliziano. Inspi-
rándose probablemente en la Venus de Médicis, su propio sentido de
la belleza, totalmente diferente, la dota de una cabellera espléndida
que aspira a ser velo de oro impulsado por la brisa que arquea leve-
mente su cuerpo. Para algunos el modelo ha sido Simonetta, la amiga 107-109.—FRA ANGÉLICO: Anunciación.—MASACCIO: Tributo de la moneda.
de Lorenzo el Magnífico, nacida en Porto Venere, lugar donde la diosa Adán y Eva.
toma tierra al nacer.
i?*V r"T»f
La Primavera es composición alegórica inspirada en textos de Lu-
crecio y Poliziano. Sobre un fondo de verdura, Venus preside el des-
pertar de la Naturaleza. Mientras por la derecha penetra la elegante
figura de Flora seguida de la Primavera temprana, temerosa de morir
en los brazos de Céfiro, el viento de marzo, a la izquierda aparece el
bello grupo de las Gracias (lám. 119) asaetadas por un amorcillo. De
larguísimas cabelleras de oro y cubiertas por leves y transparentes velos,
son los más bellos cuerpos de mujer del cuatrocentismo florentino.
Espigados y casi de adolescente, reflejan un ideal de la belleza que
desaparece en la generación siguiente. El nervioso dibujo botticelliano,
que anima esos cuerpos, crispa sus dedos, que se entrecruzan inquie-
tos, y convierte las onduladas vestiduras de las Bacantes clásicas
en un bello rizo cargado de emoción. En el extremo del grupo, el dios 110-111.—FRA ANGÉLICO: Coronación.—L. MONACO: Coronación:
Mercurio.
La Calumnia (lám. 125), de ejecución primorosa y de brillante colo-
rido, es, como el Nacimiento de Venus, un ensayo de reconstrucción
de una pintura de Apeles, sólo conocida por un texto griego traducido
por Alberti. Es u n a composición alegórica, en la que la Calumnia, cuya
cabeza engalanan con flores la Traición y el Engaño, guiada por la
Envidia, arrastra a la víctima, medio desnuda, a los pies del trono
del rey Midas, que con sus grandes orejas de asno escucha los consejos
de la Ignorancia y la Sospecha. En el extremo opuesto, separados del
grupo, aparecen, envuelto en negras vestiduras, el Remordimiento, y
más allá, desnuda, la Verdad, con los ojos en el cielo, confiada en su
triunfo final. Dentro de este género alegórico es también importante
la pintura de Minerva dominando al centauro, que simboliza la inteli-
gencia venciendo las fuerzas brutas y, según algunos, a los Médicis
triunfando del desorden popular. 112-114.—CASTAGNO: Pipo Spano.—P. UCELLO: Batalla.—B. GOZZOLU: Rey Mago.
 PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 105

Aunque escasas, también son importantes, dentro del género pro-

fano las pinturas inspiradas en novelas renacentistas, como la serie
del Museo del Prado, que ilustra la historia de Nastagio degli Onesti,
del Decamerón de Boccaccio. Representa en las dos primeras tablas
(láms. 126, 127) cómo Nastagio, desesperado por el desdén de la que n o
quiere ser su prometida, marcha a un pinar próximo a la ciudad, donde
se ve sorprendido por el espectáculo de otro enamorado, que, habién-
dose quitado la vida en análogas circunstancias, ha sido condenado a
perseguir eternamente a su amada y arrancarle el corazón, que devo-
ran unos perros. Nastagio, en vista de ello, organiza en aquel lugar
130-132.—FILLIPPO LIPPI: Virgen.—BOTTICELLI: Virgen del Magnificat.-
una comida (lám. 128), a la que invita a la desdeñosa joven, quien, alec-
GHIRLANDAJO: Abuelo y nieto. cionada por el espectáculo, que no tarda en reproducirse ante su vista,
accede a los deseos de Nastagio. El banquete de bodas (lám. 129), que
es el tema de la cuarta tabla, pertenece a una colección inglesa.
Como testimonio de sus dotes de pintor de retrato, puede recordar-
se el de Lorenzo el Magnífico, el de su hermano Giuliano y el que se
supone de Simonetta Vespucci.
El temperamento nervioso de Botticelli se transforma en verdadero
desequilibrio en Filippino Lippi (t 1504), el hijo de Fra Filippo. De
dotes muy inferiores a las de Botticelli, de quien puede considerarse
discípulo, es, sin embargo, una de las personalidades más significativas
del arte florentino de fin de siglo. A la monumentalidad, a la sensación
de masa y de estabilidad, aspiraciones supremas de Masaccio, opone
el gusto por cuerpos demacrados y raquíticos, y por la inestabilidad,
complaciéndose en forzar el equilibrio hasta el límite mismo del desequi-
•>».v.
librio. La exaltación de Botticelli en su Anunciación es el tono normal
133-135.—FILIPPINO LIPPI: Santa María Egipcíaca.—VERROCCHIO: Bautismo.-
PERUGINO: S. Sebastián. de Filippino. La despreocupación de aquél por la belleza como correc-
ción le lleva a él, por la ruta de lo expresivo, a complacerse en lo feo
y deliberadamente incorrecto (lám. 133). Ya en su Virgen y San Bernar-
do (1480), en la que muestra su estilo formado, no obstante haberla
pintado a los veintitrés años, puede verse cómo el modelo paterno se
ha transformado en una lánguida florentina de alargadas proporciones,
cuello esbelto y expresión romántica. Su estilo se extrema aún más,
sin embargo, en los frescos de San Felipe, de Santa María Novella,
donde, al representar el martirio del santo, elige precisamente el mo-
mento cuando la cruz a medio elevar y sostenida por cuerdas se en-
cuentra en el instante de mayor peligro.
Pintor también de gran valía, aunque más conocido como escultor,
es Andrea de Verrocchio (t 1488), que cuenta entre sus méritos haber
sido maestro de Leonardo. Su obra pictórica más importante es el
ni, 137.—PERVJGINO: Entrega de las llaves. La Virgen y San Bernardo. Bautismo de Cristo (lám. 134), de la Academia de Florencia, terminado
106 ESCUELA DE UMBRÍA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 107

con la colaboración de aquél. Al joven Leonardo parece que se deben dad de las composiciones peruginescas. Después de las historias que
principalmente las figuras de los ángeles. pinta en el Vaticano, en las que colabora con el Perugino y los floren-
tinos más ilustres de fin de siglo —la más importante es la Disputa de
ESCUELA DE UMBRÍA: PERUGINO Y PINTORICCHIO. SIGNORELLI.—En la Santa Catalina—, pinta por encargo del futuro Pío II, el Papa huma-
segunda mitad del siglo xv se forma una nueva escuela pictórica en el nista, en la librería de la catedral de Siena (1503), una serie de gran-
centro de Italia, que tiene por sede Umbría, el país amplio, de suaves des frescos consagrados a recordar los hechos más gloriosos de la vida
colinas iluminadas por el resplandor del lago Trasimeno. Sus dos prin- de aquél. Por la belleza de su composición y por el lujo representado,
cipales maestros mueren muy entrada la centuria siguiente. es probablemente, el más atractivo el que figura la Partida para Basilea
Aunque formado en Florencia, Pietro Vannucci, él Perugino (t 1524), (lámina 138).
no tarda en crear un estilo propio poco variado, pero completamente Artista de temple espiritual completamente distinto de los dos ante-
personal. El imagina un mundo poblado de personajes de formas blan- riores es Signorelli (t 1523). que nace en un pueblecito del valle del
das y redondeadas, siempre un tanto femeninas; actitudes indolentes lago Trasimeno, muy próximo ya a Toscana, y marcha muy joven a
y mirar dulce y sentimental (lám. 135). Si está ya muy lejos del estilo Arezzo, donde entra en el taller de Piero della Francesca. De él aprende
fuerte de mediados de siglo, su expresión superficial es, en cambio, la sencillez y la monumentalidad. En este sentido ninguna obra suya es
el reverso del apasionamiento botticelliano. El Perugino no es hom- superior a la Escuela del dios Pan, sin duda una de las creaciones mito-
bre de grandes crisis ni tormentas espirituales. Aunque su misma fe lógicas más bellas del cuatrocentismo. Pintada para Lorenzo el Mag-
flaquea —el Vasari nos dice que no hubo medio de hacerle creer en nífico, representa un concierto de pastores presidido por el dios, y con
la inmortalidad del alma—, sus Vírgenes candorosas son una de sus asistencia de la ninfa Eco, en que nos contrapone las carnes luminosas
creaciones más populares y el punto de partida para las de Rafael. femeninas y el cuerpo tostado del dios.
Solas con el Niño y de medio cuerpo, o rodeadas de santos y bajo un Su gigantesca pasión por lo trágico y por el movimiento convierte,
pórtico, como la de Senigallia (1498), siempre están dotadas de la mis- en cambio, su serie de pinturas murales de la catedral de Orvieto
ma expresión de ensueño. (1499-1508) en algo así como el prólogo de la Capilla Sixtina de Miguel
Amigo extremado de la simetría y de la ponderación de masas, Ángel. Los temas —los Signos que anuncian el fin del mundo, la Pre-
ante algunas de sus obras se piensa en un trecentista que emplea for- dicación del Anticristo, la Resurrección de la carne, el Infierno— dan
mas cuatrocentistas. En cambio, aporta a la pintura de su tiempo el pie a ello, y donde la expresión dramática alcanza sus notas más agu-
amor a los escenarios amplios (lám. 137). Se diría que, lo mismo cuan- das es en el Infierno. El dolor y el movimiento llegan bajo su pincel
do pinta fondos de paisaje recordando la dilatada campiña umbría, al frenesí. Es una enorme masa humana en la que todos gritan de dolor,
poblada de finos arbolillos cuyas copas se transparentan tenues sobre donde demonios de carnes verdosas estrangulan a los mortales, los
el azul del cielo, como el de la Crucifixión, que cuando imagina fondos hacen pedazos, o los pisotean. Los episodios rebosantes de dolor y
de arquitectura, tiene ansia de espacio. En su Entrega de las llaves a crueldad se enlazan hasta el infinito con arte insuperable que borra
San Pedro (1483) (lám. 136), jalón capital para la historia de la perspec- toda posible monotonía (lám. 143). Desde los días de Dante no se expre-
tiva, dispone una gran plaza, donde se pierde la vista, y levanta en san con tal grandiosidad y tan hondo dramatismo las torturas inferna-
ella un templo octogonal y dos arcos de triunfo, escalonando en pro- les. Si Fra Angélico, que sólo llega a pintar la bóveda de esta capilla,
fundidad diversos personajes sobre un pavimento de gran cuadrícula. había de representar esos temas en los mures, hizo bien en ceder los
Así terminan a fin de siglo los desvelos de Paolo Ucello por la pers- pinceles a Signorelli. Son pinceles q u e sólo Miguel Ángel volverá a em-
pectiva. plear en su Juicio final.
Pintoricchio (t 1513), sólo ocho años más joven que el Perugino,
siente, como él, gran amor por los escenarios amplios. Pero ya en sus PADUA: SQUARCIONE Y MANTEGNA. FERRARA.—Padna se concierte a me-
comienzos, cuando su estilo es muy semejante al de éste, descubre una diados de siglo en el foco artístico m á s vigoroso, por donde el Renaci-
manifiesta inclinación por el lujo y un deseo de acumular elementos miento florentino irradia al norte d e Italia. E l terreno para un arte
anecdóticos y pintorescos, que hacen desaparecer el reposo y la clari- fuerte y monumental lo prepara Donatello al le-vantar allí la estatua
108 MANTEGNA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 109

ecuestre de Gattamelata, y el interés que Padua manifiesta por la pers- y aves se asoman. Fuente de inspiración del Correggio, es en esta obra
pectiva es semilla sembrada, a su paso por la ciudad, por sus dos gran- el precursor de las grandes perspectivas arquitectónicas barrocas.
des campeones: Ucello y Piero della Francesca. Pasa por ser el funda- Para el teatro del Palacio pinta la serie del Triunfo de César (1492),
dor de la escuela Francesco Squarcione (t 1474), persona extraña que, ya citada, para cuya preparación hace un viaje a Roma. En ella nos
en forma algo misteriosa, enseña la perspectiva a sus discípulos, cuyas deja la obra maestra de la erudición arqueológica renacentista, repre-
obras, al parecer, vende como suyas, hasta que se hacen independientes. sentando soldados, prisioneros, carros, trofeos, etc. La más importante
La gran figura de la escuela es Andrea Mantegna (t 1506), la antítesis de tema mitológico es el Parnaso, que pinta igualmente para la corte
del Perugino. Su pintura, aún más que escultura, quiere ser arquitec- de Mantua. El Museo del Prado posee de su mano el Tránsito de la
tura, el arte donde la masa y la monumentalidad dominan. Sus perso- Virgen (lám. 139).
najes son fuertes y se apoyan en tierra, rígidos como fustes de colum- En la vecina Ferrara, la influencia de Mantegna forma, en la segun-
nas, con el decidido propósito de producir la impresión de fuerza. Los da mitad del siglo, al representante más puro y exaltado del manieris-
plegados de sus ropajes se dirían las huellas de las lascas saltadas al mo cuatrocentista. En Cosme Tura (f 1495), los vigorosos personajes
labrar la piedra. Los fondos de arquitectura no le interesan para crear del paduano, consumidos en una atmósfera enrarecida que les oprime,
espacio, como al Perugino, sino para producir la sensación de masa, se convierten en unos seres nerviosos, que, sin embargo, continúan
para producir volúmenes, y ese mismo sentido de dureza y de masa queriendo ajustarse a una clara trama de líneas y ángulos rectos. Obras
hace que sus fondos de paisaje, como el de La Oración del Huerto (lá- típicas suyas son la Piedad, del Museo del Louvre, y la Primavera, de la
mina 141), sean desoladas canteras en que las entrañas pétreas de la Galería Nacional, que, lejos de estar simbolizada en una joven llena de
Tierra se hinchan para mostrarnos rocas que quieren ser sillares. Al vida, es una mujer cuya frescura han agotado los años (lám. 140).
servicio de su ansia de masa y de monumentalidad, Mantegna pone un
dominio profundo de la perspectiva y, sobre todo, del escorzo. Su Cristo
VENECIA: LOS BELLINI. CARPACCIO. SICILIA: ANTONELLQ DE MESINA.—
muerto (1501) (lám. 146) de la Pinacoteca de Brera, de Milán, es en
La sensibilidad veneciana es muy diferente de la florentina. Mientras
este último aspecto la obra más representativa del Renacimiento cua-
el toscano no olvida nunca en la obra pictórica el dibujo y conserva
trocentista, en la que el maestro paduano parece recoger el guante de
siempre un cierto sentido escultórico de la forma, el veneciano experi-
Paolo Ucello. Típico de Mantegna, e hijo de estas mismas preocupacio-
menta mayor entusiasmo por el color. A lo preciso y terso de la forma
nes, es el bajo punto de vista que toma ante el modelo, que así gana
de aquél, opone una cierta imprecisión y un decidido amor por la blan-
considerablemente en grandiosidad. Buen ejemplo de ello es el Desfile
dura. Suele aducirse como explicación de esta distinta manera de inter-
de César, de Hampton Court. Mantegna es además uno de los cuatro-
pretar la forma, el aire húmedo y cargado de vapor, propio de una
centistas que con mayor fidelidad han representado la decoración arqui-
ciudad construida en el mar, que siempre la esfuma. Y es indudable,
tectónica romana.
por otra parte, que la vida veneciana, en directo y continuo contacto
Todavía a las órdenes de Squarcione, pinta en la Capilla Ovetari de comercial con Oriente, es más lujosa y rica de color que la toscana.
San Agustín las monumentales historias de Santiago, cuyo bajo punto La puerta de Italia hacia Oriente es Venecia, y los pintores venecianos
de vista realza la grandiosidad del fondo y de las figuras. El resto de la ven desfilar constantemente por sus calles a orientales de grandes tur-
capilla lo decoran en un estilo muy semejante sus compañeros del taller bantes y vistosas vestiduras. Nada tiene, pues, de extraño que el lujo
de Squarcione. La visita a Padua del veneciano Giovanni Bellini, que de la vida ciudadana se refleje en sus pinturas, hasta el punte de cons-
tituir una de sus características más destacadas. Más lejanos de Roma,
se casa con su hermana, al mismo tiempo que enriquece el colorido
menos en contacto con la antigüedad clásica y menos preocupados por
de Mantegna, le decide a abandonar a Squarcione y marchar a Mantua,
la escultura romana que los florentinos, los pintores venecianos buscan
donde pasa el resto de su vida al servicio de los Gonzaga. Su obra prin-
su fuente de inspiración en la vida misma. Incluso cuando cultivan
cipal en esta ciudad (1474) son las pinturas murales de la Cámara
temas mitológicos lo hacen con naturalidad que sorprendería en Tos-
degli Sposi de aquel palacio, una de cuyas partes más interesantes es el
cana. Este interés predominante por el color y este sentido más natu-
techo, en que finge una claraboya circular con balaustrada, donde niños
ralista son los que convierten a la escuela veneciana en la más progre-
110 BELLINI PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA HASTA FINES DEL S. XV 111

siva del siglo xvi y de más fecundas consecuencias para la formación que le honra con el título de Bey, y de quien hace el fino y penetrante
de la gran pintura europea de la centuria siguiente. retrato (1480) de la Galería Nacional de Londres.
En Venecia se desarrolla, desde fecha bastante temprana, una in- Giovanni Bellini (t 1516), hijo también de Jacopo, colabora con él
tensa actividad pictórica, que produce en el segundo cuarto de siglo y con su hermano Gentile. Los datos que poseemos de su vida nos lo
artistas como Antonio Vivarini, en quien se dan ya algunas de las carac- presentan rodeado del mayor prestigio. Cuando Durero lo conoce, ya
terísticas que distinguirán a la escuela. Así, en él y en sus contempo- viejo, escribe que, pese a su edad, es el mejor pintor de Venecia, y
ráneos se pone bien de manifiesto el gusto veneciano por el color y Ariosto lo cita a la altura de Mantegna y Leonardo. Así como Gentile,
por las formas blandas y redondeadas, por la riqueza —fondos de oro en sus cuadros de numerosos personajes, nos muestra la vena narra-
en relieve— y por las escenas de numerosos personajes. Obra típica tiva y espectacular que animará a Veronés, Canaletto y Guardi, Giovan-
de ese momento es la Coronación de la Virgen (1444), de la iglesia de ni es el predecesor del Tiziano. Influido en los primeros tiempos por
San Pantaleón, en la que los personajes celestiales se acumulan hasta Mantegna, reacciona después contra sus formas secas y duras, y, como
el infinito. A esta época corresponde también la presencia en Venecia buen veneciano, las ablanda paulatinamente y las hace más redondea-
del pintor umbrío Gentile da Fabriano (t c. 1427), en cuya Adoración das. De aquel momento son la Oración del Huerto (lám. 142), obra del
de los Reyes, influida por el estilo internacional, se manifiesta el mismo mayor interés para conocer el punto de partida del paisaje veneciano,
amor por la riqueza y por la abundancia de personajes. que terminará en las suavidades de Giorgione y Tiziano, y la Piedad,
Pero los que encauzan la sensibilidad veneciana y fijan los carac- en la que las formas se definen con precisión y aun dureza y la expre-
teres de la escuela son los Bellini, cuyo progenitor, Jacopo (t 1470), se sión es intensa. En su retablo de la Virgen (lám. 148), con las dos pare-
forma con Gentile da Fabriano. Pintor de Vírgenes de estilo todavía jas de santos, que después servirá de inspiración a Durero, la influen-
bastante hierático, en sus dibujos de tema profano con fondos arqui- cia de las rígidas actitudes de Mantegna es aún más sensible. Si esas
tectónicos poblados de figurillas nos muestra ese gusto narrativo y
obras descubren la honda huella dejada en Bellisi por el maestro pa-
por los aparatosos escenarios que distinguirá a su sucesor. De su hijo
duano, sus numerosas representaciones de la Virgen de medio cuerpo
Gentile (t 1507), que desarrolla esta faceta del arte paterno, poseemos
con el NifVo (lám. 145) permiten ver cómo se libera de esa influencia
grandes lienzos donde, sobre ricos escenarios arquitectónicos, medio
y va humanizando progresivamente sus modelos femeninos, cada vez
bizantinos y medio góticos, típicamente venecianos, desfilan o se detie-
menos espigados y más semejantes a los del Tiziano. Su complacencia
nen a ver lo que sucede en las calles innumerables personajes. El Mila-
en recrearse en su fino cutis femenino o en las blandas carnes del Niño
gro de la Santa Cruz (lám. 144) es la réplica veneciana a las grandes
es ya puramente veneciana. Nos ha dejado también algún retrato exce-
escenas de B. Gozzoli o Ghirlandajo, en las que el tema del cuadro se
lente (lám. 147). Giovanni Bellini, gracias a su larga vida, es uno de los
pierde en la numerosa concurrencia que llena el escenario. En este caso
maestros que más han hecho evolucionar la escuela.
el asunto es la historia de la Cruz con la reliquia, que, al ser trasladada,
cae al canal e intentan recuperarla en vano varios venecianos, hasta El cronista de la vida veneciana que hay en Gentile Bellini encuen-
que, al fin, lo consigue el guardián de la Cofradía, Andrés Vendramin. tra su más ilustre continuador en Vittorio Carpaccio (t 1525), que en la
Entre los que contemplan la escena se encuentra Catarina Cornaro, la encantadora serie de la vida de Santa Úrsula (lám. 149) traduce el viejo
reina de Chipre. texto medieval de la Leyenda Dorada al lenguaje rico y fastuoso de la
En otra de las historias, el Sermón de San Marcos en Alejandría, vida veneciana de su tiempo. El escenario es Venecia, con sus canales,
que hoy sólo se considera de su escuela, personajes y escenarios se plazas y palacios de mármol, y venecianos son los embajadores y su sé-
cargan de orientalismo. En el templo del fondo, al recuerdo de la iglesia quito, que piden la mano de la hija del rey, se despiden y regresan; el
del santo en Venecia, se agregan los finos alminares turcos, y el público público que los contempla y el dormitorio de la escena del Sueño de la
se cubre con enormes turbantes blancos. Si el orientalismo y la pre- Santa, donde Carpaccio, con amor de primitivo flamenco, se deleita
sencia de los orientales es la nota que, con sus canales, más distingue representando la luz suave que ilumina el interior y un sinnúmero de
a Venecia de las restantes ciudades italianas, en Gentile Bellini ese minucias, desde los zapatos al pie del lecho y la corona hasta el perrillo
orientalismo se ve reforzado por su viaje a la corte de Mahomet II, que vela el sueño de la santa.
112 ANTONELLO DE MESINA

Contemporáneo de Gentile y Giovanni Bellini es Carlos Crivelli

(t 1495), que en la Anunciación, de la Galería Nacional de Londres, se
expresa con locuacidad narrativa típicamente veneciana. Su dibujo,
preciso, es, sin embargo, de ascendencia paduana.
El sur de Italia, desde mediados del siglo de la Corona de Aragón
y sujeto antes a la dominación francesa, al par que la influencia tos-
cana recibe la flamenca, con el consiguiente empleo de la técnica del
óleo, desconocido en el resto de Italia. El representante más refinado
de esta escuela es Antonello de Mesina, que une a la brillantez y pro-
fundidad del colorido flamenco el sentido plástico y de la belleza ita-
lianos. Sus retratos de busto (lám. 150), además de poseer en el más 138-140.—PINTORICCHIO: Silvio II p a r t e p a r a Basilea— MANTEGNA: Tránsito
alto grado ambos valores, delatan su fina sensibilidad para penetrar de la Virgen.—TURA: Virgen.
en el alma del retratado. En Antonello la influencia de Venecia, donde
permanece unos dos años en la octava década del siglo, es profunda.

141, 142.—MANTEGNA: Oración del Huerto.—GIOVANNI BELLINI: Oración del Huerto.

143, 144.—SIGNORELLI: Condenados.—GENTILE BELLINI : L a reliquia de la Sanlu CIII/.

 CAPITULO VI

PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA

DURANTE EL SIGLO XVI

E L SIGLO XVI.—Como en arquitectura y en escultura, el estilo pictó-

rico del siglo xvi distingüese por un decidido deseo de simplificación,
claridad y grandiosidad, sobre todo en las escuelas florentina y romana.
Este proceso de simplificación significa el destacar el tema principal,
con la consiguiente pérdida de importancia de lo secundario y anecdó-
tico, que tanto interesa a los cuatrocentistas. La inmediata consecuen-
cia de ello es la claridad de las composiciones, en las que se perciben
desde el primer momento las líneas y planos fundamentales. Es el arte
de componer que culmina en los grupos inscritos en triángulos equi-
láteros. Paralela a este proceso de depuración de lo secundario y de
lo anecdótico es la reacción idealista, que, inspirada por el platonismo,
lleva a los pintores a crear tipos humanos de una corrección suma.
Estos personajes adoptan actitudes decididamente elegantes, pero de
elegancia mucho más flexible que la de Ghirlandajo, y su mímica gana
en grandilocuencia lo que pierde en ingenuidad. La grandilocuencia
llega a convertirse en la ya aludida terribilitá miguelangelesca. Al mis-
mo tiempo, la figura se hace más rica en movimiento, hasta que la pre-
ocupación por éste termina desembocando en el manierismo. En suma,
la figura humana evoluciona en la misma forma ya comentada en la
escultura.
El escenario arquitectónico apenas interesa como fondo de amplias
y ricas perspectivas. Dominada la perspectiva y pasada la fielre produ-
cida por el entusiasmo de su descubrimiento, la arquitectura importa
ahora por su masa para acompañar y aun realzar la monurnentalidad
de la figura. Cuando se trata de una sola o de un grupo sencillo, un
gran pedestal y un trozo de columna suele servir de fondo. 11 escorzo
I
114 LEONARDO DE VINCI PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 115

continúa, sin embargo, interesando, aunque más que en la figura en aspecto da en sus dibujos un paso más allá que Donatello, y de lo feo
1
reposo —Cristo muerto, de Mantegna (lám. 146)—, en la figura en movi- pasa a lo monstruoso. Las actitudes de sus personajes son mucho más
miento, y en este aspecto el avance es considerable. Los cinquecentistas complicadas y ricas en movimientos que las de sus predecesores, y en
hacen también nuevas conquistas en el campo de la luz, que ya no sirve este aspecto su influencia en los maestros posteriores y en la forma-
sólo para crear volúmenes de formas precisas como a Masaccio y Ucello. ción del estilo cinquecentista es decisiva. El interés por la mímica y
El estudio de la luz y de la sombra hace que la línea vigorosa de los por el movimiento de la actitud le lleva a preocuparse sobremanera
cuatrocentistas florentinos se esfume y el modelo se ablande, ganando por el arte de enlazar unas figuras con otras, tanto formal como es-
en riqueza expresiva —Vinci, Correggio—; se descubre en la luz un piritualmente. Es el arte que culmina en su famosa Cena. Pero Leonar-
valor dramático de primer orden y, antes de terminar el siglo, se dan do no se limita a estudiar el cuerpo humano. En el estudio del caballo
los primeros pasos de la perspectiva aérea —Tintoretto—. pone también el mayor entusiasmo. En el destinado a la estatua ecues-
En la pintura italiana del siglo xvi distínguense varias escuelas: la tre de Ludovico el Moro, de la que sólo termina el modelo en yeso, in-
florentina, cuyos principales maestros se trasladan pronto a la Ciudad vierte varios años, y en el intenso movimiento del cartón para la Ba-
Eterna, donde fundan la romana; la milanesa, que es, en realidad, la talla de Aghiari, del palacio viejo de Florencia, se encuentra en germen
de los discípulos de Leonardo; la de Parma y la veneciana. el barroquismo de las batallas y cacerías de Rubens.
Parejo de este interés por la mímica y el movimiento es el que
LEONARDO DE VINCI (t 1519).—Es, de los artistas del siglo xvi, el que siente por la luz y la sombra. El tránsito suave de una a la otra es
da los primeros pasos hacia la conquista del nuevo ideal. Nacido en una de sus principales preocupaciones. A la rigurosa línea de los cua-
el pueblecito florentino de Vinci al mediar el siglo xv, se forma en el trocentistas florentinos reemplaza el suave paso de la superficie ilumi-
taller de Verrocchio, y al cumplir los treinta entra al servicio de Lu- nada a la superficie en sombra, y de los colores vivos a la tonalidad
dovico el Moro, en Milán, donde permanece cerca de veinte años. El vaga; en suma: el típico esfumado leonardesco. Pero en Leonardo,
destronamiento de aquél le hace recorrer Italia en diversas comisiones aparte de su valor primario para acusar el relieve, tiene un valor esen-
durante el resto de su vida, hasta que, agotado para el trabajo, cruza cial para dulcificar la expresión.
los Alpes al servicio de Francisco I, en cuyos brazos muere paralítico Leonardo es, además, el gran teórico renacentista que nos deja
tres años después. expuestas sus doctrinas en su Tratado de la Pintura.
Leonardo, por su notable afán de saber, de poseer todas las artes, Después de sus obras juveniles, como la Anunciación, cuyo estilo
de dominar todas las técnicas y de inventar, es quizá el genio más re- se encuentra aún muy próximo al de Verrocchio, o los ángeles que se
presentativo del Renacimiento. El deseo de conocer todo profundamente le atribuyen en el Bautismo de éste (lám. 134), poco antes de abandonar
es el fuego genial que consume su vida y malogra su obra. En la carta Florencia, emprende la pintura de la Adoración (lám. 154), que deja
que escribe a L. Moro, al ofrecerle sus servicios le promete construir sin terminar, y en la que nos ofrece ya una estudiadísima composición
máquinas de guerra, cañones de forma inusitada, barcos incombustibles, rica en nuevas actitudes. En su primera gran obra milanesa, la Virgen
hacer caminos, puentes y túneles, trabajar como arquitecto; y en es- de las Rocas (1483) (lám. 151), del Museo del Louvre, inscribe las figu-
cultura y pintura, realizar cualquier trabajo al igual de quien pudiera ras en un triángulo, y al encanto de su claroscuro agrega el misterio
hacerlo mejor. Los manuscritos y los innumerables dibujos que de él de las rocas recortadas en la vaporosa lejanía.
conservamos nos hablan, por otra parte, de sus hondas inquietudes cien- Pero donde su arte de componer se manifiesta plenamente es en
tíficas, en particular mecánicas, como la que le lleva a concebir una la famosa Cena (1495) (fig. 237), poco anterior a su salida de Milán.
máquina para volar. Pintada en el testero del refectorio de Santa María delle Grazie, las
Como artista le interesa sobremanera conocer el cuerpo humano, paredes y el techo de éste se continúan en la fingida arquitectura del
tanto en su contextura interna, de lo que son buena prueba sus di- cuadro. Abandonada ya por Andrea del Castagno la forma tradicional
bujos anatómicos, como en su aspecto expresivo y en sus movimientos. trecentista de agrupar los apóstoles en torno a la mesa. Leonardo los
Leonardo lo mismo estudia la sonrisa leve de un rostro perfecto, que presenta tras ella, incluso a Judas; a quien en un principio pensó co-
persigue lo característico, insistiendo en los rasgos decisivos. En este locar, como aquél, en primer término. El momento elegido, al igual
 116 MIGUEL ÁNGEL

que en la Cena de Ghirlandajo, no es el tradicional de la institución

de la Eucaristía, sino aquél cuando anuncia que uno de los presentes
le traicionará. Pero mientras Ghirlandajo no sabe aprovechar el hondo
dramatismo de la situación, él, gracias a su fino sentido de la expre-
sión y a su dominio de la mímica, interpreta de manera admirable el
efecto de aquellas palabras en el temperamento de cada personaje, y
enlaza sus actitudes formando dos grupos a cada lado, cuyo movimiento
contrasta con la serenidad del Salvador, que, aislado en el centro, y
con los brazos extendidos, destaca su figura sobre la luz de la gran
ventana del fondo. Pésimamente conservado, el fresco de la Cena es, en
realidad, una ruina. El interés de Leonardo por el arte de componer,
aunque en menor escala, se manifiesta en su Santa Ana, la Virgen y
el Niño (lám. 153).
Su última gran obra es el retrato de Mona Lisa, La Gioconda (1505)
(lámina 152), mujer bellísima de unos treinta años, así llamada por
ser esposa de Francesco del Giocondo. Animado por la típica expre-
sión leonardesca, dulce y casi sonriente, se asegura que el pintor ha
rodeado a la retratada de músicos que borren de su rostro toda huella
de melancolía. Relativamente erguida al gusto cuatrocentista, está ya
dotada de una dignidad propia del nuevo siglo, y tanto la posición de
sus brazos como la colocación de su cuerpo, y el estar representada de
media figura, son novedades en el arte del retrato. Pero sus valores
estéticos más absolutos son la suave expresión de su rostro, hija del
admirable modelar del claroscuro leonardeseo, y el vaporoso paisaje
de formas vagas e indeterminadas que le sirve de fondo. Recientemen-
te se ha pensado que la retratada pueda ser Constanza Dávalos.
Leonardo pinta poco en Milán, pero los discípulos que deja son
numerosos. La escuela lombarda posterior es la constituida por sus
discípulos e imitadores. El más fecundo es Luini (t 1532), autor, entre
otras, de la poética composición de Santa Catalina depositada por los
ángeles en el sepulcro, y de La Sagrada Familia con San Juan, del Mu-
seo del Prado. Solario pinta una obra tan bella como la Virgen del
cojín, y de los restantes merecen recordarse Boltraffio (lám. 155) y el
Sodoma.

MIGUEL ÁNGEL.—Ya hemos visto cómo Miguel Ángel se considera,

ante todo y sobre todo, escultor, y la realidad es que sus pinturas tie-
nen mucho de escultura, por su predominio absoluto del dibujo y su
decidido desinterés por el color.
De su período florentino apenas poseemos más que La Sagrada
Familia (1503), del Museo de los Uffizi. Concebida casi como un blo-
 PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 117

que escultórico, su comparación con las interpretaciones florentinas de

fin de siglo, del mismo tema, pone bien de manifiesto su extraordinaria
novedad. En complicación y riqueza de movimientos sólo puede com-
pararse, en un estilo completamente distinto, con las composiciones
leonardescas. Pero la gran obra de este primer período es la pintura
mural, para el palacio de la Señoría, de la Batalla de Caseína (1505).
Desgraciadamente, sólo se conservan copias del cartón donde repre-
senta el momento cuando los soldados, sorprendidos en el baño por el
enemigo, se visten rápidamente, pero por ellas podemos ver cómo son
el desnudo y el movimiento sus dos principales preocupaciones.
Sin apenas haber practicado la pintura, y sin dominar bien la téc-
nica del fresco, Julio II le encarga en 1508, por sugestión de Bramante,
que termine la capilla que Sixto IV hiciera decorar a los mejores
maestros cuatrocentistas de su tiempo. Miguel Ángel se niega y huye
de Roma, pero al fin tiene que transigir, y, al cabo de cuatro años de
trabajar solo en su alto andamiaje, descubre la enorme pintura de la
bóveda (lám. 162). Imagina ésta sostenida por varios arcos transver-
sales apoyados en pilastras, entre las cuales representa alternativamente
lunetos con los precursores del Salvador y figuras gigantescas de pro-
fetas y sibilas (láms. 159, 160). Sobre los capiteles de los pilares dis-
pone una serie de jóvenes desnudos en variadísimas y violentas actitu-
des, los Ignudi (lám. 157), que sostienen grandes relieves circulares de
bronce, y en los tramos de la bóveda misma pinta escenas del Génesis
en cuadros alternados mayores y menores. El número de figuras y de
historias es considerable, y hemos de agradecer a Bramante que obli-
gase a Miguel Ángel a desarrollar este amplísimo programa que segu-
ramente nunca hubiese realizado en escultura. Nunca se ha representa-
do hasta ahora, ni se representará al Creador, tan radiante de fuerza y
poder como en estas historias. Grandioso como una gigantesca nube
cargada de tormenta, y veloz como una exhalación, recorre el espacio
infundiendo vida con su sola presencia a un mundo de titanes (lámi-
na 156). Si en escultura sólo nos deja un Moisés, en los profetas y si-
bilas nos ofrece veintitantos miembros de la misma familia, todos ellos
en actitudes de grandiosidad y variedad hasta ahora desconocidas, y
animados por el más profundo dramatismo. En los Ignudi —desnudos—
es el tema del desnudo y del movimiento lo que le obsesiona (lám. 157).
Terminado el techo de la Sixtina en 1512, su influencia en los destinos
del Renacimiento es decisiva.
Muchos años después, en 1543, le hace pintar el Pontífice, en el
gran lienzo del muro de la misma capilla, el Juicio final (lám. 161).
El Dios de Justicia, totalmente desnudo (lám. 158), con su poderoso
118 RAFAEL PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 119

brazo en alto, está rodeado por una humanidad de gigantes, aterrori- La vida de Rafael, pasados sus primeros años, es una carrera inin-
zada por su presencia. Hasta los elegidos y la misma Virgen parecen terrumpida de triunfos. Nace en Urbino en 1483. Es persona de com-
atemorizados por su tremenda justicia. El amor al desnudo y al movi- plexión débil, más bien pequeño de cuerpo, de ojos grandes, de mirar
miento que triunfa en el techo de la capilla, se exalta aún más. Es una dulce y expresión ingenua, de color pálido y largos cabellos negros.
inmensa masa humana que se mueve con dramatismo apocalíptico, con Hijo del pintor Giovanni Santi, queda huérfano a los doce años y le toma
una fuerza que sólo ha sentido hasta ahora Signorelli. Comparado con bajo su protección el discípulo de Francia, Timoteo Viti, que apenas
todas las interpretaciones anteriores, este Juicio final sorprende por le dobla la edad. Cuatro años después, en 1499, ingresa en el taller
el arrollador movimiento ascendente de los elegidos, y por el hundirse del Perugino, donde permanece hasta que cumple los veintiuno. Rafael
en el abismo de los condenados, por su lanzamiento en el espacio, en regresa entonces a su patria, pero los días felices de Urbino han pa-
los que Miguel Ángel nos deja ver todo su entusiasmo por el escorzo. sado. El buen duque Federico ya no vive, un Borja ha vaciado sus arcas
Reflejo la belleza del cuerpo humano de la perfección divina, Miguel y es necesario emigrar. Al trasladarse a Florencia se inicia un nuevo
Ángel no duda en conceder al desnudo amplitud sin precedentes, y, período en su carrera artística.
limpio en su idealismo de toda impureza, lo lleva hasta el mismo cuerpo
Genio extraordinariamente precoz, antes de marchar a Florencia
del Todopoderoso. Pero las protestas no se hacen esperar, y el desver-
produce ya obras notables que prueban la rapidez y talento con que
gonzado Aretino, alardeando de honestidad, no duda en decir que si
asimila el estilo peruginesco. Es la época del Rafael de las composi-
él escribe cosas impúdicas es con palabras decentes. Es, en realidad,
ciones simétricas, de las figuras de suaves movimientos, casi femeninos,
la consecuencia de la nueva reacción contra el culto renacentista del
rostros redondos y mirada de ensueño. En su Virgen con el Niño, de
desnudo, aun despojado de toda impureza. No se produce tan violenta
Berlín (1501), no sólo son peruginescos los modelos, sino la ingenuidad
como en los días de Savonarola, pero el Pontífice hace cubrir a Volterra.
de la composición y la sencillez de las actitudes. Las obras más per-
parte del cuerpo del Salvador.
sonales de esta época son El sueño del caballero y Las tres Gracias,
En los frescos de la inmediata capilla Paolina, obra diez años pos-
inspiradas éstas en modelos clásicos. Ya en Florencia pinta los admira-
terior, la preocupación por la corpulencia de los modelos le lleva a
crear un tipo hercúleo, que deja honda huella en sus imitadores, pero bles Desposorios (1504), de la Pinacoteca de Milán (láms. 163, 172), don-
que carece de la vida y energía del Juicio final y de la belleza de las de crea una vasta perspectiva de amplísimos horizontes al gusto peru-
escenas del techo. Están dedicados a San Pedro y a San Pablo. ginesco, que no puede por menos de hacer pensar en la Entrega de las
llaves, del Perugino, en el Vaticano (1482) (láms. 136, 137). Rafael, más
adelante, transformará totalmente este estilo, todavía en buena parte
RAFAEL.—Si Leonardo es el pintor que, formado en la Florencia cuatrocentista, pero conservará de su etapa umbría el a r t e de compo-
cuatrocentista, logra a costa de dolorosos fracasos crear en unas cuan- ner con claridad, en gran parte el gusto por las amplias perspectivas,
tas obras el estilo del pleno Renacimiento, Rafael es el genio fecundo y el sentido de la solemnidad aprendido del Perugino.
que concibe con claridad admirable y ejecuta con decisión y perfec-
ción. El es quien con paso seguro y firme sabe sacar las consecuen- Sus cuatro años florentinos son decisivos para su formación. Es la
cias del arte leonardesco, e incorporando la grandiosidad, el drama- época en que Miguel Ángel esculpe el David y decora, en competencia
tismo y la terribilitá miguelangelesca, da forma al Renacimiento del con Leonardo, la Sala del Consejo. A la vista del estilo de estos maes-
siglo xvi. tros, es natural que encuentre el suyo umbrío, ingenuo y excesivamente
Rafael, como todos los genios, se apoya en el estilo de sus pre- sencillo. Rafael fija sus ojos ávidos de saber en el autor de la Cena,
decesores y contemporáneos, pero lo hace fundiendo esos estilos en y sus personajes, hasta ahora reposados, blandos y concebidos en plano,
el crisol de su propia personalidad, nacida bajo el signo de la propor- comienzan a moverse con nervio, a enriquecer sus actitudes con escor-
ción y de la medida, de la belleza ideal y de la elegancia. Espíritu zos y efectos de claroscuro, a disponerse también en profundidad, y
permeable a las sugestiones ajenas, sería injusto negarle por ello una gracias a todo ello, a enlazarse unos con otros en forma mucho más
capacidad creadora verdaderamente extraordinaria y rara vez igualada sabia. Simultáneamente, la expresión de sus rostros gana e n variedad.
en la historia del arte. A la influencia leonardesca, tan decisiva en su arte, agrégase la de Fra
120 RAFAEL PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 121

Bartolommeo, y la de la propia mímica elegante y graciosa del pueblo La serie de grandes pinturas murales, que, auxiliado por un activo
florentino. taller, pinta en el Vaticano, es uno de los conjuntos más grandiosos de
Durante su estancia en Florencia, Rafael se forma como pintor de la pintura renacentista, y en él culmina el género iniciado por Giotto
Vírgenes, uno de sus más legítimos títulos de gloria. En sus Vírgenes en la Arena de Padua. Es donde su arte de componer alcanza plena
con Niño se funden en equilibrio admirable el sentido pagano renacen- madurez, haciendo gala de una fantasía rara vez igualada, y donde
tista de la belleza humana, depurado por el idealismo platónico, y la florecen todas las grandes dotes de su genio. En ellas es también cada
vez más sensible la influencia del dinamismo y de la grandiosidad mi-
devoción cristiana. A la ingenuidad peruginesca de la Virgen de Ber-
guelangelescos. En la estancia antes citada pinta (1508-1511) las cuatro
lín (1501) (lám. 164) suceden ahora los tipos propiamente rafaelescos:
grandes alegorías: la Teología —Disputa del Sacramento—, la Filosofía
la grave actitud rebosante de nobleza y grandiosidad cinquecentista de
—La Escuela de Atenas—, la Poesía —El Parnaso— y la Jurisprudencia
la Madonna del Granduca (1505) (lám. 165) —Virgen del Gran Duque—,
—Gregorio IX y Justiniano publicando sus códigos.
la composición leonardesca de la Virgen de Terranova (lám. 166) —com-
párese la mano en escorzo con la de la Virgen de las Rocas, de Leonar- La Disputa del Sacramento (lám. 173), que representa el triunfo de
do— y el arrebato maternal casi donatelliano de la Madonna (lám. 167) Cristo en su cuerpo glorioso y bajo la forma de la Eucaristía, está con-
de la casa de Tempi. El nuevo estilo, intensamente influido por el arte cebida con grandiosidad extraordinaria, como un amplísimo escenario
de componer de Leonardo, es aún más sensible en la Virgen de la Pra- de abolengo umbrío, en realidad, un gigantesco presbiterio, donde se
dera (1505) (lám. 168), del Museo de Viena, en la Virgen del Jilguero ordenan en semicírculo, a uno y otro lado del altar, pontífices, carde-
(1506) del de Florencia y en la Bella Jardinera (1507) (lám. 174), del nales y prelados que discuten acaloradamente adoptando nobles acti-
Louvre, donde el deseo de inscribir el grupo en la equilibrada forma tudes. Ligados por su mímica, todos ellos aparecen intensamente incor-
porados a esa corriente de atenc'ón que converge en el ostensorio, co-
triangular es bien patente. De esta misma fecha es la Sagrada Familia
mo la de los Apóstoles de Santa Maria delle Grazie en la persona del
del Cordero, del Museo del Prado. Todas ellas nos dicen cómo la agru-
Salvador. Incluso los personajes que aparecen tras el antepecho del
pación de los personajes es problema que obsesiona a Rafael, y su obra
primer término se encuentran incorporados a ese movimiento. A ese
posterior nos confirma cómo continuará preocupándole a lo largo de
deseo obedece, por ejemplo, el gesto del que, abismado en la lectura
toda su vida. La creación más importante del período florentino, en la
de su gran libro, mueve su rostro violentamente hacia atrás.
que se revela impresionado por el dramatismo miguelangelesco, es el
Esta misma grandiosidad majestuosa, que nos dice cómo Rafael ha
Santo Entierro (1507), obra maestra, de numerosas figuras, que le mues-
sabido asimilar el tono de las ruinas gigantescas de la Ciudad Eter-
tra ya en pleno dominio del arte de componer. Recuérdense los Despo-
na, lo mismo que antes la gracia florentina, es la que inspira La
sorios y se comprenderá el largo camino recorrido en el breve espacio
Escuela de Atenas (lám. 175). El gracioso templete de los Desposo-
de tres años.
rios, de ligereza umbría se transforma en las masas ingentes de unos
No obstante las obras capitales que pinta en Florencia, no llega muros que reciben una enorme bóveda, ante la que Platón con el
a considerársele en la ciudad del Arno artista de primer orden. Timeo señalando el cielo, y Aristóteles con la Etica, presiden a un
En 1508 marcha Rafael con una presentación para Julio II de su sinnúmero de personajes. En el primer término se ha retratado el
sobrino favorito, el nuevo señor de Urbino. Acogido, además, favora- pintor en unión del Sodoma y del geógrafo Ptolomeo, con el globo en
blemente por su paisano Bramante, se le confía la decoración de la la mano. El Arquímedes que, junto a él, dibuja en tierra sus geome-
Sala del Sello —La stanza delta segnatura— del Vaticano, lo que significa trías, parece ser también retrato de su profector Bramante.
su consagración. Es la época en que Miguel Ángel pinta el techo de la Al terminar la primera Estancia, Julio II le encomienda la llamada
capilla Sixtina. Rafael cuenta veintiséis años y ya no sale de Roma. de Heliodoro (1514), en cuyas historias, aunque indirectamente, se glo-
Rodeado de admiradores y solicitado por todos, sólo vive días de glo- rifica la persona de aquel Pontífice. En sus dos principales composicio-
ria. Pero esos días no son largos. El Viernes Santo de 1520, cuando nes, Heliodoro expulsado del templo y el Encuentro de León I y Atila,
cumple los treinta y siete años, muere rodeado de admiración, a la que dedicadas a recordar el castigo • de los príncipes expoliadores de los
sólo falta el carácter divino para ser verdadero culto. Estados Pontificios, y la defensa de éstos, nos ofrece el contraste entre
122 RAFAEL PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 123

la majestuosidad y la severidad pontificia, y el movimiento impetuoso admirable desde los primeros, de los Doni (lám. 171), o del Joven, de
del grupo de los jinetes, que inspirará a tantas generaciones de pin- Budapest, hasta el del Cardenal (lám. 181), de grandiosidad y simpli-
tores. Muerto Julio II al comenzarse la segunda historia, hubo de retra- cidad romanas; el de Juana de Aragón y el de la Donna Vellata (lá-
tar en León I a León X. En la tercera cámara (1514-1517) pinta el mina 182), cada vez más ampulosos y de gesto más arrogante. Ellos sir-
Incendio del Borgo (lám. 177), en el cual el movimiento y el dramatis- ven de punto de partida a los grandes retratistas barrocos.
mo de las gentes aterrorizadas por el peligro, son la preocupación prin-
cipal del pintor, que nos hace alarde de su fantasía trazando un sinnú-
CORREGGIO.—El pintor de Parma Antonio Allegri, llamado el Correggio
mero de variadas y elegantísimas actitudes.
( t 1534) por el lugar de su nacimiento, muere, como Rafael, antes de
La colaboración del taller, ya considerable en los restantes frescos
cumplir los cuarenta años. Correggio es el más barroco de la primera
de esta cámara, es preponderante en la Sala de Constantino, cuya his-
fase del pleno Renacimiento. Aunque se supone que después de estudiar
toria principal es la Batalla del Puente Milvio, ejecutada en su mayor
con pintores modestos se encierra en Parma y no conoce a sus grandes
parte, con arreglo a sus dibujos, por su discípulo Julio Romano, y
contemporáneos antes citados, es indudable que no se ha formado solo.
terminada después de su muerte.
En sus obras más antiguas es sensible la huella de Mantegna, no sólo
De no menor importancia que estas grandes composiciones mura-
en la manera de colocar los personajes, sino en los mismos tipos de
les es la hermosa serie de cartones (1515) que pinta para ser copiados
éstos. De su conocimiento de la obra de Rafael es testimonio su famosa
en los tapices que el Pontífice hace ejecutar en Flandes. Están consa-
exclamación: Anch'io sonó pittore al contemplar"' la Madonna de San
grados a los Hechos de los Apóstoles.
Sixto, de aquél; y de su admiración por Leonardo nos habla su inte-
Entre sus restantes pinturas murales deben recordarse especial- rés por el claroscuro y por la blandura del modelado, tan esenciales
mente las de las Logias del Vaticano (1513), por las numerosas escenas en su estilo.
del Antiguo y del Nuevo Testamento que contienen y por sus decoracio-
Pero, por encima de todas esas influencias, está la propia sensibi-
nes de grutescos, que, ejecutadas por sus discípulos, en particular por
lidad del Correggio. Como se ha dicho muy bien, mientras en Miguel
Giov. de Udine, son el repertorio más rico y más utilizado por los
Ángel todos los seres se convierten en gigantes, en el pintor de Parma
artistas posteriores para este tipo de ornamentación. Son también muy
todo se hace infantil, y, sobre todo, femenino; frente a los gestos te-
bellas las del palacio de la Farnesina, dedicadas a la fábula antigua, y
rribles del florentino, su expresión típica es la sonrisa. Sus personajes
cuyo tema principal es el Triunfo de Galatea.
masculinos tienen a veces formas casi femeninas —recuérdese el Sal-
Este considerable número de grandes composiciones murales pin-
vador del Noli me tangere, del Museo del Prado.
tadas en poco más de diez años no impide a Rafael continuar cul-
Pese a la influencia de Mantegna en alguna obra temprana, como
tivando la pintura de caballete, en la que su estilo, naturalmente, con-
la Judit del Museo de Estrasburgo, Correggio tiene ya creado su es-
tinúa evolucionando en forma análoga. A su etapa romana corresponden
tilo propio hacia 1515. La Virgen de San Francisco, del Museo de Dres-
la Virgen del Pez (láms. 169, 176) y la Virgen de San Sixto (1515) (lá-
de, concebida todavía dentro del tipo rafaelesco, manifiesta claramente,
mina 170), de simplicidad de composición y grandiosidad romana tí-
sin embargo, en las actitudes de los personajes y en la expresión de
picamente cinquecentista, y la Virgen de la Silla. La composición de
sus rostros, sus características propias. De estos mismos años se consi-
sus Sagradas Familias se complica también a tenor del estilo de sus
dera la Virgen del Museo del Prado (lám. 187), donde su amor por el
primeras pinturas murales. La de Francisco I, del Museo del Louvre,
claroscuro le lleva a imaginar la escena en una especie de cueva con
es buena prueba de ello. La del Roble (lám. 179), del Museo del Prado,
entrada al fondo, y su deseo de movimiento se deja sentir en la actitud
con sus mármoles clásicos y sus actitudes, nos dice cómo Roma ha
de la Virgen y en los plegados de su ropaje. De fecha algo más avan-
entrado en Rafael. En las grandes composiciones del Pasmo de Sicilia
zada son los Desposorios místicos de Santa Catalina (lám. 179), del
(lámina 180), del mismo museo, y de la Transfiguración, es particular-
Museo del Louvre, una de las obras más bellas del Renacimiento, donde
mente sensible la influencia miguelangelesca.
la gracia y la ternura tan características del pintor se nos muestran en
Lo mismo que en la pintura de historia, Rafael deja su huella ge- toda su plenitud. El Noli me tangere, del Museo del Prado, que se
nial en el arte del retrato, donde también puede seguirse su evolución considera de estos mismos años, nos ofrece un paisaje aterciopelado con
124 CORREGGIO

bellísimo celaje, ante el que el pintor expresa el arrebato de la Mag-

dalena en una figura intensamente movida.
Pero cuando ese amor por el movimiento, que le convierte en uno
de los padres del barroco, adquiere mayor desarrollo en sus cuadros
de caballete es en las composiciones de numerosas figuras, como las
Vírgenes de San Sebastián, de San Roque, de San Jorge y de San
Jerónimo, donde la claridad, el equilibrio y el sentido arquitectónico
rafaelescos de la Virgen de San Francisco desaparecen en violentos
escorzos. Representadas desde punto de vista muy bajo, las figuras se
11* V '; l
-•""' .* Vi,;
entrecruzan y superponen, produciendo una impresión de movimien-
to y alegría sin precedentes. Lejos de contrapesar los personajes, gusta
de agruparlos desequilibradamente, de modo que domine en su compo- 178-180.—RAFAEL: Sagrada Familia del roble.—CORREGGIO: Desposorios
de Sta. Catalina.—RAFAEL : Pasmo de Sicilia.
sición una violenta línea oblicua, situando en uno de los lados, en el
borde mismo del cuadro, y en primer plano, a algún personaje, para
que el grupo decrezca rápidamente en el sentido opuesto. Esta misma
forma de componer inspira su Nacimiento (lám. 183), del Museo de
Dresde, en el que ese efecto resulta más patente gracias al resplandor
del Niño en la oscuridad que justifica la denominación de la Noche
con que se conoce el famoso cuadro. En el Descanso en la huida a
Egipto, conocida por la Virgen de la escudilla, del Museo de Parma,
son notables la luminosidad de nubes y personajes, la expresión de los
rostros y el movimiento general de la composición.
El movimiento y los escorzos alcanzan su máximo desarrollo en
las pinturas murales de sus bóvedas, pues, no en vano, bastantes de
las características comentadas en sus cuadro de caballete tienen su
origen en este género pictórico. En las del locutorio de San Pablo de
Parma (1518), encargadas por la mundana abadesa donna Giovanna, nos
muestra en unos nichos fingidos esculturitas monocromas paganas, 181-183.—RABAEL: Retratos de un cardenal y de la Donna Vellata.- -CORREGGIO :
Nacimiento («La Noche»).
mientras hace desfilar por las claraboyas una encantadora serie de ni-
ños con perros, flechas y trofeos de caza del séquito de Diana, la diosa
de la virginidad, que, guiando su carro, preside la sala sobre la chime-
nea (lám. 184). En 1520, cuando sólo cuenta veintiséis años, pinta la
cúpula y el ábside de San Juan de Parma, donde su estilo avanza con-
siderablemente en el sentido barroco de la composición, reduciéndose
ya al mínimo el encuadramiento arquitectónico, existente todavía en
San Pablo. Las nubes y los escorzos de los personajes vistos desde abajo
lo invaden todo. En la cúpula representa la visión de San Juan, que
aparece escribiendo en un luneto, con el Todopoderoso, inspirado en el
Salvador de la Transfiguración de Rafael, rodeado por numerosos per-
sonajes en escorzos violentísimos. De la Coronación de la Virgen del
ábside sólo se conserva en el Museo de Parma el grupo central, y aún

184-186—fni?RR^:in- T p r h o d e Dinn;i Ciíinínu'des. l o .

 PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 125

más barroca es la Asunción de la Virgen, que pinta (1526) en la cúpula

de la catedral. Nubes, escorzos y desnudos en desenfrenado movimiento
cubren toda la superficie de la bóveda. La pintura barroca tendrá que
esperar más de un siglo para crear algo equiparable. En la parte infe-
rior, ante el fingido tambor, presencian el portento los apóstoles, mien-
tras los ángeles sostienen candelabros e incensarios.
Enamorado del desnudo como buen renacentista, y cultivador de
la fábula mitológica, no posee el equilibrio y el reposo espiritual que
veremos en Tiziano. Entre la Dánae recibiendo la lluvia de oro, de
éste, y la suya, existen diferencias fundamentales. Su Dánae es una
figurilla menuda e inquieta en que existe mucho del estilo Luis XV
francés. Esa intención, ajena a la pura contemplación de la belleza
del desnudo femenino tizianesco, aumenta en grado hasta ahora des-
conocido en su lo del Museo de Viena, donde la voluptuosidad del
pintor se pone a tono con la fina fantasía griega creadora de la fábula
representada. Obra también muy conocida es el Rapto de Ganímedes,
del mismo museo (láms. 185, 186).

EL MANIERISMO.—Muerto Leonardo en 1519, Rafael el año siguiente,

y terminado poco después, hacia 1540, el Juicio Final de Miguel Ángel,
el gran arte del Renacimiento florentino ha llegado a su momento
culminante. La enorme capacidad creadora de la ciudad del Arno queda
agotada, y ya no produce artistas de primer orden que hagan avanzar
la pintura como hasta ahora.
Después del traslado a Roma de Miguel Ángel y Rafael, queda en
Florencia algún pintor de tan gran valía como Andrea del Sarto (t 1531),
que, sin el genio de aquéllos, es, sin embargo, artista de primer orden,
cultivador tanto de la pintura al fresco como de la de caballete. Las
grandes composiciones murales del claustro de los Descalzos de Flo-
rencia son buenos ejemplos de cómo sin dejarse subyugar por el arte
rafaelesco sabe cultivar el género en forma muy original y con gran-
diosidad plenamente cinquecentista. Ese mismo estilo inspira su pin-
tura en la tabla de la Virgen de las Arpías, y en tal grado que, por lo
claro y majestuoso de su composición, puede considerarse como una
de las obras más representativas del Renacimiento cinquecentista. Sus
Sagradas Familias y sus Vírgenes con el Niño, de formas un tanto an-
gulosas, y su personal sentido del color, alcanzan una gran aceptación.
El Asunto místico del Museo del Prado, típica composición triangular
cinquecentista, es también, por la delicadeza del colorido, una de sus
obras maestras. Ejemplo de retrato, que le coloca a la altura de Rafael,
126 EL MANIERISMO PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 127

es el que se supone de la mujer del artista, Lucrecia de Fede (lám. 188), y poético, de colores claros con calidad de pastel, personajes menudos,
del mismo museo. de andar leve y rostros sonrientes, y composiciones en que dominan
Aun sin producir personalidades de la categoría de Leonardo y Mi- el escorzo y los efectos de luz. El Nacimiento (lám. 192), del Museo del
guel Ángel, la pintura florentina continúa evolucionando. El nuevo es- Prado, es buen ejemplo de su manera de pintar.
tilo es el manierista, que intensifica algunos aspectos de la obra de los
grandes maestros anteriores y agrega nuevos valores. Figura entre los
VENECIA: GIORGIONE.—En la Venecia de Giovanni Bellini, pletórica
primeros el intenso dinamismo contenido miguelangelesco, que da lugar
a las más rebuscadas y contorsionadas actitudes. El deseo de acoplar de color y de lujo, surge a fines del siglo xv un artista que, como Leo-
unas figuras en el espacio libre dejado por las otras aumenta en grado nardo en el centro de Italia, es capaz de crear un nuevo estilo. Ese ar-
extraordinario, y a los grandes grupos antes enlazados con soltura y tista es Giorgio de Castelfranco, o Giorgione (t 1510), que muere de la
gracia sucede el escalonamiento o distribución en zonas superpuestas. peste antes de cumplir los treinta. Dotado de un temperamento esen-
Entre los más destacados manieristas florentinos deben recordarse Pon- cialmente poético, percibe como los grandes florentinos el sentido de
tormo (t 1556), Rosso (t 1541), Bronzino (t 1572) y Vasari (t 1574). la claridad y de la simplicidad de la composición del cinquecento, y crea
Pontormo (lám. 189) es pintor de gran sensibilidad, cuyo intenso manie- el tipo humano que Tiziano empleará después. Transforma el paisaje,
rismo vá unido a un sentido de la elegancia típicamente florentino; dotándole de poesía hasta ahora desconocida en Venecia, y escribe uno
Rosso, menos preocupado por el ritmo ligero de las formas curvilíneas, de los capítulos más bellos del desnudo femenino. De lo que significa
prefiere los planos quebrados de colores vivos y fuertemente ilumina- para la transformación en la escuela veneciana en pro de la grandiosidad
dos; Bronzino, excelente retratista, y Vasari representan una etapa del Renacimiento pleno es buen ejemplo su Virgen de Castelfranco,
más avanzada del manierismo, en la que se deja sentir la influencia sentada en elevado trono sobre bello fondo de paisaje, y acompañada
de la monumentalidad romana. Una de las últimas etapas del manieris- de dos santos en la mitad inferior del cuadro. En un solo plano pre-
mo florentino está representada por los Zúccari, que Felipe II llamará a senta también a la Virgen con dos santos, del Museo del Prado, que,
El Escorial. discutida por unos y defendida por otros, es indudablemente obra de
En Roma, el manierismo sigue dos tendencias a veces muy dife- excelente calidad, animada por el más puro espíritu giorgionesco. Pero
renciadas, pero que, con frecuencia, se funden: la de Rafael y la de donde se manifiestan toda la novedad del estilo del joven pintor y su
Miguel Ángel. Aparte de los discípulos, debe recordarse entre los se- fino sentido poético es en sus obras de tema profano. En el Concierto
guidores del primero, por su gran influencia, a Salviati, que tanta huella campestre (lámina 193), del Museo del Louvre, nos muestra en la más
deja en los rafaelistas españoles, y entre los del segundo a Daniel de admirable unión el blando y aterciopelado paisaje por él creado, el des-
Volterra (t 1566), en cuyas obras maestras, el Descendimiento (lámi- nudo femenino de formas llenas que heredará Tiziano y la música. Des-
na 190) y la Resurrección de Lázaro, encontramos los tipos hercú- nudo y paisaje es lo que nos ofrece de nuevo en La tempestad (lám. 204)
leos y las actitudes grandiosas de la capilla Sixtina. Tardío represen- y en su Venus dormida (lám. 195), de Dresde. De cuerpo más esbelto
tante de este manierismo miguelangelesco es el bolones Tibaldi, que, que las jóvenes del Concierto, es, probablemente, el desnudo rena-
como veremos, viene a fin de siglo a decorar El Escorial. centista donde de manera más perfecta se hermanan la admiración
Como es lógico, el manierismo no se circunscribe a Florencia y por la belleza del cuerpo juvenil femenino y el sentido de la castidad.
Roma. Al norte de los Apeninos, dentro del cuadro general de carac- En ninguna otra pintura se ha interpretado tampoco mejor el reposo
terísticas del estilo, los pintores de este período se distinguen por la del sueño sereno y libre de toda preocupación. El paisaje, que, al
influencia del Correggio. El Parmigianino (t 1540) nos deja en su Virgen parecer, termina Tiziano, acompaña con su horizontalidad y su blan-
del cuello largo (lám. 191) una de las más típicas creaciones del manie- dura el cuerpo juvenil de la diosa. Desde el punto de vista de la
rismo, en las que las formas se alargan desmedidamente. iconografía del tema, la interpretación de Giorgione inaugura el tipo
Federico Barocci (t 1612), hijo de Urbino, a su regreso de Roma de la Venus echada que adoptará Tiziano y que tan larga descendencia
se encuentra más atraído por el arte gracioso y femenino del Correggio tendrá en toda la pintura posterior.
que por la grandiosidad miguelangelesca, y crea un estilo muy personal
 128 TIZIANO

TIZIANO.—Muerto en plena juventud Giorgione, el pintor en quien

florece su ideal artístico es Tiziano Vecellio (t 1576), que muere, en
cambio, casi centenario. Nacido en un pueblecito de los Alpes vecinos,
es discípulo de Bellini, aunque deba realmente la formación de su
personalidad a Giorgione. Tiziano es artista que recibe las mayores dis-
tinciones de los príncipes extranjeros —el emperador Carlos le nom-
bra conde de Palatino—, pero que no se decide a abandonar Venecia
sino obligado por las circunstancias o para realizar trabajos muy con-
cretos, como la marcha a Bolonia y Augsburgo para retratar al César;
la visita que hace a Roma en edad avanzada se debe a asuntos fami-
liares y no artísticos. Su vida transcurre holgada y plácida en su casa
de Venecia, frecuentada por sus amistades, entre las que figuran el 195-199.—GIORGIONE: Venus dormida.—TIZIANO: Venus de Urbino, Felipe II,
Ariosto y el Aretino, entregado a su arte y a la música, por la que siente Venus y la música, Dánae.
gran afición.
Gracias a su larguísima vida, el estilo de Tiziano evoluciona profun-
damente, hasta el punto de que, mientras sus primeras obras son de
tipo bellinesco, de superficies acariciadas y terminadas, en las últimas
emplea una técnica deshecha, casi impresionista, en que utiliza pince-
les, al decir de algún testimonio, como «escobas», y para terminar el
cuadro, más que de ellos se vale de los dedos. La Virgen y santos de
medio cuerpo y el Jesús con la Cruz, del Museo del Prado, son buenos
ejemplos de los estilos de juventud y de vejez del maestro.
Entre sus obras juveniles, animadas ya plenamente por el espíritu
giorginesco, figuran Las tres edades, de propiedad particular inglesa,
y, sobre todo, El amor divino y el amor profano, de la Galería Borghe-
se, de Roma, cuyo sentido concreto no conocemos con seguridad, y
entre cuyas interpretaciones figura la que representa a Venus desper-
tando en Medea el amor por Jasón. Apoyadas en una fuente de mármol 200.—VERONÉS: Comida en casa de Simón.
con relieves alegóricos alusivos al tema, Tiziano nos contrapone las dos
bellas jóvenes, vestida la una y desnuda la otra, viva reencarnación
de las del Concierto campestre giorgionesco.
La música que hemos visto aparecer en éste, y por la que el Tiziano
siente tanta afición, le inspira el Concierto del Museo de los Uffizi, de
Florencia, ahora que con figuras de medio cuerpo y sobre fondo oscuro.
Obras también tempranas, animadas por el mismo espíritu giorgio-
nesco, son la Bacanal (láms. 202, 206) y la Ofrenda a Venus, del Museo
del Prado, pareja que, con el Baco y Ariadna (lám. 205), de la Galería
Nacional de Londres, constituye la serie pintada para el duque de
Ferrara. En la Bacanal, sobre un fondo donde el azul intenso del mar
y las hermosas nubes doradas son personajes de primer orden, nos
muestra la sana alegría y la laxitud que el vino produce. Levantándolo
201-203.—TIZIANO: La Gloria, Bacanal, Autorretrato.
 PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 129

en bella jarra de vidrio veneciano, nos dice cómo hace dormir profun-
damente, tanto al viejo tendido en la colina del fondo como a la joven
que en el primer término nos deleita con su hermoso desnudo, e ins-
pira la alegría de los que beben y danzan en el grupo central. También
aquí dedica Tiziano su recuerdo a la música, y precisamente en la per-
204-206.—GIORGIONE : La tempestad.—TIZIANO : Baco y Ariadna, Bacanal. sona de su amada Violante, que, situada en primer plano, tiene la
flauta en la mano y decora su pecho y su cabeza con las emblemáticas
violetas.
El capítulo de la fábula pagana incluye otra importante serie, que
tiene su origen en la Venus dormida (lám. 195), de Giorgione. La más
antigua de su mano, y en la que la derivación del modelo del maestro
resulta más patente, es la de Urbino (lám. 196), del Museo de los Uf-
fizi. Sus formas son todavía tan juveniles como en la Venus de Dresde,
y su colocación, salvo en uno de los brazos, la misma. Pero no reposa
en el campo; está en la habitación de un palacio, al fondo de la cual
unas servidoras buscan en un arcón las vestiduras que ocultarán su
207-208.—VERONÉS: Jesús y el centurión, Alejandro y las hijas de Darío.
bello desnudo. En las interpretaciones posteriores, sus Venus pierden
juventud, y de acuerdo con su ideal de belleza femenina, son de formas
más llenas. Colocadas más de frente, parecen hacer gala de ello. Los
dos ejemplares del Museo del Prado (lám. 198) nos dicen que para
Tiziano, el digno compañero del amor es la música. Obras no menos
bellas que las anteriores son, en el mismo museo, Dánae recibiendo
a Júpiter en forma de lluvia de oro (lám. 199), uno de los más hermo-
sos desnudos salidos de su pincel, y Venus y Adonis, lienzo en el que,
para formar juego y completar el anterior, según escribe el propio
Tiziano al enviarlo a Felipe II, en vez de presentar a la diosa de frente,
como a Dánae, la muestra de espaldas. Y todavía puede recordarse,
entre sus obras maestras de tema mitológico de las antiguas coleccio-
nes reales españolas, la llamada Venus del Pardo, hoy en el Museo del
209-210.—TINTORETTO: Milagro de San Marcos.—BASSANO: Vendimia. Louvre.
Pero Tiziano es también pintor de primer orden de temas religio-
sos. De época bastante temprana son dos grandes cuadros en los que
nos muestra cómo sabe mover un crecido número de personajes con
ese sorprendente sentido de la monumentalidad típicamente cinque-
centista. En la hermosa Asunción de Santa María dei Frari, la Virgen
asciende, en actitud majestuosa, sobre el grupo de las gigantescas figu-
ras de los apóstoles, que llenan la parte baja en torno al sepulcro vacío.
Esa misma nota de monumentalidad impera en la Virgen de los Pésa-
ro (1526) (lám. 218) del mismo templo, donde dos enormes columnas,
vistas desde muy lejos, como la' Virgen misma, prestan al escenario
un tono monumental muy de acuerdo con los gustos de la época. Pre-
9
130 TIZIANO PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 131

sentados por San Pedro, los Pésaro celebran su victoria sobre los fran- do a sus tropas y, sobre todo, el Autorretrato (lám. 203) del pintor, ya
ceses, enarbolando la bandera de los Borjas coronada de laurel. Alter- viejo, pero firme, ejecutado con esa aparente simplicidad que sólo se
nando con los temas de carácter mitológico, Tiziano continúa pintan- alcanza al final de una gloriosa carrera artística.
do a lo largo de su vida cuadros religiosos, entre los que pcupa desta-
cado lugar la Gloria (1554), del Museo del Prado (lám. 201). Sobre un VERONÉS.—El amor al lujo y la fastuosidad, tan típicamente vene-
paisaje que se pierde en la profundidad, imagina suspendidos en el ciano, unido al interés por lo secundario y anecdótico, propio del estilo
espacio, en primer término, a los profetas y santos, que, escalonándose cuatrocentista, son los rasgos esenciales que definen la personalidad
y alejándose hacia arriba, encuadran a la Trinidad y a la Virgen, que, artística de Pablo Veronés (t 1588), la segunda gran figura de la escue-
envuelta en su manto azul, se dirige hacia las alturas. Dándoles frente la. Veronés es el pintor de los escenarios grandiosos con amplias
en el lado opuesto, cubiertos por sus sudarios, imploran perdón por
columnatas y blancas fachadas de mármol, donde se mueven nume-
sus pecados el Emperador, Doña Isabel y Felipe II. En el mismo museo
rosos personajes que, en actitudes elegantes, visten lujosas vestiduras
se guardan el Santo Entierro y la Santa Margarita, el Ecce Homo y las
de ricos rasos y terciopelos. Para él, las historias religiosas son motivos
Dolorosas. Obra religiosa muy característica de los últimos tiempos por
para imaginar aparatosas composiciones, por lo general de tono pro-
su factura aborronada es la Coronación de Espinas, de la Pinacoteca de
* fano, animadas por una serie de escenas secundarias que alegran y
Munich.
entretienen la vista, pero que no contribuyen a concentrar la atención
Tiziano es, además, pintor de retratos de primera calidad, y tam- en el tema principal. En este aspecto, es el heredero directo de la
bién de este género guarda el Museo del Prado varios de los mejores, tradición de Gentile Bellini y Carpaccio. No deja de ser significativo
que no en vano la colección de cuadros del pintor que conserva nues- el que la Inquisición estime irreverente en alguno de sus cuadros la
tra primera pinacoteca carece de rival. De Carlos V posee dos. El más presencia de ciertos personajes secundarios.
antiguo es el que le presenta de pie y de cuerpo entero —el Tiziano Obras muy representativas de la personalidad de Veronés son las
es el que impone el retrato de cuerpo entero—, acompañado por un Bodas de Cana y la Comida en casa de Simón (lám. 200), del Museo
gran mastín y vestido con el traje de corte que luce al ser coronado del Louvre, cuadros que además, por sus enormes proporciones, son
rey de Lombardía. El otro es el pintado en Augsburgo, después de la buena prueba de cómo la pintura veneciana en lienzo sabe emular el
batalla de Mühlberg (lám. 194), a cuyo efecto se traslada Tiziano expre- tamaño de los frescos florentinos y romanos. Las Bodas de Cana tienen
samente a la ciudad alemana. Los años transcurridos entre uno y otro por fondo un escenario arquitectónico monumental de fastuosos edi-
retrato no son muchos, pero el César, todavía joven, aparece en el se- ficios marmóreos con largas balaustradas, entre los que se mueven un
gundo avejentado y cargado de preocupaciones, como, efectivamente, sinnúmero de personajes. Ante la mesa del banquete se encuentra la
sabemos que lo estaba en esos días. El pintor renuncia al paso de desfile orquesta, y junto a ella, servidores que trasiegan vino de unas vasijas
según la norma impuesta por la estatua ecuestre de Marco Aurelio, y a otras, un negrillo que ofrece la bebida, perros, etc., y, como si no
lo imagina dirigiéndose rápidamente a algún lugar de peligro de la fuese suficiente el escenario, algunos personajes suben por las colum-
batalla, con ese tono de naturalidad tan propio del estilo tizianesco. nas y cornisas para contemplar mejor el espectáculo. La Comida en
Tanto el color del caballo como el atavío del retrato responden plena- casa de Simón, aunque no produce el efecto de aglomeración del cua-
mente a los por él llevados el día de la batalla. El tercer retrato de dro anterior y su columnata de planta curva da una sensación de
Carlos V, que nos lo muestra en un sillón como hombre de Estado, mayor claridad, responde a la misma manera de sentir. Cuadro tam-
pertenece a la Pinacoteca de Munich. bién de este tipo es el de la Comida en casa de Leví, de la Academia
De Felipe II existen en el Museo del Prado, uno de joven con arma- de Venecia.
dura (lám. 197), y otro, de gran tamaño, compañero del de Carlos V en Entre la excelente colección de obras del Veronés, del Museo del
Mühlberg, donde el monarca ofrece a su hijo en acción de gracias Prado, destaca muy en primer plano el lesús perdido en el templo
por la victoria de Lepanto. El retrato de la Emperatriz Isabel, de medio discutiendo con los doctores, donde el Salvador niño se dirige con
cuerpo, no está hecho del natural. Retratos también de primer orden aire majestuoso a unos doctores ataviados como ricos mercaderes ve-
conservados en el mismo museo son el del Marqués del Vasto arengan- necianos, y el de Jesús y el centurión de Cafarnaum (lám. 207), en el
 132 PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA DURANTE EL S. XVI 133
TINTORETTO

que, ante un escenario monumental, con dos grandes columnas en el dice el abismo que los separa. Pocos años más tarde comienza sus
primer término, el centurión cae en tierra y, sostenido por dos solda- pinturas para cofradías o scuole. La primera es la serie de la de San
dos, se postra a los pies de Jesús, que, acompañado por los apóstoles, Marcos, para donde hace la historia del Santo liberando a un esclavo
viene del fondo. Cuadro también de numerosas figuras es el del Marti- del suplicio (lám. 209). Es una revuelta masa humana, que ante un
rio de San Menas. Importante por su belleza e interesante porque per- fondo luminoso muestra las más movidas actitudes subrayadas por vi-
mite compararlo con la interpretación del mismo tema de Tiziano, vos contrastes de claroscuro, masa sobre la que desciende el santo con
es el de Venus y Adonis. De pequeñas proporciones, el Hallazgo de ímpetu arrollador, iluminado el manto, el rostro en sombra y radiante
Moisés es de un colorido muy rico y está compuesto con gran maestría. de luz la cabeza, mientras el esclavo yace desnudo en tierra, en escorzo
no menos violento, y el verdugo, con los brazos en alto, enarbola los
instrumentos de martirio hechos pedazos. La serie más importante es,
TINTORETTO. Los BASSANOS.—El tercer gran maestro de la escuela
sin embargo, la de Scuola di S. Rocco, que consume buena parte del
es Jacopo Robusti, llamado el Tintoretto (t 1594) por lo corto de su
final de su carrera. La obra que en el Museo del Prado puede dar idea
cuerpo y ser hijo de un tintorero. Con él desaparece de la pintura
de estas grandes pinturas es el Lavatorio (lám. 212), en el que Tintoretto
veneciana ese reposo clásico que distingue al Tiziano y al mismo Vero-
desplaza el tema principal del Salvador a un extremo del cuadro,
nés. Temperamento extraordinariamente apasionado y violento —que
situando, en cambio, en el centro el motivo secundario del esfuerzo
la Venecia de su tiempo no llega a comprender—, no consigue que
por despojar de sus calzas a uno de los apóstoles. Pero, aparte de esta
se le estime como pintor del rango de Tiziano ni de Veronés. Y es
interpretación tan veneciana, lo verdaderamente importante para la
que Tintoretto reacciona frente a la placidez de Tiziano, y no obstante
historia de la pintura es la maravillosa realidad de que sabe dotar al
ser como él un colorista de primer orden, siente admiración por Miguel
aire bajo la sombra de la mesa y en la luminosa lejanía. Para la historia
Ángel. Aunque se asegura que escribe en la pared de su estudio el
de la perspectiva aérea, que culminará en nuestro Velázquez, es jalón
lema: «El dibujo, de Miguel Ángel; el colorido, de Tiziano», no es
capital.
sólo el dibujo del maestro florentino, sino su sentido dramático, lo que
le hace proponerlo de modelo. En su preocupación por el escorzo, Además de esta obra de grandes proporciones, posee el Museo del
no contento con estudiar la obra de Miguel Ángel, hace figurillas de Prado, entre otras, un Bautismo de intenso efecto de claroscuro, una
cera y barro, que, colocadas en cajitas de madera, copia desde abajo. bella serie de escenas del Antiguo Testamento, de un techo cuyo cen-
También es novedad importante en la escuela, que contribuye a inten- tro es la Purificación de las Vírgenes madianitas, y varios retratos. El
sificar el dramatismo de sus creaciones y facilita el efecto de los escor- del Caballero de la cadena, de movida actitud, con el rostro vuelto
zos, su interés por el claroscuro, que no en vano, al decir del cronista hacia el espectador y con las manchas de luz en sus partes esenciales,
clásico de los pintores venecianos, los mejores colores, según el Tin- al compararlo con el autorretrato de Tiziano, tan reposado y de ilumi-
toretto, son el blanco y el negro, porque éste da profundidad a las nación uniforme, nos reitera el abismo que media entre uno y otro.
sombras y aquél realza el relieve. Del tono diferente de su paleta es buena muestra el fino retrato de
Dama que descubre el pecho.
Después de varias pinturas de menos importancia, en su deseo de
La última etapa de la escuela veneciana renacentista está represen-
realizar algunas obras de grandes proporciones en que poder dar rien-
tada por los Bassanos, en los cuales el gusto por lo secundario y anec-
da suelta al fuego de su fantasía, consigue que le encarguen, sin más
dótico inspirador de Veronés da un paso más. La escena de género
remuneración que el pago de los materiales, los enormes lienzos de
invade con ellos la pintura veneciana, que pierde el tono elegante y
Santa María dell'Orto (1546). En la Adoración del becerro de oro, y
distinguido que caracteriza a los temas de esa índole interpretados
sobre todo, en el Juicio Final, nos deja ya ver, juntamente con la in-
por el pincel de Veronés. En muchos de sus cuadros, el asunto gene-
fluencia de Miguel Ángel, todo el dramatismo de su temperamento y su
ral es simple motivo para reunir las más variadas viandas, animales
amor al movimiento, a la violencia de los escorzos y a los contrastes
diversos, escenas de cocina, vasijas, etc. (lám. 210). A veces el perso-
de luces y sombras. El cotejo de la Presentación de la Virgen, de esta
naje principal de la historia se encuentra en lugar tan secundario, que
serie, concebida en profundidad y violentamente iluminada, con la del
al pronto no se le distingue. Este tipo de pintura explica la preferencia
Tiziano, desarrollada en plano y bajo una iluminación uniforme, nos
134 LOS BASSANOS

por temas como el de las Cuatro estaciones, la Expulsión de los Mer-

caderes, etc., que justifican la presencia de los más variados enseres
y de múltiples faenas. En los Bassanos, el modelo humano, que con
Tintoretto se había alargado, se hace rechoncho, y sus actitudes, a tono
con la inspiración general de su estilo, pierden distinción. Su técnica
enlaza con la tizianesca de la segunda parte de su carrera, y a veces
manifiesta acusado interés por los efectos de claroscuro, aspecto, como
veremos, particularmente valioso, como precedente del tenebrismo de
CAPITULO VII
Caravaggio (lám. 213). El éxito del género de pintura por ellos cultivado
hace que se industrialicen, repitan sus composiciones y no les falten
imitadores. Piénsese, en España, en Orrente.
Aunque el nombre familiar de estos artistas es Da Ponte, se les
PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA
conoce por el de Bassano, la población en que nacen. El más impor-
tante es Jacopo (t 1592), que nacido a comienzos de siglo, muere casi
veinte años después que Tiziano. Tiene en el Museo del Prado varios E L ESTILO INTERNACIONAL. LAS CORTES DE PARÍS Y BORGOÑA.—El tras-
cuadros tan típicos como la Primavera, el Invierno, Jesús expulsando lado de la corte pontificia al sur de Francia en 1377 y la presencia en
a los mercaderes y la Entrada de los animales en el Arca de Noé. De ella de Simone Martini, influyen decisivamente en la formación del es-
Francesco, su hijo, es interesante la Cena, porque permite ver el cam- tilo internacional al producir un mejor conocimiento mutuo entre los
bio de tono que la pintura religiosa tizianesca sufre en sus manos. artistas seneses y franceses. Cada vez parece más indudable que el
De Leandro (t 1624), hijo también y discípulo de Jacopo, que continúa amor al movimiento ondulante de la pintura de Siena, posterior a
el taller hasta bien entrado el siglo xvn, es buen ejemplo, en el mismo Duccio, es debido al gótico francés, y que el interés creciente por el
museo, la Vista de Venecia con el embarco del Dux. En él no sólo vuel- color que termina con el predominio del dibujo propio de este estilo,
ve al tipo de cuadro de Bellini, de amplio escenario, sino que anuncia a fines del siglo xiv, es de origen senes. Y es que el estilo de la pintura
el género dieciochesco de Canaletto, si bien no tiene inconveniente senesa influye por esta fecha no sólo, como hemos visto, en la misma
en llenar el muelle del primer término con canastas de verduras. El Florencia, sino en buena parte de Europa. Gracias a esta fecundación
Rico avariento y La vuelta del hijo pródigo nos lo muestran, en cam- senesa del gótico francés, y a la presencia por estos años de artistas
bio, más dentro del género corriente en el taller familiar. flamencos y holandeses en las refinadas cortes de París y Borgoña, nace
lo que desde hace años viene denominándose el estilo internacional,
por las estrechas analogías que presenta en los varios países que lo
cultivan. Donde alcanza mayor florecimiento es en las citadas cortes
de París y Borgoña, en el este de España, en el noroeste de Alemania
y en el norte de Italia. Corresponde a fines del siglo xiv y al primer
cuarto del xv.
El estilo internacional se manifiesta principalmente en la tendencia
al alargamiento y espiritualización de las figuras, en las que se llega
en algunos casos a preferir tipos demacrados y enfermizos, y en el
amor por el movimiento y por lo curvilíneo. El pintor se recrea ima-
ginando largos ropajes, que al caer producen un sinnúmero de curvas
y contracurvas de carácter decorativo. El colorido es claro y brillante.
De gran importancia para el futuro es también el creciente interés natu-
ralista, que se atribuye a la colaboración flamenca. Además de producir
136 EL ESTILO INTERNACIONAL PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 137

el retrato —los donantes hasta ahora apenas tienen rasgos individua- Los PRIMITIVOS FLAMENCOS.—Cuando ya la pintura renacentista italia-
les—, se deja sentir en el gusto por representar temas de la vida diaria na, después de despojarse de los rígidos formulismos bizantinos, cuenta
y por lo episódico, es decir, por lo que, en su día, dará lugar a la con cerca de un siglo de vida, se forma en lo que hoy es Bélgica y
pintura de género. Y dentro de esta misma tendencia conviene subra- Holanda una escuela que producirá durante trescientos años artistas
yar el gusto por lo caricaturesco y extravagante, que, a veces, mani- de primera calidad. Inspirándose fundamentalmente unas veces en ellos
fiesta el pintor al interpretar algunos de esos temas. y otras en los italianos, vivirán las restantes escuelas europeas hasta
En cuanto al escenario, la mayor novedad consiste en el gran des- bien entrado el siglo xix. Salvo en contados momentos., no se producirá
arrollo que se concede al paisaje, a cuyo efecto suele elevarse consi- pintura verdaderamente original más que en Italia y Flandes.
derablemente la línea del horizonte. Ahora se crea el tipo de jardín En Flandes y los Países Bajos, lo mismo que en toda Europa, ex-
místico, pleno de verdor y esmaltado de flores, donde el Niño juega ceptuada Italia, se pierde la tradición de la gran pintura mural de los
con los ángeles. Pero, pese al impulso naturalista que inspira al pai- tiempos románicos. Los grandes ventanales de las iglesias góticas ha-
saje del estilo internacional, es un paisaje esencialmente romántico, cen desaparecer los amplios muros de las iglesias, y la pintura tiene
en el que las peñas, lo mismo que los personajes, se alargan y se cur- que confinarse a los retablos. Los retablos medievales son, en general,
van, participando de ese mismo afán de espiritualización y de ese mis- pequeños, y a los flamencos no les gusta, como a los españoles, multi-
mo sentido decorativo que animan a todo el estilo. plicar el número de sus tablas. El tipo más corriente es el de tríptico,
El estilo internacional representa el término del ciclo evolutivo del que consta de una tabla mayor central, y de dos laterales movibles,
gótico francés. Ya veremos cómo el gótico flamenco, al reaccionar con- de la mitad de anchura, que sirven de portezuelas. Pintadas éstas por
tra esta última etapa del francés, inicia otra evolución que concluirá ambas caras, la exterior es con frecuencia monocroma, de color gris,
en forma bastante análoga. simulando esculturas. La pintura flamenca es, por tanto, de caballete,
Como queda indicado, en la formación de esta fase estilística des- de pequeño tamaño, y, en consecuencia, para ser vista de cerca, no
empeñan papel de primer orden los pintores de la corte francesa. como las grandes composiciones murales italianas. Su factura es mi-
Tanto Carlos el Sabio, rey de Francia, como sus hermanos el duque nuciosa y detallista, carácter a que contribuye el intenso desarrollo ad-
de Borgoña y conde de Flandes, y el duque de Berry, son entusiastas quirido por la miniatura de códices en la corte de los duques de Bor-
de la pintura y, sobre todo, de la miniatura. Los libros para ellos goña, a quienes pertenecen estos Estados a fines del siglo xiv. Y tan
decorados son de lujo extraordinario, y sus ilustraciones verdaderos es así, que el fundador de la escuela cultiva también magistralmente
cuadros. Es muy poco lo conservado de la pintura de caballete de este el arte de la miniatura. Puestos al servicio de esa técnica minuciosa
momento, si bien algunas de ellas son tan excelentes como la Trinidad un fino sentido de observación y una innata tendencia naturalista, se
y el Martirio de San Dionisio, del Museo del Louvre, atribuidos a Juan comprende que los pintores primitivos flamencos y holandeses alcan-
de Malouel o Malwel, procedente de la región del Mosa. cen perfecciones difícilmente superadas en la interpretación de las ca-
Pero donde puede conocerse la pintura de este momento es en los lidades de las telas, piezas de orfebrería, metales, vidrios, pieles, etcé-
códices. De 1371 es la Biblia del Museo de La Haya, que pinta Juan tera, y en géneros como el retrato y el paisaje.
de Brujas para Carlos V. Uno de los miniaturistas principales es Aunque los temas son casi exclusivamente de carácter religioso, no
J. Coene de Brujas, a quien se atribuyen Las Horas del Duque de Berry, obstante su emoción y su recogimiento, el artista flamenco los inter-
de la Biblioteca de Bruselas, y las del Mariscal de Boucicault, del preta en un tono de vida diaria muy lejano del idealismo. Los porme-
Museo André, de París. De belleza extraordinaria es el códice de las nores del interior que sirve de escenario a la historia merecen del pin-
Horas del Duque de Berry, del Museo de Chantilly, cuya miniatura tor flamenco casi tanta atención como la historia misma; y en el cariño
de la Coronación de la Virgen es de las creaciones más bellas y carac- con que los trata descubre la poesía del tema humilde de la casa y de
terísticas del estilo. Para el mismo Duque de Berry, el más entusiasta la vida doméstica. En las pinturas religiosas de los primitivos maestros
y el que llega a poseer los códices más ricos, se pinta el libro de horas flamencos se pueden adivinar ya, en efecto, las grandes escuelas fla-
de la Biblioteca de Turín. Ejecutado en los primeros años del siglo xv, menca y holandesa con sus numerosos géneros de carácter profano,
intervienen ya en su decoración los Van Eyck. hijos de su inclinación naturalista y de su espíritu observador, más
138 LOS VAN EYCK PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 139

amigo de buscar la poesía en la realidad inmediata que en las crea- con los instrumentos de martirio, nos redime del pecado con su sangre;
ciones de la imaginación. más en primer término se encuentra la Fuente de la Vida. Grupos nu-
La gran novedad técnica de la escuela es el empleo de la pintura merosos de pontífices, santas, santos, ermitaños, etc., acuden a adorar
al óleo, pues aunque el aceite se usa en Flandes desde principios del el Cordero, mientras profetas y apóstoles rodean la Fuente. Por la
siglo xiv, y es procedimiento que se registra en fecha bastante antigua, portezuela izquierda acuden los soldados de Cristo y los jueces íntegros,
no se sabe hacerlo secar con la rapidez necesaria. En esto consiste pre- y por la derecha, los santos ermitaños y los santos peregrinos.
cisamente el gran descubrimiento de los fundadores de la escuela fla- Es la interpretación del texto del Evangelista de Patmos: «Después
menca. Aunque aún se tarde mucho tiempo en adoptarse la técnica de estas cosas miré, y he aquí gran compañía, la cual ninguno podía
del óleo de forma integral, ya ellos demuestran todo el dilatadísimo contar, de todas gentes y linajes y pueblos y lenguas, que estaban de-
horizonte que con el nuevo procedimiento se abre a la pintura. lante del trono y en la presencia del Cordero vestidos de ropas blancas
y palmas en sus manos.» En el exterior de las portezuelas aparecen la
Los HERMANOS VAN EYCK.—Los verdaderos creadores de la escuela Anunciación, primer capítulo de la Redención, y los Santos Juanes ado-
son los hermanos Huberto (f 1426) y Juan Van Eyck (t 1441). Del rados por los donantes Jodocus Vydt y su mujer (lám. 215).
primero apenas sabemos sino que recibe el encargo de pintar el célebre En esta obra magna, la pintura flamenca se nos ofrece plenamente
políptico de la Adoración del Cordero Místico (lám. 214), de San Bavón formada. Los Van Eyck han representado con precisión y vida admi-
de Gante, y que muere antes de terminarlo; de Juan, su hermano me- rables no sólo la hierba y las florecillas de la pradera de la Adoración,
nor, que lo concluye en 1432, se sabe que antes de esa fecha vive en sino los bosques del fondo —donde aparecen las palmeras y los naran-
La Haya, y que, al servicio del duque de Borgoña, va a Portugal a retra- jos que Juan vería en su viaje a Portugal—, es decir, el paisaje. En
tar a la infanta con quien su señor desea casarse. Pero de Juan posee- las figuras de los donadores nos han dejado dos verdaderos retratos
mos, además, varias obras firmadas que nos permiten conocer con segu- de primer orden. Y en las vestiduras, armaduras y joyas de los perso-
ridad su estilo, que es fundamentalmente el del políptico de San Bavón. najes, hacen pleno alarde del interés que distinguirá a la escuela por
La inscripción que se lee en éste suscita un problema que tal vez nunca pintar la calidad de las cosas. Campeones decididos del naturalismo,
llegará a resolverse satisfactoriamente. Dice así: «Pictor Hubertus... preocupados por interpretar la diversa calidad de las telas, su forma
Eyck major quo nemo repertus incipit pondas quod Johannes, arte se- de plegarlas es, sin embargo, totalmente convencional. Son telas que se
cundas, frater perfecit... J432», «Huberto Van Eyck, pintor sin igual, quiebran en ángulos y contraángulos, como si se tratase de tela enco-
comenzó esta obra, que terminó su hermano Juan, segundo en el arte.» lada o de papel. Hermanos en su reiteración de las caligrafías curvi-
Unos críticos creen uoder distinguir en una parte un estilo distinto líneas del estilo internacional, se diría que sus pliegues son hijos de la
del de Juan, que atribuyen a Huberto, mientras otros juzgan el políptico reacción contra ellas. Una coexistencia análoga, de verdad en las cali-
de Juan, considerando el tono de la inscripción, simple muestra de dades y de convencionalismo en la forma de plegar, no volverá a darse
amor fraternal. La diferencia de estilo es, de todos modos, muy peque- hasta los días de Zurbarán. En cuanto a la figura humana, los Van
ña, e incluso en el caso de ser Huberto el creador exclusivo del estilo, Eyck gustan de dotarla de un aplomo y monumentalidad que forma
las obras conservadas de Juan prueban que no le es inferior y que contraste con la levedad e inestabilidad del estilo internacional.
llega a convertirlo en el suyo propio. De Juan Van Eyck conservamos varias tablas de tema religioso,
El retablo de San Bavón es un gran tríptico, dividido en dos zonas, entre las que sobresalen la Virgen del canciller Rollin (lám. 216) y la
tanto en la tabla central como en las puertas (lám. 215). En la zona del canónigo Van der Paele, la primera con magnífico fondo de paisaje,
alta del interior, los personajes son de gran tamaño. Presididos por el y la segunda en un interior maravillosamente interpretado; ambas con
Todopoderoso, aparecen a uno y otro lado San Juan Bautista y la Vir- los retratos de primer orden de los donadores. Pero, además, pinta una
gen —la vieja Déesis bizantina—, a los que acompañan en las alas dos galería de retratos no superada por sus sucesores, en la que sobresalen
coros de ángeles cantores y ángeles músicos (lám. 217), y en los extre- el del matrimonio italiano Arnolfini (lám. 218), que es, al mismo tiempo,
mos, Adán y Eva. En la mitad inferior vemos, en una amplia pradera espléndido estudio de interior; el del Hombre del clavel (lám. 220) y
esmaltada de flores, el altar donde el Cordero adorado por los ángeles el del Legado Albergan. La importancia que el retrato ha de tener en
 14Ü ROBERTO CAMPIN Y VAN DER WEYDEN PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 141
Flandes y los Países Bajos durante el siglo xvn se manifiesta plenamen- a los pies de los personajes (lám. 225). En su deseo de concentrar la
te en el fundador de la escuela. atención en la figura humana, en el Descendimiento (láms. 223, 224), del
Prado, una de sus obras maestras, imagina la escena sobre un fondo
ROBERTO CAMPIN Y VAN DER WEYDEN.—La gran personalidad de la liso dorado, como si se tratase del alto relieve de un retablo. La corres-
escuela, que sigue en importancia a los Van Eyck y llena con su activi- pondencia del movimiento en sentido inverso de las dos figuras extre-
dad el segundo tercio del siglo, es Roger van der Weyden (t 1464). Inti- mas, que cierran el grupo por ambos lados, y el paralelismo entre el
mamente ligado con su estilo, pero anterior a él, existe un grupo de cuerpo de la Virgen y del Cristo, así como las estudiadas y elegantes
pinturas muy valiosas y tan análogas a las suyas que hasta se conside- actitudes de todos los personajes, nos ponen de manifiesto su preocu-
ran por algunos su obra juvenil. En realidad, parece casi seguro que se pación por el arte de componer. Pero Weyden no es un pintor de mu-
trata de la obra de otro artista, probablemente su maestro, a quien se ñecos elegantes e inexpresivos. Por el contrario, posee un fino sentido
denomina el Maestro de Flémalle, por proceder de aquel monasterio de la expresión y, en particular, sabe hacer sentir la emoción de los
sus pinturas (lám. 222), del Museo de Francfort, una de las obras prin- temas trágicos. En el Descendimiento, por ejemplo, procura distinguir
cipales del grupo. Fundándose en esa analogía de estilo y en su mayor entre la palidez mortal del cuerpo del Cristo y la palidez del rostro
arcaísmo, se cree que el anónimo pintor de Flémalle no es sino Roberto desvanecido de la Virgen, e insiste en el enrojecimiento producido por
Campin (t 1444), que, establecido en Tournai en los primeros años del el llanto en el rostro de la Magdalena. Como es natural, Weyden es tam-
siglo, tiene por discípulo a Roger van der Weyden. Su obra más inspi- bién un gran intérprete de la Piedad, en la que sirve de modelo a casi
rada es, probablemente, la Santa Bárbara (1438) (lám. 221), del Museo todos sus sucesores, que no en vano lo trágico es una de las categorías
del Prado, que lee en su habitación, mientras al fondo construyen la del gótico del xv, y él es una de sus personalidades más representativas.
torre que le servirá de prisión. Si no supiéramos el destino de la torre, La visión dramática de San Buenaventura, del dolor de la Virgen abra-
creeríamos que se trata de un bello estudio de interior, con una joven zada a su Hijo muerto, logra en Van der Weyden su intérprete más
leyendo y un singular efecto de luz roja proyectada por el fuego de la perfecto.
chimenea. En el tríptico de la Anunciación de Mérode, del Museo Metro- Otras obras capitales suyas, como el retablo de Miraflores, o el de
politano de Nueva York, la preocupación por las calidades y por lo anec- los Sacramentos, imaginan las escenas encuadradas por el pórtico de
dótico es igualmente sensible. una iglesia gótica, decorado con grupos escultóricos. También es im-
Mientras en los Van Eyck domina la sangre holandesa, Weyden nace portante, por el desarrollo de su composición, el Juicio Final de Beaune.
en tierra de lengua francesa, en Tournai, y se llama, en realidad, Roger
de la Pasture, apellido que, traducido al flamenco al marchar al Norte,
se convierte en Weyden. Goza pronto de gran fama, puesto que cuando DIRCK BOUTS.—Ya en la primera mitad del siglo xv se advierten dife-
sólo cuenta treinta y dos años, posee ya el Pontífice una obra de su cias de sensibilidad artística entre flamencos y holandeses, diferencias
mano. Cerca de veinte años después hace un viaje a Roma, que deja que, con el andar del tiempo, producirán dos escuelas perfectamente
muy poca huella en su estilo. definidas y con caracteres propios. Dirck Bouts (t 1475), natural de Har-
El es el gran creador de composiciones de la escuela, la cantera lem y contemporáneo de Weyden, es buen ejemplo de ello; tal vez el
inagotable en que se inspiran casi todos sus sucesores hasta principios heredero de más talento de los Van Eyck, es un holandés que posee
del siglo xvi. Su influencia en este aspecto es enorme; bien directamen- todas las cualidades que distinguen a los de su raza. Es el pintor de
te o bien a través de sus imitadores flamencos, las formas del pintor de las telas ricas y de las joyas aterciopeladas; pero, sobre todo, el pintor
Tournai se difunden rápidamente por toda la Europa dominada por el de la luz y de los colores intensos, a quien subyugan los fondos de
arte gótico. Más unilateral que los Van Eyck, se preocupa especialmente paisajes y los bellos efectos crepusculares. Sus personajes, de elegantes
de la figura humana y de sus ropajes. Estudia cuidadosamente las acti- proporciones, no lanzan gritos agudos como los de Weyden, sino que
tudes y la disposición y distribución de los plegados de las telas, desde se mueven con parsimonia. En el Juicio del Emperador Otón, una de
el extremo de la toca que cubre a medias el cuello de la Virgen hasta sus obras principales, en el que, víctima del amor decepcionado de la
el gran manto que se rompe en hermosa cascada de quebrados pliegues emperatriz, es injustamente decapitado un caballero, los que presencian
la escena permanecen impasibles. En el hermoso tríptico del Descendí-
142 LA ESCUELA DE BRUJAS PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 143

miento, de la catedral de Granada, si tanto en el encuadramiento en decorada con historias de su vida, nos descubre un sentido narrativo
forma de pórtico como en la ligereza de las actitudes se encuentra in- igualmente lleno de encanto.
fluido por Weyden, el sentido del color y los bellos efectos crepuscula- El estilo flamenco, libre aún de la influencia italiana, recorre una
res son típicamente suyos. Obra de juventud se considera el políptico de sus útlimas etapas en el holandés Gerard David (t 1523), que se es-
del Museo del Prado (lám. 226). tablece también en Brujas. Mucho menos sensible a la influencia de
A este mismo sector holandés del primitivismo pertenece Ouwater, Weyden que Memling, sus personajes no se preocupan tanto de los
autor de la Resurrección de Lázaro, uno de cuyos principales valores es gestos graciosos y de las actitudes complicadas como los de aquél.
el estudio de la luz. Son, generalmente, más bien bajos y manifiestan decidida propensión
En la línea ascendente del primitivismo flamenco sólo puede citarse al verticalismo. Sus rostros, de corrección casi clásica comparados con
en la segunda mitad del siglo xv el nombre de Van der Goes (t 1482), los de aquél, tal vez resulten algo inexpresivos. Pero su aspecto, unido
artista de vigorosa personalidad, que muere loco cuando probablemen- a la sobriedad de las actitudes y al fino sentido que, como holandés,
te aún no ha cumplido los cincuenta años. Sus Adoraciones de los Re- posee del claroscuro, le permite a veces crear efectos de intensidad
yes (lám. 227) y de los Pastores, de Berlín, procedentes de España, y dramática tan acentuada como en el Calvario, de Genova, o en el Juicio
la de los Pastores del Museo de los Uffizi, pintada para la familia flo- de Cambises. En un tema mucho más lírico, como en el Reposo en la
rentina de los Portinari, ponen bien de manifiesto toda su originalidad huida a Egipto (lám. 230), del Museo del Prado, es interesante ver có-
en el arte de componer. mo su amor al verticalismo inspira desde los troncos del bosque del
fondo hasta el grupo de la Virgen y sus ropajes.
LA ESCUELA DE BRUJAS : MEMLING Y G. DAVID.—Al establecerse en Bru-
jas Hans Memling (t 1494), originario de tierras del Rhin, poco después PATINIR Y EL Bosco.—El primitivismo flamenco produce todavía dos
de mediar el siglo, la pequeña y romántica ciudad de los canales se pintores de personalidad vigorosa y llenos de novedad, Patinir y el
convierte en la capital artística de Flandes, hasta que ya a comienzos Bosco, aunque ambos mueren entrado el siglo xvi.
del siguiente la capitalidad se desplaza al gran puerto de Amberes. El paisaje tiene excelentes cultivadores entre los grandes maestros
Memling, que durante la pasada centuria disfruta de popularidad no del siglo xv, especialmente entre los holandeses. Van Eyck, Dirck Bouts
superada por ningún otro artisa flamenco, es, en realidad, el gran difun- y Gerard David son grandes paisajistas, pero en todos ellos el paisaje
didor de las formas y composiciones creadas por Van der Weyden. Con se limita a servir de fondo de sus composiciones religiosas. Ahora, al
cierta falta de nervio y con delicadeza casi femenina, propensa a veces terminar el siglo Joaquín Patinir (t 1524), discípulo para algunos de Ge-
a una sincera melancolía, traduce a un estilo romántico el sano y fuerte rard David, que se establece ya al final de su carrera en Amberes, lo
dramatismo del viejo maestro de Tournai. Lo que en éste es severa convierte en género independiente, aunque continúa animándolo con
elegancia, deriva en sus pinceles hacia lo precioso, menudo y pequeño. alguna historia religiosa de escasa importancia dentro del conjunto, y
Su Adoración de los Reyes (lám. 228), del Museo del Prado, no es sino con frecuencia de mano ajena. El paisaje de Patinir es convencional
una interpretación libre del cuadro de Weyden del mismo tema, de la (lámina 231). De horizonte por lo general muy alto, levántanse en él,
Pinacoteca de Munich (lám. 225). como bambalinas de teatro, enhiestos picachos de esbeltas proporcio-
Memling es famoso por sus interpretaciones de la Virgen con el nes, verdaderas agujas de piedra que le prestan fantástico aspecto,
Niño, en las que también sigue los pasos de Weyden. De busto, o de considerados por algunos de influencia leonardesca, y por otros, refle-
cuerpo entero en su trono con rico brocado por fondo, sola con el jo del paisaje de Dinant. Animados por las largas entradas de mar de
Niño y un ángel ofreciéndole una manzana, o rodeada de santos, es azules aguas, castillos y un sinnúmero de figurillas, sus paisajes están
siempre de facciones menudas y graciosas, y de expresión melancólica. dotados de profundo sentido poético. Los mejores pertenecen a los mu-
Entre los numerosos ejemplares conservados puede recordarse, por el seos de Viena y de Madrid. Entre éstos es particularmente importante
mayor desarrollo de su composición, la Virgen de la familia Floreyns, el de las Tentaciones de San Antonio, cuyas figuras son de Quintín
del Louvre. Pero Memling, además de su fina sensibilidad para expresar Metsys, y la Laguna Estigia, uno de cuyos torreones, de fantástica ar-
quitectura, descubre la influencia del Bosco.
temas líricos como éstos, en la bella arqueta de Santa Úrsula (lám. 229),
144 EL BOSCO

Jerónimo Bosch van Aeken, el Bosco (t 1516), es, como tantos otros
pintores de esta escuela, de ascendencia holandesa. Su estilo es de ori-
ginalidad extraordinaria, no sólo por los temas que representa, sino
por su sentido de la forma, que rompe totalmente con el estilo tradi-
cional y precisamente en una época en la que con tanto desenfado se
repiten total o parcialmente las composiciones y figuras ajenas. El
Bosco representa en este aspecto el reverso de la medalla de Memling.
Pero, aparte de esta actitud, en el fondo, de vuelta a la Naturaleza, el
Bosco interpreta sus temas con un sentido humorista y burlesco com-
pletamente desconocido de sus predecesores, y que desemboca en un
tipo de pintura alegórica y moralista, cuyo significado concreto en al-
guna ocasión no se ha podido explicar todavía satisfactoriamente.
En realidad, los «sueños» del Bosco son la consecuencia de esa mis-
ma fantasía medieval que decora los capiteles, las gárgolas y las mi-
sericordias de los templos románicos y góticos; es la ridicula mons-
truositas contra la que clama San Bernardo, y que el Bosco no duda
en llevar a la amplia superficie de un cuadro. Agrégase a esa actitud
burlesca tradicional la influencia de los bestiarios o colecciones de in-
terpretaciones alegóricas religiosas y morales de los diversos reinos de
la Naturaleza, tan de moda en los últimos tiempos de la Edad Media,
y la del Apocalipsis.
El estilo del Bosco adquiere rápida popularidad. Ya en vida suya
el grabado difunde sus obras, y no tarda en formarse toda una serie
de imitadores. España es uno de los países donde encuentra más admi-
radores, y nuestros reyes quienes más y mejores obras suyas adquieren.
En algunas pinturas, como la Adoración de los Reyes (lám. 234),
del Prado, el Bosco, más que por sus comentarios burlescos, que no
faltan en alguna figura secundaria, sorprende por la novedad extraor-
dinaria de su estilo, completamente diverso del de sus contemporá-
neos. Ese tono burlesco se carga de intención en los Pecados capitales,
que, después de presentar la escena del moribundo cuya alma se dispu-
tan un ángel y un demonio, contiene en torno al ojo de Dios varias
historias representativas de esos pecados.
El texto de Isaías de que la carne es heno y toda la gloria como
la hierba de los prados, le inspira el Carro del heno (lám. 233), sobre
el que corre a su perdición una pareja de enamorados, entre las preces
de un ángel y la regocijada música burlesca de un demonio. Tirado
el carro por un tropel infernal de las más fantásticas formas, tratan de
ascender a él para disfrutar de los placeres materiales las más diver-
sas clases sociales, desde un pontífice y un emperador de aire farisai-
 PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 145

co hasta un villano que apuñala abiertamente a quien se le interpone

en el camino.
De interpretación poco clara es, en cambio, su gran tríptico del
Jardín de las delicias. Presenta en su tabla central (lám. 238) un pai-
saje con fondo de montañas fantásticas de peñascos atravesados por
tubos de cristal y terminadas en caprichosos equilibristas, y un desfile
de hombres desnudos cabalgando en animales y monstruos en torno a
un lago central, donde unas jóvenes se bañan, mientras múltiples gru-
pos de ambos sexos, igualmente desnudos, aparecen en primer tér-
mino con enormes fresas, en las que se quiere ver el símbolo de lo pa-
sajero de las delicias terrenas. En la portezuela izquierda figura el
Paraíso, y en la derecha, el Infierno (lám. 235). Pintor de los martirios
218-220.—TIZIANO: Virgen de los Pésaro.—VAN EYCK: Matrimonio Arnolfini. H o m b r e
del clavel. infernales, como Fra Angélico lo es de las glorias celestes, hace alarde
en esta última puerta de su prodigiosa imaginación. Su iluminación
fantástica y su fino colorido son valores igualmente de primer orden.
El sentido burlesco del Bosco se ejercita también comentando re-
franes y creencias populares. En la Piedra de la locura, del Museo del
Prado, el doctor, con un embudo por birrete, extrae al enfermo la pie-
dra de la frente ante la admiración de una mujer, dominada por el
peso de la ciencia contenida en el libro que tiene sobre la cabeza.

E L SIGLO XVI. LA INFLUENCIA LEONARDESCA: QUINTÍN METSYS. MANIE-

RISTAS DE AMBERES.—Hacia 1500 comienza a dejarse sentir en la pintura
flamenca la influencia italiana. El primero que la manifiesta con toda
claridad es Quintín Metsys (t 1530), que, establecido en Amberes poco
antes de terminar el siglo, se muestra ya conocedor del estilo leonar-
desco. Su formación es flamenca, pero su prurito de finura en el mode-
221-223.—MAESTRO DE FLÉMALLE: Santa Bárbara, Virgen con el Niño.—WEYDEN: lado y su interés por la composición son de aquel origen. Su Virgen
Descendimiento.
de la colección Raczinski, por ejemplo, está claramente inspirada en
la Santa Ana del maestro florentino, y en sus obras capitales, como la
Familia de Santa Ana o el Santo Entierro (lám. 236), además de un mo-
delado exquisito, ofrece una flexibilidad en las formas y una blandura
hasta entonces ignoradas por los maestros flamencos.
Metsys muestra particular empeño en representar lo característico,
probablemente también por sugestión leonardesca. En el Ecce Homo,
del Museo del Prado, insiste especialmente en diferenciar el tempera-
mento de los personajes del primer término, y en el retrato de la Ga-
lería Nacional de Londres se complace pintando una mujer monstruo-
samente fea. Pero el fruto más fecundo de esta faceta de su personali-
dad es la creación del cuadro de costumbres, en El cambista y su mu-
jer (lám. 237) y El abogado y su cliente, llegando hasta descubrir en
10
224-225.—WEYDEN : Descendimiento, Adoración de los Reyes.
 146 EL RAFAELISMO PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 147

El viejo enamorado (lám. 239) la veta picaresca, que también tendrá Descendimiento, de Middelburg, al que dedica cerca de quince años,
larga descendencia en la pintura flamenca barroca. es una especie de Meca de los pintores flamencos —el propio Durero v a
El imitador de Metsys, Marinus, inspirándose en este tipo de cua- a visitarlo—, y sus Vírgenes con el Niño, en las que el desnudo triunfa
dros de figuras de medio cuerpo, caricaturiza el estilo de Metsys en su y que se encuentran tan lejanas del recogimiento gótico de Memling
San Jerónimo (lám. 238) que repite con insistencia. y David, se copian reiteradamente (lám. 241).
En vida todavía de Metsys, y cuando el rafaelismo invade ya el Gossaert es, además, el primer cultivador flamenco de la fábula mi-
país, prodúcese una reacción gracias a la cual el estilo tradicional fla- tológica y, en consecuencia, del desnudo clásico. A él se deben temas
menco trata de remozarse creando un estilo nuevo. El esfuerzo lo rea- como Neptuno y Anfitrite (1516) y Dánae recibiendo la lluvia de oro.
liza un grupo de pintores denominados los manieristas de Amberes, de Y claro está que, tanto en estas historias paganas como en las reli-
hacia 1520, cuyas obras se atribuyeron en un tiempo, erróneamente, a giosas, las arquitecturas son renacentistas, aunque tan poco esbeltas
Henri Met de Bles. En realidad, es un estilo de decadencia, que des- como generalmente sus personajes.
cubre una sensibilidad no poco enfermiza, pero ansiosa de novedad (lá- Algo más joven que Gossaert, y pintor de cámara de la regente,
mina 240). Esa novedad se busca, sobre todo, en el movimiento y, con es Bernardo van Orley (t 1542), que aunque comienza pintando como
frecuencias, en el alargamiento de personajes y arquitecturas. Delgadas aquél en el estilo gótico flamenco, no tarda en adoptar las formas re-
y nerviosas hasta la exageración, y de rostros a veces feos pero expre- nacentistas. La Sagrada Familia (1522) (lám. 242), del Prado, es una
sivos, las figuras adoptan actitudes inestables y lucen cendales flotan- de sus más bellas creaciones, pero la gran obra en que ofrece un ver-
tes. Los fondos de arquitectura, de caprichosos arcos parabólicos, par- dadero muestrario de modelos y actitudes rafaelescos —llegando inclu-
ticipan del mismo espíritu. Extraordinariamente fecundos, estos pin- so a copiar algunas figuras de Rafael, como la de Heliodoro—, es el
tores montan varios talleres muy activos, que inundan con sus produc- Retablo de Job. Van Orley dibuja también gran número de cartones
ciones el occidente de Europa. para la floreciente industria tapicera bruselense. Entre estos tapices,
que en buena parte pertenecen a la corona de España, es particular-
E L RAFAELISMO: GOSSAERT Y VAN ORLEY.—A la influencia leonardesca mente bello el llamado Dosel de Carlos V.
sigue la de Rafael, ya mucho más intensa, y al fin completamente arro- El Renacimiento italiano, después de muerto Gossaert, domina casi
lladura. totalmente en la pintura flamenca, sobre todo en la de carácter reli-
El introductor del rafaelismo es Juan Gossaert (t 1535), llamado gioso. Entre los principales cultivadores del estilo en esta segunda fase
también Mabuse. Gossaert, después de haber hecho su formación en más específicamente manierista, figuran el bruselés Peter Kempeneer,
el país y pintado obras de estilo personal, como la Adoración de los que trabaja en España, donde transforma su nombre en Campaña;
Reyes, de Londres, marcha a Italia en 1508, en el séquito de Felipe de Frans Floris y Coxie. En la parte holandesa trabajan algunos manie-
Borgoña, para dibujarle aquellos monumentos romanos que considere ristas tan exaltados como Scorel y Heemskerck.
más interesantes. El estilo de Gossaert, sin embargo, no cambia inme-
diatamente. A su regreso continúa pintando obras como la Virgen, del BRUEGHEL: LA REACCIÓN NATURALISTA.—No obstante la intensa influen-
Museo de Palermo, sobre un fondo de aparatosa arquitectura gótica, cia italiana, la capacidad creadora de la escuela flamenca no se agota.
pero el prestigio cada vez más arrollador del Renacimiento en general, La poderosa personalidad de Peter Brueghel (t 1569), que cierra el
y del pintor de Urbino en particular, le deciden al fin a cambiar de primitivismo e inicia la gran pintura naturalista flamenca barroca, lo
estilo. pone bien de manifiesto. Nacido cuando terminan su carrera Gossaert
Ahora bien, las elegantes formas y las ligeras composiciones rafae- y Van Orley, hace una breve visita a Italia al mediar el siglo y muere
lescas se hacen en él rechonchas y gruesas y se enlazan trabajosa y en Bruselas, cuando apenas ha cumplido los cuarenta años y su estilo
pesadamente. La desventajosa comparación de sus obras de tipo rafae- se encuentra todavía en su curva ascendente. El viaje a Italia, lejos
lesco con las juveniles ofrece un caso típico del artista víctima en su de convertirle en un rafaelista, no deja en él huella notable. Compren-
edad madura del noble deseo de asimilar un estilo ajeno más moder- de que el porvenir de la pintura • flamenca está en el estudio de la na-
no. Sus nuevas obras, sin embargo, logran gran fama. El destruido turaleza, y se dedica con entusiasmo a pintar los aldeanos y campest
148 EL RETRATO PINTURA FLAMENCA Y HOLANDESA 149

BOS flamencos y a frecuentar sus fiestas, para poder representar con tipo de retrato flamenco. En realidad, casi todos los primitivos flamen-
mayor propiedad las escenas populares. En algunos de sus dibujos cos pintan excelentes retratos; pero, salvo en casos como el de Arnol-
podemos ver cómo tomaba minuciosas notas de su inaumentaria. La fini, el retrato como género independiente se reduce a una cabeza o a
Boda es buen testimonio de cómo, vuelto de espaldas al idealismo ita un busto. Moro, aunque alguna vez cultiva la pintura religiosa, se de-
liano, estudia con el mayor cariño esa indumentaria y los tipos de sus dica al retrato, y, siguiendo el ejemplo del Tiziano, los pinta ya de
paisanos. La glotonería y el espíritu festivo flamencos, que han de cuerpo entero. Mas lo que constituye su principal valor es su penetrante
inspirar tantas pinturas del siglo xvn, aparecen ya en las obras de mirada para captar el carácter del retratado, cuyos rasgos representa
Brueghel como temas dignos de ser pintados. con admirable seguridad. Pintor del cardenal Granvela, pasa algún
El encargo recibido hacia 1555 de hacer dibujos de obras del Bosco tiempo en Portugal y España retratando a la familia real, a Maximi-
para grabarlas, abre una nueva época en su carrera artística. Su inte- liano II, a Doña María y a Doña Juana, madre del rey Don Sebastián.
rés se concentra en la figura humana, que observa ahora con fino es- Pero donde su mirada inquisitiva se extrema es en los retratos de hom-
píritu humorista. Pinta, como el Bosco, una operación de la Piedra de bres de placer, como el del manco Pejerón (lám. 246), del Museo del
la locura, pero sobre todo, inicia una serie de los Proverbios, y lo Prado, y el del Enano de Granvela con su perro, del Museo del Louvre,
mismo en ella que en la de las Estaciones multiplica las figuras para dignos predecesores de las famosas creaciones velazqueñas. No menos
recrearse en su interpretación naturalista. De su sensibilidad para lo hondamente sincero es, sin embargo, Moro en retratos como el de Ma-
trágico son buenas pruebas su emocionante composición de Los cie- ría Tudor (lám. 244), del Museo del Prado. Ya veremos la huella dejada
gos y las escenas del Triunfo de la Muerte (lám. 243). por Moro en la pintura española.
Con anterioridad a este último período de influencia del Bosco,
Brueghel cultiva con particular empeño el paisaje. En realidad, de su
viaje a Italia lo único que deja huella en su obra son los profundos va-
lles de los Alpes vistos desde las alturas. Algún cuadro religioso, como
la Conversión de San Pablo, es un inmenso paisaje de montaña, don-
de las diminutas figurillas se pierden. Pero lo principal es que el pai-
saje estático de Patinir, formado por una serie de planos paralelos, se
convierte en una superficie bajo la cual late la vida como bajo la piel
de un animal gigantesco. Es el sentido cósmico del paisaje que, una
vez muerto Brueghel, no vuelve a dar un paso hasta los días de Rubens.
Esta renovación del paisaje de Brueghel tiene como consecuencia
el nacimiento de una pequeña escuela de paisajistas que, inspirándose
en él y en Patinir, llena el último tercio del siglo. Sus nombres más
ilustres son los de Valkemburgh (t 1597) y Pablo Bril (t 1626), en
quien se deja sentir ya la nueva era.
Influidos desde el punto de vista estilístico por los italianizantes de
la segunda mitad del siglo, pero animados por el mismo espíritu de
Brueghel, pintan Peter Aertsen y su discípulo Beuckelaer escenas de
cocina y de mercado, en las que las viandas y las frutas son tan impor-
tantes como la cocinera o la vendedora, por lo general de media figura.

E L RETRATO: ANTONIO MORO.—Mientras Brueghel abre a mediados

de siglo el camino hacia el naturalismo barroco flamenco, el holandés
Antonio Moro (f 1576), discípulo del manierista Scorel, crea el nuevo
 PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y XV 151

es la composición de la Virgen con el Niño (lám. 245) en el trono, ro-

deada de ángeles dispuestos en fila. Su bello y largo rostro de ojos
rasgados y suave modelado es de pura estirpe senesa; igual origen
delata el movimiento de la escena de la Anunciación. El Prendimiento
es interesante, porque además de mostrar su interpretación del paisaje
giottesco, deja bien de relieve su sensibilidad dramática al oponer a la
serenidad del rostro del Salvador la sorna un tanto infantil de los sol-
dados. En el Descendimiento, de composición efectista, destácase la
figura del santo varón que arranca el clavo de los pies. El intenso
CAPITULO VIII
claroscuro contribuye a subrayar el dramatismo del tema.
Si Ferrer Bassa es el heraldo del trecentismo senes, el anónimo au-
PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS tor del retablo de Estopiñán, del Museo de Barcelona, es el representan-
XIV Y XV te más puro en Cataluña de la escuela florentina, aunque de la época
en que los discípulos de Giotto sufren ya la influencia senesa.

LA PINTURA TRECENTISTA EN CATALUÑA: FERRER BASSA.—El trecentis-

Los SERRA.—Los verdaderos creadores del trecentismo catalán no
mo italiano se introduce en Cataluña en fecha temprana. Antes de
son, sin embargo, Ferrer Bassa ni el maestro de Estopiñán, sino los
mediados del siglo, en 1348, muere ya Ferrer Bassa, a quien en la ac-
hermanos Jaime y Pedro Serra, que trabajan ya en el último tercio
tualidad hemos de considerar su primer cultivador. Del prestigio que
del siglo xiv. Además del estilo que sirve de base a la futura escuela
gozara en vida son buenos testimonios no sólo sus trabajos para el
catalana, en ellos encontramos formado el retablo, y no pocas compo-
monarca y la importancia de los monasterios que le confían obras, sino
siciones iconográficas que perdurarán toda la centuria siguiente.
el que se le haga pintar en las tres grandes capitales de la monarquía
aragonesa, Barcelona, Zaragoza y Valencia. Su estilo no continúa el de Ferrer Bassa. Tiene de común con él
Si hubiésemos de juzgar por su única obra conservada, podría pen- su origen senes; pero mientras en aquél la derivación es directa, en
sarse que se abre para nosotros un gran capítulo de pintura al fresco, ellos es más remota, probablemente a través de algún imitador de los
como el comentado en el Renacimiento italiano. Pero la realidad es seneses de fuera de Toscana. Por otra parte, su temperamento carece
muy otra. Los contratos conocidos nos dicen que, como sus sucesores del dramatismo del de Ferrer Bassa. Los personajes de los Serra son
españoles, es sobre todo pintor de retablos de rasgos menudos, delgaditos y de rostro redondo. Su expresión es
Ferrer Bassa es artista de temperamento intensamente dramático. dulce, tranquila y, a veces, pensativa. En las obras más tardías, el
Sus personajes son pequeños, poco esbeltos, y se mueven con cierta ropaje se ondula ya con cierto sentido decorativo que anuncia el estilo
violencia. Posee el sentido del volumen giottesco, pero no su monumen- llamado internacional, de hacia 1400. El oro abunda en los fondos.
talidad, pues no en vano su formación es más senesa que florentina. Se- Entre los temas que servirán de base para interpretaciones poste-
nesa es, en efecto, la blandura de su modelado, y hace pensar en Si- riores figuran en primer término la Virgen con el Niño, que se des-
mone Martini el gran alargamiento de los rostros de sus personajes. cribirá más adelante, y el Calvario. En éste, tema obligado para la
La única obra segura que conocemos de su mano es el bello conjunto espina o último compartimiento de la calle central del retablo, suelen
de las pinturas murales de la salita del claustro del monasterio de Pe- presentar, en el lado del Evangelio a la Virgen, desfallecida y con los
dralbes, en las afueras de Barcelona, ejecutada tres años antes de su brazos rígidos, pero de pie, sostenida por las Marías, una de las cuales
muerte. Bastante irregular la estancia, distribúyense las pinturas de acostumbra a mirar al Salvador, mientras en el lado opuesto aparece
los tres lienzos del fondo en dos zonas, dedicada la superior a la pa- San Juan sentado o también de pie, y con frecuencia dirigiéndose al
sión de Jesús y la inferior a la vida de la Virgen, mientras en el lienzo espectador. También se imita bastante su versión del Nacimiento, y,
de entrada aparecen santos y figuras alegóricas. Típicamente toscana aunque sólo en los pintores de su escuela, la Venida del Espíritu Santo.
152 LOS SERRA

No siempre es fácil distinguir el estilo de Jaime del de Pedro Se-

rra, si bien poseemos obras seguras de uno y de otro que permiten
advertir el mayor arcaísmo del primero y el estilo más avanzado del
segundo.
Obra documentada de Jaime es el retablo del Museo de Zaragoza
(1361), y en él, de particular interés, el Descenso al Limbo y la Resu-
rrección. Imagina la entrada de aquél como las fauces de un monstruo
de afilados dientes, al que unos demonios tiran con cadenas de su man-
díbula inferior cual si del puente levadizo de un castillo se tratase.
Como será costumbre en el período gótico, salvo San Juan Bautista,
que tiene nimbo circular, los demás personajes, que pertenecen a la
Antigua Ley, lo tienen poligonal. La Resurrección está compuesta con
gran simetría, sólo rota por la figura del donante fray Martín de Al-
partil, de cabeza redonda y voluminosa y ojos pequeños, igualmente
redondos y saltones. Probablemente es también de Jaime el retablo de
Sigena, del Museo de Barcelona, en cuya tabla central vemos a la
Virgen con el Niño, adorada por el donante. Es la más antigua inter-
pretación conocida del tema por los Serra. Abandona el autor en ella
el tipo de los muchos ángeles de Ferrer Bassa y concede mayor im-
portancia al trono de madera, rico, pero sobrio de líneas, sin curvas
ni pináculos. Ya veremos cómo, tanto el grupo de la Virgen con el
Niño como el trono y los ángeles, ahora tan reposados y simétricos,
se irán moviendo a impulsos del estilo internacional.
De especial interés histórico e iconográfico es también la Virgen de
Tobed, de propiedad particular, pues incluye los retratos de Enrique II
y su familia, por lo que se le supone exvoto del monarca en acción
de gracias por haber salvado la vida en la batalla de Nájera (1367).
Sentada la Virgen sobre un almohadón, en el suelo, y en actitud de
dar el pecho al Niño, repite puntualmente la composición de la Vir-
gen de la Humildad italiana, cuyo culto debe difundirse por entonces
rápidamente entre nosotros.
La obra maestra de Pedro Serra es el retablo de Manresa (1394),
dedicado a la Venida del Espíritu Santo, que ocupa la gran tabla
central. Con la Virgen de tamaño mayor en el centro, y los apóstoles
agrupados detrás, salvo los dos que aparecen en primer término, se
fija aquí el prototipo del tema, que los continuadores de los Serra re-
petirán en varias ocasiones. Por su concepción, que se diría aprendida
en el románico, es curiosa la Creación del Mundo, en la que el Todopo-
deroso, como arquitecto del Universo, aparece con enorme compás
ante el mundo. En cuanto a los temas más frecuentes de la vida de
 PINTURA ESPAÑOLA. DE LOS SIGLOS XIV Y XV 153
*:•• -iÉF
Jesús, son importantes el Nacimiento y la Adoración de los Reyes,
base de interpretaciones posteriores (lám. 247).
Aunque es probablemente obra más de taller que del propio Pedro
Serra, el retablo del monasterio de San Cugat, del Museo Diocesano
de Barcelona, es interesante, sobre todo por las series de ángeles, per-
sonajes del Viejo Testamento, santos y santas que, agrupados por
categorías, acuden por las tablas laterales a rendir homenaje a la Vir-
gen con el Niño, que en tamaño mucho mayor y sentada en su trono
ocupa la gran tabla central.
El discípulo de nombre conocido más próximo a Pedro Serra es
Jaime Cabrera, autor del retablo de San Nicolás, de Manresa (1406).
252-254.—Virgen, S. Jorge armado caballero por la Virgen. Virgen aragonesa. Su obra más bella es, sin embargo, la poética composición de la Vir-
gen con el Niño rodeada de ángeles, del Museo de Vich. Sentada en
tierra sobre un almohadón, contempla cómo el Niño juega con un pa-
jarito que, prendido por un hilo, pugna en vano por escapar volando,
mientras los ángeles, con instrumentos diversos, obsequian con su
música al divino infante. Aunque el fondo es de oro, no puede por
menos de hacer pensar en los jardines místicos tan de moda hacia 1400.
A la etapa de los Serra corresponde en Mallorca Juan Daurer, que
firma en 1373 la Virgen del pueblo de Inca. De fecha algo más avan-
zada son el retablo de Santa Eulalia y el de Montesión, la obra capi-
tal de este momento.

E L ESTILO INTERNACIONAL EN CATALUÑA: BORRASSÁ Y MARTORELL.—En

los primeros años del siglo xv trabaja ep Cataluña un grupo de pin-
tores que continúan cultivando el estilo de los Serra, pero que, sin
255-257.—Virgen, Danza de Salomé.—N. FRANCÉS: Nacimiento. Anunciación. llegar a la etapa francamente internacional representada por Bernardo
Martorell, de hacia 1430, se encuentran influidos por el nuevo estilo
que ya se deja sentir en alguna obra del propio Pedro Serra. La fi-
gura más importante de este momento de transición es Borrassá. En
su obra fechada más antigua el retablo de Guardicla (1404), aunque la
tabla central está dedicada al tema ya tan desusado del Pantocrátor
con el Tetramorfos (lám. 248), los abundantes plegados curvilíneos del
manto del Todopoderoso son claro indicio del nue~vo estilo. El Calvario
es aún más representativo del cambio de gusto, sobre todo si se com-
para con la interpretación de Serra, de que deriva. Los personajes
adoptan actitudes espectaculares, y sus gestos son violentos. La Vir-
gen se ha desplomado y el grupo de los soldados se transforma en
una serie de tahúres tirados en tierra que nos muestran sus piernas
descarnadas, obedeciendo a ese gusto por lo característico, propio del
estilo internacional. La obra más importante de Borrassá es, sin em-
258-260.—DELLO: Desposorios.—Coronación, de Arcos.—Virgen de la Antigua, Sevilla.
 154 EL ESTILO INTERNACIONAL
PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y XV 155
bargo, el retablo de Santa Clara (1415), del mismo Museo, una de cu-
baja, además, en Toledo. Con él se ha querido poner en relación, sin
yas historias principales es la de los Santos Simón y Judas presentando
más base que su excelente calidad y lo italiano de su estilo, el bello
al rey de Edesa la Santa Faz y una carta de Jesús. El nutrido grupo
retablo del Calvario, del Museo de Valencia, costeado por fray Boni-
de cortesanos del fondo es bello muestrario de lujosas vestiduras.
facio Ferrer, que ingresa en la Orden cartuja al perder trágicamente
Artistas de segundo orden de este momento son el Maestro de la
a casi toda su familia, y se hace retratar con ella en el banco o predela
Cena de Solsona y el de Allbatárrech, muy parecidos entre sí, y Orto-
del mismo. El alargamiento de las rocas de la escena del Bautismo, el
neda (1417-1425), influido todavía por los Serra, que firma el retablo de
sentido decorativo de la composición y la poética interpretación de la
la Virgen, del Museo Diocesano de Tarragona. azucena de la Anunciación, son vivo reflejo del espíritu que anima al
La etapa inmediatamente posterior a Borrassá está representada estilo internacional.
por Ramón de Mur, el antes llamado maestro de Guimerá, que se nos
muestra ya casi totalmente desligado del estilo de los Serra. La com- Tal vez el capítulo más atractivo de la pintura valenciana del pri-
paración de la Virgen de Cervera (lám. 249), cuyo manto es aún más mer tercio del siglo xv es el de sus Vírgenes con el Niño, sin duda
una de las creaciones más bellas y características del estilo internacio-
movido que el del Pantocrátor de Borrassá, con las de los Serra, deja
nal. El sobrio trono de las Vírgenes de los Serra, de macizas pare-
ver el largo camino recorrido. El movimiento de la composición es
des, se cala ahora, dando lugar a arquillos, delgados pilares y apun-
mucho mayor y las actitudes de los ángeles, aunque no están inspira-
tados pináculos, e incluso el ligero baldaquino de la Virgen de Cervera
das por la exquisita fantasía de los maestros valencianos coetáneos,
desaparece para ser reemplazado por un palio de rica tela dorada que
reflejan claramente una nueva etapa estilística. El mismo trono, todavía
flota sobre las puntas mismas de los pináculos, o descansa en largas
un poco pesado, descansa ya, sin embargo, en delgadas columnillas. La
varas sostenidas por ángeles. La estrecha tela de oro que sirve de fon-
obra de mayor amplitud de Ramón de Mur es el retablo de Guimerá,
do a la imagen subraya con su estrechez y alargamiento la ligereza
del Museo de Vich.
de la figura de María, y ese mismo tono de levedad persiste en los
En el segundo cuarto de siglo encontramos una de las grandes fi- ángeles que la rodean. Pese a que llegan a veces al crecido número de
guras del primitivismo español, Bernardo Martorell, en quien culmi- doce, su delgadez y sus rasgos menudos evitan toda sensación de masa.
nan casi todas las características del estilo internacional. Su retablo de Pero lo que contribuye también poderosamente a ese efecto de ligereza
San Jorge (lám. 250), por el que hasta fecha reciente se le conoció y de espiritualidad son el movimiento y la expresión efusiva de estos
con el nombre de Maestro de San Jorge, se encuentra repartido entre ángeles. Sus ropajes se mueven en innumerables curvas y contracur-
el Museo de Chicago y el del Louvre. Pertenece al primero la gran ta- vas, como seres con vida propia; las plumas de sus alas se alargan
bla del titular, en la que, tanto el amplísimo fondo del paisaje, de línea y arquean, y sus mismos cuerpos, al volverse hacia nosotros para ofre-
de horizonte muy elevada, como el ímpetu curvilíneo de la figura del cernos su música, crean nuevas curvas, que terminan por convertir la
caballo y el flotar del manto del jinete, son buenos testimonios del tranquila composición de la Virgen de Sigena, de Serra, en el flamear
estilo internacional. Las tablas menores del Museo del Louvre, que de la Virgen de la colección Gualino de Turín.
forman el banco del retablo, narran la historia del santo. Tal vez sólo
de su escuela, pero de excelente calidad y con escenas muy inspiradas, Los ejemplares más importantes son la Virgen de Sarrión (lámi-
son los retablos de Ciérvoles y de Púbol. na 251), la de Gualino y la del Museo del Louvre, las dos primeras,
por lo menos, de la misma mano. Desgraciadamente, sólo hay moti-
vos, y no muy seguros, para atribuir la de Sarrión al pintor Pedro Ni-
E L ESTILO INTERNACIONAL EN VALENCIA Y ARAGÓN.—La pintura valen-
colau, que goza de gran renombre en su tiempo.
ciana, que a fines del siglo xiv es simple reflejo del estilo de los Serra,
La otra gran personalidad de la escuela valenciana del primer ter-
inicia un período de inesperado florecimiento que comienza hacia 1400.
cio del siglo es el autor del hermoso retablo de San Jorge, del Museo
Antes de citar las dos grandes personalidades del primer tercio
Victoria y Alberto, de Londres, en cuya tabla de la Virgen con el Niño
de la nueva centuria, debe recordarse la presencia en la ciudad levan-
(lámina 252), se acusan aún más las características comentadas en el
tina del pintor florentino Gherardo di Jacopo, lo Starnina, el maestro
grupo anterior, llegando a distribuirse asimétricamente los ángeles.
de Masolino, que huye de su patria a España, donde consta que tra-
El afán de movimiento, como es natural, triunfa plenamente en la
 PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y XV 157
156 EL ESTILO INTERNACIONAL

ropajes de abundante plegado y movidas actitudes, su estilo es menos

gran escena de la batalla en que el santo lucha del lado del rey de provincial que el de sus dos compañeros. El Maestro de Arguis, así
Aragón. Pero lo que hace verdaderamente singular esta obra maestra llamado por el retablo de San Miguel, de esa población, hoy en el Museo
de nuestra pintura medieval es el fino sentido poético del autor, al del Prado, es pintor más original y preocupado por la expresión. Sus
presentar al santo como paradigma de la interpretación romántica de ingenuidades, cargadas a veces de cierto humorismo, constituyen su
la vida que significa la caballería. En la tabla en que San Jorge es principal atractivo. La historia de San Miguel pesando las almas, con
armado caballero, vemos cómo la Virgen le entrega la espada, mien- el demonio cubierto de cuernos por todas partes, el terror que inspira
tras dos ángeles le ponen el casco y otro le calza las espuelas (lámi- al alma que está en el peso, y la forma cómo los elegidos ascienden por
na 253). El capítulo sangriento es también importante y representa- las escaleras puestas en los arbotantes del templo, es tal vez la más
tivo. El intenso naturalismo de la escena del martirio, en que cortan su representativa de su estilo.
cuerpo con una sierra o lo destrozan entre dos ruedas con cuchillas, Entre los varios pintores aragoneses de nombre conocido, pero de
mostrándonos sus visceras y a los espectadores haciendo gestos dela- menor importancia, figura Pedro Zuera, que firma el retablo de la Coro-
tores del mal olor, convierten a este gran artista en digno predecesor nación de la catedral de Huesca; Juan de Leví, autor del de Santa Ca-
de Ribera. La historia de la Degollación es de violencia difícil de su- talina, de Tarragona, y Benito Arnaldin, del de San Martín, de Torralba
perar; y el tema de los demonios desgarrando las bocas de los pe- de Ribota.
cadores, buen ejemplo de la intensidad expresiva del estilo.
En Navarra, la obra más importante de este período es el retablo
Desgraciadamente ignoramos el nombre de maestro tan extraordi- del Canciller Villaespesa, de la catedral de Tudela; de procedencia na-
nario. Se ha supuesto que pueda ser Andrés Marsal de Sax, por su varra parece ser la Santa Úrsula, firmada por Jacobus, de propiedad
semejanza con el estilo de la Incredulidad de Santo Tomás, de la ca- particular de Barcelona.
tedral, pero la documentación referente a ésta como obra de Marsal
de Sax es muy insegura. Obra del autor del retablo de San Jorge o de
CASTILLA DURANTE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO: TOLEDO.—El trecentis-
algún discípulo es el de la Santa Cruz, del Museo de Valencia.
mo italiano en Castilla ofrece caracteres muy diferentes de los que pre-
Influidas por los supuestos Nicolau y Marsal de Sax existen unas
senta en Cataluña. En primer lugar, no conocemos ningún monumento
cuantas obras de excelente realidad, entre las que descuellan los re-
que acredite su presencia ya en el segundo tercio del siglo, y, por otra
tablos de Santa Bárbara y de San Cristóbal, del Museo de Barcelona.
parte, en su primera etapa es más florentino que senes, y los princi-
Después de crear figuras de cuerpo ingrávido y de ropajes flotantes pales maestros hasta ahora identificados son extranjeros.
y sinuosos, y movidas Vírgenes y escenas de martirio, también inicia
El grupo de pintores más antiguos es el toledano, integrado por
la escuela valenciana la reacción en el sentido contrario. Lo prueba
varios retablos y las pinturas murales de la capilla de San Blas, todo
el retablo de San Martín, del Museo de Valencia.
ello en la catedral primada.
La pintura aragonesa durante este período se encuentra muy influi-
Las pinturas murales de esta gran capilla cuadrada son ya, pro-
da por la catalana y la valenciana —recuérdese cómo Ferrer Bassa y
bablemente, de los primeros años del xv. Su parte más importante y
Serra trabajan en Zaragoza—; así, el Relicario del Monasterio de Pie-
mejor conservada es la alta, en la que figuran diversos asuntos del
dra, de la Academia de la Historia, de Madrid (1390), descubre un cierto
Nuevo Testamento, que, aunque no ilustran todas las frases del Credo,
reflejo del estilo de los Serra.
se relacionan indudablemente con su texto. Bajo la que presenta al
Los pintores principales de la primera mitad del siglo xv son el Hijo sentado a la derecha del Padre, se lee, en efecto: Ascendit ad
Maestro de Lanaja, Solana y el Maestro de Arguis. El de Lanaja, autor coelos, sedet ad dexteram Dei Patris Omnipotentis. La historia más
del retablo de aquella población y del de Ontiñea, es probablemente antigua es, de todos modos, el Nacimiento, y una de las más importan-
el introductor en Aragón del tipo de Virgen atribuido a Nicolau. Sirvan tes, la del Calvario, poblada por numerosos personajes voluminosos y
de ejemplo la del Caballero Speradeo (1439) (lám. 254), del Museo Láza- monumentales de abolengo giottesco.
ro, de Madrid, y la del Museo de Zaragoza. Nicolás Solana, que firma De los retablos, el principal es el del Salvador, también de hacia
unos Apóstoles de propiedad particular, es el autor de la Adoración de 1400, y que, no obstante sus muchos repintes, deja ver su estilo floren-
los Reyes, del Instituto Valencia de Don Juan, de Madrid. Amigo de
 158 NICOLÁS FRANCÉS
PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y XV 159
tino de los últimos años del trecento, más progresivo y de más fina
resante es la Visita de Aljonso III al Santo, en la que la escala dimi-
calidad que los frescos citados. En él se advierte ya levemente el co-
nuta en que han sido representados los personajes del primer término
mienzo de la formación del estilo cuatrocentista. Ignoramos los nom-
es buena muestra del curioso sentido de la perspectiva del estilo inter-
bres de los autores de estas pinturas, pero es muy probable que con
nacional. Su otra gran obra del templo leonés, en la que invierte diez
alguna de ellas —especialmente con el retablo del Salvador— pueda
años, son las pinturas murales (1451) del claustro dedicadas a la Pasión,
relacionarse la actividad del italiano Starnina en la catedral de Toledo,
en las que lo narrativo adquiere mayor desarrollo. A Nicolás Francés,
documentada hacia 1390. El viaje de Starnina a España queda comen-
sin duda con bastante parte de taller, se debe el retablo de la Virgen,
tado al tratar de la pintura valenciana.
del Museo del Prado. De distribución nada corriente, las escenas late-
Muy poco posterior a las pinturas de la capilla de San Blas es el rales están dedicadas a la vida de San Francisco y a la infancia de
Maestro de don Sancho de Rojas, así llamado por el retablo de la Vida Jesús. En éstas, sobre todo, el pintor concede a lo anecdótico un des-
de Jesús, del Museo del Prado, encargado por aquel arzobispo de Tole- arrollo característico de la etapa internacional (lám. 257). En una de
do (1415-1422). Probablemente es artista español que se forma al calor las escenas vemos, por ejemplo, cómo un ángel saca agua de un pozo,
de las obras recién citadas, y, como en éstas, su estilo es de estirpe y otros pormenores no menos sabrosos.
florentina. La comparación de su tabla central de la Virgen (lám. 255)
Dello Delli, propiamente Dello di Niccolo Delli, es un florentino,
con las interpretaciones coetáneas valencianas pone de manifiesto el
amigo de viajar, cuyas andanzas por nuestro país merecen ser recor-
arcaísmo de su estilo, todavía fundamentalmente trecentista. Las filas
dadas por Vasari. Su estilo es el de la Florencia de Masolino, pero sus
perfectamente horizontales en que se ordenan los ángeles del fondo
años venecianos y su contacto con el arte del Norte le hacen gustar del
hacen pensar en los días de Ferrer Bassa. A los pies de la Virgen
estilo internacional que desvirtúa su primitiva formación toscana. Na-
retrata, formando juego con don Sancho, a un personaje que se ha
rrador fácil, de locuacidad extraordinaria, es amigo de escenarios arqui-
identificado con don Fernando el de Antequera. Del Maestro de don
tectónicos de abundantes términos, de calles con numerosos grupos
Sancho de Rojas se conoce además una Virgen, hoy en el Museo de
y personajes, terrazas con macetas y hasta pavos reales y gentes que
Valladolid.
curiosean lo que sucede, de paisajes ricos en pormenores, de fijarse
Antes de abandonar Toledo precisa recordar al Maestro de Sigüen-
en las deformaciones de leprosos y enfermos, etc. (lám. 258). En 1445
za, que aunque carece de relación con las obras anteriores y ofrece
pinta el Juicio Final, de la bóveda de la capilla mayor de la catedral
algunas lejanas analogías con pinturas aragonesas, debe ser citado
vieja de Salamanca, y de su mano es también el enorme retablo que
aquí. Su obra más bella es el Retablo del Bautista y de Santa Catalina,
reviste el resto del ábside. Subdividido en innumerables tablas, si como
del Museo del Prado. Como en otros retablos valencianos y catalanes,
tal retablo es un sin sentido, consideradas aquéllas aisladamente cons-
los dos titulares comparten la tabla central de la pintura castellana.
tituyen una espléndida colección de pinturas que confirman plenamente
De colorido brillante y claro, sus personajes son de muy elegantes pro-
los caracteres antes apuntados. Obra muy de última hora y de pobre
porciones, pero su estilo no es ya tan florentino como en las obras ante-
calidad es la Adoración de los Reyes (1469), de la catedral de Valencia.
riores (lám. 256). De su mano se conservan otras pinturas en la cate-
Aunque muy perdida, se conserva alguna pintura mural suya en Santa
dral de Sigüenza.
María Novella, de Florencia.
En el segundo cuarto de siglo las dos grandes figuras son Nicolás
Francés, en León, y el italiano Dello Delli, en Salamanca. En Andalucía, dentro de los escasos monumentos existentes, se ad-
vierte cierto interés por la pintura al fresco. La obra de mayor desarro-
llo es la de la Coronación de la Virgen (lám. 259), de Arcos de la Fron-
NICOLÁS FRANCÉS Y DELLO DELLI. SEVILLA.—Nicolás Francés, que tra-
tera, probablemente de hacia 1400, no obstante el arcaísmo de su com-
baja durante unos treinta años (1434-1468) en tierra leonesa, es segu-
posición y de estilo más florentino que senes. En Sevilla se conservan
ramente un extranjero, y, como indica su nombre, del Norte. Su estilo
sobre todo dos pinturas de la Virgen, no entronizada y rodeada de
es, en efecto, el internacional, sin ningún particular contacto con el
ángeles, como las levantinas, sino de pie y solitaria con el Niño. Una
arte italiano, y su o b r a más fina, el retablo de la catedral, dedicado
de ellas es la Virgen de la Antigua (lám. 260), de la catedral, cuya futura
a la vida de San Froilán, anterior a 1434. Una de las escenas más inte-
devoción había de multiplicar sus copias por toda América. Del tipo
160 LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XV

bizantino de Hodegetria, descubre también la influencia de modelos

góticos. De estilo más puramente senes es la Virgen de Rocamador, en
San Lorenzo.
En el segundo cuarto del siglo encontramos una interesante serie de
pinturas murales de hacia 1435 en San Isidoro del Campo, en Santi-
ponce —la Cena, San Jerónimo dictando su doctrina, santos diversos—,
donde las formas italianas tienen por fondo bellas decoraciones de
tracería morisca. Guardan estrecha semejanza con el Maestro de los
cipreses, el principal miniaturista que decora por esos mismos años
numerosos libros de coro en la catedral de Sevilla.
Las pinturas en tabla andaluzas de la primera mitad del siglo nos
han conservado el nombre de dos pintores: el de Garci Fernández, 261-262*—DALMAU: Virgen de los Concelleres.—BERMEJO: La Piedad.
autor de un retablo en Santa Úrsula, de Salamanca, y Juan Hispalense,
que firma el bello tríptico de la Virgen del Museo Lázaro.

m
LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO xv. LA INFLUENCIA FLAMENCA. CATALUÑA:
DALMAU Y HUGUET.—Justamente un año antes de que Van Eyck feche i *!
el retablo del Cordero (1432) llega a Flandes Luis Dalmau, pintor del
rey en Valencia, enviado por el monarca para que aprenda el estilo de
aquél. Su obra maestra, la Virgen de los Conselleres (1443), del Museo
de Barcelona, nos dice, en efecto, que, salvo en la brillantez del colo-
rido flamenco, asimila el estilo del maestro hasta convertirse en un
verdadero discípulo. El contraste de la Virgen de los Conselleres (lá-
mina 261) con las Vírgenes valencianas y con el estilo de Martorell es
r
tan violento como el que existe entre el estilo internacional y el de los $
Van Eyck, ya comentado. A la ligereza de las Vírgenes valencianas, de
sus ángeles y de sus tronos, sucede ahora un ideal en el que la masa 263-265.—BERMEJO: Santo Domingo.—HUGUET: Santos Abdón y Senén. Martirio
de S. Vicente.
y la monumentalidad triunfan; las telas ya no se pierden en curvas y
contracurvas, sino que se quiebran al gusto eyckiano. Pero Dalmau
no se limita a traernos el nuevo concepto estético, sino que copia
fielmente los modelos del maestro. El grupo de la Virgen y el Niño
sigue muy de cerca al de la Virgen Van der Paele, y los ángeles músi-
cos y cantores que la rodean son fiel reflejo de los del retablo del Cor-
dero. Como en aquél, los rostros de los donantes, en este caso los con-
selleres de la ciudad, son ya verdaderos retratos al gusto eyckiano, que
copian con rigurosa fidelidad los rasgos individuales del personaje.
Como en el caso d e Ferrer Bassa un siglo antes, Dalmau, en los co-
mienzos de este nuevo período de la pintura catalana, hace concebir
un futuro que no tiene realidad. La pintura de la segunda mitad del
siglo no es tan exclusivamente flamenca como permitiría presumir Dal-
mau. La verdadera personalidad que llena ese período es Jaime Huguet,
265-268.—JACOMART: Santa Ana.— J. INGLÉS: Marqués de Santillana.-
MAESTRO DE SAN ILDEFONSO: Virgen.
 PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y XV 161

que se encuentra, en cambio, íntimamente enlazado con la tradición

catalana de Martorell.
Jaime Huguet (t 1492), miembro de una familia de pintores, es la
figura más importante de la pintura catalana del siglo xv. Artista que
comienza a pintar poco antes de mediar el siglo, sus notas más desta-
cadas son su admirable capacidad expresiva y la finura y delicadeza
de su temperamento. Los personajes por él creados son finos y elegan-
tes, con frecuencia graves y solemnes —la cualidad tan española—, y
sus rostros llenos de vida, a veces melancólicos, pero siempre de un
equilibrio perfecto. Sin copiar los modelos eyckianos, como Dalmau,
269-271.—GALLEGO: Santa Catalina.—MAESTRO DE DON ALVARO: Virgén.- no ofrece duda que Huguet se incorpora decididamente al naturalismo
MAESTRO DE LA SISLA: Presentación. flamenco. Pese a esa actitud naturalista, selecciona entre los varios tipos
de la región catalana alguno que impone a sus discípulos y que todavía
tiene eco bien entrado el siglo xvi. Es de rostro bastante alargado, hue-
sudo, de nariz levemente arqueada, labios más bien finos y altos, lo
que produce buena distancia entre la nariz y el mentón. Los fondos,
nimbos y piezas de orfebrería, suelen ser de oro, en relieve muy acu-
sado.
Entre los varios retablos conservados de su mano merece recordar-
se el de San Vicente Mártir (1450-1460) (lám. 265), del Museo de Barce-
lona, cuya escena del santo en la hoguera, al mismo tiempo que descu-
bre en el alargamiento del cuerpo desnudo del mártir el recuerdo de
los modelos de Bernardo Martorell, ofrece una de las colecciones de
cabezas más extraordinarias que ha producido la pintura catalana.
-¿SÍ ,^*ld Aunque en su conjunto la tabla del santo en la cruz es inferior, el grupo
272-274.—SÁNCHEZ DE CASTRO: Virgen.—JUAN DE FLANDES: Noli me tangere.— del juez, el verdugo y los espectadores, es también admirable por la
Zirrow: D. Diego de Guevara. estupefacción que a esos mismos personajes produce la caída del ídolo,
en la tabla correspondiente. Artista de sensibilidad exquisita para los
más diversos aspectos expresivos, en la Ordenación del Santo pinta
una galería de cabezas de cantores que serían suficientes para consi-
derarlo uno de los maestros más insignes de la escuela española.
En el retablo de San Abdón y San Senén, de Santa María de Tarra-
so (1460), es particularmente bella por su sencillez y elegancia, la gran
tabla central (lám. 264), en que los dos mártires persas aparecen en
el proscenio de una amplia terraza, elegantemente vestidos como dos
caballeros catalanes, conscientes de su destino. Pensativos ambos, San
Abdón considera lo que significa la espada que tiene entre sus manos.
Sus rostros, ligerísimamente modelados, sorprenden por la finura y
simplicidad de su ejecución. Las escenas laterales de su martirio con-
tienen también bellos estudios de rostros finamente expresivos. En el
retablo del Condestable don Pedro de Portugal, de la capilla real de
275-277.—OSONA EL VIEJO Y EL JOVEN: Calvario. Adoración de los Reyes.-
Virgen del Caballero de Montesa. n
162 VALENCIA. BALEARES PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y xv 163

Santa Águeda (1464), la más importante es la tabla central de la Adora- Jaime Huguet; pero al comenzar el último cuarto del siglo abre sus
ción de los Reyes, en el más importante de los cuales ha querido verse puertas al cuatrocentismo italiano, iniciando una nueva era de esplen-
el retrato de aquel personaje. Retablo de magnas proporciones, varias dor, que corresponde ya al período renacentista.
de cuyas pinturas son obra de taller, es el de San Agustín, del Museo Hasta hace poco tiempo, el nombre que llenaba la historia de la
de Barcelona, costeado por el gremio de los curtidores. La Consagración, pintura valenciana de mediados del siglo xv era el de Jaime Baco, cono-
solemne y grandiosa, según es costumbre en Huguet, muestra algunas cido por el sobrenombre de Jacomart. Artista muy estimado por Alfon-
cabezas admirables. so V, trabaja para éste en Ñapóles; pero al mediar el siglo se encuen-
Destruido en 1909, aunque, por suerte, consérvanse fotografías, era tra establecido de nuevo en Valencia, donde muere en 1461, a poco de
también obra capital de Huguet y de fecha bastante temprana, el reta- contratar el retablo del pueblo de Catí.
blo de San Antonio Abad (1455). Recientemente se ha atribuido a Hu- La gran semejanza del retablo de Catí, que ha servido de base para
guet una importante serie de obras, que se consideran fruto de una atribuirle un cierto número de obras, con el de Cubells, del Museo de
etapa juvenil aragonesa, entre las que destacan dos tablas procedentes Barcelona, firmado por Reixach, hace desvanecerse su personalidad ar-
de Alloza, del Museo de Zaragoza, y la Virgen de Vallmoll, de la colec- tística en provecho de Reixach, si bien por ahora tal vez convenga con-
ción Muntadas, en el Museo de Barcelona. siderar todas estas obras como producto de la personalidad conjunta
A este mismo período corresponden la actividad de Miguel Nadal, Jacornart-Reixach. En su estilo, .la influencia flamenca es patente, y en
autor de los retablos de San Cosme y San Damián y de Santa Clara y algunos aspectos eyckiana, descubriendo un gran deseo de riqueza en
Santa Catalina, de la catedral, artista formado, al parecer, en el taller fondos y vestiduras de oro, y en pavimentos de losas muy decoradas.
de Martorell, y la de Pedro García de Benabarre, que firma una Virgen Entre las mejores creaciones de la escuela figura el retablo de San
del Museo de Barcelona. A la escuela de Huguet pertenecen, por último, Martín, del Museo de Segorbe (1447-1457), en el que el titular es una
Gabriel Guardia —retablo de Santa María de Manresa, 1501— y Fran- figura monumental y grandiosa que, al mismo tiempo que manifiesta
cisco Solibes, que trabaja principalmente en Aragón —retablos en Ma- la reacción contra el afán de levedad del estilo internacional, anuncia
luenda y Dar oca. el de Bartolomé Bermejo. Tal vez más sensible es el contraste entre la
Entre los contemporáneos de Huguet figura la familia de los Vergós, Virgen entronizada, rodeada de ángeles, del mismo retablo, y las inter-
a los que durante mucho tiempo se ha atribuido buena parte de la pretaciones internacionales. Según costumbre valenciana, se encuentra
obra de aquél. Los miembros de la familia son, en la primera mitad en la calle central, entre la escena principal y el Calvario. También es
del siglo, Jaime Vergós I, y en la segunda, su hijo, Jaime Vergós II y obra de calidad el retablo de Santa Ana (lám. 266), de la Colegiata de
los dos hijos de éste: Pablo y Rafael. A juzgar por los documentos, el Játiva, con el retrato del futuro Calixto III, don Alonso de Borja. En el
de mayor prestigio artístico es Pablo Vergós (t 1495), que contrata el de la Cena, de la capilla episcopal de Segorbe, lo más importante es
retablo de San Esteban, del Museo de Barcelona, retablo que al morir la Virgen de la Porciúncula, excelente ejemplo del nuevo gusto en la in-
se comprometen a terminar su padre y su hermano. La delimitación de terpretación del tema, con los ángeles formando compacto grupo, extre-
las diversas manos que intervienen en él es problema aún no resuelto. mo opuesto de las ligeras composiciones del estilo internacional valen-
Contemporánea de esta escuela barcelonesa, existe otra mucho más ciano.
provinciana en Lérida, cuya principal figura, el Maestro de la Pahería, De calidad inferior es el retablo de Cubells (1468), dedicado a Santa
debe su nombre al retablo del Museo de aquella ciudad, en cuya tabla Úrsula y firmado por Reixach, y el de la Adoración de los Reyes, de
central se encuentran retratados los pahers o concelleres de la ciudad. Rubielos de Mora.
Aunque no poco arcaizante, el estilo es ya flamenco. A ese mismo mo- Aunque, con criterio exclusivamente cronológico precisaría referirse
mento corresponde el Maestro Verdú, cuyo retablo, procedente de esta en este lugar a Osona el Viejo y Pablo de San Leocadio, es preferible,
población, se guarda en el Museo de Vich. por su estilo, incluirlos en el capítulo renacentista y citar, en cambio,
al Maestro de los Perea, que si bien trabaja a fines de siglo y, natural-
VALENCIA. BALEARES. — La escuela valenciana de la segunda mitad mente, se deja influir por el Renacimiento, es más tradicional. Debe su
del xv no posee en los primeros tiempos una figura de la calidad de nombre al retablo de la Adoración de los Reyes, del Museo de Valencia,
164 BARTOLOMÉ BERMEJO PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y xv 165

hubiese formado en el estilo gótico, su sentido de la riqueza y de la

costeado en los últimos años del siglo por la viuda de don Pedro de
estabilidad y su sobriedad expresiva le hubiesen hecho pintar en forma
Perea, trinchante mayor del Rey Católico. Es, además, interesante ico-
muy parecida. En el San Miguel, de colección particular inglesa, que
nográficamente, por contener la escena de Jesús con los patriarcas ante
tanto revuelo produjo en la crítica —se ignoraba al ser descubierto el
Virgen, que no deja de ser frecuente en Valencia.
estilo de Bermejo y no se sabía a qué escuela atribuirlo—, nos prueba
Pintor muy fecundo, su influencia es considerable. Entre sus nume-
cómo, no obstante su preocupación por la masa, tiene también un fino
rosos discípulos, que ya son renacentistas, figuran los Maestros de
sentido de la elegancia que le permite crear tan esbeltos personajes
Artes, de Borbotó, de Játiva y de Martínez Vallejo, este último el más
como un Dirck Bouts. El oro, que tan preponderante papel desempeña
fino y la figura más atractiva del grupo. Lleva el nombre de la persona
en los dos cuadros anteriores, desaparece, en cambio, en la Piedad (lá-
que dona el retablito de la Virgen de la Leche al Museo de Valencia,
mina 262), de la catedral de Barcelona (1490), para dejarnos ver el pai-
y a él se debe, probablemente, el gran retablo de la Purísima Concep-
saje más importante de mano española de la segunda mitad del siglo.
ción, del mismo Museo.
Aunque de estilo muy personal, el eyckianismo de su concepción es
En Baleares, el pintor más importante es Pedro Nisart. Su San Jor-
evidente. El retrato del donante —el canónigo Desplá— es también
ge (1468), del Museo de Palma, con amplio fondo de paisaje de tipo
jalón capital en la historia de nuestra pintura. El Tránsito de la Virgen,
eyckiano, se ha supuesto eco del cuadro del mismo asunto del pintor
del Museo de Berlín, ofrece, por último, el mejor ejemplo de su interés
flamenco, comprado en Valencia unos veinte años antes.
por los interiores con efectos de luz al gusto flamenco.

BARTOLOMÉ BERMEJO.—Actuando tanto en Cataluña como en Valencia

ARAGÓN Y NAVARRA.—Como en la primera mitad del siglo, Aragón
y Aragón, pero sin que pueda incluirse exclusivamente en la escuela de continúa en la segunda sometido a la influencia del litoral, siendo el
ninguna de esas regiones, Bartolomé Bermejo es un pintor de primer estilo de Huguet, no obstante ser su temperamento artístico tan opues-
orden, al que es preciso mencionar dentro de la Corona de Aragón, no to al aragonés, el que encuentra mayor eco. Pero a estas influencias
obstante su origen cordobés. Amigo de latinizar su nombre —en alguna tradicionales se agrega ahora, poderosa, la de Bermejo, que no en vano
obra se firma Rubeus—, su verdadero apellido es Cárdenas. Se le cita su personalidad artística, varonil y fuerte, ofrece íntimos puntos de con-
por primera vez en Daroca (1474); unos doce años después le encontra- tacto con la sensibilidad aragonesa. No se produce ningún pintor de
mos en Barcelona contratando una obra conjuntamente con Huguet, y primer orden que imponga su estilo a sus compañeros, pero se pinta
allí continúa en 1495. mucho, probablemente más que nunca, en Aragón. Por eso los rasgos
Bermejo es el más monumental de los pintores españoles de su tiem- más destacados son los más permanentes. Sus personajes son recios
po. Sus personajes son fuertes, de rostro rectangular, facciones enér- y varoniles, se mueven con esa falta de suavidad que hemos visto en
gicas, nariz recta, boca rectilínea y están modelados con pocos planos. Bermejo, y no delatan especial interés por expresar matices espiritua-
La sensación de fuerza, energía y masa es esencial en Bermejo. Y a les. El afán de riqueza hace prodigar el oro en relieve con la misma
esa preocupación por la monumentalidad y por la fuerza únese un deci- profusión que los lazos en sus edificios mudejares, hasta el punto de
dido deseo de riqueza. El gusto por los efectos de luz en los interiores que el modelado de rostros, manos y telas se pierde a veces en el con-
y el dominio del paisaje, que muestra en el fondo de una de sus obras, tinuo relampagueo de sus dorados relieves. Este estilo, en el fondo de
completan los rasgos más esenciales de su personalidad artística. origen catalán, más decorativo que pictórico, arraiga tan profundamen-
Su formación es todavía un problema. En Andalucía nada se conoce te en Aragón, que persiste hasta bien entrado el siglo xvi.
que pueda explicarla. Artista amigo de viajar, debe haber visitado los Entre los pintores principales figuran Miguel Jiménez, su hijo Juan
Países Bajos y estudiado con especial interés a los maestros holandeses. Jiménez y Martín Bernat, todos ellos muy influidos por Bermejo, y que
El Santo Domingo de Silos (1474) (lám. 263), del Museo del Prado, con frecuencia colaboran entre sí; Miguel Jiménez, que muere en los
sobre su rico trono de taracea morisca y su fondo de oro, es la figura primeros años del siglo xvi, es el autor del retablo de San Miguel y
más monumental y la que produce mayor efecto de estabilidad de todo Santa Catalina, cuyo banco firmado- se encuentra en el Museo del Prado,
nuestro siglo xv. Ninguna mejor que ella encarna la reacción contra y del de Tamarite de Litera, que pinta en colaboración con su hijo. A
la movilidad de un Nicoláu o de un Marsal de Sax. Si Mantegna se
166 CASTILLA PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y XV 167

éste se debe el retablo de Blesa, del Museo de Zaragoza. Martín Bernat Angeles (1455), de la colección del duque del Infantado. Encargado por
es pintor de cierto rango social, puesto que se le da tratamiento de el célebre marqués de Santillana en 1455 de encuadrar una escultura de
infanzón y honorable, que colabora con los mejores pintores de su la Virgen, por él comprada en la feria de Medina para su hospital de
tiempo. Su obra principal es el retablo de la Purificación, de la catedral Buitrago, es la obra fechada más antigua del estilo flamenco. Consta de
de Tarazona (1493), donde el oro en relieve adquiere desarrollo extraor- dos grandes tablas, con ángeles que cantan los Gozos de la Virgen, com-
dinario. En el profuso empleo del oro es, sin embargo, superado por puestos por el Marqués; de los retratos de éste (lám. 267) y su mujer,
Jaime Lana, que en el retablo de Borja alcanza uno de los puntos culmi- acompañados, respectivamente, por su paje y por su doncella, y del
nantes de este proceso de enriquecimiento. Tal vez estos pintores ara- banco con santos de medio cuerpo. Los retratos, que son lo mejor del
goneses no concedan más superficie al oro que los valencianos, pero retablo, responden al estilo plenamente naturalista flamenco.
lo emplean menos discretamente y hacen mucho más alarde de él. De su mano, o de su escuela, es el retablo de San Jerónimo, del Mu-
Mientras los Jiménez y Bernat reflejan, sobre todo, la influencia de seo de Valladolid.
Bermejo, el Maestro del Prelado Mur, autor del retablo de la Adoración El segundo gran pintor que trabaja en tierra vallisoletana es el
de los Reyes, de Daroca, es el principal representante del estilo catalán Maestro de San Ildefonso, así llamado por la hermosa tabla de la Impo-
de Huguet. A él se atribuye el San Vicente Mártir, del Museo del Prado. sición de la casulla al santo (lám. 268), del Museo del Louvre. Lo mismo
Martín de Soria, que pinta el retablo de Palíamelo de Monegros (1485), que Jorge Inglés, con el que tiene no pocos puntos de contacto, no
pertenece a esta misma corriente estilística. gusta del empleo del oro, y su estilo tiene también un tono fuerte, que
En Navarra, la pintura de este período presenta caracteres muy se- en algunos personajes llega a producir una impresión de energía y viri-
mejantes a los de la aragonesa, aunque en ella se advierte una cierta lidad extraordinarias. De rostros huesudos y corpulentos y de mirada
influencia castellana. El mejor testimonio de ello lo ofrece su pintor penetrante, son figuras que se graban en la memoria de quien las con-
más importante, Pedro Díaz de Oviedo, que en su retablo de la catedral templa, dejando ver la poderosa personalidad del artista. Los ropajes
de Tudela (1489) parece fundir el estilo castellano con el de los discí- se quiebran ya en él con esa intensidad que será típica de no pocas
pulos de Bermejo. obras castellanas. A este Maestro de San Ildefonso se deben varios san-
tos del Museo de Valladolid.
CASTILLA: JORGE INGLÉS Y GALLEGO.—Sin haber llegado a formar una Más conocido de antiguo, y famoso por haber firmado sus obras, es
floreciente escuela propia durante la primera mitad del siglo xv, como Fernando Gallego, que trabaja, sobre todo, en Salamanca. Como su
Cataluña y Valencia, Castilla, al iniciarse la segunda mitad del mismo, nombre no se pierde, a él, o a su escuela, se han atribuido hasta fecha
se entrega más plenamente al gótico flamenco, bajo cuyo égida se for- reciente buena parte de las pinturas castellanas del xv. Es, sin embargo,
man varias escuelas, que radican, principalmente, en Palencia, Valla- estrella de primera magnitud en el cielo de nuestra pintura gótica.
dolid, Burgos, León, Toledo y Sevilla. En general, la pintura castellana Como los dos maestros anteriores, renuncia al oro en los fondos,
distingüese por su mayor aferramiento al estilo flamenco. Ello no obs- gracias a lo cual concede cierta amplitud al paisaje, pero el rasgo más
tante, aunque no falta algún maestro que renuncia al oro, los fondos destacado de su personalidad es su temperamento intensamente dra-
dorados continúan empleándose con la misma amplitud que en el resto mático, que le lleva a complacerse en lo trágico, lo que, como buen hijo
de la Península. Ahora bien, son raros los de relieve y nunca se utili- de la última etapa del gótico, contempla a veces con visión crudamente
zan con la profusión catalana o aragonesa. realista. Así, pinta con especial deleite figuras de verdugos, tipos po-
El maestro a quien es preciso registrar a la cabeza de la pintura de pulares de rasgos incorrectos pero expresivos, gentes contrahechas y
Castilla la Vieja de este período es Jorge Inglés, cuyo nombre no sabe- gestos de dolor y muerte. Sus personajes son altos y secos, como los
mos en qué grado sea indicio de origen extranjero inmediato. De todos de Dirck Bouts, pero sin su melancolía, su aire soñador ni su fragili-
modos, nada existe en su estilo que hable en pro de su origen británico dad. No obstante el carácter general flamenco de su estilo, sus mode-
y sí de su formación flamenca más o menos directa, pues tampoco es los humanos y su manera de plegar los ropajes descubren su contacto
fácil precisar su parentesco concreto con ninguno de los grandes maes- con el pintor alemán Conrado Witz.
tros de los Países Bajos. Su obra capital es el retablo de la Virgen de los
168 RESTO DE CASTILLA Y ANDALUCÍA PINTURA ESPAÑOLA DE LOS SIGLOS XIV Y xv 169

Uno de los retablos más importantes de Gallego es el de San Ilde- Maestro de San Nicolás debe su nombre al retablo del santo en la igle-
fonso, de la catedral de Zamora, en el que es particularmente repre- sia burgalesa de esa advocación, y es pintor bastante fecundo, aunque
sentativa de su sensibilidad la forma realista como interpreta al po- probablemente no hace todas las obras que se le atribuyen. De fecha
bre contrahecho que se arrastra por el suelo para acudir hasta el se- ya tardía, pues aunque sus personajes son góticos emplea ya fondos de
pulcro del santo. Pero donde desarrolla más ampliamente esta nota arquitectura con decoración renacentista, es Alonso Sedaño, cuya obra
aguda realista es en el retablo de Santa Catalina, de la catedral de Sa- principal es el antiguo retablo mayor de la catedral de Burgos, de
lamanca. Dedicada la tabla central a la santa en su trono, represén- figuras grandotas y un tanto inexpresivas. Su obra documentada es, sin
embargo, un San Sebastián, conservado en la catedral de Palma de
tanse en las tablas laterales dos historias de su vida. En la escena de
Mallorca.
su martirio en las ruedas, lo que principalmente importa a Gallego es
el efecto del castigo divino en los verdugos. Así, con realismo impre- En Avila trabaja un maestro relacionado con el de San Ildefonso,
sionante, pinta a uno de ellos derribado en primer término con las ma- al que se ha dado el nombre de la población, que es autor de un tríp-
nos agarrotadas, el cuello torcido y su boca entreabierta de dolor, como tico del Nacimiento, del Museo Lázaro. Aunque la tabla central es bas-
si quisiera recordarnos alguna escena macabra por él contemplada. En tante bella, por lo general sus personajes son desproporcionados y un
la tabla de la degollación se desborda de nuevo su gusto por lo trágico, tanto rústicos. A él se asemeja, a su vez, el Maestro de la Sisla, en
y le vemos complacerse con el tipo flaco y desagradable, de expresión cuyas pinturas del Museo del Prado, que se consideran procedentes de
patibularia, del verdugo, y en el rostro agonizante de la santa, que se aquel monasterio toledano, hay trozos muy hermosos. Tres de ellas
desploma hacia atrás (lám. 269). En el Camino del Calvario, de la mis- —Anunciación, Adoración de los Reyes y Tránsito de la Virgen— están
ma catedral, es lo grotesco y la bellaquería de los verdugos lo que fielmente inspiradas en estampas de Schongauer. La lámina 271 repro-
constituye el nervio de la interpretación. duce la Presentación.
Por la gran amplitud concedida al paisaje, es particularmente in- En Toledo, el maestro más activo es el de don Alvaro de Luna,
teresante la Piedad, del Museo del Prado, y por su contenido astro- autor del retablo del infortunado favorito de Juan II, en la catedral
lógico la gran pintura de la bóveda de la antigua biblioteca de la (1488). Pintor que se inspira muy directamente en los modelos flamen-
Universidad de Salamanca, dande vemos a los dioses paganos, titulares cos, en la Virgen de la leche, de ese retablo, toma por modelo a Dirck
de los planetas, vestidos a la moda de fines del xv. Bouts. Aunque no copiado del natural, es interesante desde el punto
El Museo del Prado posee también de su mano un Salvador entro- de vista iconográfico el retrato de don Alvaro de Luna. Consta que la
nizado. En realidad, es el Todopoderoso en el centro del Tetramorfos, pintura del retablo es de Sancho de Zamora o de Juan de Segovia,
el tema iconográfico tan frecuente en el período románico, pero ya pero ante la duda, se le conoce provisionalmente con el nombre citado.
muy raro. Acompáñanle las figuras alegóricas de la Iglesia triunfante La lámina 270 reproduce una Virgen de ese pintor, del Museo del Prado.
y de la Sinagoga vencida. En la obra que se atribuye a F. Gallego tiene En Andalucía son escasas las pinturas conservadas del siglo xv, y
buena parte su taller. Entre sus colaboradores se cita a Francisco Ga- aunque manifiestan la existencia de una escuela, sobre todo en Sevi-
llego, su hijo o hermano, a quien se ha querido adjudicar la parte más lla, no cabe hablar de un pintor que haya ejercido en sus contempo-
expresionista de su obra. ráneos la influencia de un Huguet o un Gallego. En cambio, para el re-
ducido número de obras existentes, son proporcionalmente abundan-
E L RESTO DE CASTILLA Y ANDALUCÍA.—En la región burgalesa, donde, tes las firmadas, entre las que predomina el apellido Sánchez. El más
a pesar de la intensa importación de pinturas flamencas, se pinta mu- celebrado de antiguo es Juan Sánchez de Castro (lám. 272), autor de la
cho en la segunda mitad del siglo xv, se han podido distinguir varias Virgen de Gracia, de la catedral, y otras pinturas hoy destruidas
personalidades de segundo orden. Entre ellas merecen recordarse el (1454-1484) y que estuvieron firmadas. Otro Juan Sánchez es el que
anónimo, a quien provisionalmente se le llama Juan Flamenco, por firma el dramático Calvario, conservado en la misma catedral. La se-
haberse creído algún tiempo de éste la obra principal del grupo, que rie de los Sánchez sevillanos cuenta además con un Antón y un Diego
es la serie del Bautista, del Museo del Prado. La escena de la Dego- Sánchez, y con dos Pedro Sánchez, uno de ellos de menor categoría.
llación es interesante para ilustrar el traje femenino de la época. El Antón y Diego son los autores de la importante tabla del Camino del
170 JUAN DE FLANDES Y MIGUEL ZITTOW

Calvario, del Museo de Cambridge, en la que Jesús se desploma derriba-

do por el golpe de un sayón. Pedro Sánchez, que firma el Santo Entie-
rro, de Budapest, es artista cuyo estilo deja más huella en sus contem-
poráneos que sus compañeros. A Juan Núñez se debe, por último, la
Piedad, de la catedral de Sevilla. Obra sevillana de este período es el
San Miguel, del Museo del Prado, procedente de Zafra.
En Córdoba, la obra más importante de este período es la Anun-
ciación, de la catedral (1475), firmada por Pedro de Córdoba. En for-
ma nada corriente, el pintor ha imaginado un escenario en alto, donde CAPITULO IX
se desarrolla la historia, mientras en un nivel más bajo, y en primer
término, aparecen arrodillados como orantes, además de los donadores,
varios santos. PINTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XVI Y
PORTUGUESA DE LOS SIGLOS XV Y XVI
JUAN DE FLANDES Y MIGUEL ZITTOW.—Entre los varios pintores fla-
mencos que visitan Castilla, en tiempo de los Reyes Católicos, precisa
destacar los nombres de Juan de Flandes (t 1519) y de Miguel Zittow,
ambos al servicio de la corona. Del primero ignoramos el apellido. Tra- E L PRIMER TERCIO DEL SIGLO. VALENCIA: LOS OSONA.—La región donde
baja, sobre todo, en Palencia, donde pinta el retablo mayor de la el renacimiento cuatrocentista se introduce en fecha más temprana es
catedral, contribuyendo con esta y otras obras, en unión de P. Berru- la levantina. A la cabeza de los propagadores del nuevo estilo figura
guete, a formar la escuela palentina de principios del siglo xvi. Pinta Rodrigo de Osona el Viejo, autor del Calvario (1476) (lám. 275), de la
para Isabel la Católica, con pequeña colaboración de Zittow, las nume- iglesia de San Nicolás, de Valencia, donde vemos fundirse la influencia
rosas tablitas de la Vida de Jesús, conservadas en el Palacio Real (lá- de los squarcionescos de Padua con la holandesa. El fondo del paisaje
mina 273). Juan de Flandes, formado tal vez en el campo de la minia- es llano, con el mar al fondo, como la costa valenciana, pero está po-
tura, es un excelente colorista, de fina sensibilidad para crear efectos blado de caprichosos picachos. Su hijo Osona el Joven, que trabaja
de luz, y un paisajista que sabe dotar los fondos de sus historias de ya en el primer cuarto del siglo xvi y forma su estilo en el de su padre,
notable encanto poético. se entrega decididamente a los fondos de arquitectura, en los que pro-
De Miguel Zittow, a quien sus contemporáneos castellanos llaman cura crear efectos de perspectiva de típico abolengo cuatrocentista, co-
Maestro Michel, nace en Rusia, a orillas del Báltico. Su formación es, mo sucede en la Adoración de los Reyes (lám. 276), de la Galería Na-
sin embargo, en todo flamenca, y se distingue por sus retratos, entre cional de Londres, firmada «lo fil de mestre Rodrigo», y en la serie
los que figuran el de Don Diego de Guevara (lám. 274) y el de Doña de San Dionisio, de la catedral de Valencia. En una de las historias
Catalina de Aragón. de ésta, el escenario es una calle flanqueada de casas de agudos piño-
nes, donde la luz lateral de las que en ella desembocan, con su alternar
de zonas iluminadas y en sombra, intensifica el efecto de profundidad.
Al fondo levántase la puerta de la muralla, y a través de su arco, to-
davía es conducida nuestra mirada por un camino que serpenteando
se pierde en el horizonte. En la escena del santo caminando con su
cabeza en las manos, el fondo del paisaje refleja el tipo creado por Oso-
na el Viejo en el Calvario; el Montmartre le da ocasión para levantar
un aparatoso cabezo, a cuyo pie nos cuenta, con ese gusto por lo narra-
tivo propio del cuatrocentismo, cómo un aficionado cita a un toro ras-
peándole la capa por el suelo.
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 173
172 YÁÑEZ Y LLANOS

renancentista, como en los de Osona el Joven, sino de masa y monu-

Contemporáneo de Osona el Viejo es el italiano Pablo de San Leo- mentalidad. Los personajes se mueven en general pausadamente.
cadio, nacido en Emilia, que en 1472 trabaja en la catedral por encar- La obra conjunta más importante de ambos artistas son las puer-
go del difunto Alejandro VI y permanece en España el resto de su vida. tas del retablo mayor de la catedral de Valencia (1507). Entre las his-
Probablemente su obra más antigua es la Sagrada Conversación, de torias que se consideran de Yáñez merecen recordarse especialmente la
la Galería Nacional de Londres, pero donde puede conocerse mejor su Presentación de la Virgen en el templo, donde el sentido arquitectónico
estilo es en el retablo de Gandía, ya de sus últimos años, y cuyas nu- de la composición se impone de forma obsesionante, y la Adoración
merosas tablas descubren una locuacidad en la que probablemente coin- de los Pastores (lám. 279), en la que el reposo majestuoso en la actitud
ciden su propio temperamento y el gusto del cuatrocentismo tardío. de las figuras y la claridad en el componer, antes comentados, lucen
Los personajes, con los gestos de sus rostros, las actitudes de sus miem- como en ninguna obra del pintor. Colocados los personajes del primer
bros y el movimiento de sus cuerpos; las rocas y cabezos de sus paisajes; término en planos perfectamente definidos, los pastores del fondo
las nubes de caprichosas formas, y, en suma, cada uno de los elemen- acuden pausadamente encuadrados por muros gruesos y sin más de-
tos de la composición, reclaman ser contemplados con el mismo inte- coración que unos nichos bramantescos. En la escena del Abrazo de San
rés. Muy representativos a este efecto son el Camino del Calvario y el Joaquín y Santa Ana, el gusto por lo pastoril hace al autor colocar en
Santo Entierro. primer plano a un pastor que,, influido por el Espinario, se saca una
De atribución muy discutida, es probablemente de Pablo de San espina del pie. También es muy bello el Tránsito de la Virgen.
Leocadio, la Virgen del Caballero de Montesa (láms. 277, 278), del Mu- Entre las historias del retablo valenciano atribuidas a Llanos, las
seo del Prado. Su semejanza con el maestro italiano es evidente, pero más representativas de su formación leonardesca son el Descanso en
como no faltan diferencias, algunos la creen de un pintor anónimo al la huida a Egipto y la Adoración de los Reyes, directamente inspira-
que se ha denominado el Maestro de la Virgen de Montesa, a quien se da ésta en la del maestro florentino. En general, las pinturas de Lla-
atribuyen otras dos obras menos importantes. Lo cierto es que en esta nos en estas puertas distínguense de las de Yáñez por las actitudes
hermosa tabla, en la que acompañan al grupo central, de la Virgen con menos firmes de sus personajes y por su mayor inclinación lacia lo
el Niño, San Benito y San Bernardo, patronos de la Orden de Montesa, característico que hacia lo correcto.
y un caballero de la Orden, se rompe con la tradición de las Vírgenes El estilo tardío de Yañez lo conocemos gracias a sus pinturas, vein-
valencianas del xv. El escenario es puramente renacentista. te años posteriores, de la catedral de Cuenca, en que trabaja solo.
Tanto en la Adoración de los Reyes como en la Piedad adviértese cómo
YÁÑEZ Y LLANOS.—Cuando el estilo cuatrocentista de los Osona y de el arte de componer rafaelesco ha conquistado a Yáñez, tanto en la
Pablo de San Leocadio domina en Valencia, surgen en escena en 1506 manera de agrupar a la Virgen con el Niño como en la actitud de la
dos pintores castellanos propagadores de una nueva etapa estilística: Magdalena inspirada por el Rafael de los tapices. El Museo del Prado
la de Leonardo de Vinci, el más viejo de los grandes creadores del posee de Yáñez una Santa Catalina vestida con telas moriscas y que
Renacimiento pleno. Llámanse Fernando Yáñez de la Almedina y Fer- cuenta entre lo mejor de su autor (lám. 280).
nando Llanos, y, al parecer, uno de ellos puede identificarse con el Fe-
rrante Spagnolo, que en 1505 trabaja en Florencia en el taller de Leo- CATALUÑA.—Aunque el centro de gravedad de la pintura de la an-
nardo. Muy unidos durante buena parte de su vida y con taller común, tigua corona de Aragón pasa antes de terminar el siglo a "Valencia,
no es siempre fácil distinguir sus respectivos estilos. en Cataluña continúan trabajando durante el primer tercio del xvi
Las notas más destacadas de ambos maestros, y en particular de pintores de gran valía.
Yáñez, son el amor a la claridad y amplitud en las composiciones, y Figura a su cabeza Anye/Bru, al que en alguna ocasión S Í le cita
a1 reposo material y espiritual. Gustan de arquitecturas y personajes como pintor alemán. Séalo, y en este caso su apellido será Brun, o
dispuestos en planos paralelos a la superficie del cuadro, o formando no, su ascendencia nórdica parece indiscutible. Sólo poseemos de él
ángulos rectos con ella en el sentido de la profundidad, gracias a lo una obra segura, el Martirio de San Cucufate (1502-1506) (lám. 281),
cual la composición del conjunto se percibe desde el primer momento. del Museo de Barcelona, pero de calidad tan excelente, que sitúa a su
En los fondos arquitectónicos no se hace alarde de rica ornamentación
174 ARAGÓN Y NAVARRA PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS ss. XVI Y xvn 175

autor en el primer plano de nuestra pintura del Renacimiento. Artis- las obras más importantes de la primera década del siglo. Si efecti-
ta que sin duda viaja mucho, su estilo revela enseñanzas muy varias, vamente le pertenece, Aponte resultaría un artista muy influido por el
septentrionales e italianas, plenamente asimiladas. La expresión de los estilo toledano de Juan de Borgoña, y, como él, de formación cuatro-
que componen el martirio, la intensidad dramática de la degollación y centista (lám. 284). En cambio, emplea estilo más avanzado el Maestro
la naturalidad del perro durmiendo están interpretadas con maestría de Agreda, así llamado por el retablo de San Miguel (1519) de aquella
nada corriente. población. Pintor de temperamento muy dramático, ofrece cierto pa-
El centro pictórico más interesante del primer tercio del siglo ra- rentesco espiritual con el Maestro de San Félix, pudiendo considerarse
dica en Gerona, o al menos es en su región donde se encuentran las como uno de los manieristas más interesantes de la primera etapa de
obras principales. La personalidad más destacada es el Maestro de nuestro Renacimiento. La historia del santo expulsando al demonio del
San Félix de Gerona, cuya obra capital es el retablo dedicado al santo sepulcro de Moisés (lám. 285) nos dice que las deformidades de sus per-
en su iglesia de aquella población (lám. 282). Es pintor más preocu- sonajes, las incorrecciones de sus rostros, el escaso garbo de sus cuer-
pado por lo expresivo y característico que por la belleza. A veces, en- pos y el agarrotamiento de sus manos, son valores deseados por el pin-
cuentra evidente complacencia no sólo en lo feo, sino en lo monstruoso. tor. Por su amaneramiento aún más intenso se "distingue el Maestro de
El tipo del verdugo de ese retablo, enorme mole de carne, con morrillo Sigena, en cuyo monasterio pinta el retablo de la Piedad. Ningún otro
de toro, vientre caído, frente abultada y ojos perdidos en un mar de pintor de su tiempo le supera en España en decisión para retorcer las
figuras, hacerlas adoptar actitudes violentas y complicar los plegados
adiposidades, es buen ejemplo del interés del pintor por lo caracterís-
de los ropajes.
tico. El perfil incisivo del personaje, flaco y nervioso, que condena al
santo, atrae también su atención, y con gran acierto lo contrapone al En Navarra, el Maestro de Ororbia, del que sólo conocemos el bello
verdugo para que se realcen mutuamente. La expresión de complacen- retablo de San Julián de aquel pueblo, tiene un interés por el paisaje
cia en el mal de los que martirizan al santo nos dice igualmente dónde más septentrional que español, y un sentido narrativo que convierte la
está el norte de sus valores artísticos. Trabajando en la Costa Brava, trágica historia del santo cazador en una de las obras más seductoras
le seducen los paisajes montañosos con fondo de mar, hasta el punto de esta primera parte renacentista, por la minuciosidad con que se
de ser el gran paisajista de la escuela. Su formación artística parece nos describen sus diversas escenas. La Muerte de los padres del Santo
valenciana, relacionada con Llanos, y es muy probable que a él se deban la Construcción de la Capilla y el paisaje nocturno del Paso del río son
la serie de tablas de la vida de Sen Andrés, de la capilla del Milagro, particularmente atractivos. Juan Bustamante, autor, entre otros, del
de Valencia. Recientemente se ha propuesto la identificación de este retablo de Zizur (1538), es de temple mucho menos delicado, y se es-
maestro con un Juan de Borgoña —en los documentos catalanes Joan fuerza sobre todo por crear hercúleos personajes y escenas de intenso
de Borgunya— que trabaja en Cataluña en esta época. dramatismo.
También de Gerona es Matas (lám. 283). Lo que le distingue den-
tro de nuestra pintura renacentista es su arte narrativo de escenas con CASTILLA: PEDRO BERRUGUETE.—El patriarca de los renacentistas cas-
personajes que lucen vestiduras de telas alistadas o de traza morisca, tellanos es Pedro Berruguete. Formado en el estilo flamenco de hacia
elegantes tocados, damas que nos muestran bellos abanicos de última 1470, antes de terminar esa década se encuentra ya en Italia, donde
moda, es decir, u n a r t e que le convierte en una especie de Carpaccio permanece varios años, y aunque no abandonará la trama flamenca
catalán. Su ciclo de historia más representativo es el de la Vida de la aprendida en su juventud, la enriquece con tales novedades renacen-
Magdalena, de la catedral de Gerona. tistas que le convierten en el introductor del estilo en su patria. El es
Pintor de facultades mucho o á s modestas, pero muy fecundo, es probablemente el que, en fecha más temprana, incluidos los arquitectos,
el navarro que catalaniza su nombre bajo la forma de Gaseó, y que emplea escenarios arquitectónicos del romano, alguna vez en forma tan
trabaja principalmente en Vich. exclusiva, que parece haber renunciado decididamente al gótico. Pero
sus obras posteriores nos dicen que continúa aferrado al viejo estilo,
ARAGÓN Y NAVARRA.—En Aragón alcanza gran fama a principios de
que seguirá alternando con el nuevo hasta el final de su vida. De gran
siglo Pedro de Aponte, pintor de Fernando el Católico, al que parece novedad es también su preocupación por la luz, que es para él personaje
debe atribuirse el r e t a b l o de Bolea (Huesca), indudablemente una de
176 CASTILLA

de primer orden. De origen eyckiano, según unos, débese, según otros,

a la influencia de Piero della Francesca.
Pero lo curioso es que este Berruguete, que siente como ningún
otro español del siglo xv la poesía de la luz de los interiores, con fre-
cuencia se deja seducir por el deseo de crear escenarios de riqueza des-
lumbradora, y no sólo los corta muy en primer término con una tela
de brocado de oro, sino que hace descender el techo y pinta un alfarje
de grandes lazos de oro. El escenario se transforma así en una especie
de estuche dorado en que es la riqueza y no la profundidad y el espacio
lo que procura realzar. 278-279.—Virgen de Montesa.—YÁNEZ: Adoración de los pastores. (Más.)
Su carrera artística conocida principia en Urbino, la ciudad enton-
ces feliz bajo el gobierno de Federico de Montefeltro. En su palacio,
escenario de las conversaciones del Cortesano, de B. Castiglione, las
salas de mayor empeño son el «Studiolo», o cámara de trabajo del Du-
que, y la librería. Para la primera, comienza el pintor flamenco Justo
de Gante, una serie de retratos de sabios de la antigüedad y de los
tiempos medios, que concluye Berruguete; en el libro que lee alguno
de ellos, el texto está escrito en castellano. Y, al parecer, el propio Be-
rruguete pinta el retrato de cuerpo entero de Federico, que preside
la serie. A él se deben también algunas de las tablas de las Artes libe-
rales pintadas para su librería.
En España, la obra que de manera más integral representa la
adhesión del artista al cuatrocentismo italiano, tanto en el escenario IÉ
como en el empleo de la luz, es la Degollación del Bautista (lám. 286),
de Santa María del Campo, en la provincia de Burgos. Para Paredes 280-282.—YÁÑEZ: Santa Catalina.—ANYE B R U : Martirio de S. Cucufate.-
MAESTRO DE SAN FÉLIX: S. Félix en prisión. (Más.)
de Nava, su pueblo, pinta el hermoso retablo de la Concepción. Su
historia más bella es, sin duda, la de la Visita del Sacerdote con los
pretendientes a la Virgen para comunicarle que debe abandonar el
templo y elegir esposo. Con su apego a lo tradicional, imagina a la
Virgen y a sus compañeras no en bancos y junto a una chimenea,
como hubiera hecho el maestro de Flemalle —recuérdese su Santa Bár-
bara—, sino en almohadones sobre la tarima de la «gloria», calentada
con aire caliente; el sistema de calefacción que, como supervivencia del
hipocausto romano, se emplea todavía en la comarca. De pie, María
se encuentra absorta en las razones que expone el sacerdote para con-
vencerla; tiene la vista baja, fijos los ojos en las manos con que
aquél enumera los argumentos que le está exponiendo. Su compañera, ISA
en cambio, pierde en el infinito su mirada cargada de melancolía (lá-
mina 287). Inmediatos sus rostros, se realzan mutuamente. De pri-
mer orden son también los profetas de medio cuerpo del banco del re- 283-285.—MATAS: Resurrección.—APONTE: Adoración de los Pastores.—MAESTRO
tablo, espléndidos retratos cuyo tono noble y grave, y la sensación DE AGREDA: S. Miguel.
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 177

de realidad que producen, los convierten en dignos precedentes de los

que en los siglos posteriores pintarán Sánchez Coello y Velázquez.
La serie de retablos de Berruguete se completa con los del con-
vento de Santo Tomás y el mayor de la catedral, ambos de Avila.
En el primero es particularmente bella la historia de las Tentaciones
del Santo, en la que, triunfante éste del pecado, después de trazar
la cruz en la pared con el carbón del braserillo que tiene al pie, recibe
de los ángeles el cinturón de castidad, mientras la cortesana introdu-
cida por sus familiares para seducirle vuelve el rostro desde la puerta.
De los retablos menores dedicados a Santo Domingo y San Pedro Már-
tir, del mismo templo, proceden casi todas las tablas del pintor que se
exhiben en el Museo del Prado. Son de especial interés la escena del
Sepulcro de Santo Domingo, por el estudio de las luces; San Pedro
Mártir en oración, por la simplicidad de la composición, digna de un
Fra Angélico, y por su composición y su valor histórico, el Auto de fe
en que Santo Domingo indulta al hereje Raimundo.
En el retablo de la catedral (1499-1504), que al morir deja sin ter-
minar, el banco nos muestra a los Evangelistas y Padres de la Iglesia
tras una galería corrida, en los que hace un verdadero derroche de
oro y color, y entre las tablas del cuerpo del retablo destaca la de la
Flagelación, por el movimiento de los verdugos y la luz que se inter-
pone entre los personajes.
De sus obras sueltas merecen recordarse, por su fina calidad, la
Virgen, del Ayuntamiento de Madrid, y por su estudio perfecto de la
luz interior, la Anunciación, de Miraflores.
Influida por Berruguete y Juan de Flandes, fórmase en tierras de
Palencia una activa escuela, cuyos representantes más interesantes son
el llamado Maestro de Becerril, que en su retablo de San Pelayo,
hoy en la catedral de Málaga, ofrece una de las más curiosas páginas
del empleo de la fábula pagana como comentario de un tema religioso
—en la historia del amor brutal del Califa por el niño Pelayo introduce
relieves de fábulas mitológicas de este carácter—, y en el Maestro de
Astorga, que en su Nacimiento, del Museo Lázaro, se deja seducir por
las perspectivas arquitectónicas peruginescas.
En Burgos merece recordarse León Picardo, entusiasta del Rena-
cimiento, pero que, como puede verse en sus tablas del Museo del Pra-
do, sólo nos trae la versión castellana de los modelos de Van Orley.

TOLEDO: JUAN DE BORGOÑA.—Ciudad de gran actividad pictórica du-

rante el primer tercio del siglo xvi, es Toledo la sede de una escuela muy
uniforme, que de hecho se reduce a Juan de Borgoña y sus discípulos.
12
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS ss. XVI Y xvii 179
178 ANDALUCÍA
Obra típica de su época cordobesa es el Tríptico de la Cena, del
Formado, a juzgar por su estilo, en Italia, y principalmente en Floren- Pilar de Zaragoza, en el que el escenógrafo domina sobre el pintor de
cia, aparece en España al morir Ghirlandajo, con quien debe de estu- figuras. En la tabla central nos ofrece un escenario de arquitectura
diar. Es probablemente de una generación posterior a Berruguete, y, clásica interpretada con gracia genuinamente cuatrocentista, mientras
desde luego, el primer pintor que en Castilla se entrega plenamente al en la portezuela de la Oración del huerto conduce nuestra mirada entre
Renacimiento en su etapa cuatrocentista. Amigo de la corrección de los blandos cabezos de un paisaje nocturno cargado de tristeza. La seca
los modelos, compone con claridad y, aunque acaso por influencia de geometría de la perspectiva se convierte en él en poesía. Análoga pre-
Berruguete suele conceder gran espacio a los fondos de oro, encuentra ocupación por el escenario manifiesta en el Cristo a la columna, del
también especial deleite en los amplios fondos de paisaje. Museo de Córdoba.
Su obra maestra es la hermosa serie de pinturas murales de la es- Al trasladarse a Sevilla, su interés se concentra en la figura hu-
pléndida Sala Capitular de la catedral primada, en la que, tras fingida mana, como lo prueban sus grandes tablas de la Adoración de los Re-
galería de columnas, nos muestra diversas escenas del Nuevo Testa- yes (lám. 289) y del Nacimiento de la Virgen, que pinta para la cate-
mento sobre fondos de arquitectura, tanto gótica como renacentista, dral. Su excelente calidad es causa de que se le encarguen poco después
a veces con techos dorados de carpintería morisca. E n las tres del varios retablos, entre los que sobresale el del Colegio Mayor de Santa
Calvario que ocupan el testero de la sala, el escenario es un amplio María de Jesús, la futura universidad hispalense, dedicado a la Virgen
paisaje. A los pies de la sala todo el muro está dedicado a la escena de la Antigua, que aparece acompañada por el fundador, Maese Ro-
única del Juicio Final. El otro ciclo de pinturas murales es el de la drigo, ofreciéndole el edificio del colegio. Preside el cuerpo superior la
Conquista de Oran por Cisneros, que decora la capilla mozárabe. Venida del Espíritu Santo. La Virgen de la Rosa, de Santa Ana de
Entre sus retablos, son muy bellos los de la Concepción y de la Triana, es su obra más conocida, y, con razón, una de las más celebra-
Adoración de los Reyes, de la misma catedral. En el mayor de la de das. Dos ángeles descorren los cortinajes para mostrarnos en su trono
Avila (1508), dejado sin terminar por Pedro Berruguete, pinta la mayor a la Rosa de las Rosas, que dos siglos antes cantara en una cantiga el
parte de sus tablas, entre las que descuellan, por su gran perfección, rey poeta fundador del templo. Su rostro tiene esa expresión levemente
la Anunciación, la Purificación y el Nacimiento (lám. 288); la profun- melancólica de que rara vez sabe despojarse el primitivismo septentrio-
didad del escenario en que se ordenan con claridad los diversos tér- nal, mientras dos ángeles contemplan al Niño, el uno con gesto de cu-
minos y el afrontamiento de los personajes principales, de riguroso per- riosidad y el otro con místico arrobamiento cargado del pesimismo del
fil, son buenos ejemplos de su arte de componer. que presiente la Pasión.
Entre los discípulos de Juan Borgoña de cierta personalidad figura Entre las obras en que el estilo de Alejo Fernández se pierde por la
Antonio de Comontes, cuya obra principal son los retablos de San An- participación de colaboradores y discípulos, ya en la tercera década
drés de Toledo. del siglo, debe recordarse especialmente, por su doble interés artístico
A esta época corresponde Rincón, pintor un tiempo famoso, del que e histórico, la Virgen de los navegantes (lám. 290), conservada en el
sólo conocemos sus excelentes dotes de retratista, gracias al busto fir- Alcázar de Sevilla. Pintada para la capilla de la Casa de Contratación,
mado de don F. Fernández de Córdoba, del Museo del Prado. responde al tipo iconográfico de la Virgen de la Misericordia que acoge
bajo el manto a sus devotos, pero con el gran acierto de haber intro-
ANDALUCÍA: ALEJO FERNÁNDEZ.—El maestro que impone su estilo a la
ducido el mar con las embarcaciones en su parte inferior. La identifi-
escuela sevillana durante una generación es Alejo Fernández (t 1545), cación de los personajes protegidos por la Virgen es problema sin re-
que aparece trabajando en Córdoba antes de terminar el siglo. De ori- solver, aunque parece indudable que casi todos son retratos. Es muy
gen nórdico, probablemente alemán no obstante su apellido, traslá- probable que lo sea de Cristóbal Colón el que aparece en el borde mismo
dase a poco de comenzar el xvi a Sevilla, donde no tarda en conquistar del cuadro, a la izquierda del espectador.
amplia clientela. Es un genuino representante de la generación puente En Granada, la personalidad más destacada de esta primera fase re-
del cambio de siglo, que apoya uno de sus estribos en Flandes y otro nacentista es el miniaturista Ramírez, a quien se debe buena parte
en Italia. Los nombres de Metsys y de Pintoricchio son los que prin- de las hermosas viñetas que ilustran la rica serie de corales de la ca-
cipalmente evoca su estilo.
180 E L SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO
PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y xvii 18^
tedral. Entre ellas merecen recordarse las de la Degollación de los
inocentes y de la Crucifixión de San Pedro. No sabemos si a él se deben de paisaje menudo, preciso y rico en pormenores, descubre un lastre
también algunos de los retablos conservados de esta época. Uno de los nórdico prerrafaelesco que no existe en los de Juan de Juanes.
principales es el de Santa Ana, hecho pintar por Hernando del Pulgar, Juan de Juanes es el creador de varios tipos iconográficos que al-
el de las Hazañas, en la iglesia del Sagrario, en memoria de la más canzan popularidad. Con la carencia de pinturas de la Virgen con el
famosa de las suyas, la de clavar con su puñal el pergamino con el «Ave Niño y de la Sagrada Familia, de nuestros rafaelistas, forma contraste
María» en las puertas de la mezquita, tomando posesión de ella cuando la serie relativamente abundante de sus interpretaciones, entre las que
la ciudad es todavía de moros. Y, en efecto, al pie de la escena del destacan las Sagradas Familias, de San Andrés, de Valencia, y de
tierno idilio familiar, aparece al borde mismo del cuadro el potente la Academia de San Fernando, de Madrid. Ese mismo tema de la Vir-
puño del héroe manteniendo enhiesto un grueso cirio. gen con el Niño sirve de centro a sus Desposorios del Venerable Ag-
nesio, en realidad la sagrada conversación más bella de nuestra pin-
E L SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO. VALENCIA: VICENTE MASIF- Y JUAN DE tura renacentista, en la que acompañan a la Virgen con el Niño, Santa
JUANES.—Al comenzar el segundo tercio del siglo, el estilo rafaelesco, Dorotea y San Teófilo, y Santa Inés desposándose con el V. Agnesio.
que hasta ahora sólo se ha manifestado esporádicamente dentro de un Establecida la Compañía de Jesús pocos años antes, el P. Martín
fondo general de cuatrocentismo tardío, se impone plenamente a nues- Alberro, jesuíta de vida ejemplar y confesor de Juan de Juanes, rezando
tros pintores. cierto día las palabras: «Tota pulchra es María et macula non est in
La escuela donde el rafaelismo triunfa en fecha más temprana es la te» recibe el celestial regalo de contemplar la figura gloriosa de María.
de Valencia, gracias a Vicente Masip y a su hijo Juan de Juanes. Aun- Encargado Juan de Juanes de perpetuar la peregrina aparición, se ins-
pira en un grabado de Kerver, editado a principios de siglo en París r
que padre e hijo, en realidad, constituyen una sola personalidad artís-
y la pinta con las manos unidas, con túnica blanca y manto azul, y en-
tica, debe recordarse que el primero muere poco antes de mediar el
cuadrada por los símbolos de la letanía lauretana. Gracias a la simpli-
siglo (1545-1550), mientras del hijo, que propiamente se llama Juan Ma-
cidad de la figura, la suavidad del amarillo, el rosa y el azul del resplan-
sip Navarro (t 1579), ignoramos si nace a principios del siglo o en 1523
dor y de las nubes, la Concepción (lám. 292), de la iglesia de la Compa-
como estiman algunos. Esta notable diferencia es capital para poder
ñía, de Valencia, tiene el aspecto de extasiada contemplación mística
atribuir a él y no a su padre algunas obras importantes. Los hijos de
pedido al artista. Es obra en que Juanes se acerca a Fra Angélico.
Juan de Juanes, Vicente Juan Masip y Margarita Juanes (t 1613), son
Otra de las pinturas más populares de Juanes es la Cena (lám. 293),
también pintores.
cuyo ejemplar más conocido es el del Prado (láms. 294, 295). Influido,
No obstante que la fama únicamente ha celebrado a Juan de Jua-
naturalmente, por Leonardo —de él procede el aislamiento de la figura
nes, el creador del estilo es con seguridad el padre, autor del retablo del Salvador—, se inspira, en algunos aspectos, en la estampa de Mar-
de Segorbe (1530), e n el que sólo puede haber colaborado el hijo en el co Antonio Raimondi, imitador, a su vez, de Rafael. La diferencia fun-
caso de haber nacido a principios de siglo. Sus tablas del Nacimiento damental con la interpretación leonardesca se debe al distinto momento
{lámina 291) y de la Natividad de la Virgen, enlazan en ciertos aspectos elegido por el artista, pues mientras en aquélla se representa el estupor
con el estilo de Yáñez, y su estilo refaelesco es de una monumentalidad de los apóstoles al anunciárseles la traición y su contraste con la
y sobriedad técnica que desaparecerá en Juanes. Análogos caracteres serenidad del Salvador, la tabla española prefiere el momento culmi-
ofrece el Bautismo del Salvador, de la catedral de Valencia, muy poste- nante de la historia cuando Jesús expone a la adoración de sus dis-
rior, donde la actitud devota del pintor, comparada con las interpre- cípulos la carne de su propio cuerpo. El tema no es la sorpresa, sino
taciones italianas contemporáneas del tema, pone bien de manifiesto el fervor y la devota adoración a las Sagradas Formas. Con el tema de
una de las características que distinguen al rafaelismo español. la Cena se relacionan también sus pinturas del Salvador Eucarístico,
Probablemente son de su mano, en el Museo del Prado, los fondos de medio cuerpo, que alcanzan gran popularidad.
o pinturas circulares del Martirio de Santa Inés —su composición, en Entre sus historias de santos, la más conocida es la serie de San
parte, inspirada en el Pasmo, de Rafael —y la Visitación, cuyo fondo Esteban, del Museo del Prado, en que manifiesta su arte para crear
composiciones de numerosos personajes. En la escena del Santo en la
182 CATALUÑA, ARAGÓN Y CASTILLA
PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 183

sinagoga, los ecos rafaelescos son patentes en algunos personajes, y el Sicilia— e incluso escenarios. Entusiasta de la antigüedad, comenta
en el lenguaje de la fábula pagana la fortaleza de espíritu de la Santa,
mismo sacerdote sentado en el centro se inspira en el Isaías de Miguel
decorando una de sus tablas con relieves de los Trabajos de Hércules.
Ángel, de la capilla Sixtina.
Valladolid posee también un grupo de pintores, entre los que des-
En el Entierro del Santo, el joven de barba negra que, ajeno a la
cuella Alonso Berruguete. Conocido principalmente como escultor, es
escena, mira fijo al frente, se considera autorretrato del artista por en-
también pintor muy original, aunque su obra pictórica, muy corta,
contrarse a sus pies un escudo con un águila negra sobre campo de no tiene la trascendencia de la escultórica. Devoto de Miguel Ángel,
oro, que es el de los Juanes. en su pintura existe un fondo miguelangelesco análogo al de su escul-
Aunque probablemente es de Vicente Masip, considérase de Juanes tura; pero lo que le hace especialmente interesante es su evidente con-
el retrato del supuesto don Luis de Castellá (lám. 296), del Museo del tacto con los comienzos del manierismo florentino, en los que, tal vez,
Prado. desempeña papel de creador. Sus pinturas más conocidas son las del
retablo de San Benito, del Museo de Valladolid.
CATALUÑA, ARAGÓN Y CASTILLA.—En Cataluña, el principal pintor de
este período es el portugués Pedro Núñez, cuyo rafaelismo se encuen-
SEVILLA. PEDRO DE CAMPAÑA.—El rafaelismo se introduce en Sevilla
tra bastante influido por su versión holandesa. El más importante de
en forma un tanto brusca. Al entrar en la quinta década del siglo, nos
los numerosos retablos que pinta es, probablemente, el de la Pasión,
encontramos ante varios pintores desprovistos de todo rastro cuatro-
de la iglesia de San Justo; pero el más atractivo es el de San Eloy, del
centista y sin enlace alguno sensible con los maestros que trabajan du-
Museo de Barcelona, donde la influencia flamenca es muy sensible. rante la etapa anterior. Los principales son el flamenco Kempeneer y
En Aragón, la gran personalidad del segundo tercio del siglo es Jeró- el holandés Storn, que son llamados, entre nosotros, Pedro de Campaña
nimo Cosida, que, de creer a los historiadores de la centuria siguiente, y Fernando Esturmio.
precióse siempre de hidalgo caballero. Aunque no están documentadas, Campaña visita Italia, donde debe de permanecer bastante tiempo,
obras suyas deben de ser los retablos del Bautista, de Calcena, y de la y llega a nuestra patria plenamente formado. Típico artista del Renaci-
catedral de Tarazona (1547), cuyas tablas centrales se encuentran dedica- miento, domina también la arquitectura y la escultura, y, en su noble
das a la degollación del Santo, y para la última de las cuales se inspira afán de saber, conoce las matemáticas, la astronomía y la ingeniería.
en la estampa del tema de Durero. En Calcena es muy bella la escena Hijo de Flandes, sabe atemperar su formación italiana y el estudio de
del Banquete. Las obras que sirven de base para conocer su estilo son la escultura clásica mirando la Naturaleza, lo que, unido a su sensibi-
los destruidos retablos de Caspe y Monzón, de los que se conservan lidad para lo dramático y para los efectos de luz, le permite crear
deficientes fotografías. un estilo renacentista lleno de vida y novedad. Si, como rafaelista, es
En Toledo, los dos pintores más fecundos del segundo tercio del el pintor que en nuestra patria sabe mover y enlazar mejor las nume-
siglo, cuyo estilo enlaza, en cierto grado, con el de Juan de Borgoña, rosas figuras de una gran escena, por su sentido exuberante de las for-
son Francisco Comontes (f 1565) y Juan Correa de Vivar, tan análogos mas y, sobre todo, por el movimiento de su paisaje, se nos muestra
a veces entre sí, que no siempre es fácil distinguir la obra del uno de como un importante predecesor de Rubens.
la del otro. Comontes es autor del retablo de San Juan de los Reyes Su Descendimiento (lám. 298), de la catedral de Sevilla (1547), aun-
y Correa del de Almonacid de Zorita (1554). El Museo del Prado posee que sigue el mismo esquema general que el del Museo de Montpellier,
obras de ambos. que pintara años antes inspirándose en una estampa de Marcantonio,
La personalidad más atractiva de la escuela toledana, si es que efec- acusa diferencias fundamentales. La escena se simplifica y el tono dra-
tivamente pertenece a ella, es el autor del bello retablo de Santa Libra- mático se hace más intenso. Campaña concentra la composición, antes
da, de la catedral de Sigüenza (1525), que se cree, no con mucho funda- mucho más dispersa, y gracias a ello esa composición gana en sencillez
mento, de Juan de Pereda. Artista de primera fila en nuestra pintura y monumentalidad. La nota trágica culmina en el grupo de la Virgen.
renacentista, hace alarde frente a Juan de Borgoña, a mediados de la El pintor, en vez de elegir, como Van der Weyden, el momento en que
tercera década del siglo, de toda la riqueza de actitudes del maestro la Madre de Jesús, traspuesto el sentido, cae desfallecida, y en que
de Urbino, de que torna actitudes —el verdugo procede del Pasmo de
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y xvii 185
184 SEVILLA. GRANADA

perdido. Según los testimonios más antiguos, se forma con Perino del
a la tortura del dolor sigue la laxitud, prefiere el momento más agudo
Vaga, y, efectivamente, la semejanza de su estilo con el de este pintor
del drama: la expresión del dolor mismo. Sentada en tierra, sus espas-
así parece atestiguarlo.
mos agitan su cuerpo en descargas casi epilépticas (lám. 299). Su cuello
Su obra más bella y antigua fechada es el retablo del Nacimiento
se arquea, y, loca de dolor, fija sus ojos desorbitados en el rostro de
(lámina 300), de la catedral (1555), que, sin embargo, es sólo trece años
su Hijo. Si la iluminación triste y misteriosa de la cabeza del Salvador
anterior a su muerte. Por eso su antefirma no puede por menos de
subraya su silencio letal, la del busto de la Virgen hace que nuestro
resultar desconcertante, pues en ella dice que cuando pinta esta obra
interés se fije en su rostro descarnado, y en sus ojos enormemente
está aprendiendo: «Tune discebam, Luisius de Vargas». Los personajes,
abiertos y desencajados.
incluido el Salvador, dirigen a la Virgen los fervores de su devoción,
En el retablo de la Purificación, de la catedral de Sevilla, imagina
contraponiendo el sentido ascendente del grupo de los pastores al ver-
Campaña un interior monumental, en el que ordena, en torno al grupo
ticalismo de María. Esta, con la mirada baja y las manos unidas y
de la Virgen y Simeón con el Niño en brazos, a las Virtudes, cada una
desplazadas hacia un lado, adopta actitud de recogimiento tan bella y
de ellas con sus correspondientes atributos (lám. 297). Como en tantas
elegante que, probablemente, sugerirá a Martínez Montañés la de sus
otras obras de Rafael, las actitudes de los personajes crean una línea
Concepciones. Entre tanto gesto y actitud rafaelescos, Vargas se sien-
muy acusada y quebrada, que conduce nuestra vista al corazón de la
te, sin embargo, atraído por temas secundarios, como el del cordero,
historia. El pordiosero echado en tierra, situado en primer término,
que uno de los pastores lleva sobre los hombros, o el del encuentro del
con el movimiento de su brazo implorante, lleva nuestra mirada al gru-
niño y la cabra, al que Vargas no duda en conceder desarrollo casi
po central de Simeón con el Salvador, a través del Niño que le ofrece
veronesiano.
la manzana y de los brazos de la Virgen. Esta doble línea quebrada,
Sigue en importancia al Nacimiento el retablo de la Generación
recogida en su extremo, inicia de nuevo su ascenso en la joven que
temporal de Cristo (1561), cuya tabla central se conoce con el nombre
con su mirar parece dirigirla al cielo.
de cuadro de la Gamba, a causa del supuesto elogio que el italiano
Su última gran obra es el retablo mayor de la iglesia de Santa Ana,
Pérez de Alesio, autor del gigantesco fresco vecino de San Cristóbal,
en que deja varios importantes estudios de luz de interior, como en
dirigiera a la pierna —gamba, en italiano— de Adán.
la tabla de San Joaquín abandonando la casa, y un paisaje tan lleno de
novedad como el del Aviso del ángel al santo dormido en el campo. En el retablo de la Piedad, de Santa María la Blanca, su última
Esturmio, natural d e Ziricsee, en Holanda, como él orgullosamente obra fechada, bien sea por la colaboración de discípulo, o por su propia
suele firmarse, es artista de muchos menos quilates. Su estilo seco, ner- decadencia, se nos muestra por bajo del nivel de las dos obras ante-
vioso y violento, participa de la sequedad y el amaneramiento de Scorel riores. Según Pacheco, Luis de Vargas es el introductor de la nueva
y Heemskerck. Su obra maestra es el gran retablo de los Evange- manera italiana del fresco; pero, por desgracia, las pinturas de este
listas (1555) de la catedral de Sevilla. La tabla central de la Resurrec- tipo que hace en la catedral se encuentran casi perdidas. Mejor idea
ción es un conjunto de cuerpos secos y musculosos en actitudes violen- de lo que sería su estilo permite formar el Juicio Final, del Hospital
tas, combinados con gruesos sillares, lápidas y troncos de árboles que de la Misericordia (1567), de su discípulo Valdivieso.
surgen en desorden, y realzados por violentos efectos de claroscuro. Sin ninguna obra de calidad de las de Vargas, Pedro Villegas Mar-
Más agradables son las Santas Justa y Rufina, en cuyo paisaje se copia molejo (f 1596), de la generación siguiente, se nos presenta en rango
con gran minuciosidad la Giralda, todavía sin el cuerpo de campanas menos elevado. Su producción, en conjunto, es, sin embargo, poco
agregado por Fernán Ruiz. inferior a la suya, y su vida nos dice que no es persona vulgar. Gran
amigo de Arias Montano, gusta de los escritores clásicos y de los tosca-
Luis DE VARGAS Y VILLEGAS MARMOLEJO. GRANADA: MACHUCA.—Lo mis- nos. Aunque su obra más conocida, por encontrarse en la catedral,
mo que Campaña, L u i s de Vargas es celebrado en nuestra literatura es el retablo de la Visitación, la más interesante es la Virgen de los
artística a poco de morir. Muy joven todavía, marcha a Italia, donde Remedios, de la iglesia de San Vicente, que por la pérdida de sus her-
permanece muchos a ñ o s —se asegura que cerca de treinta—, hasta el manas mayores se nos ofrece hoy como la primera interpretación
punto de escribir en italiano el libro de sus Memorias, por desgracia rafaelista sevillana del tema de la Virgen con el Niño. En su trono de
186 MORALES
PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 187

nubes, su novedad respecto de las de Alejo Fernández es grande; a

femenina de no pocas Vírgenes italianas se transforma en Morales en
su lado, las de éste nos ponen de manifiesto todo su cuatrocentismo. recato y recogimiento extremados, de acuerdo con el sentido devoto
En Granada, la gran personalidad es el toledano Pedro Machuca, castellano.
cuya actuación como arquitecto queda ya comentada. Su Madona del
Entre las varias influencias que desvirtúan en Morales el rafaelis-
Sufragio (lám. 302), del Museo del Prado —la Madre de Dios, que con
mo imperante, figuran el sentido del movimiento y de la luz de los
el néctar de sus pechos alivia las penas de las almas del Purgatorio—
leonardescos; el manierismo, tanto florentino como holandés; las estam-
firmada en Italia, dentro de la concepción general rafaelesca del grupo
pas de Duero, en las que se inspira en más de una ocasión, y aprende
de la Virgen con el Niño, delata en las parejas de ángeles la influencia
a componer, y la técnica minuciosa, amiga de peletear las cabelleras,
miguelangelesca, y, sobre todo en el claroscuro, la del marienis^. senes
de maestros flamencos como Gossaert. Sobre todos estos modelos for-
Beccafumi. En el mismo museo ha ingresado recientemente un hermoso
ma Morales su estilo propio, esencialmente manierista, en que nos
Descendimiento. Sus pinturas de la Capilla Real de Granada evocan el re-
expresa sus ansias de fervor místico.
cuerdo del Correggio.
Al enfrentarse con el tema de la Virgen con el Niño, Morales llega
Aunque principalmente se dedican a pinturas de carácter decora-
a renunciar a los fondos tanto de arquitectura como de paisaje. Desea
tivo, deben recordarse también en Granada, Julio de Aquilis y Alejan-
que la mirada de los fieles se concentre en los personajes divinos, y
dro Mayner, que pintan al fresco, poco antes de mediar el siglo, el
salvo en las Vírgenes de cuerpo entero, las imagina sobre negro fondo
Tocador de la Reina, de la Alhambra. Encuadradas por la decoración
liso, lo mismo que al Ecce Homo y la Piedad. La huella de Rafael es
de grutesco, allí pueden verse todavía cuatro escenas pequeñas de
patente en la Virgen del pajarito (1546), de San Agustín, de Madrid,
Faetón y ocho grandes historias de la conquista de Túnez (1535) por
la obra fechada más antigua que de él conocemos. El sentido del cla-
el Emperador.
roscuro y de la composición leonardesca se intensifican, en cambio,
en las Vírgenes hermanas, de la catedral de Salamanca y de Ronces-
MORALES.—Ensalzado las más de las veces, y ligeramente criticado valles. En las Vírgenes de medio cuerpo, el estilo de Morales aparece
algunas, es artista cuyo nombre no se olvida. Pero, aparte de este inte- más puro. La Virgen del sombrero, inspirada o no en la del Gran Duca,
rés de los eruditos, Morales goza ya en vida de bastante popularidad, es su versión castellana: la Virgen de media figura que nos muestra
sobre todo en ciertos temas. Si Juanes es el pintor del Salvador Euca- su Hijo, ella con la mirada baja y el Niño con los ojos clavados en
rístico, y el Greco lo es en Castilla de San Francisco, Morales es el pin- nosotros. La gran dama florentina se transforma en una joven menuda,
tor del Ecce Homo y de la Piedad. De su vida sabemos muy poco. Una de rasgos finos y nerviosos. El hermoso descote recto desaparece, y la
vez terminados sus estudios, debe residir habitualmente en Badajoz, bella curva del cuello, continuada en el hombro, queda cortada antes
de donde consta que hace algunas ausencias para pintar retablos en de nacer por fruncida gorguera. El mismo Niño apenas muestra desnu-
poblaciones no muy lejanas. En una ocasión se compromete, con ese da la parte superior de su cuerpo. Los varios ejemplos y copias conser-
fin, a trasladarse a Evora. De creer a Palomino, llamado por Felipe II vados son buen testimonio de la popularidad de esta obra.
visita El Escorial, donde se presenta con excesivo lujo, y después de En la Virgen de la leche (lám. 302), del Museo del Prado, inspirada
pintar algunos cuadros, regresa a su tierra. Y el mismo tratadista re- en una estampa de Durero, desaparece la galanura del sombrero de
fiere que, al encontrarle el monarca a su paso para Portugal, viejo y aquélla, el Niño nos vuelve las espaldas y la Virgen hunde la mirada
pobre, le concede una pensión, cosa que no parece muy probable. en su rostro. Concentrada formal y espiritualmente en sí misma, el
Morales es figura singular dentro de nuestra pintura del Renaci- espíritu de Morales vacíase en ella íntegramente. Otro tipo que pinta
miento. Formado en la etapa rafaelista, bajo la influencia de Sevilla en más de una ocasión es el de la Virgen enseñando a leer al Niño, cuyo
y del toledano Correa, no encaja plenamente en ella, presentándosenos mejor ejemplar es el del Museo de Méjico; pero más popularidad alcan-
un tanto aislado. El encarna, tal vez exageradamente, la reacción espa- za, a juzgar por el número de los ejemplares y copias conocidos, la
ñola contra el rafaelismo, en cuanto éste representa el triunfo de la Virgen de la rueca, rueca en que el Niño contempla la futura cruz.
belleza corporal. En su pincel la figura humana se alarga y se espiritua-
Tema también muy repetido por Morales es el del Ecce Homo. En
lizo como en el Greco. El desbordamiento de los encantos de la belleza
la Academia de San Fernando lo vemos de medio cuerpo, acompañado
188 EL ÚLTIMO TERCIO DEL SIGLO PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 189

por el representante de la justicia y el esbirro, en los que pone de ráneos. El descontento, aunque dulcificado, apunta ya en el Don Carlos,
manifiesto su interés por lo característico. Otras veces es el centro de mucho menos infantil, de Viena (1564). De Isabel Clara Eugenia, la hija
un tríptico, desde cuyas portezuelas la adoran la Virgen y San Juan. preferida de Felipe II, pinta igualmente varios retratos. En uno de los
Pero los más frecuentes, de los que las copias e imitaciones son nume- del Prado aparece todavía muy niña, pero vestida como una mujercita,
rosísimas, se reducen a la cabeza, como siempre sobre fondo negro. acompañada por su hermana Catalina Micaela, con una corona de flo-
No menos populares que sus Ecce Homo son sus pinturas de la res en la mano; en el otro, es ya una muchacha fina, elegante, con
rico traje cuajado de adornos, descansando su mano en un sillón. Los
Piedad (lám. 303), también, por lo general, de busto, aunque no faltan
hijos del último matrimonio del monarca dan lugar a algunos retratos
las de medio cuerpo. Entre éstas debe recordarse la de la Academia
que nos hablan, en el tono triste del pintor y de la corte, de las ternu-
de San Fernando, en la que la angustia de espacio, típicamente ma-
ras del padre al hacer representar en el lienzo de las Descalzas de 1579
nierista, es más sensible que en ninguna otra, y la superposición de los
a Don Diego, de cuatro años, y al futuro Felipe III, aún más joven, ju-
cuerpos pone bien de manifiesto el miguelangelismo —recuérdese la
gando con su lanza de caña y su adarga.
Piedad Rondanini— inspirador del grupo.
De un original de Sánchez Coello parece que son copia los varios
De sus dotes como pintor de retrato da cumplida idea la bella cabe-
retratos de Don Juan de Austria, con el león al pie. Importante es tam-
za de San Juan de Ribera, del Museo del Prado, un día obispo de Bada-
bién, por su posible eco en Velázquez, el retrato de la Duquesa de Béjar,
joz, para quien Morales pinta bastante.
a quien ofrece un refresco una enana, propiedad del Duque de Monte-
llano.
E L ÚLTIMO TERCIO DEL SIGLO. E L RETRATO: SÁNCHEZ COELLO Y PAN-
Sánchez Coello cultiva también el género religioso, como lo atesti-
TOJA.—Las principales novedades de los comienzos de este último perío-
guan las pinturas conservadas en El Escorial y en el Museo del Prado.
do de nuestra pintura renacentista son la aparición de pintores dedi-
El principal continuador de Sánchez Coello es su discípulo Juan
cados casi exclusivamente al retrato; la introducción del miguelange- Pantoja de la Cruz, o simplemente Juan de la Cruz (1553-1608), del que
lismo del Juicio Final y de la Capilla Paolina, y del colorismo vene- sólo conocemos las obras de sus últimos años, es decir, del reinado
ciano. de Felipe III. Época ésta en la que el lujo en el vestir, tanto en los
Alonso Sánchez Coello (f 1588), valenciano de nacimiento y de fami- caballeros como en las damas, alcanza extremos extraordinarios. Sus
lia, marcha a Portugal, por lo que se le ha considerado durante algún retratos femeninos de hacia 1600 son bellos conjuntos decorativos, don-
tiempo portugués. Formado con Antonio Moro en los Países Bajos, se de su pupila, tan sensible a las finuras plásticas de un rostro o la vida
traslada después a la corte de Felipe II, donde recibe la influencia del de una mirada, pugna con las exigencias de una moda que cifra su prin-
Tiziano, que, a través de sus obras de las colecciones reales, se convier- cipal empeño en menudos y riquísimos encajes y bordados, lazos, boto-
te en su segundo maestro. Los retratos de Sánchez Coello carecen del nes, piedras y collares, y en ocultar las formas del cuerpo. Como en los
tono penetrante de los de Moro, y del color y prestancia de los del gran iconos bizantinos, el vestido se convierte en marco y soporte del rostro,
maestro veneciano; p e r o en ellos sentimos la persona retratada quizá sensación que nunca producen los retratos de Sánchez Coello. El de
más real y próxima a nosotros. El es, en este aspecto, el gran prede- Isabel Clara Eugenia, de la Pinacoteca de Munich (1599), y el de la
cesor de Velázquez. Duquesa de Braganza (1603), de propiedad particular madrileña, son
Seguramente posa ante él toda la familia real; pero, por desgracia, buenos ejemplos de este tipo de retrato de Pantoja (lám. 305).
no conservamos ninguno de los retratos que hace del monarca, ya Los retratos de Felipe III y de Doña Margarita (1606), del Museo del
que debe ser de Italia del Norte el tan conocido que se le atribuye en Prado, dicen, en cambio, que esa desconexión entre rostro y ropa ter-
el Museo del Prado. E n cambio, poseemos varios excelentes de sus mina por desaparecer. Su tardía preocupación por la luz le hace reco-
hijos. En el de Don Carlos (lám. 304), del mismo museo, uno de los más brar la concepción unitaria del retrato.
antiguos del pintor, bien porque no se hubiesen manifestado aún en De estilo diferente al de estos retratos oficiales, el de Fray Hernan-
el retratado, o bien p o r falta de sinceridad en el retratista, no se ad- do de Rojas (1595), de propiedad' particular, sorprende por el fino y
vierte rasgo alguno de desequilibrio mental ni "de esa mirada llena de penetrante sentido naturalista que delata en Pantoja. Aunque no se
descontento, languidez y suspicacia de que nos hablan los contempo-
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 191
190 BECERRA Y NAVARRETE
El introductor del colorismo veneciano es Juan Fernández Navarre-
ha identificado con seguridad ninguno, consta que hizo muchos retra- te, llamado el Mudo (t 1579), porque, sordo a los tres años, no puede
tos diminutos en chapillas de bronce y plata, y en naipes. aprender a hablar. Acogido en un monasterio riojano, le enseñan allí
De sus pinturas religiosas, son interesantes la Natividad de la Vir- los rudimentos de su arte, y termina sus estudios en Italia. De salud
gen (1603) y la Adoración de los Pastores (1605), del Museo del Prado, muy precaria, las enfermedades le aquejan de continuo, y su vida de
por haber retratado en sus personajes a diversos miembros de la fami- dolor apenas debe de tener más consuelo que el ejercicio de su arte.
lia real; pero, sobre todo, la Resurrección (1605) (lám. 306), del Hospi- Su primera obra conocida, el Bautismo, que presenta cuando entra a
tal de Valladolid, por mostrarlo entregado al claroscurismo. trabajar en El Escorial, y que hoy se encuentra en el Museo del Prado,
lo muestra aún entregado a un estilo florentino de aire miguelangeles-
BECERRA Y NAVARRETE.—El campeón del miguelangelismo en España co. La ductilidad de su temperamento le permite cambiar rápidamente
es el andaluz Gaspar Becerra, a cuyo estilo y labor escultórica ya nos y entregarse en la forma más decidida al colorismo veneciano. En el
hemos referido. Comienza su obra pictórica conocida en Roma, en 1545, Martirio de Santiago (1571), sin duda su obra más dramática, descubre
ejecutando los cartones que le confía el Vasari, en una de las salas su gran entusiasmo por el Tintoretto. De él proceden, en efecto, la con-
principales del Palacio de la Cancillería; pero, como es natural, su cepción general de la escena, con su elevado punto de vista y su alto
estilo se pierde en el de aquél, y, por otra parte, el fresco que pinta horizonte, la violencia de los escorzos y el intenso efecto del claroscuro.
en la Trinidad del Monte, de la misma ciudad, se conserva en muy mal Pero el haber elegido el momento mismo de la muerte del Santo, y la
estado. En 1562 entra ya al servicio de Felipe II y decora al fresco intensidad expresiva al interpretarlo, son netamente españoles. Obra
varios salones del antiguo Alcázar de Madrid y del Palacio del Pardo; tan hondamente sentida como ésta, nos dice que Navarrete no es un
mas, por desgracia, muere joven, cuando tal vez se abre para su carrera simple manierista repetidor de fórmulas ajenas.
pictórica, en El Escorial, el más amplio de los horizontes. La preocupación por la luz de este cuadro se convierte en tema fun-
Becerra es en la historia de nuestra pintura renacentista el culti- damental en el Nacimiento (1575) (lám. 309), que como casi la totalidad
vador del fresco, técnica casi siempre reservada a los italianos. Los fres- de su obra se guarda en El Escorial, y aún más en el Entierro de San
cos del techo de la torre del Pardo (1563) están dedicados a la fábula Lorenzo.
del Verseo y las Gorgonas. Subdividido en nueve compartimientos, pre-
senta en el central al héroe triunfante con la cabeza de la Medusa, y
en los ocho restantes, diversas historias de su vida, entre las que desta- Los PINTORES ITALIANOS DE E L ESCORIAL.—Capítulo importante en la
can: Dánae recibiendo la lluvia de oro de que concebirá a Perseo; pintura de este período es el constituido por los italianos, en su mayor
Dánae y Perseo confiados al mar (láms. 307, 308); Perseo recibiendo parte fresquistas, que por esta época vienen a nuestro país llamados
de Mercurio y Minerva la hoz y el escudo que le hará invencible, y Per- para trabajar en El Escorial, o con la esperanza más o menos remota
seo degollando a la Gorgona Medusa. Esta obra, que constituye uno de lograrlo.
de los conjuntos más importantes de pintura mitológica en España, Los llamados por Felipe II al Monasterio escurialense llenan poco
revela con su amor al dibujo, a los escorzos y a las figuras corpulentas, más de quince años (1580-1595), y, por desgracia, no obstante el entu-
todo el miguelangelismo de su autor. siasmo del monarca por la pintura veneciana, sólo vienen manieristas
El colorismo veneciano irrumpe en la pintura española protegido de formación florentina o romana, que no le dejan muy satisfecho. En-
por el propio monarca, gran admirador del Tiziano, del que llega a tre los que se encontraban ya en nuestro país en 1580, son los más im-
reunir la espléndida colección de cuadros, orgullo hoy del Museo del portantes Francisco de Urbino (t 1582), artista malogrado que muere
Prado. Ello no obstante, produce violentas protestas en los pintores de joven, y cuya obra principal es el fresco del Juicio de Salomón, donde
tradición florentina y romana. Pacheco llama a este estilo modo de deja ver su amor por los amplios escenarios de grandiosas arquitectu-
pintar «acabado» y «dulcemente colorido», mientras que el veneciano ras, y el florentino Rómulo Cincinato, discípulo del Salviati. A él se
lo califica de pintura «a borrones» y de pinturas «confusas». Olvidados debe, en El Escorial, entre otras varias obras, el gran lienzo de San
sus partidarios del dibujo, llega a calificarlos de «hijos bastardos de la Mauricio, que pinta para reemplazar el del Greco. En la Academia de
pintura, llamados nuevamente empastadores o manchadores».
192 LOS PINTORES ITALIANOS DE EL ESCORIAL

San Fernando se conserva una Circuncisión. Nicolás Gránelo es el deco-

rador de la sala de las Batallas, de El Escorial.
Hacia 1585 acuden a El Escorial tres nuevos pintores. El primero
es el genovés Lucas Cambiaso (t 1586), pintor de escasa inspiración y
que trabaja de prisa, al que se deben las monótonas decoraciones de
las bóvedas de la capilla mayor y del coro alto. Mejora, sin embargo,
en sus lienzos, a pesar de lo cual Felipe II hace retirar algunos de los
altares del templo. Recientemente se ha subrayado la importancia de
Cambiaso en los orígenes del claroscurismo. A su muerte vienen a reem-
plazarle Tibaldi y Zúccaro, pintores famosos en la Italia de fines de
siglo. 296-298.—JUANES: D. Luis de Castellá.—CAMPAÑA: Presentación. Descendimiento.
Peregrino Tibaldi es un bolones entregado tan servilmente al es-
tilo miguelangelesco, que la generación siguiente llega a llamarle el
Miguel Ángel reformado. Cuando entra en El Escorial cuenta los se-
senta años, y prácticamente en él pasa el resto de su vida. Desde el
punto de vista del estilo, lo que hace es traernos, con veinte años de
retraso, el mismo que hemos visto practicar ya a Gaspar Becerra.
El es, sin embargo, uno de los decoradores más estimables del Mo-
nasterio. A él se deben, en primer lugar, los frescos de la bóveda de
la Biblioteca, con las alegorías de las Artes Liberales Oám. 310), de la
Teología y de la Filosofía, acompañadas por cultivadores eminentes
de esas disciplinas; los frescos de los claustros y tres historias del
retablo mayor, que pinta para reemplazar a las rechazadas de Zúccaro:
la Adoración de los pastores, la Adoración de los Reyes y el Martirio
de San Lorenzo. 299-301.—CAMPAÑA: Descendimiento.—VARGAS: Nacimiento.—MACHUCA: Virgen
Mucho más famoso que Tibaldi es en Italia Federico Zúccaro. del Sufragio. (Más.)
Deseoso de ver mundo y de aumentar sus ganancias, recorre buena
parte de Europa ejecutando siempre obras importantes. Rodeado de
la aureola del genio, según nos dice un contemporáneo, sólo falta
que la comunidad salga a recibirle bajo palio cuando llega a El Es-
corial. Su estilo, sin embargo, no gusta ni al monarca ni a los reli-
giosos, y su fracaso no se hace esperar. En 1588 Felipe II, después
de recompensarle largamente, le concede permiso para regresar a Ita-
lia, y manda retirar del retablo mayor varios de sus cuadros y retocar
otros. En el Nacimiento y en la Adoración de los Reyes, que como
hemos visto son reemplazados por los de Tibaldi, lo más impor-
tante es el interés q u e manifiesta por la luz, aspecto en que pudo in-
fluir en la pintura española, entonces en vías de transformación hacia
el tenebrismo (lám. 311).
302-304.—MORALES: Virgen de la Leche. Piedad.—SÁNCHEZ COELLO: Príncipe
Don Carlos.
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 193

El único de los discípulos de Zúccaro que permanece en España

es Bartolomé Carducho (t 1608), autor de un Descendimiento y de
una Cena, ambas en Museo del Prado.

FRESQUISTAS ITALIANOS EN LA MANCHA Y ANDALUCÍA.—Entre los fres-

quistas italianos que trabajan fuera de la Corte figuran en primer ter-
mina los Peroli, entre nosotros conocidos por los Perolas, a quienes
se debe la espléndida decoración al fresco de la casa del célebre marino,
el Marqués de Santa Cruz, situada en el Viso, al pie de Sierra Morena.
Destruido el Alcázar de Madrid, él nos ofrece el más importante ciclo
de pinturas murales profanas renacentistas conservado en España.
305-308.—PANTÜJA: Duquesa de Béjar. Resurrección.—BECERRA: Dánae recibiendo En las galerías del patio aparecen representadas las principales plazas
la lluvia de oro y embarcando.
conquistadas o liberadas por el Marqués, y las figuras alegóricas de
las naciones escenario de sus triunfos. En los salones celébranse tam-
J5=Ü »;-.'•:-í^ais' bién sus hazañas —tal sucede en el de la conquista de Portugal—, pero
la mayor parte están dedicados a la fábula antigua, siendo particular-
mente importantes el consagrado al mito de Calixto, algunas de cuyas
escenas están interpretadas con sorprendente crudeza, y el del Rapto
de Proserpina, con las Estaciones. De carácter muy distinto, uno de los
más impresionantes es el Salón de los Linajes, donde, tras una alta
galería, vemos en escorzo al gusto veronesiano a los más ilustres ante-
pasados del marqués.
Mateo Pérez de Alesio, en realidad Mateo de Lecce, es pintor amigo
de largos viajes. Muy influido por Salviati, lo encontramos primero en
Roma, pintando en la Capilla Sixtina; después, en Malta, decorando su
Palacio con la gran serie del Asedio turco, y, por último, en Sevilla, don-
309-311.—NAVARRETE: Nacimiento—TIBALDI: La Música.—ZÚCCARO: Nacimiento. de pinta el gigantesco San Cristóbal (1583) de la catedral, que confirma
la justificada fama que gozan los italianos de buenos dibujantes y culti-
vadores del fresco. Genio intranquilo, pasa posteriormente al Perú y
ejecuta en la catedral de Lima otro San Cristóbal, que conserva.
Cesare Arbasia es un piamontés de escasas facultades, que pinta
en la catedral dé Málaga los frescos de la capilla mayor y un tríptico
de la Anunciación, y decora al fresco la capilla del Sagrario de la de
Córdoba.

E L GRECO.—La excepcional personalidad del Greco, resultante de

su formación en Italia —no en el sector florentino y romano de los
anteriores, sino en Venecia—, de su sangre griega y de su transforma-
ción espiritual en la España de Felipe II, merece un lugar aparte, aun-
que inmediato al de los manieristas italianos que acuden atraídos por
la obra de El Escorial.
312-314.—GRECO: Trinidad, S. Mauricio, Entierro del Señor de Orgaz. (Más.) 13
194 EL GRECO PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 195

Descendiente de una familia al parecer bizantina establecida en la Sus obras más importantes y representativas del período italiano
isla después de la ocupación veneciana, Domenicos Theotocopoulos son el tríptico firmado de la Coronación, de la Galería Estense, de Mó-
nace en Creta en 1541, pero se traslada muy joven a Venecia, donde dena; la Curación del ciego, de la Pinacoteca de Dresde, y la Expulsión
su nombre se transforma en Domenico Theotocopuli, con el sobrenom- de los mercaderes, de la colección Cook, de Londres. Aunque la escena
bre de el Greco —el Griego—, que conservará en España, si bien con- de la Coronación lo muestra plenamente en la órbita veneciana, el
virtiéndose el Domenico en Dominico. En Venecia estudia con el Tizia- paisaje del Sinaí, y aun la forma misma del tríptico, descubren el re-
no. Nos lo dicen su estilo y el texto ya clásico en la biografía del pintor, cuerdo de modelos cretenses. De estilo más avanzado, aunque proba-
en que el miniaturista Julio Clovio comunica haber conocido a «un blemente de época poco posterior, los fondos arquitectónicos de la
joven candiota, discípulo del Tiziano, que, a mi juicio, me parece ex- Circuncisión y la Expulsión, de perspectivas muy violentas, delatan en-
cepcional en la pintura». En 1577 se encuentra ya en Toledo, pintando tusiasmo por el Tintoretto. Cuando repite la escena de la expulsión —y
el retablo de Santo Domingo el Antiguo. Por desgracia, su maravilloso lo hace con casi todas sus composiciones, varias veces— pone en su
lienzo de San Mauricio no gustó a Felipe II, y las puertas de El Escorial ángulo inferior los retratos de Tiziano y de Miguel Ángel, pero no el
no se le abren; pero no tarda en formar clientela en la ciudad del de Tintoretto. A estos años, o a época poco posterior, debe de corres-
Tajo, donde pasa el resto de su vida, no sólo con holgura, sino con ponder la Anunciación, del Museo del Prado, donde el fondo de arqui-
regalo. Los que le conocieron hablan de la «ostentación de su casa, tectura desempeña todavía importante papel.
hasta tener músicos asalariados para, cuando comía, gozar de toda deli- El capítulo español del Greco se abre con el retablo mayor de Santo
cia». Persona de gran finura de espíritu e ingenioso, nos refiere el pintor Domingo el Antiguo (1577), para el que pinta los grandes lienzos de la
Pacheco que «fue gran filósofo, de agudos dichos, y escribió de pintura, Trinidad (lám. 312) y de la Ascensión, hoy en los Museos del Prado y
escultura y arquitectura». Seguramente conocemos su aspecto físico, de Chicago. En el primero nos deja ver su admiración por Miguel
pues será alguno de los personajes cuya fisonomía se repite en sus cua- Ángel. La grandiosidad del cuerpo del Salvador, su belleza clásica y su
dros, pero no tenemos seguridad de saber cuál sea. sentido escultórico, su doblamiento y la posición de su brazo, tienen
La naturaleza mística del Greco, el ambiente artístico bizantino en su origen en el artista florentino, pero el tono expresivo es ya absolu-
que transcurre su primera juventud, el contacto con el exaltado medio tamente del Greco. Los colores plenos, la manera de contraponerlos y
religioso español de fines del siglo, y, en cierto grado, también con la el importante papel que desempeñan el morado y el amarillo, dicen
obra de Alonso Berruguete, hacen que su arte, en sus años ya maduros, cómo se ha transformado la paleta veneciana. En la Asunción, ese sen-
sólo conserve de Venecia el extraordinario sentido del color, en que tido clásico desaparece, y ello resulta más patente comparándola con
es maestro de primer orden —lo que no es poco—. Su tensión espiri- la del Tiziano: la Virgen es una figura gigantesca que asciende por su
tual, cada vez más aguda desde que se establece en Toledo, hace que falta de peso, mientras que los Apóstoles, que llenan todo el espacio,
sus personajes se vayan desmaterializando, y, al espiritualizarse, se dialogan sobre el proscenio. Sus ropajes ya no son medios de subrayar
alarguen hasta desembocar en tipos de proporciones equiparables a los las formas del cuerpo, sino fundamentalmente valores cromáticos. En
modelos bizantinos o a los románicos de Vezelay, Chartres o Autun, la actualidad, los únicos lienzos primitivos que se conservan en el reta-
que no en vano había de declarar, pocos años antes de morir, que el blo son los Santos Juanes, el San Bernardina, el San Benito y la Santa
ser «enano... es lo peor que puede tener cualquier género de forma». Faz. En el Nacimiento, vendido recientemente a un particular, y en la
Sus actitudes y su manera de componer son, en buena parte, manieris- Resurrección, de los retablos laterales del mismo templo, el Greco se
tas, aunque su arrebato espiritual, siempre poderoso, sabe dotar de muestra muy interesado por los efectos de luz.
vida propia lo que en sus contemporáneos son meras fórmulas. Para-
A esta primera época pertenece también el llamado erróneamente
lelamente a ese proceso de exaltación expresiva, se manifiesta en el
Sueño de Felipe II, de El Escorial, que en realidad conmemora la bata-
Greco un progresivo desinterés por el escenario, tanto arquitectónico
lla de Lepanto, como lo indica la presencia de Felipe II, el Pontífice y
como paisístico, conservando sólo su importancia los celajes, que, car-
el Dux de Venecia.
gados ahora de intensa emoción mística, adquieren valor que nunca
La transformación española del Greco se intensifica en el Expolio
antes han tenido.
(lámina 315), de la catedral de Toledo. El escenario casi desaparece to-
196 EL GRECO PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 197

talmente, y salvo la espléndida túnica carmín de Jesús y el acero de la más. El ascender del cuerpo ingrávido del Salvador de la Resurrec-
armadura del capitán, todo se reduce a una maravillosa galería de cabe- ción, por simple virtud de su espíritu, sin esfuerzo muscular alguno,
zas rebosantes de expresión, en que al odio del coro se opone el amor es el mejor testimonio de la radical metamorfosis que su misticismo
y la bondad infinitos del Salvador. Dos años más tarde pinta el Greco ha hecho sufrir a los gigantes del Juicio Final, de la Sixtina.
el Martirio de San Mauricio (1579) (lám. 313), de El Escorial. La legión A esta misma época corresponde la serie del Hospital de Illescas
tebana, convertida al cristianismo, al negarse a rendir culto a los dioses (1603), de la que forman parte el San Ildefonso escribiendo y la Virgen
paganos, va a ser diezmada; los legionarios tienen las armas en la de la Caridad, motivo de curioso pleito. Obra típica de su última etapa
mano, pero como cristianos, prefieren morir a tener que matar. El Gre- estilística es la Asunción, del Museo de San Vicente, de Toledo (1607),
co, en lugar de elegir, corno Navarrete en el martirio de Santiago, el en la que el alargamiento de los cuerpos llega" a extremos no superados
momento de la decapitación, centra su interés en las palabras del santo por él.
a sus compañeros diciéndoles que entreguen su vida con mansedumbre. El Greco repite casi todas sus composiciones religiosas, y sabemos
Los colores son claros, fríos y luminosos. que conserva en su taller cuadros pequeños que le sirven de modelo en
En 1586 le encarga el párroco de Santo Tomé, de Toledo, la que esa labor. Entre los temas más repetidos en su taller figuran, por
será su obra más famosa: el Entierro del señor de Orgaz (láms. 314, ejemplo, el Apostolado —los mejores son el de la catedral y el del
315), don Gonzalo Ruiz, el piadoso caballero del siglo xiv que por ha- Museo del Greco—, San Francisco, del que hace varios modelos, que
ber favorecido a los agustinos de San Esteban, merece tanto de San lo convierten en el mejor intérprete del San Francisco místico; la
Agustín como del santo diácono que acudan personalmente el día de Magdalena, San Pedro penitente, la Expulsión de los mercaderes, la
su muerte a depositarlo en la tumba. El Greco renuncia de nuevo Oración del huerto, etc.
aquí a los amplios escenarios venecianos y, desentendiéndose del fon- El Greco es, por último, pintor de retratos de primer orden. De
do, desarrolla la historia en primer plano; imagina una larga fila de su época italiana es ejemplo típico el de Julio Clovio, del Museo de
personajes que no dejan ante sí más que el espacio indispensable. Ñapóles, todavía muy tizianesco. Ya de época española, pero bastan-
Vestidos todos ellos de negro, forman una superficie muerta corona- te antiguo, debe recordarse el del Caballero de la mano en el pecho
da por un friso luminoso de rostros puntiagudos enmarcados por blan- (lámina 317), del Museo del Prado. Característicos de los últimos tiem-
cas lechuguillas, que comentan en voz baja el portento y dirigen la pos son el del licenciado Cevallos, del mismo museo, y el del supuesto
mirada al cielo. Sobre ese fondo negro hace concentrar nuestra mi- Jorge Manuel, del Museo de Sevilla.
rada en las ricas vestiduras de los dos santos y en la armadura por
ellas encuadrada, vestidura cuya riqueza cromática realzan aún más, PINTORES CASTELLANOS Y ANDALUCES DE FINES DE SIGLO.—Los pintores
de una parte, los pobres hábitos del franciscano y del agustino, y de castellanos del último cuarto de siglo son de escasa categoría. La per-
otra, el blanco roquete del cuadjutor. En la parte alta del lienzo, en sonalidad más interesante es Blas de Prado, que, por encargo de Fe-
el fondo de gloria, el Todopoderoso, con la Virgen y el Bautista, re- lipe II, marcha a Marruecos para hacer retratos en aquella corte y
ciben el alma del señor de Orgaz, que en forma de niño es llevada regresa rico, vistiendo a la africana y comiendo en el suelo, a usanza
por un ángel, todo ello según hemos visto en el arte medieval. Los mora. Su pintura de la Virgen, con el retrato de Alonso de Villegas,
que asisten al entierro consta que son retratos de personas conoci- autor del Flos Sanctorum (1569), le eleva sobre los pintores anteriores,
das del Toledo de fin de siglo, aunque sólo se ha podido identificar por su sentido colorista. Gregorio Martínez, que es el principal pintor
a don Antonio Covarrubias y al párroco que lee los oficios, que será de Valladolid de fines del siglo —Anunciación, en aquel museo—, sigue,
Andrés Núñez, el que encarga el cuadro al Greco. Autorretrato se en cambio, la tradición romana.
supone el que se encuentra sobre San Esteban, y es muy probable que La pintura andaluza coetánea cuenta con dos figuras en las que sus
sea retrato de su hijo Jorge Manuel el niño del primer término. méritos literarios son tal vez superiores a los pictóricos.
En las proximidades de 1600 crea el Greco varias obras —como la Pablo de Céspedes (t 1608) marcha muy joven desde Córdoba, su
"Resurrección (lám. 318), el Calvario y el Bautismo, del Museo del patria, a la Universidad de Alcalá, • donde adquiere amplia cultura hu-
Prado— en las que las características de su estilo se acusan cada vez manística. Pocos años después se encuentra en Roma, gestionando
198 PACHECO
PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS S S . XVI Y XVII 199

asuntos del desgraciado arzobispo Carranza, y allí permanece mucho Inflamada la Sevilla de su tiempo por el fervor concepcionista, Pa-
tiempo cultivando la amistad de anticuarios y artistas, hasta que re- checo nos ha dejado varias Inmaculadas (lám. 320). Las que tienen al
gresa a su patria a ocupar una prebenda en su catedral (1577). De su pie el retrato de su cantor Miguel del Cid —en la catedral —y la del
época italiana se conservan las pinturas murales de la Trinidad del canónigo Vázquez de Leca, responden a un mismo tipo. En otra de
Monte, de Roma, y aunque es mucho lo que se le atribuye en Córdo- 1630, de propiedad particular, Pacheco se esfuerza, en cambio, por
ba, es muy poco lo que realmente le pertenece. Su obra más valiosa producir la impresión de la intemporalidad más absoluta. Artista pre-
es la Cena (1595), de la catedral, típica creación manierista de estu- ocupado por problemas de iconografía, pinta un Cristo con cuatro clavos
diadas actitudes grandilocuentes. En la Sala Capitular de la catedral (1614), de propiedad particular, ilustre precedente por su serenidad del
de Sevilla pinta una serie de Virtudes, en cuyas forzadas actitudes se de Velázquez. Además de varias historias mercedarias del Museo de
pone bien de manifiesto el estilo de fin de siglo. Artista de gran cul- Sevilla, deben recordarse sus pinturas mitológicas del techo de la casa
tura y erudición, y poeta de muchos quilates, es además uno de nues- de Pilato (1603), dedicado a la Apoteosis de Hércules en el Olimpo.
tros mejores tratadistas, si bien su obra literaria se conserva muy La parte hoy más útil de la obra de Pacheco es la literaria. En
fragmentada. Su Poema de la Pintura cuenta entre los mejores de Arte de la Pintura son particularmente importantes, además de las
nuestra poesía didáctica. noticias de obras y de artistas, los capítulos dedicados a la técnica pic-
En Sevilla la figura más conocida es Francisco Pacheco, pero no tórica, a la policromía escultórica, que él mismo practica en escultu-
menos representativos del manierismo del último tercio del siglo son ras de Martínez Montañés, y a la manera de representar los temas re-
Vasco Pereira y Alonso Vázquez. Exponentes ambos, tal vez los más ligiosos. Muy valioso es también el Libro de retratos de ilustres y me-
característicos, de ese estilo en el que la fogosidad y la vida rafaeles- morables varones, donde colecciona los que va haciendo durante cin-
ca latentes en la anterior generación de Campaña y Vargas, se mar- cuenta años de su vida, entre los que asisten y desfilan por su tertulia.
chitan, y el interés del pintor se pierde en dibujar pequeños múscu- Ilustrados por un largo elogio del retratado, no precisa encarecer el
los y en plegar telas quebradizas. Vasco Pereira es portugués, y su valor iconográfico e histórico de esta obra. Por desgracia, sólo se con-
obra típica es el San Onofre, del Museo de Dresde (1583). Alonso Váz- serva aproximadamente una tercera parte de los que hizo, en su casi
quez es autor de varias Historias mercedarias, del Museo de Sevilla, totalidad en el Museo Lázaro, de Madrid.
donde también se guarda el Tránsito de San Hermenegildo (1603) (lá-
mina 319), que es uno de los primeros grandes lienzos de la escuela se-
ARAGÓN Y LEVANTE. AMÉRICA.—En la antigua corona de Aragón la fi-
villana con la subdivisión de cielo y tierra. Consta que lo deja sin ter-
gura de mayor relieve es el flamenco Rolan de Mois, a quien trae el
minar al marchar a Méjico, donde debe de terminar sus días. Es muy
duque de Villahermosa al regresar de los Países Bajos con Felipe II.
posible que también sea suya la Cena atribuida a Céspedes, del mismo
Con esa vida y sentido cromático que suele distinguir a sus coterrá-
museo sevillano.
neos, aunque mucho menos que nuestro Navarrete, se encuentra in-
fluido por la escuela veneciana. Sus obras principales son los grandes
PACHECO.—Francisco Pacheco (t 1654) entra muy pronto en las ter- retablos de los monasterios de Tafalla (1571) y Fitero (1590). El enor-
tulias literarias, viviendo un ambiente que será decisivo en su porvenir. me lienzo central de la Asunción, de Tafalla, está compuesto con indis-
Hace dos viajes a Madrid, en el primero de los cuales visita al Greco cutible grandiosidad, y sus ángeles, pletóricos de vida y alegría, hablan
en Toledo, y en el segundo, ya con sesenta años, puede vanagloriarse más de Venecia que de Roma. La Adoración de los Reyes, del primer
de la formación de Velázquez, casado con su hija. Su vida se prolonga retablo, la repite, con ligeras variantes, en el de Fitero y en otros dos
aún hasta mediados de siglo, cuando ya su yerno ha pintado varias de ejemplares del Museo de Zaragoza.
sus obras famosas, y Murillo otras no menos típicas de su estilo. Pa- Rolan de Mois goza también en Zaragoza de gran fama de retra-
checo, sin embargo, continúa aferrado al suyo de fines del xvi, algo tista, y de su mano se consideran algunos retratos de los antepasados
semejante al de Alonso Vázquez, seco de color y, en general, poco ins- del duque de Villahermosa, en l a ' colección de sus descendientes en
pirado. Madrid.
200 ARAGÓN Y LEVANTE. AMÉRICA PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 201

En esta misma época pintan, en Aragón y Navarra, el italiano Pedro llega en 1573 a Méjico, donde muere hacia 1620, y es cabeza de una fa-
Morone —pinturas murales de la capilla de Zaporta, de La Seo— y milia de pintores. Hombre erudito, autor de unos Discursos sobre la
Pedro Pertus (t 1583) —historias de Santa Lucía (1576), en el Museo de antigüedad de la lengua cántabra, es un renacentista tardío, formado
Zaragoza—. probablemente én Toledo, que no hubiera desentonado en El Escorial,
En Valencia trabajan los Sariñena, de los cuales el más importante y que por su estilo, aunque sus obras fechadas son posteriores a 1600,
es Juan (t 1634), autor del retablo de la Diputación (1607) y de dos corresponde plenamente a la centuria anterior. Dentro de su amanera-
grandes retratos corporativos —de la Generalidad (1597) y de los Ju- miento, de estirpe florentina y romana, se distingue de sus compañeros
rados— de la sala de honor de aquel edificio. Los restantes retratos mejicanos por su sentido colorista, que a veces delata clara influencia
corporativos de la misma sala son obra también de los principales pin- veneciana. En el Museo de Méjico tiene varias pinturas, entre ellas, el
tores de ese momento: Vicente Requena, el saboyano Francisco Pozzo, Martirio de San Aproniano (lám. 323) y la Presentación en el templo. A
Vicente Maestre, Luis Mota y Sebastián Zaidia. Mientras estos grandes él se debe también el retablo de Xochimilco.
lienzos hacen pensar más en Venecia que en Roma, el conquense Bar- En América del Sur, aunque no faltan pintores españoles, como el
tolomé Matarana, en sus pinturas murales del Colegio del Patriarca sevillano Alonso de Narváez, autor de la venerada Virgen de Chiquin-
(1597), produce la impresión contraria. quirá (1555), en Colombia, lps nombres más conocidos son los de los
En Cataluña trabaja el romano Isaac Hermes Vermey, que pinta italianos Mateo Pérez Alesio, a quien ya nos hemos referido, y que
retablos para la iglesia del palacio, de Barcelona (1582), y para Santo pinta el San Cristóbal de la catedral de Lima, destruido por el terre-
Domingo, de Valencia. moto de 1746, y Angelino Medoro, que trabaja en Bogotá y Lima. En
La pintura hispanoamericana comienza con el Renacimiento, pues el convento de San Francisco, de esta última población, consérvase un
aunque no faltan en Méjico algunas obras aún influidas por el gótico, San Buenaventura suyo.
constituyen minoría de escasa importancia. El Renacimiento ofrece en
Méjico dos grandes capítulos: el de la pintura mural y el de la pintura PINTURA PORTUGUESA DE LOS SIGLOS xv Y XVI.—La pintura renacentista
de caballete. italiana tiene en Portugal menos eco que en Castilla. Es cierto que
Reducida la decoración del interior de los conventos a la pintura produce un Alvaro Pires de Evora, que se traslada a Italia y deja allí,
mural, adquiere ésta en la Nueva España desarrollo sin paralelo en la en la primera mitad del siglo xv, pinturas de estilo tan italiano como
la Península. Buenos ejemplos de este tipo de decoración conservan los la Virgen del Museo de Pisa, pero no se conserva en Portugal un grupo
conventos de Huejotzingo y de Actopan, siendo particularmente nota- de obras de estilo trecentista equiparable al citado en la catedral de
ble en el primero la Sala de Profundis, con la candorosa escena de los Toledo.
Doce franciscanos que comienzan la evangelización del país, y en el En cambio, después de mediar el siglo xv encontramos un artista
segundo, la escalera. de indiscutible primer orden, incorporado de una manera decidida a
Entre los pintores de retablos figuran el flamenco Pereyns, el vasco la nueva tendencia flamenca. Su nombre es Ñuño Goncalves, y consta
Echave y el anónimo Maestro de Santa Cecilia. Simón Pereyns, cuyo que en 1463 es pintor del rey. A juzgar por su estilo, parece razona-
nombre no tarda en castellanizarse en Perinés, llega a Méjico en 1566; ble suponerlo formado en Flandes. Al par que la técnica y los con-
aunque, protegido por el virrey, no tarda en abrirse camino, la envidia vencionalismos de la escuela, debe de aprender allí lo que es mucho
de sus compañeros y su falta de prudencia le obligan a comparecer ante más importante: que el nuevo rumbo de la pintura septentrional es
el Santo Oficio, e incluso a sufrir tormento. En el retablo mayor de un naturalismo decidido, y el valor del arte del retrato. Artista de po-
Huejotzingo (1585) (lám. 321), su obra maestra, se inspira a veces con derosa personalidad, dota su naturalismo de un tono grave típicamente
bastante fidelidad en su paisano Martín de Vos. Artista más importante hispano, que contribuye en no pequeña medida al aire heroico que dis-
probablemente que Peryns, es el desconocido autor del hermoso cuadro tingue a su obra maestra. Y el hecho es tanto más sorprendente por-
de Santa Cecilia (lám. 322), del Museo de Méjico, una de las más bellas que es un galería de retratos modelos de la clase social a que cada
creaciones de toda la pintura española de este momento. A él se debe personaje pertenece o, lo que es lo mismo, el retrato del pueblo portu-
también la Sagrada Familia, del mismo museo. Baltasar Echave Orio gués en los días de su gran empresa de la conquista del mar.
 PINTURA ESPAÑOLA DEL S. XVI Y PORTUGUESA DE LOS SS. XVI Y XVII 203
202 PINTURA PORTUGUESA

Por desgracia, ignoramos el nombre del Maestro llamado de Santa

Ese es, en efecto, el verdadero tema del políptico: el pueblo portu- Auta, por la encantadora serie de escenas de la vida de esta santa del
gués en el momento de sus gloriosas hazañas marítimas reunido en convento de Madre de Dios (1520), de Lisboa. Pintada en ocasión del
torno a San Vicente. Aunque al ser descubiertas hace muchos años, se donativo de las reliquias de la compañera de Santa Úrsula hecho por
supuso que esta serie de tablas (lám. 324) procedía de dos trípticos, el emperador Maximiliano, se narra en ella, con encanto e ingenuidad
hoy se prefiere ordenarlas, de acuerdo con la convergencia de las líneas admirables, la conocida historia del viaje, esmaltada de pintorescos
de la solería, y con la composición general, formando un gran polípti- pormenores, terminándose con la procesión del traslado de las reliquias
co, con las dos tablas más anchas en el centro y las cuatro más estre- al monasterio (lám. 326). Gregorio Lopes, por último, hace gala de su
chas a los lados. En él vemos al Santo diácono adorado por todo el sentido poético en la Virgen con el Niño rodeada de ángeles, del Museo
pueblo portugués, desde el pescador, que envuelto en su red aparece de Lisboa, donde nos ofrece en el lenguaje renacentista una versión
en uno de los extremos, hasta la familia real, que en primer término rebosante de vida y fervor del jardín místico de los viejos maestros
rodea al Santo. A la derecha le adoran el rey Alfonso V el Africano, góticos.
el futuro Juan II, niño todavía, y el gran don Enrique el Navegante, Después de tan deslumbrante florecimiento, la vena pictórica portu-
tío del monarca y alma de los estudios y empresas marítimas, que guesa disminuye durante la segunda mitad del siglo hasta casi agotarse.
tanta gloria y beneficios materiales reportan al país; a la izquierda,
la reina (lám. 324, 325).
A Ñuño Goncalves se atribuyen además los cartones de los hermo-
sos tapices flamencos de la Conquista de Ardía, conservados en el pue-
blo de Pastrana (Guadalajara).
La pintura portuguesa no vuelve a producir ningún otro artista
del genio de Ñuño Goncalves; pero, en cambio, en el siglo xvi el nú-
mero de sus cultivadores se multiplica hasta formar una verdadera
escuela. Las riquezas de Oriente, que inundan el puerto de Lisboa, no
sólo permiten dar trabajo abundante a un crecido número de pintores
hijos de la tierra, sino que mantienen una colonia de flamencos estable-
cidos en la gran ciudad, y todavíct es necesario importar de Flandes
numerosas obras para satisfacer la necesidad de nuevos retablos. Como
es natural, no obstante el estilo renacentista de la escuela así formada,
la influencia en ella predominante es la flamenca; en ocasiones tan in-
tensa que no siempre es fácil precisar si se trata de obra importada o
hecha en el país, máxime cuando, como queda dicho, son varios los
pintores flamencos avecindados en Portugal.
Entre la pléyade de pintores de la primera mitad del siglo xvi des-
tacan: Vasco Fernández, autor del San Pedro, del Museo de Viseo
(lámina 327), y de la Venida del Espíritu Santo, de Santa Cruz de
Coimbra (1535); Frey Carlos, de sangre flamenca, aunque nacido en
Lisboa, que pinta el retablo del convento de Espinheiro, donde pro-
fesa en 1519, una de cuyas obras más bellas es la Virgen de la leche
(lámina 328), del Museo de Lisboa, y Cristóbal de Figueiredo, que en
la historia de Heraclio con la cruz (1522) sabe reflejar todo el lujo en la
indumentaria de la época.
 PINTURA ALEMANA Y FRANCESA 205

personales (lám. 330). Sus obras más importantes y numerosas se con-

servan en el Museo de aquella población, y ya hemos visto cómo su
estilo influye en nuestro Gallego. Una etapa más avanzada de la influen-
cia flamenca representa en Nuremberg Miguel Wohlgemut, que gracias
a su activo taller, en que entra el joven Alberto Durero, pinta gran
número de retablos, a uno de los cuales corresponden las historias de
la Pasión, de la Pinacoteca Vieja, de Munich. De calidad artística más
fina y de mayor personalidad es el tirolés Miguel Pacher, que parece
CAPITULO X recoger algo de la tradición de Witz; pero, sobre todo, próximo a Italia,
aprende de Mantegna el interés por el escorzo y por el volumen, y se
hace eco de los efectos de perspectiva de cuatrocentismo italiano. Sus
PINTURA ALEMANA Y FRANCESA historias de San Wolfgango, en Salzburgo, ponen bien de manifiesto
todos estos valores.
Capítulo valioso del primitivismo alemán es el de sus grabadores,
PINTURA ALEMANA ANTERIOR A DURERO.—Como se ha dicho, uno de que ya en esta época revelan excepcionales aptitudes para este género
los países donde el estilo internacional arraiga más profudamente y pictórico. Bien en madera —xilografía— o en cobre —calcografía—,
produce obras más bellas es en el noroeste de Alemania. Colonia, que producen ya obras de primer orden. El Maestro E. S., en la Virgen de
conservará su fecundidad hasta fines de siglo, produce alguna de las los Ermitaños, descubre las grandes posibilidades del grabado en cobre;
obras más representativas, entre las que descuella la Verónica, con án- pero el gran maestro del grabado alemán anterior a Durero es Martín
geles diminutos, de la Pinacoteca de Munich. La gran figura de la Schongauer (t 1491), dibujante admirable, de fecundísima fantasía y
escuela es Esteban Lochner, que trabaja en el segundo cuarto del si- de profundo sentido dramático. Sus estampas de la Vida de Jesús tie-
glo y se siente ya influido por el estilo flamenco. Su obra maestra es nen tal aceptación, aun fuera de Alemania, que sugieren composiciones
la Adoración de los Reyes, de la Catedral; pero la más representativa al propio Rafael, y popularizan su nombre, que en Italia se con-vierte
de este momento es la Virgen del Rosal (lám. 329), del Museo de aque- en «II bel Martino», y en Francia en el «Beau Martin». En España se
lla población. Plenamente dentro del estilo internacional se encuentra, copian con extraordinaria frecuencia. Tanto Schongauer como el maes-
en Hamburgo, el Maestro Francke, cuyo Nacimiento es de las interpre- tro E. S. trabajan en el sur de Alemania.
taciones más poéticas del tema. Aunque de autor desconocido, es típica
creación de esta fase estilística el Jardín del Paraíso, del Museo de E L SIGLO XVI : DURERO.—La intensa actividad pictórica gótica, influi-
Francfort. da ya por el Renacimiento, culmina en las grandes figuras de la primera
Después de este florecimiento de la pintura alemana de principios del mitad del siglo xvi, para, prácticamente, desaparecer después y n o pro-
siglo xv, la actividad pictórica no decae. Antes al contrario, adquiere ducir pintores de interés general hasta tiempos muy recientes. Salvo,
amplitud geográfica mucho mayor. A la vieja escuela de Colonia se tal vez, en Holbein, el Renacimiento penetra poco en los pintores ale-
agregan ahora otras varias en el Alto Rhin y en Baviera, todas ellas manes, y aun tratando temas mitológicos, continúan teniendo u n sen-
dominadas desde mediados del siglo xv por la influencia flamenca. tido de la forma y una expresión típicamente germánicos.
Colonia, debido a su proximidad a los Países Bajos, se distingue por Alberto Durero (t 1528) nace en el corazón de Alemania, en Nurem-
la mayor intensidad de esa influencia. En el Maestro de la Vida de berg, la ciudad germánica por excelencia, rodeada de murallas, con
María, por ejemplo, se advierte claramente que el modelo inspirador calles empinadas y casas de agudos piñones, que, a pesar de s u s edifi-
es Dirck Bouts, si bien la claridad del color y la expresión más dulce caciones renacentistas, continúa siendo gótica. Hijo de un orfebre, estu-
responden a la sensibilidad ancestral de la región. En el Alto Rhin, en dia con Wolhgemut, e impulsado por el deseo de saber, emprende lar-
Basilea, trabaja ya antes de mediar el siglo Conrado Witz en un estilo gos viajes. Siendo ya pintor famoso, visita los Países Bajos, donde trata
de tipo francamente eyckiano, de intenso valor plástico y modelos muy a Patinir y Van Orley; pero, sobre todo, recorre dos veces el norte
 PINTURA ALEMANA Y FRANCESA 207
206 DURERO

daco dei tedeschi» de la ciudad de las lagunas, hoy en el Museo de

de Italia, deteniéndose principalmente en Venecia. Giovanni Bellini, Praga, es fácil advertir cómo quiere mostrar a los venecianos que no
según el mismo nos dice, es quien le produce mayor admiración. es sólo el grabador detallista y de dibujo seguro. Las formas se hacen
En Durero, el afán de saber renacentista se une al temperamento más blandas, y hasta en algunos personajes es patente la influencia de
germánico, igualmente ansioso de nuevos conocimientos y de supe- Giovanni Bellini, por quien tanta admiración siente. Composiciones de
rarse. Cuando tiene noticia de algún animal desconocido llegado de numerosas figuras son también la Coronación y la Trinidad.
Indias, acude presuroso a dibujarlo, y con el mismo interés de natu- Pero las más monumentales de todas sus figuras son las dos tablas
ralista copia las flores y plantas de su país. Tal vez los dibujos de de los Cuatro Santos (1526) (láms. 331, 332), poco anteriores a su muer-
Leonardo delatan mirada y estilo tan penetrantes como los suyos. Y te. Convertido recientemente al luteranismo, coloca en primer plano
ese mismo deseo de saber es el que le lleva a convertirse en uno de los a San Pablo y a San Juan, los santos preferidos por el reformador, y
teóricos del Renacimiento. La superioridad del arte clásico es, según nos los presenta de perfil, mientras sus dos compañeros aparecen de
él, debida a la teoría, y lamenta que no se conserven los tratados de frente; es decir, inspirándose directamente en las tablas laterales de
los grandes artistas de la antigüedad. Como estima que el artista no la Virgen, de Bellini, inspiradas a su vez en Mantegna. Pero si la monu-
debe dejarse dominar por los impulsos de la imaginación, y cree que mentalidad se remonta, en su origen, al maestro de Padua, el drama-
la manera de evitar la arbitrariedad es conocer bien las proporciones, tismo de la expresión de los rostros es germánico. El hondo estudio
escribe un Tratado de las proporciones y unas Instrucciones sobre la expresivo de las cabezas explica que estas cuatro figuras se hayan deno-
manera de medir, que no son sino partes de una obra mayor dedicada minado «los cuatro temperamentos»: el sanguíneo, el colérico, el flemá-
a la formación del artista. Allí expone las diversas proporciones que, tico y el melancólico. Realmente, en ninguna obra alcanza en tal grado
en su opinión, debe de tener el cuerpo humano masculino y femenino la fusión del sentido italiano de la grandiosidad de la forma con la in-
en las diversas edades, proporciones que son citadas como artículo de tensidad expresiva germánica.
fe por no pocos tratadistas posteriores. Sus hermosos desnudos de Durero es también gran pintor de retratos. Él mismo se retrató en
Adán y Eva (láms. 336, 337), del Prado, son buen testimonio de estas repetidas ocasiones; a los trece años, en dibujo con punta de plomo,
preocupaciones. Con igual interés estudia las medidas del caballo, a hoy en Viena; en 1493, en pergamino, en el Louvre, de tres cuartos,
que dedica uno de sus grabados. Pero pese a esas preocupaciones y a y sobre fondo negro, con unas hojas de cardo en la mano; cinco años
sus lucubraciones teóricas para lograr las formas clásicas, precisa reco- más tarde, en el Museo del Prado (lám. 334), con larga melena y ven-
en las diversas edades, proporciones que son citadas como artículo de tana al fondo, y en 1506 —Museo de Munich—, de frente, con cabellera
su temperamento excesivamente analítico, intensamente expresivo y aún más abundante, mirar clavado en el espectador, y mano nerviosa,
falto de gracia y ligereza. sobre el pecho, en primer término. El retrato dureriano, con el viaje
Durero ha sido uno de los más grandes dibujantes que han existido. a los Países Bajos y el avanzar de los años, adquiere más suave mode-
Pocos han manejado el lápiz con su firmeza y con su seguridad desde lado y, en cierto grado, una expresión más dulce. El retrato de Van
su primera juventud, como lo prueba su extraordinario autorretrato Orley (1521), del Museo de Dresde, y el de Desconocido del Museo del
hecho a los trece años. Formado con un orfebre, debe de entrar pronto Prado, son buena prueba de ello.
en contacto con el arte del grabado, para el que la seguridad del pulso Mucho más que la pintura de caballete difunden la fama de Durero
es uno de los requisitos indispensables. En ese arte logra perfección fuera de Alemania sus grabados, en los que hace gala no sólo de sus
no alcanzada por ningún grabador anterior a él, y será necesario espe- dotes de dibujante, sino de su gran imaginación y fuerza expresiva. En
rar a los días de Rembrandt para que nazca otro de su categoría. los primeros años del siglo (1418-1506) graba en madera las tres gran-
De sus pinturas juveniles, la más importante es la Adoración de los des series: el Apocalipsis (lám. 335), la Gran Pasión y la Vida le la
Reyes, de los Uffizi (1504), en la que se manifiesta el artista enamorado Virgen, a las que siguen otras en cobre, que descubren la influencia del
del dibujo, y formado en un ambiente gótico (lám. 333). A raíz de su viaje a Italia, no sólo en los modelos, sino en la mayor claridad ie la
viaje a Venecia, en 1506, durante el que pinta algunos de sus mejores composición. Mientras en el Apocalipsis patentiza la profundidad del
cuadros religiosos, su estilo se hace más jugoso y su colorido se enri- genio dramático de su raza, en las historias del Nuevo Testamente deja
quece notablemente. E n la Fiesta del Rosario, que pinta para el «Fon-
208 '•• '." CRANACH Y GRÜNEWALD

uno de los repertorios iconográficos más consultados por los artistas

de los siglos posteriores. Además de estas series, graba estampas suel-
tas, algunas tan famosas como el Caballero y la muerte (1513), la
Melancolía o el San Jerónimo (1514). Suele firmar con un monograma
formado por una D encajada en una A, ambas capitales.
CRANACH Y GRÜNEWALD.—El pintor Lucas Cranach (t 1533), de la mis-
ma generación de Durero, es, como él, de Franconia, pero trabaja prin-
cipalmente en la Corte del elector de Sajonia. Amigo de Lutero, a quien
retrata, es el pintor de la Reforma. Cranach no es artista de la cate-
goría de Durero. No obstante, su interés por los temas mitológicos (lá-
mina 338) y por el desnudo, su concepto de la belleza es menos clásico 315.—GRECO: Expolio. (Más.)
que el de aquél. Sus Venus (lám. 339) están casi tan lejanas del ideal
clásico como las Evas de Van der Weyden, y otro tanto sucede a su
París, barbado y tocado al gusto de la época; pero, con todo, sus pin-
turas de este género constituyen una de las manifestaciones más curio-
sas del renacimiento pictórico alemán. De escasa fantasía, su ideal hu-
mano lo repite con tanta insistencia que hace su obra no poco monó-
tona; mas a pesar de ella, sus composiciones religiosas tienen gran acep-
tación, a juzgar por las muchas que se conservan de su estilo. Cranach
pinta también retratos, entre los que pueden recordarse los de Lutero
y del Elector de Sajonia. El Museo del Prado posee dos Paisajes de
Cranach con escenas de cacería y los retratos de Carlos V y del Elector
de Sajonia., Suele acompañar su firma con un dragoncillo.
De mayor valía que Cranach es Matías Grünewald (t 1530), algo más
joven que él, que muere al cumplir cuarenta y cinco años. Es el pintor
en quien la expresión trágica alcanza su máxima intensidad. Pocos han 316-317.—GRECO: E n t i e r r o del Señor de Orgaz. Caballero de la mano en el pecho.
forzado las proporciones de la figura humana y violentado los gestos
como él en el Calvario (láms. 340, 341), del Museo de Colmar. En el
deseo de intensificar la sensación de muerte, clava en unos maderos
mal encuadrados un cuerpo gigantesco, cosido de espinas y salpicado
de sangre, cuyos pies y manos se retuercen como las raíces de un olivo
milenario. Su realismo, unido a la exaltación dramática del grupo de la
Virgen y San Juan, y a la despreocupación más absoluta por la belleza
clásica, más hace pensar en el barroquismo expresivo del gótico de
última hora que en una obra renacentista. La deslumbrante historia
de la Resurrección descubre además en Grünewald a un colorista de
primera calidad, amigo de los efectos de luz. Sandrart, el Vasari tudes-
co, le llama «el Correggio alemán».
Formando contraste con la nota trágica de Grünewald, trabaja en el
sur de Alemania un grupo de pintores que se dedica a cantar la belleza
del frondoso paisaje alpino. La figura más destacada de esta escuela, 318-320.—GRECO: Resurrección.—VÁZQUEZ: Tránsito de S. Hermenegildo.-
PACHECO: Concepción.
 PINTURA ALEMANA Y FRANCESA 209

llamada del Danubio, es Alberto Altdorfer (t 1538), autor de la Batalla

de Alejandro, de la Pinacoteca Vieja de Munich.

HANS HOLBEIN.—Holbein (t 1543) es bávaro como Durero, pero de

una generación más joven que él. Es hijo de Augsburgo, el balcón del
mundo germánico sobre Italia. Si Durero es el vivo reflejo del fuerte
temperamento de Franconia, Holbein parece encarnar la blanda sen-
sibilidad suaba. Marcha muy joven a Basilea, la población donde con-
vergen Alemania, Francia y los Países Bajos, famosa por sus impreso-
res y por su Universidad. Allí trata a Erasmo, y provisto de cartas de
éste para Tomás Moro, marcha a los pocos años, antes de cumplir los
treinta, a Londres, consiguiendo, al fin, retratar al monarca y conver-
321-323.—PEREYNS: Nacimiento.—MAESTRO DE SANTA CECILIA: Santa Cecilia -
ECHAVE: Martirio de S. Aproniano. tirse en el pintor de la aristocracia inglesa.
Sin la inquietud espiritual de Durero y Grünewald, es el tempera-
mento más clásico de que ha producido la pintura alemana de esta
época. Es, en realidad, el más internacional y el que asimila más inten-
samente el Renacimiento, aunque lo mismo que Durero, sólo visita el
norte de Italia. La huella dejada en él por Leonardo es, sin embargo,
fecunda. Su principal obra de carácter religioso, la Virgen del burgo-
maestre Meyer (1526) (lám. 342), sin duda la Virgen más renacentista
de toda la pintura alemana, descubre su admiración por Rafael. En
El Cristo muerto, del Museo de Basilea, no obstante lo que el tema
se presta a ello, se limita a expresar con fuerza, pero sin estridencia,
la idea de la muerte.
Holbein es, sobre todo, pintor de retratos. Su vista para penetrar
en el modelo es tan inquisitiva como la de Durero, pero sabe subordi-
nar el detalle al conjunto, y, aunque con precisión admirable, dibuja
324.—NUNO GONCALVES: Políptico de S. Vicente. con blandura tal que presta vida nada corriente al retrato. Sus dibujos
preparatorios, hechos con minuciosidad de obra deñnitiva, son retratos
de delicadeza extraordinaria.
El conocido retrato de Erasmo (1523) pintado para Tomás Moro
es obra juvenil, en la que descubre su compenetración coa el retratado,
para quien ilustra el «Elogio de la locura». Debido en buena parte a la
influencia de los retratistas flamencos, y particularmente de Metsys, su
concepto del retrato se enriquece, y de ello es buena prueba el de Su
mujer y sus hijos (1528), que permite imaginar lo que seria el de Tomás
Moro y su familia, sólo conocido por un dibujo. En ellos sienta las bases
de lo que será el retrato del grupo al norte de los Alpes. A su primera
etapa inglesa corresponde el espléndido de Jorge Gize (1532) (lám. 344),
alemán establecido en Londres, que aparece en su gabinete de trabajo
con un sinnúmero de pormenores en el fondo, p e r o donde la finura del

325-327.—N. GONCALVES: Políptico.—MAESTRO DE SANTA AUTA: Embarco 14

de Santa Auta.—VASCO: S. Pedro.
210 FRANCIA

modelado del rostro contribuye a subrayar la distinción con que Hol-

bein procura presentarnos a sus modelos. Esta nota de distinción, que
caracteriza a sus personajes, será semilla que, como veremos, echará
hondas raíces en la escuela inglesa. En el retrato de Enrique VIH, que
pinta cuatro años después y que le franquea la entrada en la Corte,
se ve cómo ese deseo de elegancia lucha con modelo poco apropiado
para satisfacerlo. Siguen a éste los de las reinas Juana Seymour y Ana
de Cleves, el de Juana de Cleves y el del Príncipe de Gales, niño, género
infantil de tan brillante porvenir en la pintura inglesa. En el de los
Dos embajadores (lám. 343), de la Galería Nacional de Londres, crea el CAPITULO XI
tipo de retrato doble, también de fecundas consecuencias en Inglaterra.

FRANCIA.—La pintura francesa del siglo xvi, aunque en realidad ARTES INDUSTRIALES DEL RENACIMIENTO
sólo es de interés nacional, descubre ya algunos de los rasgos que la
distinguirán en las dos centurias siguientes. Las fuentes de inspira-
ción principales son la italiana y la flamenca.
E L MUEBLE. E L TAPIZ.—Así como en el arte del tapiz es Flandes el
La presencia de Leonardo de Vinci y de Andrea del Sarto, en Fran-
país que marcha a la cabeza, el mobiliario renacentista es creación
cia, es de escasa influencia. La difusión del nuevo estilo italiano se
italiana.
debe a la escuela de Fontainebleau, formadas por artistas italianos allí
Como en el período gótico, el mueble más importante es el arcón,
establecidos, entre los que sobresalen los manieristas florentinos Rosso
el cassone, en el que se guarda no sólo la ropa, sino todos los objetos
y Primaticcio y el paisajista Niccolo del'Abbate. Gracias a ellos, la mi-
de valor. Los labrados en ocasión de bodas son particularmente lujo-
tología y el desnudo se introducen en Francia. De los franceses que se sos y se decoran en forma diversa. Aunque lo más frecuente es con-
forman con los italianos debe recordarse a Juan Cousin, autor del servar la madera al descubierto, no falta, sobre todo en el siglo xv,
Juicio final, del Louvre. el tipo de cassone recubierto de estuco con decoración ligeramente en
El otro capítulo de la pintura renacentista francesa está consti- relieve. De gran valor artístico son los que presentan en su frente
tuido por los retratistas. El gusto por retratarse se difunde con rapidez historias de pintura. Ejecutadas en muchos casos por artistas de pri-
en Francia, y si la costumbre de dibujar previamente al modelo con la mer orden, son verdaderos cuadros, y como tales, arrancadas del arca
mayor precisión resta valor al colorido en el retrato al óleo, da lugar para que se pintaron, figuran en no pocos museos.
a que se considere retrato definitivo el simplemente dibujado. Hechos Decoraciones de cierto carácter pictórico son las perspectivas de
a punta de plomo y a veces tocados al pastel, suelen ser de una pre- playas y calles en taracea, o mosaicos de madera de diversos colores.
cisión y, al mismo tiempo, de una delicadeza y blandura de modelado Esta es la técnica llamada en italiano intarsia, con la que se cubren
dignas de Holbein. Aunque en los pintados al óleo no falte la influen- también grandes superficies en algunas sillerías de coro. Labor igual-
cia italiana, el retrato francés de este período es ante todo de inspira- mente de taracea es la llamada a la certosina —a la cartujana—, o de
ción flamenca. Considerados durante mucho tiempo los más de estos piezas geométricas muy menudas, con las que se forman filetes, estre-
retratos obra de Clouet, sabemos hoy que bajo ese nombre se oculta llas y polígonos para decorar arcones y otros muebles. Dada la seme-
la actividad de varios pintores, entre ellos dos Clouet (lám. 345), de janza formal del cassone y el sarcófago pagano, y el florecimiento de
origen flamenco; Corneille de Lyon, que propiamente es de La Haya, la escultura en el siglo xvi, se enriquecen también su frentes con re-
etcétera. lieves (fig. 239); la base entonces suele cargar en garras de león.
Cierto parentesco con el cassone tiene el banco, hasta el punto de
que, con frecuencia, es mueble qué sirve ambos fines. El banco-arcón
se denomina en italiano cassapanca (fig. 238). También suele hacer
212 CERÁMICA ARTES INDUSTRIALES DEL RENACIMIENTO 213

oficio de arcón la alta tarima en que descansa la cama italiana del liante, sobre este vidriado coloreado de estaño se da una segunda capa
Renacimiento. de vidriado de plomo, llamado la coperta.
Aunque la silla de patas cruzadas en aspa es conocida desde la La diferencia entre el vidriado de plomo y el de estaño consiste en
Edad Media, ahora se generaliza bastante la silla de tijera, plegable o que el primero es transparente, y el segundo, después de cocido, resulta
fija, y respaldo y asiento de cuero o tela. La figura 239 reproduce blanco. Debido a ello, en un principio, los ceramistas italianos que sólo
sillones y una silla renacentista españoles, cuyos modelos continúan emplean el primero, para que no se transparente el color del barro, re-
empleándose en el siglo xvn. En la mesa, lo más característico es que cubren éste con una capa muy fina de arcilla blanca llamada engobio,
apoya en dos patas sobre un larguero, entre las cuales se introduce capa sobre la que dan el color, y que, a su vez, cubren con el vidriado
ya en época avanzada una serie de balaustres. Para escribir empléase, transparente de plomo. Es la cerámica denominada media mayólica y
además, un mueble con tapa móvil, como nuestros bargueños, que se que florece en el siglo xv.
describen a continuación. La necesidad de competir con la cerámica vidriada morisca espa-
En España, el mueble más típico es el bargueño (fig. 240) o arqui- ñola, mucho más brillante, hace preferir la mayólica a la media mayó-
mesa. Consta de una mesa con patas sobre dos travesanos unidos por lica. Al parecer, la ciudad que a fines del siglo xv se adelanta en su
un larguero en el que descansa una arquería sobre columnillas, y de fabricación es Faenza, y la realidad es que ese nombre es en Italia
una especie de arca, cuyo frente anterior abatible, al quedar horizontal, sinónimo de mayólica. La mayólica italiana fabrica piezas muy va-
sirve para escribir. Su interior está distribuido en numerosos cajonci- riadas, pero predominan los grandes platos, y los tarros de botica o
llos. Debe su nombre al pueblo toledano de Bargas, que se distingue albareíli. Aunque en la segunda mitad del siglo xvi el ceramista italia-
en su fabricación. no también se preocupa bastante de la forma del vaso, con anterioridad
En cuanto a las telas, la principal novedad consiste en que al gran su principal interés se cifra en la decoración. Esta consiste en bustos,
tallo asimétrico ondulado y oblicuo reemplaza una traza de óvalos por lo general de mujer, con frecuencia con su nombre y el calificativo
apuntados perfectamente simétricos. de Bella, historias por lo común mitológicas y grutescos.
En Italia existen varias ciudades alfareras con estilo propio, aunque,
Del florecimiento de la tapicería en Flandes se trató en el período
naturalmente, no falten influencias mutuas y tipos comunes. Figuran
gótico. Baste decir que durante el Renacimiento la perfección de sus
entre las principales las que siguen: la ya citada Faenza, con bustos
talleres es reconocida en toda Europa, como lo demuestra el hecho de
y figuras femeninas y vidriado de fondo azul, cuyo taller más impor-
q u e el Pontífice envíe a Bruselas, para que sean reproducidos en tapi-
tante es la casa Pirota; Cafaggiolo, próxima a Florencia, es la fábrica
ces, los cartones de Rafael de los Hechos de los Apóstoles. Para esa
de los Médicis, y gusta de grutescos y del empleo del azul intenso junto
fábrica pinta cartones Van Orley. Las mejores colecciones de tapices
al rojo oscuro; Venecia distingüese por sus vasos gallonados influidos
son las del Palacio Real de Madrid y del Palacio Imperial de Viena.
por los metálicos y por sus colores azulados, que, por imitar las por-
celanas de Extremo Oriente, se denominan alia pocellana; Deruta, que
CERÁMICA.—Pocas artes industriales alcanzan tan alto grado de es- durante bastante tiempo se considera la manufactura más antigua de
plendor durante el Renacimiento como la cerámica. La italiana es de Italia, fabrica grandes platos con bustos sobre fondo azul y bordes con
barro cocido y vidriado, que en Italia adquiere, como hemos visto al imbricaciones y roleos alternados. Típica de Deruta es la teórica alia
tratar de la medieval hispanoárabe, el nombre de mayólica. Los co- madre perla, de influencia morisca, consistente en el empleo d e un azul
lores que se emplean son azul, amarillo, rojo, violeta y verde, obte- tornasolado con reflejos dorados. En Gubbio son frecuentes bustos de
nidos, respectivamente, de los óxidos de cobalto, cromo, hierro, man- Bellas, o escudos en el centro de la pieza, pero lo más singular es el
ganeso y de la mezcla de cobalto y cromo. El manganeso permite, ade- empleo del reflejo metálico de color rubí, descubierto por su maestro
más, obtener tonos que van desde el castaño al negro. En un principio Giorgio Andreloi. El apogeo de las manufacturas citadas corresponde
estos óxidos se dan solre la capa del vidriado de estaño antes de la a la primera mitad del siglo xvi; en la segunda destácase sobre todas
cochura, vidriado con que se funde el color de los óxidos metálicos ellas Urbino, gracias a la presencia de Nicolás Pellipario. Corsagrado
durante ésta. En el siglo xvi, para que el color resulte aún más bri- principalmente a los platos, prescinde en ellos de la distincicin entre
214 EL VIDRIO ARTES INDUSTRIALES DEL RENACIMIENTO 215

fondo y borde, trazando la decoración por toda la superficie. Esa deco- en un principio imita las formas de la orfebrería, y el vidrio es azul,
ración suele ser de historia, por lo que se le denomina mayólica histo- verde o rojo oscuro, siendo raros todavía el blanco lechoso, y aún más
riada, y, por lo común, copia grabados rafaelescos. En el colorido pre- e! incoloro. Decóranse con temas geométricos o vegetales esmaltados,
pondera el amarillo naranja. y, a veces, con escenas figuradas, decoración enriquecida en ocasiones
En España, la cerámica renacentista se fabrica principalmente en con panes de oro.
Triana, barrio de Sevilla, y en Talavera de la Reina. En el siglo xvi se prefiere el vidrio incoloro, y la industria vene-
En Sevilla, el introductor de la cerámica, al estilo de Italia es el ciana se esfuerza por producir vasos de paredes lo más finas y trans-
artista de aquel origen Niculoso Pisano, que firma en 1504 la decora- parentes posible y de las más bellas formas. Típicos de esta época son
ción de la portada de Santa Paula, de azulejos cubiertos de grutescos los vidrios de filigrana o recorridos por un sinnúmero de hilos de vi-
y medallones con relieves. Pero su obra de mayor empeño es el retabli- drio de color lechoso. Cuando éstos se cruzan se produce el hilo reticu-
11o de la capilla del Alcázar, igualmente cubierto de grutescos y con lado o reticella. No obstante el menor interés por el color, fabrícanse
un gran cuadro central de la Visitación, de estilo gótico, probablemente piezas muy importantes con la técnica antigua ya citada de mille fiori,
copiado de una estampa. Sigue la tradición de Niculoso Pisano, en la y con la llamada de venturina, que consiste en introducir un compuesto
segunda mitad del siglo, Cristóbal de Augusta, que firma unos hermo- de cobre en el vidrio líquido para dar así a la pieza el aspecto de estar
sos zócalos en el Alcázar (1577). La cerámica renacentista sevillana, espolvoreada con laminillas de cobre.
aunque, naturalmente, cultiva también la vajilla, es, sobre todo, cerá- Fuera de Venecia, tal vez la población en que se fabrica vajilla de
mica de azulejo. Al menos son la casi absoluta totalidad de lo conser- vidrio más fina es Barcelona. Es esmaltada en colores, procurando, por
vado. Durante el siglo xvi, a más de la técnica plana de tipo italiano, lo general, emular los modelos venecianos.
emplean, con decoración renacentista, la de cuenca, y, en mucho me- En Alemania, el vidrio es verdoso hasta mediados del siglo xvi, en
nor grado, la de cuerda seca. La colección más hermosa es la de la casa que se aprende a fabricar el incoloro. Típicamente alemanes son los
de Pilato. Los alfareros sevillanos no trabajan sólo para la ciudad, sino grandes vasos cilindricos con el emperador y los electores, o el águila
que exportan al resto de España e incluso a América, y su época de flo- con los escudos de los Estados del Imperio, todo ello pintado en esmalte
recimiento se prolonga hasta la primera mitad de la centuria siguiente. de colores.
A esta época corresponden ya los hermosos zócalos de Santa Clara, y Como es natural, en el siglo xvi siguen haciéndose vidrieras de co-
los mejores frontales conservados, de que hay buenos ejemplos en el lores, y a él pertenecen la mayor parte de las conservadas en España. En
Museo de Sevilla. Imítanse en éstos los bordados. algún país, como Alemania, el entusiasmo por el vidrio incoloro lleva
La cerámica de Talavera, durante el siglo xvi, es también sobre absurdamente a reemplazar algunas policromas antiguas por otras in-
todo de azulejo. Su coloración es más pobre que la trianera. Mientras coloras.
en ésta los fondos son de color melado, allí se prefiere el blanco.
Entre los zócalos más importantes figuran los de la Generalidad de
HIERROS. ORFEBRERÍA.—El arte de trabajar el hierro continúa fro-
Valencia y los del santuario de Nuestra Señora del Prado, de Talavera.
duciendo en la España del Renacimiento obras de primer orden. En
En Francia debe recordarse al ceramista Bernardo Palissy, cuyas
las rejas, las barras adoptan forma abalaustrada, y los relieves repu-
obras más características se distinguen por su decoración vegetal y
jados de los cuerpos y las cresterías representan historias de gran des-
animal de tipo naturalista y en relieve. El procedimiento seguido ex-
arrollo. El carácter decorativo del plateresco, por otra parte, permite a
plica ese tono naturalista, pues consiste en vaciar fuentes con animales
los rejeros conceder extraordinaria amplitud a las cresterías, que se-
muertos —serpientes, salamandras, peces, frutos, hojas, etc.—, para
mejan verdaderos encajes metálicos. Uno de los maestros más antiguos
sacar el positivo que después se vidria y policroma (fig. 242).
es Juan Francés, autor de varias rejas en la catedral de Toledo, entre
ellas la de la capilla mozárabe. Cristóbal de Andino, que t r a b a j a en
E L VIDRIO.—La ciudad donde el arte del vidrio alcanza mayor per- Burgos, es autor de la reja firmada de la capilla del Condestable (1523),
fección durante el Renacimiento es Venecia. Concentrada la industria de la catedral, su obra más fina; labra también la de la capilla mayor
a fines del XIII en la isla de Murano, y muy protegida por las leyes, de la catedral de Palencia. <
216 ORFEBRERÍA j
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A estos mismos años corresponde la actividad en Sevilla de fray l\\^ >^< ya
Francisco de Salamanca y fray Juan de Avila, autores de la reja del
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coro de aquella catedral (1518). Al primero, en unión de otros varios vo;c

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rejeros, se debe la aún más hermosa de la capilla mayor, rica en te-
mas figurados y de esbeltísimas proporciones. Discípulo de fray Fran-
cisco parece que es Bartolomé de Jaén, que firma la de la Capilla Real MMUé'Mk

de Granada. Rejero también de primer orden es, por último, Francisco

de Villalpando, que ejecuta la de la capilla mayor de la catedral de
Toledo (1548). De Villalpando son, además, las hojas de bronce de la
Puerta de los Leones del mismo templo.
Aunque el descubrimiento de la pólvora disminuye la importancia
de la armadura, ésta, lejos de desaparecer con el Renacimiento, adquie- Figs. 238-240.—Banco-arcón.—Cassone.—Bargueño. (Burckhardt.l
re más valor artístico gracias a los torneos. Se decora con relieves,
no sólo geométricos o vegetales, sino incluso con historias de compli-
cada composición. El complemento del relieve es el grabado y el damas-
quinado. Los dos centros productores principales radican en Milán y
Baviera; y las dos colecciones más ricas son la imperial de Viena y
la de la Real Armería de Madrid.
En el Renacimiento continúan cultivándose en la orfebrería las
mismas técnicas que durante el período gótico. La personalidad más
famosa es Benvenuto Cellini, ya estudiado como escultor. Trabaja para
los pontífices, y en Francia, para Francisco I ; pero, por desgracia, de
las muchas obras que se le atribuyen sólo se considera segura el salero
del Museo de Viena.
En España, la orfebrería tiene durante el siglo xvi su época de ma-
yor florecimiento. En él adquiere su máximo desarrollo su creación
más genuina, que son las custodias. Entre los plateros más afamados
Figs. 241-243.—Sillones españoles.—Palissy: Fuente—J. de Arfe: Custodia, Sevilla.
descuella la familia de los Arfe, el más viejo de los cuales, Enrique,
alemán de nacimiento, del valle del Rhin, trabaja todavía en gótico
y es autor de las hermosas custodias de Toledo (1515) y Córdoba (1518).
Su hijo Antonio emplea ya las formas renacentistas en la custodia de
Santiago de Compostela (1539) (lám. 346), que, sobre un basamento
hexagonal con relieves, presenta cuatro cuerpos de planta de igual
forma y altura decreciente, el inferior de los cuales decora sus ángulos
con pequeños pórticos. A él se debe también la de Ríoseco. El tercer
miembro de la familia, Juan de Arfe Villafañe, estudia las proporcio-
nes del cuerpo humano de su Varia conmesuración (1585). Si Antonio
emplea el estilo plateresco, su hijo pertenece a una etapa más avanzada
del Renacimiento, en la que la reacción bramantesca hace desaparecer
las columnas abalaustradas. A él se debe la custodia de la catedral de
Avila (1564), de seis cuerpos alternados, de planta hexagonal y circu- Fig. 244.—Bernini: Columnata y San Pedro, R o m a (Reml.)
218 ESMALTE ARTES INDUSTRIALES DEL RENACIMIENTO 219

lar; pero su obra magna es la gran custodia de Sevilla (1587) (fig. 243), El arte de trabajar las piedras preciosas y finas adquiere en Italia
la mayor de todas. En ella, el número de los cuerpos disminuye y, sobre durante el Renacimiento gran desarrollo. Como consecuencia del amor
todo, con criterio más unitario, se abandona la forma poligonal, de al arte antiguo se imitan los camafeos clásicos, que se labran en ónice,
tradición gótica, y tienen todos planta circular. cornalina, lapislázuli, etc. El arte lapidario dedica particular interés al
Aunque anónimas, existen otras custodias dignas de los Arfe, tales cristal de roca, en el que se tallan vasos, a veces en forma de naves y
como las de Fuenteovejuna y la de la catedral de Santo Domingo en de animales. El centro de esta industria es Milán, donde trabajan Leone
la República Dominicana, de estilo semejante al de Antonio de Arfe. Leoni y Jacopo da Trezzo, nuestro Jacometrezo, que, trasladado des-
A esa misma etapa correspondía la de Jaén, de Juan Ruiz, bárbara- pués a Madrid, hace retratos en camafeo de varios miembros de la fa-
mente fundida en 1936. Pero, además, tenemos noticia de varios plate- milia real. En el trabajo del cristal de roca se distinguen V. Belli (t 1546),
ros de nombre conocido que dejan obras de primer orden. Cuentan A. Fontana (t 1587) y los hermanos Sarachi, aunque la identificación de
entre ellos, en Cuenca, los Becerriles, por uno de los cuales —Cristó- sus obras ofrece grandes problemas. Una de las mejores colecciones
bal— está firmada la custodia de la «Hispanic Society», de Nueva York de vajilla de cristal de roca de esta escuela es la del Tesoro del Delfín,
(1585), de estilo, no obstante su fecha, todavía muy plateresco (lámi- del Museo del Prado.
na 347); en Madrid, Francisco Alvarez, autor de la rica custodia (1560)
del Ayuntamiento de esta ciudad, y en Zaragoza, Pedro Lamaison, que
lo es de la de aquella catedral.
En el Renacimiento, las piezas de orfebrería tienen ya con gran
frecuencia la marca de la población donde se labran, consistente en una
figura o en un letrero, o en ambas cosas a la vez. Así, en Sevilla es la
Giralda; en Segovia, el Acueducto, etc.
La orfebrería alcanza también gran florecimiento en Alemania, don-
de se hacen copas que a veces tienen proporciones gigantescas. Así las
hay desde las grandes de «bienvenida», que el recién llegado apura
de un trago, hasta las de gremios, de no menos de un metro de altura.
A veces adoptan forma de mujer. Tal es el caso de las «copas nupcia-
les», en las que la estatuilla con los brazos en alto sostiene una copa
pequeña, de la que bebe la desposada, mientras el marido lo hace simul-
táneamente en la formada por las faldas de aquélla. Entre los plateros
conocidos, el más famoso es Wenceslao Jamnitzer, que trabaja en Nu-
remberg. De él se conserva una arqueta firmada en las Descalzas Reales
de Madrid.

ESMALTE. ARTE LAPIDARIO.—El esmalte de Limoges vive una nueva

etapa de esplendor. Ahora se fabrican vasijas de cobre cubiertas con
esmalte blanco opaco, sobre el que, en un principio, se pintan historias
con esmaltes de colores diversos, y después en gris y oro. Además se
esmaltan láminas c o n historias que constituyen verdaderos cuadros de
pequeño tamaño. Tanto en unas como en otras, la superficie metálica
y la del esmalte son lisas, sin tabiques ni separaciones. Los principales
artistas son los Penicaud y P . Reymond.
 ARQUITECTURA BARROCA 221

do el lujo del templo y creando conjuntos lo más efectistas posible, y,

de otra, el extraordinario desarrollo del boato de los monarcas absolu-
tos, que se hacen construir palacios en cuyas grandes proporciones y
lujo deslumbrante reflejan su poder.
Desde el punto de vista formal, el nuevo estilo se manifiesta tanto
en los elementos arquitectónicos y decorativos como en el conjunto.
Los entablamentos se incurvan y los frontones se parten, y describen
curvas, contracurvas y espirales. Este amor desenfrenado por lo cur-
vilíneo triunfa en la columna salomónica, quintaesencia del estilo,
CAPITULO XII que, como veremos, define el Bernini. Pero estos ritmos ondulados seis-
centistas provocan, incluso en lo constructivo, la reacción hacia lo
quebrado. La escuela española e hispanoamericana, que alcanza las
ARQUITECTURA BARROCA metas más avanzadas en esta etapa del proceso estilístico, hace triunfar
el estípite barroco, donde se unen el cubo y la pirámide invertida, sím-
bolo de la inestabilidad, y hace describir al arco mixtilíneo los trazados
más inestables y caprichosos.
E L ESTILO BARROCO.—Hemos visto cómo es frecuente en el desenvol-
En cuanto a la decoración, dentro de un proceso general de enrique-
vimiento de los estilos arquitectónicos occidentales, que en su última
cimiento progresivo, conserva los temas vegetales corrientes del arte
etapa los elementos constructivos se multipliquen y empleen con cri-
clásico, advirtiéndose desde mediados del siglo xvu la tendencia a un
terio esencialmente decorativo, hasta el punto de adquirir formas capri-
tipo cada vez más naturalista. De los temas geométricos heredados del
chosas, ajenas y aun opuestas a la función que les da vida, y que la
Renacimiento, quizá el más importante sea la tarja, que en España
decoración, para crear efectos de gran riqueza, lejos de limitarse a
termina convirtiéndose en follaje vegetal, mientras en Holanda adquiere
subrayar las formas fundamentales, las confunda, haciendo perder cla-
aspecto cartilaginoso, preparando el advenimiento de la rocalla. Pero,
ridad al conjunto de la obra. Pues bien: este proceso que transforma
salvo en España, donde, como veremos, invade las fachadas de los edifi-
la arquitectura románica y gótica en sus últimos tiempos, se da con
cios, la decoración barroca arquitectónica se manifiesta, sobre todo, en
intensidad aún mayor en el Renacimiento. A esta etapa de la arqui-
los interiores y en las artes industriales.
tectura moderna que se inicia en los últimos años del siglo xvi y dura
Como es natural, el nuevo estilo altera no sólo los elementos arqui-
hasta el segundo tercio del siglo XVIII, y en algunos países hasta fines
tectónicos y decorativos, sino también la concepción general del edificio.
del mismo, se denomina barroca. Al nombre de barroco se le atribuye
Al llevar el gusto por las líneas curvas y mixtas a las plantas de los edi-
un sentido peyorativo, por considerarle derivado de la voz portuguesa
ficios, los muros dejan de ser rectilíneos y de cruzarse en ángulos rectos,
barrueco, que significa perla irregular, o del modo del silogismo barroco
y sus tramos o salas dejan de ser rectangulares o cuadrados. Este nuevo
caracterizado por lo artificioso. Formado el siglo pasado en el culto del
tipo de planta, al ofrecer a la mirada numerosos planos oblicuos, crea,
neoclasicismo, que nace como reacción contra el barroco, ha sido fre-
junto a una sensación de movimiento, abundantes efectos de luz y ricos
cuente considerar éste como un estilo abominable, simple degeneración
juegos de perspectiva, preocupaciones principales del arquitecto al con-
del Renacimiento. Superada la limitación de esta actitud sectaria, pre-
cebir el edificio. Tal vez el tercer gran deseo que inspira la creación del
cisa considerar al barroco como una de las creaciones más importantes
conjunto arquitectónico sea la ilusión del espacio en el interior de la
del arte, en no pocas ocasiones de las más bellas, y sin duda, tan repre-
cubierta. El artista barroco parece ahogarse bajo la bóveda de la obra
sentativa de su época como la que más.
de fábrica. Necesita que el cielo invada el interior del templo. Las pin-
Consecuencia d e la evolución de las formas renacentistas, influye, turas que cubren parcialmente la bóveda no son simples cuadros como
además, de manera decisiva en su creación, de una parte, el movimien- los que enriquecen la pared de sus habitaciones, sino escenas que se des-
to religioso de la Reforma católica o Contrarreforma, que, como pro- arrollan en el cielo o en escenarios arquitectónicos imaginarios de
testa contra el luteranismo, procura fomentar la devoción, intensifican-
222 ITALIA ARQUITECTURA BARROCA 223

colosales proporciones que nos permiten contemplarlo a través de un sobre cuatro columnas de fustes torneados en espiral, inspiradas en
marco fingido de atrevidos y sabios escorzos. Los sueños del Correggio la que se conserva en el mismo Vaticano, y que se supone en esta época
en Parma tienen ahora pleno desarrollo en las arrebatadas perspec- procedente del templo de Salomón. De ahí el nombre de salomónica
tivas arquitectónicas del P. Pozzo o en los cielos de Lucas Jordán, donde con que se conoce este tipo de columna. Con el prestigio del viejo tem-
el ansia de lo infinito borra todo rastro arquitectónico y el escenario plo de Jerusalén, y respondiendo al gusto por el movimiento ondu-
se reduce a las nubes (láms. 431-433). lante del barroco, Bernini no duda en copiarla en lugar tan preemi-
Italia continúa durante el barroco a la cabeza de la arquitectura nente de la primera iglesia del mundo cristiano. Y es que el barro-
europea. Ella da los pasos decisivos en la concepción general del estilo quismo del arte helenístico creador de aquella columna viene, al cabo
y en la transformación de los elementos arquitectónicos y del templo. de los siglos, a coincidir con el de la etapa seiscentista del arte europeo.
Ella es también la creadora del palacio barroco, si bien en este último Bernini divide el fuste con anillos horizontales en tres partes, la infe-
aspecto es Francia la que produce las obras más representativas, y, rior de las cuales decora con estrías en espiral, mientras cubre las otras
sobre todo, la que en la decoración interior y en el mobiliario ejerce dos con tallos y hojas menudas. Tanto de esos anillos como de la base,
influencia más amplia. España, aunque no alcanza influencia análoga hace surgir una fila de grandes hojas de acanto. La basa es ática, y el
fuera de sus fronteras, por su exuberancia decorativa y por el barro- capitel de orden compuesto. Con ligeras variantes, este tipo de columna
quismo con que trata los elementos arquitectónicos, es la que sabe será, durante siglo y medio, el .preferido en los retablos cristianos, en
sacar en estos aspectos las últimas conclusiones del estilo. particular españoles. También es importante, por la fortuna que logra-
rá en la decoración barroca posterior, el tema de la guardamalleta
ITALIA: BERNINI.—En la evolución de la arquitectura barroca ita- con borlas pendientes con que cubre el entablamento.
liana pueden distinguirse tres momentos principales. El anterior al Si en el baldaquino se distingue Bernini por la novedad de los ele-
Bernini, que comprende desde 1580 hasta 1624, año en que éste comien- mentos arquitectónicos, en la Scala Regia del Vaticano y en la plaza
za su famoso baldaquino; el del pleno barroco de Bernini, Borromini de San Pedro (1667) (figs. 244, 247) se preocupa principalmente de los
y el P. Pozzo, que llena el resto del siglo, y el del barroco setecen- juegos de perspectiva y de intensificar el efecto de profundidad. En la
tista, que dura hasta mediados del xvni, y cuya figura más destacada primera interrumpe la subida con varios rellanos y dispone dos estre-
es Juvara. chas naves laterales formadas por gruesas columnas. En la plaza pro-
La gran obra de la primera etapa es la transformación de la iglesia cura que el templo nos produzca la impresión de encontrarse lo más
de San Pedro (1605) por Carlos Maderna (i 1629), quien, siguiendo los al fondo posible. Así, dispone en primer término una amplísima plata-
deseos de Paulo V, prolonga la planta de cruz griega por la parte de forma. Las alas de la gran plaza actúan de bastidores, y los numerosos
los pies, llegando así a un compromiso entre el tipo de cruz latina y cuerpos cilindricos de su columnata contribuyen también con su pers-
el d e cruz griega (fig. 45). pectiva a empujar hacia el fondo la fachada del templo. A Bernini se
Dispone en primer término una especie de nartex, y levanta ante él debe, además, la iglesia de San Andrés (fig. 249). En el palacio Odescal-
u n a "ran fachada con frontón central y ático coronado por estatuas, chi (fig. 248) deja creado en sus rasgos esenciales el tipo de palacio
en la que se desentiende de la organización general del interior. Obra barroco, con su planta baja concebida como basamento y las dos supe-
de Maderna, y muy representativa de esta primera fase barroca pre- riores recorridas en toda su altura por pilastras gigantescas. Menos
berninesca, es la portada de Santa Susana (1603) (fig. 258). novedad ofrece, en cambio, el Palacio Montecitorio (fig. 250). Hace un
Los verdaderos creadores del estilo son lorenzo Bernini (t 1680) y proyecto de fachada para el Palacio del Louvre, que no es aceptado.
Francisco Borromini (t 1667), ambos nacidos, como nuestro Velázquez,
el a í o último del siglo aaterior. Bernini es un napolitano de sangre BORROMINI, GUARINI Y JUVARA.—Francisco Borromini (t 1667), cola-
florentina, que comienza su carrera como escultor y teiraiiia cultivando borador primero y competidor después de Bernini, es el que lleva a
t a m l i é n la pintura. En el Baldaquino (1624) (fig. 245), que en el crucero la concepción general del templo el ansia barroca de dinamismo. En
de San Pedro d e Roma cubre el altar situado sobre la tumba del após- San Carlos (1640), de Roma (figs. "251-253), en vez de acumular en la
tol, lanza «1 manifiesto del nuevo estilo arquitectónico. Es un templete fachada columnas y frontones, como sus predecesores, prefiere con-
224 ITALIA

vertirla en una superficie ondulada donde la parte central avanza en

forma convexa, mientras las laterales se retraen, describiendo sus con-
tracurvas. En su interior, las formas curvas y rectas crean una traza
mixtilínea. En San Ivo (fig. 254), la fachada sólo describe una curva,
pero su planta es mixtilínea, alternando las superficies cóncavas con
las convexas y las rectas; movimiento de superficies que se continúa
en el interior de sus bóvedas. Al exterior son representativos del nuevo
estilo el desarrollo en espiral del trasdós de la bóveda de la linterna
y la llama del remate, quintaesencia de la ondulación ascendente del
barroco, como la pirámide herreriana lo es de la estabilidad del pleno
Renacimiento. Obra también capital de Borromini es el Colegio de Figs. 245-247.—Bernini: Baldaquino, San Pedro, Escala Regia. (Detojo.)
Propaganda Fide (1649) (fig. 256), en cuya fachada mueve intensamen-
te el encuadramiento de los vanos y emplea pilastras esquinadas apun-
tadas hacia abajo. Recuérdese, por último, el Oratorio de los Filipen-
ses (fig. 257).
A Borromini se debe, al parecer, la fachada de Santa Inés (1653)
(figura 255), con la parte central cóncava y dos campanarios.
Uno de los aspectos más interesantes de la arquitectura romana de
esta época es el que se refiere a las portadas de los templos. Ya queda
citada la de Santa Susana (fig. 258) de C. Maderna, próxima todavía
a la de Giacomo de la Porta, del Jesús. La de San Vicente y Atanasio
(1650) (fig. 259) de M. Lunghi, es buen ejemplo de cómo en medio
siglo se han multiplicado las columnas y los frontones hasta produ-
cir un efecto de recargamiento muy propio del barroco. Representativa
en ese orden es también la portada de Santa María en Campitelli (1665),
de C. Rainaldi (fig. 260). Figs. 248-250.—Bernini: Palacio Odescalchi —S. Andrés del Quirinal.—Palacio
La obra cumbre de la arquitectura veneciana seiscentista es la igle- de Montecitorio, Roma. (Delojo.)
sia de Santa María de la Salud (1631) (fig. 263), que a la entrada del
Canal Grande se convierte en uno de los monumentos más represen-
tados en las pinturas panorámicas de la ciudad de las lagunas. Se debe
a Baltasar Longhena (t 1682) y se distingue por su cúpula que cabalga
en un cuerpo prismático cuyas aristas subrayan grandes volutas. El
pórtico tiene frontón y es de gusto paladiano.
De menos categoría y algo más joven que Borromini, Guarino Gua-
rini (t 1683) tiene particular interés para nosotros, porque, dentro de
su estilo borrominesco, delata en varios de sus monumentos admira-
ción por el arte hispanoárabe. Así, por ejemplo, en San Lorenzo de
Turín construye una bóveda de tipo califal, de nervios no cruzados en
el centro (fig. 261).
Felipe Juvara (t 1736) es el principal arquitecto italiano del si-
glo XVIII. Sus obras más características nos dicen cómo el gusto ita-
Figs. 251-253.—Borromini: S. Carlos, Roma. (Delojo.)
15
226 FRANCIA

liano comienza a cansarse del afán de movimiento borrominesco y a

preferir composiciones más reposadas y de aire más clásico. Su gran
papel en el barroco italiano es como arquitecto de palacios. El pri-
mero que le da fama de tal es el Palacio Madama, de Turín (1718) (fi-
gura 266), donde, siguiendo la pauta de Bernini, sobre un cuerpo bajo,
que sirve como de basamento, levanta un orden gigantesco que recorre
varias plantas, y, con arreglo a la vieja fórmula paladiana, dispone so-
bre el ático de coronamiento una serie de estatuas en las que termina
el movimiento ascendente de los soportes. Muy notable es también la
escalera. Como veremos, Juvara logra su consagración como arquitecto
de palacios cuando se le encarga la traza del Real de Madrid. A él
se debe también en Turín el templo de la Superga (fig. 264). Figs. 254-256.—Borromini: S. Ivo, Sta. Inés, Propaganda Fide, Roma. (Delojo.)

FRANCIA.—La arquitectura barroca francesa es, sobre todo, palaciega,

y en cuanto a su exterior, de composición en general muy clásica.
Durante la primera mitad del siglo xvn, iglesias como la de Val
de Gráce (1645), en París (fig. 265), trazada por Francisco Mansart,
son buena prueba de la influencia de la arquitectura italiana prebo-
rrominesca. Debido a Is enseñanzas de las Academias de Escultura,
Pintura y Arquitectura fundadas por Luis XIV, que vienen a intensi-
ficar el sentido de la medida tan propio del genio francés, y a la in-
fluencia de las creaciones italianas menos borrominescas y más monu-
mentales, se forma el estilo de las grandes fachadas de la época de
Luis XIV, de composición clara y de nobles proporciones. Uno de los
definidores del nuevo estilo francés es Claudio Perrault (t 1688), tra-
ductor de Vitrubio, que termina el patio renacentista del palacio del Figs. 257-259—Borromini: Fiiipenses—Maderna: Sta. Susana—Lunghi: S. Vicente.
Louvre, revistiendo su fachada exterior con monumental galería de
gigantescas columnas (fig. 267). -
El gran arquitecto de Luis XIV es, sin embargo, Luis Ardouin
Mansart (t 1708), autor de la elegante iglesia de los Inválidos (figu- ~^*~ *• —~ ".JÉBLT

ra 269), cuya cúpula de doble tambor domina el conjunto, y, sobre

todo, del palacio de Versalles (figs. 270, 274). Comenzado en 1661 por
al arquitecto Luis Le Vau con el revestimiento de un pequeño pabellón
de caza de tiempos de Luis XIII, es continuado después por Mansart,
a cuya traza se debe la gran fachada del jardín (fig. 273). Con un gran TXJIES con
patio abierto en el centro del lado opuesto —el patio Real, Cour Ro- m -i
yale, y el patio de Mármol, Cour de Marbre—, extiéndese la edificación Lpl
•cipa
a ambos lados, formando dos alas prolongadísimas. El interior del pa- f¡¡V
lacio es una interminable serie de salones ricamente decorados, donde
los tapices de la fábrica de los Gobelinos alternan con los cuadros, Figs. 260-262.—Rainaldi: Sta. María en Campitelli.—Guarirá: S. Lorenzo, Turín
los espejos, el bronce dorado y los mármoles de colores. El director de y S. Gregorio. Mesina.
228 FRANCIA

toda esta decoración es Carlos Lebrun, cuya obra maestra es el gran

Salón de los Espejos que da frente al jardín; a un lado y otro se en-
cuentran los salones de la Paz de la Guerra. Obra también de Mansart
es la capilla (fig. 275), de testero semicircular con tres naves sobre co-
lumnas y amplia tribuna corrida sobre las laterales.
El complemento de la arquitectura del palacio de Versalles es el
jardín, para hacer el cual Luis XIV tiene la suerte de disponer de An-
drés Lenótre (t 1700), que lo concibe de tipo arquitectónico, trazado Figs. 263-265.—Longhena: Santa María de la Salud, Venecia—Juvara: La Superga,
a escuadra y compás, con recortados setos que simulan muros. Con Turín.—Mansart: Val de Gráce, París. (Delojo.)
gran camino central de no menos de cinco kilómetros, terrazas y es-
tanques a diversos niveles, fuentes y estatuas y partes dedicadas a es-
pectáculos especiales, como el Salón de Baile, al aire libre, y la Co-
lumnata, será el modelo que se imite en las cortes europeas. El tipo de
jardín francés queda en Versalles definitivamente creado.
Si la arquitectura barroca francesa ofrece en su exterior escasas
novedades esenciales respecto de la italiana, en la decoración interior Fig. 267.—Perrault: Louvre.
su importancia es grande y su personalidad cada vez mayor. La talla
en madera, los yesos, las aplicaciones de bronce, las telas y los tapices
que revisten las paredes hasta donde comienzan las pinturas de los
techos, responden a una traza general en la que el mobiliario es parte
Fig. 266.—Juvara: Palacio Madama
integrante de primer orden. Los historiadores franceses denominan las Turín.
varias etapas de la evolución de este estilo decorativo barroco por el
nombre de sus reyes, distinguiendo las de Luis XIII, Luis XIV, Re-
gencia, Luis XV y Luis XVI. El estilo Luis XIV cuenta con un deco-
rador de gran personalidad llamado Berain (fig. 271), que en sus com-
posiciones delata gusto muy acusado por lo mixtilíneo y cuyas creacio-
nes dejan sentir su influencia fuera del país. Con las naturales diferen-
cias en la forma de los temas ornamentales, traza grandes tableros de
grutescos, de tradición renacentista.
Cuando la decoración francesa crea un estilo verdaderamente ori-
ginal es bajo Luis XV, pues el breve período de la Regencia es como Figs. 268,269.—Neumann: Santuario de Vierzehnheiligen.—Mansart: Inválidos, París.
un primer capítulo del mismo. El barroco todavía un tanto pesado (Delojo.)
y solemne de Luis XIV se hace ligero y gracioso bajo su nieto. El
sentido dinámico del barroco termina creando una ornamentación don-
de la asimetría o, lo que es lo mismo, el desequilibrio, triunfa. El
tema más característico es la rocaille, rocalla, especie de trozo de concha
irregular y asimétrica (fig. 276). La rocaille no es, en realidad, inven-
ción francesa; es la creación de un grupo de decoradores, en gran
parte extranjeros, entre los que figura en primer plano el holandés
Oppenord. Aunque las formas cartilaginosas que adquiere en Holanda
landa la tarjeta renacentista guardan cierto parentesco con el nuevo
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Figs. 275-277.—Mansart: Capilla de Versalles.—Tarja de estilo Luis XV, de rocalla.—

Fischer de E r l a c h : S. Carlos, Viena. (Delojo.)

Figs. 271, 272.—Decoración de estilo Luis XIV, p o r Berain.—Decoración chinesca

de estilo Luis XV.
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Figs. 278-280.—Fischer de E r l a c h : S. Carlos, Viena.—Neumann: Santuario de Vier-
zehnheiligen.—Sta. María, Dresde. (Lübcke.)

Fig. 273.—Mansart: Fachada al jardín del palacio de Versalles. (Argües.)

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Figs. 281, 282.—Neumann: Iglesia de Neresheim.—El Zwinger, Dresde.

 232 AUSTRIA, ALEMANIA E INGLATERRA ARQUITECTURA BARROCA 233

motivo, debió de ser decisiva en su formación la influencia del arte y de Vierzehnheiligen (figs. 268, 279, 281) donde el estilo predominante-
chino, ahora tan en boga. Como definidor de la rocalla puede conside- mente palaciego de la época llega a transformar el templo, borrando en
rarse, sin embargo, al italiano Meissonier. Igualmente típico es un or- el cuanto significa recogimiento y favorece la meditación. Concebido co-
namento de forma arriñonada, que en posición vertical es también mo un gran salón de fiestas, los pilares se ordenan caprichosamente co-
asimétrico y que forma con frecuencia parte de la rocalla. Como es mo participando en una danza de corte, y la luz lo inunda todo. A Neu-
natural, en esta ornamentación desaparece todo rastro de clasicismo, mann se debe también el palacio de Wurzburgo, cuyos techos decora el
y, en consecuencia, cuanto signifique rigidez de proporciones. Ella sir- veneciano Tiépolo. La iglesia de Santa María, de Dresde (fig. 280), es un
ve de marco a los innumerables espejos de grandes dimensiones con buen ejemplo de templo protestante barroco.
que se quiere evitar la sensación de masa, y a los entrepaños cubiertos Dividida Alemania en numerosos Estados, la arquitectura palaciega
de telas y tapices. dieciochesca es rica en monumentos. El estilo Luis XV encuentra en
Al mismo tiempo que estos temas puramente ornamentales, el estilo sus pequeñas cortes clientes numerosos y entusiastas, y no pocos de
Luis XV pone de moda otros figurados no menos importantes y re- sus principales decoradores son franceses. Uno de los conjuntos más
presentativos. En primer lugar, las escenas chinescas, las chinoiseries originales, y en parte más bellos, es el Zwinger, de Dresde (1711-
(figuras 272, 336), que entran en Europa con las porcelas, telas y la- 1722) (figs. 282, 283, 284), obra de Mateo Póppelmann. Entre los conjuntos
cas importadas del Extremo Oriente. Los paisajes con ligeros pabello- palaciegos y de jardinería más interesantes figuran el de Nymphenburg
nes, grandes puentes sin más finalidad que la decorativa, faisanes, co- en Munich, y el de Sanssouci (1745), en Berlín. De nombre francés este
merciantes vendiendo porcelanas, es decir, todo el repertorio chinesco último —Sans Souci—, lo hace construir Federico el Grande de Prusia,
con su típica asimetría, se pone de moda en los palacios europeos. el gran admirador de lo francés y protector de Voltaire (fig. 285).
Junto a ello desempeñan papel importante los temas pastoriles y ga- Debido al arraigo del gótico en Inglaterra, el Renacimiento se in-
lantes, a los que se agregan a veces los de la comedia italiana. troduce en fecha sumamente tardía. Su principal y más antiguo repre-
Tal vez nunca se h a llegado a concebir una arquitectura interior sentante, Iñigo Jones, que muere en 1652, es un entusiasta paladiano.
donde los problemas trascendentales de la vida se sientan más lejanos. Gracias a su prestigio, el tratadista italiano será desde ahora la fuente
La vida frivola y despreocupada de la corte francesa de la Regencia y de inspiración constante de los arquitectos anglosajones. Su cbra ca-
de Luis XV, donde las favoritas de empolvadas pelucas, hermosos des- pital es el palacio de Whitehall (fig. 288), de Londres, parte sólo del
cotes y alegres vestiduras de seda son los personajes principales, y enorme edificio por él proyectado.
en la que sólo se piensa en minués, rigodones, aventuras amorosas Ese mismo estilo renacentista tardío es el del otro gran arquitecto
y fiestas campestres, encuentra su expresión más perfecta y su marco inglés Cristóbal Wren (t 1723), que trabaja en pleno período barroco.
más adecuado en el estilo descrito. Depurada creación del estilo es el En la catedral de San Pablo, de Londres (1675) (fig. 286), la obra maes-
palacio de Biron, hoy Museo Rodin, obra del gran decorador Jacques tra de la arquitectura inglesa del siglo xvn, es bien sensible su clasi-
Gabriel, a quien se debe en Versalles el salón del Rey, el de la Reina cismo. La cúpula procede del proyecto de Bramante para San Pedro,
y el gabinete del Péndulo del Reloj. y el gran frontón de su fachada es de origen paladiano. Este paladia-
E l estilo Luis XV es el que los alemanes dominan Rococó. nismo tan arraigado desde tiempo de Jones y que gracias a él enlaza
sin esfuerzo con el neoclasicismo, es trasplantado a los actuales Esta-
AUSTRIA, ALEMANIA E INGLATERRA.—El estilo barroco, en su modalidad dos Unidos, donde, vivificado por el neoclásico, continúa pujante hasta
borrominesca, encuentra en el arquitecto vienes Fischer de Erlach mediados del siglo xix. El es el estilo de las casas de Nueva Orleáns.
(t 1763) uno de sus m á s ilustres intérpretes. Su iglesia de San Carlos
(1715), de Viena (figs. 277, 278), es, con su larga fachada y sus torres
en forma de columna, como la Trajana, de las más bellas creaciones del
estilo. Pero donde la arquitectura germánica alcanza una de las metas
extremas del barroco, n o lograda en ningún otro país, es en algunas
iglesias bávaras de Baltasar Neumann (1753), como las de Neresheim
 CAPITULO XIII
Figs. 283, 284.—Póppelmann: El Zwinger, Dresde. Fig. 285.—Sanssouci, Berlín.
ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA

EL SIGLO XVII.—Aun siendo la riqueza decorativa una de las caracte-

rísticas más acusadas de toda la arquitectura barroca, la escuela es-
pañola se distingue entre todas las contemporáneas precisamente por
la acentuación de esta riqueza ornamental, que no se limita, como en
Italia y en Francia, al interior, sino que cubre las fachadas con pro-
fusión y abundancia desconocidas en aquellos países, llevando así a
!
sus últimas consecuencias uno de los aspectos más peculiares del esti-
lo. En ninguna parte se llega a un descoyuntamiento tan radical de \-
ÍS
las formas y conjuntos renacentistas como en las portadas y retablos
Figs. 286-288.—Wren: San Pablo, Londres.—Gómez
españoles. Pero, en cambio, ese dinamismo barroco que se siente tan de M o r a : La Encarnación, M a d r i d — J o n e s :
intensamente en lo decorativo, no llega en nuestros arquitectos a la Whitehall, Londres. (Delojo.)
concepción general del templo. Las movidas plantas borrominescas no
hacen fortuna en la arquitectura española. Los ejemplos existentes de
este tipo son tardíos, excepcionales y, como veremos, debidos a razo-
nes especiales. Distintivas también del barroco español son las nota-
bles diferencias que distinguen a sus diversas escuelas, no solamente
ultramarinas, sino peninsulares, a pesar de sus acusadas características
comunes.
En la arquitectura barroca española, y particularmente en la cas-
tellana del primer tercio del siglo, la influencia de Herrera es toda-
vía profunda. La figura más representativa de este momento es Juan
Gómez de Mora (t 1648), cuya portada de la Encarnación (1611), de
Madrid (fig. 286) es de sobriedad casi escurialense. Pocos años des-
pués construye la Clerecía (1617), de Salamanca (fig. 290), iglesia de
jesuítas, en que sigue el conocido modelo de Vignola, si bien las torres
y partes altas son ya del siglo xvni. Gómez de Mora traza algunas de
Fig. 289.—H. B a u t i s t a : Catedral de Madrid. (Schubcrt.)
236 EL SIGLO XVII

las principales construcciones civiles de su tiempo, como la Plaza Ma-

yor (1617), la fachada meridional del destruido Alcázar, que sólo co-
nocemos por reproducciones (fig. 305) y el Ayuntamiento (1640), todo
ello de tradición aún bastante herreriana, aunque en este último el
proyecto primitivo sufre después grandes alteraciones (fig. 306).
Contemporáneos de Gómez de Mora son los hermanos de la Com-
pañía Francisco Bautista y Pedro Sánchez, autores de la hermosa iglesia
del antiguo Colegio Imperial, hoy catedral (1622) (figs. 289, 292, 293), de
tipo jesuítico derivado del modelo de Vignola y que debe compararse
con la Clerecía de Salamanca. A Pedro Sánchez se atribuye la novedad
de las cúpulas falsas encamonadas madrileñas, con armazón de madera Figs. 290, 291.—Clerecía, Salamanca.—Panteón, El Escorial. (Schubert, Délo jo.)
y tambor octogonal (fig. 294).
A esta misma etapa barroca corresponde la iglesia de las Bernar-
das de Alcalá de Henares (1617) (figs. 295, 296), de planta ovalada.
Atribuida sin especial fundamento a Gómez de Mora, es posible que
la trazase su constructor, Sebastián de la Plaza. De planta también
ovalada y muy poco posterior es la iglesia de San Antonio de los Por-
tugueses (1624), debida al ya citado Pedro Sánchez. Aunque edificio de
distinta naturaleza, el Panteón de El Escorial (1617) (fig. 291), obra de
Alonso Carbonell, decorada por el italiano J. Bautista Crescenzi, se
relaciona con los dos monumentos anteriores por la forma de su planta,
prácticamente circular, y por su fecha.
Al aproximarnos a mediados del siglo, la arquitectura madrileña
abandona la sobriedad decorativa anterior, y a esa nueva fase que ahora
se inicia corresponde la capilla de San Isidro, en San Andrés (1642)
(figuras 297, 298). La traza Pedro de la Torre, pero intervienen en su
obra varios de los principales arquitectos de la época. Tiene cúpula Figs. 292, 293—H. Bautista: Catedral, Madrid. Fig. 294.—Fray L. de S. Nicolás:
sobre tambor octogonal, y su interior, que fué quemado en 1936, era Bóveda encamonada. (Schubert, Délo jo, Sáenz de la Calzada.)
de la mayor riqueza. Su entablamento exterior es ya plenamente ba-
rroco, habiéndose transformado los triglifos en estrechos mutuos cu-
biertos de follaje.
Además de los monumentos de carácter civil de Gómez de Mora,
ya citados, debe recordarse en primer lugar el Ayuntamiento de To-
ledo (1612) (fig. 299), obra de Jorge Manuel, el hijo del Greco, en
cuya fachada campean dos torres con chapiteles de tradición escuria-
lense, como los empleados por Gómez de Mora.
La mayor empresa del segundo cuarto del siglo es el Palacio del
Buen Retiro (1631), construido por iniciativa del Conde-Duque de Oli-
vares y dirigido p o r Alonso Carbonell. Pero del amplísimo conjunto
formado por grandes patios con torres en los ángulos sólo se conserva
el llamado Casón, dedicado a representaciones teatrales, y una de las Figs. 295, 296.—Bernardas, Alcalá. Fig. 297.—Capilla de S. Isidro, Madrií.
(Schubert, Delojo.)
238 EL SIGLO XVII

alas principales, el hoy Museo del Ejército (fig. 307). Flanqueado por
dos torres con agudos chapiteles, su larga sala central es el Salón de
Reinos, que estuvo decorado con grandes cuadros de batallas, entre
ellos la Rendición de Breda, de Velázquez.
Pero el edificio que puede dar mejor idea de la nobleza de pro-
porciones y del aspecto de la arquitectura palaciega de tiempos de Feli-
pe IV es la Cárcel de Corte, actual Ministerio de Asuntos Exterio-
res (1629) (figs. 301, 302), al parecer, obra también de Carbonell, y
flanqueado por agudos chapiteles escurialenses y gran escudo en el
centro. Sus dos patios gemelos, como los del Hospital de Afuera, de
Toledo, aquí separados por amplia escalera, ofrecen en la planta alta
bellos efectos de perspectiva. A juzgar por los monumentos anterio- Figs. 298-300.—Capilla de S. Isidro.—Jorge Manuel: Ayuntamiento, Toledo.-
Donoso: Carmen, Madrid. (Schubert, Detojo.)
res, Carbonell es la segunda gran figura de la escuela madrileña de
la primera mitad del siglo. La iglesia de las Carmelitas de Loeches
(1635), cuya fachada es muy semejante a la de la Encarnación, de
Gómez de Mora, lo presenta como un seguidor de éste.
El tratadista de este período es fray Lorenzo de San Nicolás, autor
del Arte y uso de Arquitectura, obra de que se hacen varias ediciones.
En el avance del barroco influye decisivamente el granadino Alonso
Cano (t 1667), que priva a las pilastras de capitel y, sobre todo, crea
un follaje carnoso y de grandes hojas que impera en la segunda mitad
del siglo en Castilla y Andalucía oriental, y una decoración de tableros
superpuestos con entrantes curvilíneos y angulosos, de intensos efec-
tos de claroscuro. Su obra más característica es la iglesia de la Mag-
dolena, y la más conocida, la portada de la catedral, una y otra de
Granada (figs. 303, 304). Figs. 301, 302—Ministerio de Asuntos Exteriores, Madrid. (Schubert.)
Dos artistas que a comienzos del último tercio del siglo hacen dar
también pasos decisivos a la arquitectura madrileña en pro de un ma-
yor barroquismo son Herrera el Mozo (t 1685) y José Jiménez Donoso
(t 1690), ambos, pintores. Herrera interviene en la obra del Pilar, de
Zaragoza (fig. 308), de planta rectangular y con una torre en cada es-
quina, y es, al parecer, quien introduce en Madrid el empleo de la co-
lumna salomónica. Su destruido retablo de Montserrat (1674) es, por
lo menos, uno de los más antiguos en que los numerosos cuerpos ho-
rizontales renacentistas se reducen a banco, cuerpo principal y re-
mate, cuerpo principal que es recorrido por columnas salomónicas de
proporciones gigantescas, a ejemplo de la fachada del palacio barroco
italiano. A Donoso se debe la reconstrucción de la Casa de la Panade-
ría (1672) (fig. 309), en el centro de la Plaza Mayor, uno de cuyos arcos
decorativos termina en roleos. La portada de la destruida iglesia de
San Luis (1716) (fig. 300), hoy en la del Carmen, aunque posterior a su Figs. 303, 304.—Cano: Magdalena, Catedral de Granada. (Schubert, Eelojo.)
 240 LOS CHURRIGUERA Y PEDRO DE RIBERA

muerte, es probable que se labrase por traza suya. Tiene columnas de

curiosa superficie poliédrica y arco con roleos en los. salmeres.

Los CHURRIGUERA Y PEDRO DE RIBERA.—A fines del siglo xvi se inicia

la última etapa del barroco madrileño, que perdura hasta mediados del
siguiente, y es la denominada churrigueresca. Aunque es excesivo
extender esta denominación a toda la arquitectura española de esta
época y posterior, parece seguro que la influencia de los Churriguera
se extiende a buena parte del país, y lo es, desde luego, que existe un
** i
estilo churrigueresco estricto perfectamente definido.
Los Churriguera constituyen una familia que comienza trabajando 328-330.—FREY CARLOS: Virgen.—LOCHNER: Virgen del rosal.—WITZ: S. Joaquín
en la corte en el siglo xvn y que en la centuria siguiente se traslada y Santa Ana.

a Salamanca. Sus miembros principales son José Churriguera, madri-

leño de nacimiento e hijo y nieto de ensambladores, y sus nietos Joa-
quín (t 1724) y Alberto Churriguera (t 1740), cuya actividad se des-
arrolla en Salamanca ya en pleno siglo xvin.
Las únicas obras de fábrica seguras que poseemos de José Churri-
guera son el palacio de Nuevo Baztán (1709) (fig. 312), junto a Loeches,
adornado con gruesos baquetones de escasa proyección y anchas fajas
resaltadas, y la actual Academia de San Fernando. Construida ésta
para casa de Goyeneche (fig. 310), aunque bastante sencilla, tenía
por zócalo grandes peñascos, como la fachada del Louvre, proyectada
por Bernini. Tanto el zócalo como el encuadramiento de los vanos se
retallan bajo la influencia del neoclasicismo al establecerse en ella la
Academia. Capítulo importante de su obra lo constituyen los retablos,
pero tanto en el de San Esteban, de Salamanca (1693) (fig. 313), como 331-334.—DURERO: S. Juan y S. Pedro. S. Marcos y S. Pablo. Nacimiento.
en los restantes conocidos, se limita a emplear las columnas salomó- Autorretrato.
nicas de proporciones gigantescas, según hiciera ya Herrera el Mozo
veinte años antes. El mismo catafalco funerario (1687) de la reina
María Luisa (fig. 311), tan celebrado por sus novedades barrocas, sólo
ofrece la de terminar los salmeres del arco en roleos o espirales.
Joaquín Churriguera dirige hasta su muerte las obras de la cú-
pula de la catedral de Salamanca, pero su obra principal es el Cole-
gio de Calatrava (1717). Su hermano Alberto termina la portada de la
catedral de Valladolid (1729) (fig. 314); es autor de la iglesia de San
Sebastián (1731), de Salamanca, y traza la bella Plaza Mayor (1729),
en uno de cuyos frentes levanta Andrés García de Quiñones el Ayun-
tamiento (1755) (fig. 316).
Pedro de Ribera (t 1742) es el difundidor del estilo churrigueresco,
llevándolo a sus últimos extremos e imponiéndole un sello personalí-
simo. Formado probablemente con José Churriguera, emplea con par-
335-338.—DURIÍRO: Grabado del Apocalipsis. Adán y Eva.—CRANACH : Juicio
de París.
 Figs. 305, 306.—Modelo de m a d e r a del Alcázar de Madrid.—Ayuntamiento, Madrid.

339-341.—CRANACH: Venus.—GRÜNEWALD: Calvario.

Figs. 307, 308.—Palacio del Buen Retiro, actual Museo del Ejército.—El Pilar,
Zaragoza. (Delojo.)

342-344.—HOLBEIN: Virgen. Dos embajadores. Gize.

345-347.—CLOUET• Retrato.—A, DE ARFE: Custodia, Santiago.— UECERRIL:

Custodia, N. York. Figs. 309-311.—Donoso: Casa de Panadería.—Churriguera: C a s a d e Goyeneche,
actual Academia de S. Fernando. Catafalco de María Luisa. (Delojo.)
16
242 LOS CHURRIGUERA Y PEDRO DE RIBERA

ticular preferencia dos temas que serán característicos de la escuela

madrileña, el estípite y el grueso baquetón de sección asimétrica, y, 99
1
sobre todo, concibe las portadas con movimiento y riqueza hasta en-
tonces desconocidos en la arquitectura europea. El soporte en forma
de aguda pirámide invertida tiene su precedente en el hermes clásico,
y el mismo Miguel Ángel lo emplea como tema decorativo secundario.
m
H «sil
5313
Pero la transformación en pro de su forma barroca se opera en el
siglo XVII. En fecha al parecer bastante temprana de esa centuria, y Nüf MÍHÍIF
con características muy semejantes a las que presentará en España, se
encuentra en la iglesia de Bückeburg, en Alemania. Churriguera PH1ffi|T ^w^UlT^
,|

lo emplea en algún dibujo, y, en pequeño tamaño, en el tabernáculo

del retablo de San Esteban. El estípite —del latín stipes, estaca, tron-
Figs. 312-314.—Churriguera: Nuevo Baztán. Retablo, Salamanca. Catedral, Valla-
co—, según aparece en manos de Ribera, tiene basa y capitel, como
dolid. (Argües, Delojo.)
todo soporte clásico, pero su fuste consta de un primer cuerpo en
forma de pirámide invertida, de otro de proporciones cúbicas y de un
tercero pequeño y apiramidado en posición vertical. El estípite barroco
es frecuente en los retablos de todo el mundo hispánico, pero sólo lo
emplean sistemáticamente en las fachadas Ribera (fig. 319) y sus dis-
cípulos ,y, como veremos, alguna escuela mejicana. Al baquetón, que iJ|¡k
como encuadramiento de vanos (fig. 322) adquiere ya gran desarrollo
en el barroco anterior, le concede Ribera importancia de primer orden,
proyectándolo considerablemente para crear sombras violentas y pro- muBP
longándolo para que, como el alfiz de tiempos de los Reyes Católicos,
encuadre varios elementos de la fachada.
ff*^ic=!firiifiH í 3B I
Figs. 315, 316.—Tomé: Universidad, Valladolid.—G. de Quiñones: Ayuntamiento,
En la iglesia de Montserrat (1720), una de sus primeras obras, nos Salamanca. (Delojo.)
muestra ya los estípites en el campanario, cuyo chapitel bulboso es
ejemplo característico de la evolución dieciochesca de los rectilíneos
modelos escurialenses (figs. 317, 318). Pero donde el estilo de Ribera
alcanza su plena expresión es en las portadas de sus edificios civiles
y, sobre todo, en la del Hospicio (1722) (lám. 349), su obra maestra. El
violento ímpetu ascendente, tan propio del barroco, eleva todo el
conjunto, curvando la cornisa del entablamento y rompiendo la de la
fachada, cuyo trozo central, a manera de penacho, sirve de remate a
la portada. Caprichosas claraboyas horadan las amplias enjutas, mien-
tras ante las del segundo cuerpo dispone unos vasos con típico sentido
barroco del contraste. Concebida la portada como un retablo, un gran
cortinaje la encuadra lateralmente. Por su planta de tipo central, por
el efecto de los chapiteles de las torres y del cimborrio, es muy inte-
resante la iglesia de Nuestra Señora del Puerto (figs. 320, 321).
Sin el recargamiento extraordinario de la del Hospicio, aún se con-
serva en Madrid toda u n a serie de portadas (fig. 322) debidas a Ribera Figs. 317-319.—P. de R i b e r a : Iglesia de Montserrat. Estípite. (Deiojo.)
244 LOS TOMÉ

y sus discípulos. En ellas el balcón suele aparecer ligado a la puerta

principal, y el conjunto se corona con el escudo familiar. Elemento
decorativo capital es el gran baquetón cada vez más prominente y que-
brado en complicadas formas mixtilíneas. Sirvan de ejemplo la casa
de Miraflpres y la del marqués de Perales. A Pedro de Ribera se debe
también el puente de Toledo (fig. 323).
La iglesia de San José (1742) (fig. 325) es obra anónima que se cons-
truye en el estilo tradicional madrileño cuando ya comienzan a impo-
ner su estilo los arquitectos extranjeros de los Borbones.
Figs. 320-322.—P. de Ribera: Virgen del Puerto. Portada de casa. (Delojo.)
Los TOMÉ.—Si Ribera representa el punto culminante del barroquis-
mo español peninsular en cuanto a decoración, quien encarna de manera
más exaltada entre nosotros el ansia de espacio del barroco es el leonés
Narciso Tomé, cabeza de la familia de arquitectos decoradores de
ese nombre. Es el autor del Transparente de la catedral de Toledo
(1721) (fig. 324), que cantan sus admiradores contemporáneos como la
octava maravilla. Su hermoso retablo es de ricos mármoles y bron-
ces, y está trazado en perspectiva para fingir una profundidad que no
existe. Para favorecer esa perspectiva con un violentísimo efecto de
luz, cala una de las bóvedas de la giróla y labra sobre ella una enorme
linterna, donde la parte superior del retablo se hace escultura para
terminar fundiéndose en una gloria de pintura. Sumido en la media
sombra del templo gótico, el efecto teatral y deslumbrante típicamente
barroco del Transparente señala una de las metas alcanzadas por el
estilo. A Tomé se debe también el retablo mayor de la catedral de León,
hoy en las Capuchinas de esta población. En unión de sus hijos decora Figs. 323-325.—P. de Ribera: Templete del puente de Toledo.—Tomé: Transparente,
la fachada de la Universidad de Valladolid, obra de Fray Pedro de la Toledo.—S. José, Madrid. (Delojo, Schubert.)
Visitación (1715) (fig. 315).

LOS ARQUITECTOS CORTESANOS EXTRANJEROS DEL SIGLO XVIII: JUVARA,

SACCHETTI, BONAVÍA Y CARLIER. VENTURA RODRÍGUEZ.—Paralelamente a la
arquitectura barroca nacional, que se mantiene pujante en casi toda la
Península durante el siglo xvm, trabaja en la corte, al servicio de la
nue\¿a dinastía borbónica, un grupo de arquitectos extranjeros, en
su mayoría italianos, enemigos decididos de las exuberancias decora-
igau \
tivas españolas. Sus empresas principales son los nuevos palacios
reales, aunque también ejecutan algunos templos. No obstante su par- •ií"S
quedad decorativa y su respeto a los cánones clásicos, que los con- ti. ..JJ-
vierten en los patrocinadores del neoclasicismo español, a ellos se U-¿-A¿gSS&i
deben las únicas plantas verdaderamente barrocas de tipo borromi-
nesco creadas en España. Figs. 326, 327.—Palacio Real, Madrid. (Delojo.)
246 LOS ARQUITECTOS CORTESANOS DEL SIGLO XVIII ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA 247

El incendio de 1734, que destruye el viejo Alcázar de los Aus- potismo ilustrado, bajo el patronato real. Carlos III, al venir de Ña-
trias, obliga a levantar un nuevo palacio, y para construirlo se acu- póles (1759), traslada a Madrid su fábrica de porcelana de Portici y
de a Juvara (t 1736), el arquitecto italiano que, como queda dicho la establece en los jardines del palacio del Buen Retiro, bajo la di-
más se ha distinguido como constructor de palacios, y que con su mo- rección del italiano Gricci. Allí no sólo se labran jarrones y grupos
deración casi clásica representa la antítesis del estilo de Pedro de Ribe- decorativos, sino las placas y relieves de temas chinescos con que se
ra. Pero muerto poco después, sólo tiene tiempo de trazar un enor- revisten las salas de porcelana (fig. 349) de los palacios de Madrid
me edificio de planta cuadrada, de cerca de medio kilómetro de lado, (1765) y Aranjuez (1760), ambas con rocalla. En La Granja se instala
con numerosos patios y coronado por una balaustrada rematada en la Fábrica de Vidrio (1734), donde se labran los innumerables espe-
estatuas. De proporciones muy apaisadas, al gusto francés, al morir jos y arañas necesarios para los palacios reales, y en el Buen Retiro
Juvara y encomendarse las obras a su discípulo Juan B. Sacchetti de Madrid (1721) la Fábrica de Tapices para las sedas y tapices. El
(t 1764), el edificio gana en altura lo que pierde en superficie, con la salón Gasparini (fig. 334) es una de las piezas más bellamente decora-
consiguiente multiplicación de las plantas. El palacio adquiere así pro- das de Palacio.
porciones italianas (figs. 326, 328, 332). Complétase con cuatro cuerpos Estos arquitectos extranjeros no se limitan a construir palacios.
salientes a manera de torreones en los ángulos y otros en los centros, El gran innovador de la arquitectura religiosa es Bonavía, quien en
y los múltiples patios de Juvara se reducen a uno grande central. La la iglesia pontificia de San Miguel (1739) (figs. 337, 339) deja ver sus
ordenación de la fachada (fig. 327) responde al modelo del palacio Ma- entusiasmos borrominescos en su fachada convexa, su capilla mayor
dama, de Turín, ya citado (fig. 296). de curva indefinida, sus pilastras dispuestas oblicuamente, sus arcos
Comenzado con anterioridad el de La Granja (1721) (fig. 333), se- fajones cruados, sus cúpulas ovaladas de sección en arco carpanel y
gún las trazas del madrileño Teodoro Ardemans (t 1726), concédese en sus caprichosas claraboyas treboladas. Análogo deseo de novedades y
él gran importancia al templo, que, como en El Escorial, se coloca de movimiento inspira a su capilla de San Antonio de Aranjuez (figu-
en el centro y se remata con chapiteles bulbosos desconocidos hasta ras 340).
entonces en España. Su gran fachada (fig. 329), obra ya de Juvara, es En las Salesas Reales (1750), obra del francés Francisco Carlier
de grandes pilastras y columnas de orden gigantesco que arrancando (t 1760), la fundación religiosa real más importante, esos deseos de
de tierra recorren las dos plantas del edificio. Frente a ella se extiende novedad y de movimiento borrominesco se atemperan notablemente
el gran jardín de estilo francés debido a Renato Carlier, en cuyo tra- (figuras 341, 342). A él se debe además la iglesia del Pardo (figs. 343, 347).
zado geométrico aparecen distribuidas numerosas fuentes, abundante- Ventura Rodríguez (t 1785), formado con los maestros de los pala-
mente surtidas de agua por el estanque situado en la montaña vecina. cios reales y profesor de Arquitectura de la Academia de San Fernando,
El palacio de Aranjuez (fig. 348) es, bajo Felipe V y sus hijos, es el primer arquitecto español que se adhiere al neoclasicismo, llegan-
objeto de tan grandes ampliaciones, que puede considerarse obra de do a ser considerado como el restaurador de la arquitectura española.
esta época, aunque se procura ajustarse en cierto modo al estilo del Su formación, sin embargo, es barroca, y a él se debe nuestro templo
edificio, construido por Felipe II. Dirige las obras principalmente el más típicamente borrominesco; por eso, aunque suele ser incluido en
italiano Santiago Bonavía (1760), si bien las largas alas laterales (1775), el período neoclásico, dado el carácter barroco italianizante de la ma-
ligeramente oblicuas para fingir una mayor profundidad son obra de yor parte de su obra, es preferible estudiarlo en este lugar.
Sabatini, el arquitecto de Carlos III. Pero Aranjuez no es sólo el Pa- La iglesia de San Marcos (1749), construida para conmemorar la ba-
lacio, sino un pueblo construido para su servicio, con una gran plaza talla de Almansa, y que no tiene más precedente entre nosotros que
con la capilla de San Antonio (fig. 340) al fondo, y un dilatadísimo la de San Justo y Pastor, describe en su planta una serie de no me-
parque, que tiene su origen en el siglo xvi, y donde se levantan más nos de cinco elipses y un arco carpanel, con el consiguiente movi-
tarde bellos palacetes de estilo neoclásico. miento de muros y pilastras (figs. 350, 351). Análogo sentir barroco
La decoración y amueblamiento del gran palacio de Madrid, que inspira las bóvedas elipsoidales y las claraboyas treboladas de la capilla
comienza hacia 1760, y de los restantes palacios reales, obliga a crear de la Virgen del Pilar (1750), de-Zaragoza. El clasicismo de Ventura
varias industrias de lujo, que quedan, según norma corriente del des- Rodríguez se manifiesta, en cambio, en el revestimiento con que reem-
 Fig. 334.—Salón de Gasparini,
Palacio, Madrid.
Figs. 328, 329.—Palacio Real, Madrid.—Juvara: Palacio de La Granja. (Delojo.)
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Figs. 335, 336.—Palacio, Aranjuez. Decoración de porcelana. (Delojo.)

Figs. 330-332.—Escalera del Palacio Madama, Turín.—Palacio de la Virreina,

Barcelona.—Escalera del Palacio Real, Madrid. (Delojo.)

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Figs. 337, 338—Bonavía: S. Miguel. (Schubert.)
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Fig. 333.—Palacio de La Granja. (Breñoso.) Figs. 339-341.—Bonavia: S. Miguel—S. Antonio, Aranjuez.—Carlier: Salcsas
(Schubert.)
 ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA 251

plaza, en 1753, la decoración barroca del interior del templo .(fig. 344).
Ese ideal neoclásico se intensifica en la iglesia de los Filipinos, de
Valladolid (1760) (fig. 356), de planta circular, y en la fachada de la
catedral de Pamplona (1783) (fig. 353). Ventura Rodríguez proyecta
además numerosos monumentos que, por unas razones o por otras, no
llega a ejecutar, pero de los que conservamos los planos. De gran be-
jngs. MZ-344.—Carlier: Salesas, Iglesia del Pardo.—Ventura Rodríguez: El Pilar lleza y originalidad son los del Santuario de Covadonga (1780), cuya
de Zaragoza. (Delojo.) construcción se suspende apenas comenzada. Los de San Francisco el
Grande, de Madrid (figs. 354, 355), revelan el gran empeño puesto en
esta obra, que hubiera sido la suya más importante, pero que es enco-
mendada al lego franciscano Francisco Cabezas (t 1773), a quien se debe
el templo circular existente, cubierto por enorme bóveda de treinta y
tres metros de diámetro (figs. 348, 349). De sus obras civiles, la más
importante, aunque no íntegramente suya, es el palacio de Liria (1770),
donde se siguen las normas del palacio barroco italiano (fig. 357).
Buen ejemplo del mismo barroco clasicista, cultivado por Ventura
Rodríguez bajo el patrocinio de la Academia de San Fernando, es la
fachada de la catedral de Lugo (fig. 359), construida por Julián Sánchez
Bort (f 1784).
Además de los arquitectos extranjeros anteriores establecidos en la
Figs. 345-347.—Contini: Torre de la Seo, Zarago- corte, deben quedar citados aquí otros que dejan obras en otras partes
za. — Rodulfo: Catedral de Valencia. — Iglesia del
Pardo. (Delojo.) del país; en primer lugar, todavía dentro del siglo xvn, los italianos
Juan Bautista Contini y Carlos Fontana. Contini es el autor de la torre
de la Seo de Zaragoza (1683) (fig. 345), coronada por chapitel de tipo
estrangulado, como, al parecer, no se emplea en Castilla hasta la cen-
turia siguiente. Fontana da las trazas del Colegio de Loyola (1684) (fi-
gura 358), cerca de Azpeitia, de planta circular. Al alemán Conrado
Rodulfo se debe la portada de la catedral de Valencia (1703) (fig. 346),
que en la convexidad de su calle central delata una intensa influencia
borrominesca que emplean los arquitectos cortesanos sólo varias "dé-
cadas más tarde.

ANDALUCÍA: ACERO, LOS FIGUEROA Y HURTADO IZQUIERDO.—En Andalucía

se construye la última gran catedral española. Centralizado en Cádiz
el comercio de Indias, se hace necesario reemplazar el viejo templo
por otro a tono con la riqueza creciente de la ciudad. Comenzóse en
1729, y el artista elegido es Vicente Acero, quien, al trazarlo (figs. 360,
361), conocedor de la tradición renacentista española, elige por modelo
la catedral de Granada, tomando de ella la capilla mayor circular y,
simplificándola, la organización de los pilares, aunque, como hijo de su
siglo, procura mover la fachada principal siguiendo las normas borro-
Figs. 348, 349.—Cabezas: S. Francisco el Grande. Figs. 350, 351.—Ventura Rodrí-
guez: S. Marcos, Madrid. (Schubert.)
252 ANDALUCÍA

minescas. Por desgracia, no llegan a ejecutarse las torres por él con-

cebidas, y la fachada sólo en parte responde a su traza (figura 360).
En Sevilla, el estilo barroco produce ya en el siglo xvn obras de
cierto interés. La iglesia del Sagrario (1618) (figs. 363, 364), de Miguel
de Zumárraga, de hermosas proporciones, revela en su cubierta de
bóvedas váidas y en las tribunas sobre las capillas cómo su autor se
inspira en la iglesia renacentista del Hospital (fig. 165), de Fernán Ruiz.
Desde el punto de vista decorativo, son jalones principales las yeserías
de los interiores de San Buenaventura y de Santa María la Blanca.
Figs. 352-354.—Ventura Rodríguez: S. Marcos. Catedral de Pamplona. Proyecto
Pero cuando la escuela crea sus obras más representativas es a par S. Francisco el Grande, Madrid. (Schubert, Yarnoz.)
fines de siglo. Los materiales preferidos son el ladrillo en limpio, los
paramentos enlucidos y avitolados y el policromo barro vidriado. Leo-
nardo de Figueroa es el autor de la iglesia de San Pablo (1691), donde
el movimiento ondulante de la columna salomónica alcanza al anillo
de la cúpula principal, y de la de San Luis (1699) (figs. 365, 366), de
planta de cruz griega. La cúpula de ésta, también con anillo ondulado,
ofrece una de las más bellas e importantes decoraciones pictóricas del
tipo del P. Pozzo que poseemos en España (lám. 349). Pero su obra
más conocida es el Colegio de San Telmo (1722) (fig. 370), cuya gran
portada de piedra es la creación más monumental de la escuela. Antonio
Matías de Figueroa (t 1792), que gusta de incurvar las molduras de
las portadas con característico ritmo dieciochesco, crea en la iglesia
de Palma del Condado (1780) otra de las obras más típicas de la escuela;
su portada de ladrillo en limpio es de gran finura de ejecución, y su
esbelta torre encalada realza sus líneas con azulejos. La figura 367
reproduce una cúpula gallonada de la escuela de los Figueroa, buen Figs. 355, 356.—V. Rodríguez: Proyec-
to para S. Francisco el Grande. Fili-
ejemplo del grado de barroquismo a que se llega en capillas y cama- pinos, Valladolid. (Schubert.)
rines sevillanos.
La arquitectura civil cuenta con la Fábrica de Tabacos (1750) (figu-
ra 368), uno de los edificios dedicados a la industria más amplios y
bien pensados de esta centuria. Es obra del holandés Van der Beer,
y al presente está siendo transformada para adaptarla a Universidad.
Mucho más representativas del estilo dieciochesco de la escuela son,
en cambio, las numerosas casas conservadas en los grandes pueblos de
la comarca. Entre las de Ecija, la del marqués de Peñaflor (fig. 369) se
distingue por su balcón corrido, su gran alero, su patio y sus caba-
llerizas. La del conde de la Gomera (fig. 371), de Osuna, tiene cornisa
rizada de cierto aire hispanoamericano y torreón con mirador.
Personalidad de primera fia dentro de la arquitectura barroca an-
daluza, aún no bien conocida, es Francisco Hurtado Izquierdo (t 1725),
maestro mayor de la catedral de Córdoba, pero que deja sus principales
Figs. 357-359.—Ventura Rodríguez: Palacio de Liria—Fontana: Iglesia de Loyola.-
Sánchez Bort: Catedral de Lugo.
254 GALICIA

obras en Granada. En ella traza el Sagrario (1705) (figs. 371, 372), de

planta de cruz griega, con gran cúpula y muy sobria decoración, y, al
parecer, la sacristía de la Cartuja (1730-1742), donde, en cambio, la
decoración barroca posterior a su muerte crea una de sus obras maes-
tras (lám. 350). Flanqueada por especie de estípites, las molduras mix-
tilíneas recubren íntegramente sus bóvedas y muros, con modelos siem-
pre diversos. Completan la riqueza decorativa del deslumbrante interior
lujoso zócalo de mármol de Lanjarón y cajoneras de maderas ricas,
concha, marfil y plata primorosamente labradas por fray José Manuel
Vázquez. Obras anteriores y seguras de Hurtado son, en cambio, el ta-
bernáculo de mármol de la misma cartuja, cuyas bóvedas gallonadas Figs. 360, 361.—Acero: Catedral de Cádiz. (Schubert.)
de intradós pendiente marcan una meta en el barroquismo de nuestra
arquitectura, y el Sagrario de la Cartuja del Paular.
Los otros dos maestros principales que trabajan en el reino grana-
dino son José Bada, que emplea estípites en el antiguo trascoro de la
catedral, traza la iglesia de San Juan de Dios y alguien piensa que la
Sacristía de la Cartuja, y Gaspar Cayón, que interviene en la rica por-
tada de la catedral de Guadix.
GALICIA: ANDRADE, CASAS NÓVOA, SIMÓN RODRÍGUEZ Y SARELA. LEVAN-
TE.—Fundamentalmente dieciochesca, una de las escuelas barrocas de
mayor personalidad es la gallega, que, como la madrileña, emplea con
frecuencia el granito. Pueden distinguirse en ella dos etapas. Con ante-
rioridad a 1740, se caracteriza por el deseo de crear edificios de elegan-
tes proporciones, por sus soportes de tradición clásica y por su deco-
ración plenamente subordinada al conjunto arquitectónico. El fundador Fig. 362.—Catedral de Cádiz. Figs. 363, 364 —Zumárraga: Sagrario, Sevilla.
de la escuela es el santiagués Domingo Antonio Andrade (t 1712), autor (Schubert, Delojo.)
de un libro sobre arquitectura y a quien se debe la Torre del Reloj
de la catedral de Santiago (fig. 374). El cubo, recorrido por una serie
de pilastras que hacen sus proporciones más esbeltas, y el campana-
rio, con sus linternas laterales y su bella decoración, forman un con-
junto elegante y rico, sin recargamiento. Pero el gran maestro de la
arquitectura compostelana es Fernando Casas Nóvoa (t 1751), formado
en las enseñanzas de Andrade. A él se debe la espléndida fachada del
Obradoiro (1738) (lám. 350), que se antepone al viejo templo románico,
y que es, probablemente, la creación más grandiosa del barroco penin-
sular, dotada de un movimiento ascendente casi gótico. Perfil de facha-
da de gran catedral gótica es, en efecto, el de sus cinco agudos piñones
decrecientes, que, c o m o otras tantas flechas, lanzan nuestra mirada
al cielo, y a ese mismo anhelo de altura responde el movimiento de las
columnas que, cual camino de luz y sombra, la recorren en toda su
Figs. 365, 366.—Figueroa: S. Luis, Sevilla. Fig. 367.—Bóveda de la Luisiana.
altura. Tras la espléndida fachada, falsa como una decoración de tea- (Sancho, Delojo.)
256 GALICIA

t r o , se levantan los ricos c a m p a n a r i o s s u s p e n d i d o s en el aire p o r el

í m p e t u a s c e n d e n t e de los c u b o s , m i e n t r a s la m o n u m e n t a l escalera sirve
de magnífico p e d e s t a l al m a r a v i l l o s o c o n j u n t o , p r e p a r á n d o n o s con sus
líneas oblicuas p a r a gozar de la t e a t r a l escenografía. A Casas se d e b e n ,
a d e m á s , el r e t a b l o m a y o r del t e m p l o y la f a c h a d a de la iglesia de Villa-
n u e v a de L o r e n z a n a .
Los s u c e s o r e s de Casas N ó v o a c a r e c e n de su t a l e n t o y d e su sen-
t i d o de la m e d i d a y de la elegancia. Deseosos de c r e a r u n estilo nuevo,
es a veces la e x t r a v a g a n c i a u n o de sus rasgos m á s a c u s a d o s . E n quien
m á s se a c u s a la t e n d e n c i a es en S i m ó n Rodríguez, quien, siguiendo
la m i s m a r u t a anticlásica que Alonso Cano, se esfuerza en c r e a r inten- 348-350.—P. RIBERA: Hospicio, Madrid.—FIGUEROA: S. Luis, Sevilla.—Sacristía
de la Cartuja, Granada.
sos efectos de c l a r o s c u r o , r e n u n c i a n d o r a d i c a l m e n t e a la d e c o r a c i ó n
vegetal y e n t r e g á n d o s e en b r a z o s de sencillas p i l a s t r a s , placas recor-
t a d a s , óvalos y discos lisos, q u e h a c e n p e n s a r en u n a o b r a de m a r q u e - ~"f
t e r í a gigantesca. E n su f a c h a d a de S a n t a Clara (fig. 375), los e l e m e n t o s
decorativos se simplifican de tal f o r m a y a d q u i e r e n tales p r o p o r c i o -
nes, q u e se diría c o n c e b i d a p o r u n cubista. A u n q u e m u c h o m e n o s ex-
'f~-
Sí
t r e m a d o , a esta m i s m a t e n d e n c i a p e r t e n e c e F e r r o Caaveiro, a u t o r del
A y u n t a m i e n t o de Lugo (1736), y F e r n á n d e z Sarela, cuya o b r a p r i n c i p a l
es el Cabildo s a n t i a g u e s (1758) (figs. 377, 379). P e r o esta s e g u n d a e t a p a
de la a r q u i t e c t u r a b a r r o c a c o m p o s t e l a n a t e r m i n a de u n a m a n e r a dra-
m á t i c a c u a n d o , e n c a r g a d o Sarela de la o b r a de la p u e r t a de la Azaba-
c h e r í a de la c a t e d r a l , t r a z a d a p o r V e n t u r a Rodríguez, al p e r m i t i r s e >k ',!
c i e r t a s l i b e r t a d e s b a r r o c a s en la i n t e r p r e t a c i ó n de los p l a n o s , es desti-
t u i d o f u l m i n a n t e m e n t e p o r la A c a d e m i a de San F e r n a n d o , b a l u a r t e ya
del neoclasicismo t r i u n f a n t e . A Sarela se debe, a d e m á s , la P u e r t a del 351-353.—CASAS NÓVOA: Fachada del Obradoiro.—ROVIRA: Casa del Marqués
Deán (fig. 376). de Dos Aguas.—L. RODRÍGUEZ: S. Martín Tepotzotlán.
Al lado de e s t a s g r a n d e s escuelas n o faltan en o t r a s regiones a r q u i -
tectos de valía m a l conocidos o g r u p o s de o b r a s q u e revelan la existen-
cia de o t r a s t a n t a s escuelas m e n o r e s . E s t e ú l t i m o es el caso, p o r ejem-
plo, de u n a c u r i o s a serie de iglesias y capillas a r a g o n e s a s , c u b i e r t a s
con b ó v e d a s r e v e s t i d a s p o r ricas yeserías, en las que el lazo m o r i s c o
rectilíneo y c u r v o es e l e m e n t o decorativo p r e d o m i n a n t e , d e l a t á n d o n o s
la supervivencia del m u d e j a r i s m o , s i e m p r e tan vigoroso en Aragón. El
m o n u m e n t o p r i n c i p a l es la iglesia de San Ildefonso, de Zaragoza, p e r o
deben r e c o r d a r s e a d e m á s las c ú p u l a s de la Seo, y de las Iglesias de
Calatayud y M a l u e n d a . E n M u r c i a t r a b a j a n el a n ó n i m o a u t o r d e la
p o r t a d a con e s t í p i t e s de la S a n t a Cruz de Caravaca (1722); J a i m e B o r t ,
a quien se d e b e la f a c h a d a de la c a t e d r a l de M u r c i a (1737) (fig. 378),
sin d u d a u n a de las o b r a s m á s m o n u m e n t a l e s de n u e s t r a a r q u i t e c t u r a ,
y el italiano B a l t a s a r C a n e s t r o , a u t o r del bello Palacio E p i s c o p a l (1748) 354-356.—S. Agustín, Lima.—Iglesia, Yanahuara— S. Lorenzo, Potosí.
 Figs. 368-370.—Van der B e e r : Fábrica de Tabacos,
Sevilla.—Casa del m a r q u é s de Peñaflor, Ecija.—
Figueroa: Colegio de San Telmo, Sevilla. (Delojo.)
357-359.—BERNÍNI: Santa Teresa. Apolo y Dafne. Sepulcro de Fonseca, Roma.

Figs. 371-373.—Casa del conde de la Gomera, Osuna.—Hurtado: Sagrario, Granada.

(Schubert, Delojo.)

360-362.—BERNÍNI : C. Buonarelli. E. Borghese.—DUQUESNOY: San Andrés.

Figs. 374-376.—Andrade: Torre del Reloj.—Simón Rodríguez: Sta. Clara.—Fernándcz-

363-365.—BERNÍNI: Longinos. Luis XIV. Tritón, Roma. Sarela: Casa del Deán, Santiago. (Delojo.)
!258 MÉJICO

de la misma ciudad. En Valencia, J. B. Viñes levanta a fines del si-

glo XVII la esbelta torre octogonal de Santa Catalina (1688), decorada
con columnas salomónicas; pero la obra de verdadero relieve, dentro
de la arquitectura barroca española, es la casa del marqués de Dos
Aguas (1740) (lám. 352), debida al pintor Rovira, quien, como Chu-
rriguera en la Academia de San Fernando, labra unos grandes peñas-
cos en el zócalo. En Mallorca, inspirándose el barroco en las viejas
casas góticas de patios con amplísimos arcos rebajados (figs. 382, 383), Figs. 377-379.—Fernández-Sarela: Cabildo, Santiago de Compostela.—Bort:
crea un nuevo tipo de casa típicamente mallorquína, entre cuyos prin- Catedral de Murcia. (Delojo.)
cipales ejemplares figura el Palacio Morell (1763), obra de Gaspar
Palmer.

MÉJICO: LORENZO RODRÍGUEZ Y GUERRERO Y TORRES. PUEBLA.—El barro-

co español no se limita al ámbito peninsular. España, hasta principios
del siglo xix, se extiende al otro lado del Atlántico por casi toda Amé-
rica, y aún comprende en los confines de Asia las Islas Filipinas. Pobla-
das estas dilatadas tierras en su mayor parte por mestizos e indígenas
que paulatinamente se han incorporado a la civilización europea, esta
enorme masa de sangre no española que se mezcla con la de los con-
quistadores deja sentir ya en la época barroca, y en proporciones nota-
bles, su presencia en la interpretación del nuevo estilo.
Aunque produce monumentos de primer orden durante el siglo XVII, "TÍ -
la arquitectura barroca mejicana es, sobre todo, dieciochesca. Comienza
a gustar del arco poligonal en el siglo XVII, y manifiesta en la centuria
siguiente un entusiasmo sin igual en ninguna otra arquitectura moder-
na europea por los arcos y claraboyas mixtilíneas (fig. 384), cuyos pre-
cedentes más inmediatos son los hispanoárabes y góticos de fines del
siglo xv. En cuanto al conjunto del templo, el rasgo más característico Figs. 380, 381.—L. Rodríguez: Sagrario, Méjico. (Argües.) Figs. 382, 383—Patios
es el abundantísimo empleo de la cúpula sobre tambor octogonal, con mallorquines. (Delojo.)
frecuencia con rica decoración de cerámica vidriada en la bóveda. Las
torres son de esbeltísimas proporciones.
Entre las varias escuelas que pueden distinguirse en la antigua
Nueva España, que, además del actual Méjico, comprende todo el oeste
de los Estados Unidos, la más importante es, probablemente, la de la
capital, cuyos monumentos suelen distinguirse por la sobria policromía
de su piedra clara de Chiluca y la volcánica oscura o rojiza del tezontle. f*~\fS"(
Al primer tercio del siglo pertenece el arquitecto Pedro de Arrieta ,fi^,
(t 1738), maestro formado todavía en el estilo seiscentista, autor de
la basílica de Guadalupe, de planta rectangular, como el Pilar de Zara-
goza, con una torre octogonal en cada ángulo. Los arcos de sus puertas
son semioctogonales. Introducido el estípite riberesco por Balbás en

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 260 MÉJICO ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA 261

el retablo de la capilla de los Reyes (1718), al emplearlo el granadino cas creaciones de la escuela poblana son el Santurio de Ocotlán (figu-
Lorenzo Rodríguez (t 1774) en las fachadas del Sagrario (1749) (figu- ra 388), donde, sin embargo, el azulejo no se emplea; San Francisco
ras 380, 381), lo hace arraigar en la Nueva España con más fuerza que y Guadalupe, de Puebla, decorada con grandes tableros de azulejo, y
en su patria original. Sus riquísimas portadas, cubiertas de estípites, San Francisco Acatepec, de Cholula, en la que el azulejo cubre total-
destacan sobre el tezontle oscuro del muro, que, como consecuencia mente la portada, revistiendo incluso columnas y estípites. En las casas,
de un proceso típicamente mejicano, más que soporte es ya un cerra- a la polícroma decoración del tipo citado se agregan los tejaroces, que
miento, y puede así rematar en una caprichosa moldura mixtilínea, en
desempeñan papel de primer orden en el conjunto (fig. 390).
la que ha desaparecido todo recuerdo clásico. A Lorenzo Rodríguez se
Las grandes fachadas con estípites no se limitan a las de la capital.
atribuyen las dos fachadas de la Trinidad (fig. 385) y San Martín de
El estilo de Lorenzo Rodríguez se extiende tan rápidamente por la
Tepozotlán (lám. 353), de no menor riqueza que las del Sagrario. Arqui-
tecto de estos mismos años y autor de otra hermosa obra de la arqui- región de Guanajuato y se construyen en sus principales poblaciones
tectura hispanoamericana es Diego Duran. Su espléndida iglesia del tantas y de tales proporciones, que no ceden en riqueza a las de la
pueblecito minero de Tasco nos ofrece otra faceta del barroco meji- capital y comarca. Las fabulosas riquezas hechas rápidamente en las
cano dieciochesco, casi tan rica como la de Rodríguez y de no menor minas no tardan en reflejarse en monumentos como los de Guanajua-
personalidad. to y de las bocaminas de sus alrededores. Incluso en pequeños pueblos
agrícolas como Dolores se labran lujosísimas fachadas cuajadas de es-
Guerrero y Torres (t 1792), la última gran figura de la escuela, re-
presenta dentro del estilo una cierta reacción. Al menos renuncia al típites.
monstruoso estípite y, pese a sus trazas generales barrocas, reentroniza En realidad, casi todas las grandes poblaciones de la Nueva España
la columna en su hermosa portada de la Enseñanza (1778), último esla- son sede de una escuela barroca con caracteres propios. Salvo la de
bón de la brillante serie de las de la ciudad. Aunque inspirándose en Michoacán, que se distingue por su sobriedad y dota a su catedral de
una planta romana, crea en la capilla del Pocito (1777) (figs. 386, 387) dos majestuosísimas torres, todas tienen por denominador común la
una de las obras más típicas de la arquitectura mejicana. Emplea en riqueza. Fachada de primer orden, no superada en riqueza decorativa
su fachada el arco mixtilíneo y la claraboya en el último momento de por ninguna otra, es la de la catedral de la famosa ciudad minera de
su evolución, y cubre el edificio con una bella serie de bóvedas reves- Zacatecas, donde el estilo del follaje es de clara inspiración indígena.
tidas de azulejo. La casa mejicana, que a lo largo del siglo ha venido En Potosí, la obra maestra de la escuela es el Carmen (1749), e igual-
definiendo cada vez más sus caracteres propios, encuentra también en mente ricas son las catedrales de Saltillo, Chihuahua, etc. Querétaro
Guerrero uno de sus principales creadores. A él se debe la del conde alcanza una de las metas del barroco mejicano por el capricho de sus
de San Mateo (fig. 391) y la llamada de Iturbide. De autor desconocido arcos mixtilíneos. En Oaxaca, los terremotos hacen que los edificios
es la Casa de Azulejos. pierdan la elegancia típica del barroco de Nueva España.
Puebla es sede de otra de las escuelas de mayor personalidad de Aunque de rango artístico más modesto, las misiones franciscanas
la Nueva España. Durante el siglo xvn da vida a varios talleres de yese- establecidas al norte de la actual frontera mejicana dejan dos intere-
ros que crearon decoraciones interiores tan ricas como la de Santo santes series de monumentos. En Nuevo Méjico, en el siglo xvu, em-
Domingo de Oaxaca, y tan originales, ya en fines del siglo, como la de plean un tipo de iglesia de gruesas paredes, generalmente de tapial
la capilla del Rosario, de Santo Domingo de Puebla (1690). En la cen- o adobe, dispuestas en talud y cubiertas por rollizos con los extremos
turia siguiente los interiores de los templos poblanos llegan a extre- salientes por las fachadas laterales.
mos de recargamiento no superados. Pero los decoradores poblanos Las misiones de California, fundadas por los PP. Junípero Serra y
no se contentan con esas policromías interiores, sino que recubren las Lasuén, que se escalonan desde San Diego (1769), al Sur, hasta la actual
fachadas de sus casas y templos con ladrillos rojizos puestos de plano San Francisco, son construcciones mucho más amplias, que, además
alternando con azulejo. Más tarde, esos pequeños azulejos u holambri- del templo, eco muy apagado de los mejicanos coetáneos, tienen un
llas se convierten en amplios tableros con escenas, todo ello fabricado gran patio, con salones para graneros, almacenes, carpintería, herrería,
en la misma Puebla, la patria americana de la cerámica vidriada. Típi- en suma, todas las dependencias necesarias para la educación de la
262 AMÉRICA CENTRAL Y MERIDIONAL

población indígena y la explotación agrícola, cuyo centro es la Misión

(figura 389).
AMÉRICA CENTRAL Y MERIDIONAL.—En América central —la vieja Capi-
tanía General de Guatemala—, la ciudad que crea el estilo es la Anti-
gua Guatemala, o simplemente Antigua. Muy influido por el de la Nueva
España, los intensísimos y frecuentes terremotos que arruinan la ciu-
dad en repetidas ocasiones hacen que el esbelto canon mejicano des-
aparezca y las torres apenas superen la altura de la fachada. Los edifi-
cios son achaparrados y sus muros gruesísimos. Después de la fachada Figs. 387-389—Plantas del modelo romano y de la capilla del Pocito. (Argilés.)-
de la catedral, de sobriedad casi herreriana, el barroco seiscentista cubre Iglesia de Ocotlán.—Misión de S. Juan Capistrano, California. (Delojo.)
ya de rica decoración la iglesia de la Merced. En el siglo XVIII, el estípi-
te, que adopta formas propias en Guatemala, es el tema constante de
las portadas. Monumentos representativos son Santa Rosa y San José,
de Antigua, y los principales maestros, Porres, probable autor del
Santuario de Equipulas, con una torre en cada ángulo y gran cúpula
central, y José M. Ramírez, que lo es de la Universidad de Antigua.
En Cuba, la nota más destacada de su arquitectura barroca es el
arraigo del mudejarismo, que da lugar a un tipo de iglesia, al parecer
de influencia canaria, con artesón en que se multiplican los canes deco-
rativos. Prefiérense los artesones pequeños y múltiples a las armaduras
muy prolongadas, como puede observarse en las iglesias de Guana-
bacoa. Hacia 1770, la construcción de los Palacios de Gobierno, hoy
Ayuntamiento, y de Correos, hoy Tribunal Supremo, introduce un estilo,
tal vez de ascendencia gaditana, de movidas molduras, pero sin deco-
ración vegetal. La fachada más barroca es la de los Jesuítas, hoy cate-
dral, cuyo interior se cubre de bóveda de crucería de madera, por des-
gracia destruida recientemente. En estos años se forma la casa barroca Figs. 390-393.—Casa de Puebla.—Casa del conde de S. Mateo.—Capitanía General.
cubana de patio, entresuelo, portadas de encuadramiento mixtilíneo, Antigua.—S. Agustín, Lima. (Delojo.)
grandes balcones de madera y ricas armaduras moriscas.
En Colombia y Venezuela, los arquitectos de los siglos xvn y xviii
siguen aferrados a las armaduras moriscas. En la primera son carac-
terísticos los interiores decorados con grandes temas florales, como
las iglesias de Tunja y de Santa Clara, de Bogotá. Tal vez lo más típico
del barroco venezolano sean sus casas de una planta con ricos arcos -jjl
mixtilíneos de menuda traza y columnas bulbosas.
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En el Ecuador, donde el mudejarismo tan hermosas armaduras pro- Él
duce durante el siglo xvi, se cubren la bóveda y los muros de la Com-
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pañía con ornamentación geométrica de lazo. La fachada es de colum-
nas salomónicas de tipo berninesco. De mayor trascendencia es el alter-
nar de arcos de dos tamaños del claustro de San Agustín, primer paso
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I V tj D
de la evolución que se continúa en el Perú. Figs. 394-397.—Casa de Torre Tagle, Lima. (Delojo.)—Iglesia y Torre de los Clérigos,
Oporto.—El Rosario, Ouro Preto. (Santos.)
 264 AMÉRICA CENTRAL Y MERIDIONAL ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA 265

En este país, como tierra más castigada por los terremotos que de Pomata y Juli. También se distingue por su rica decoración plana
Méjico, los edificios barrocos carecen de las elegantes proporciones de de labor indígena la escuela de Arequipa, la ciudad del Sur, situada
los de allí, y las torres, por lo común, son de más escasa altura. En en la ruta del mar a las tierras del Collao. Se crea a fines del siglo xvn,
cuanto a las características generales del estilo, mientras el de Nueva fecha a que corresponde la fachada de la Compañía, pero sus monu-
España adquiere sus formas barrocas definitivas en el siglo XVIII, aquí mentos más numerosos son ya de la centuria siguiente, entre los que
conserva, incluso en esta centuria, un cierto aire seiscentista. La por- figura la iglesia de Yanahuara (lám. 355).
tada de la catedral de Lima, obra de Martínez Arrona y de P. Noguera, En Bolivia, la decoración arquitectónica es de tipo análogo a la del
inspirada en retablos sevillanos de principios del xvn, ejerce influen- Collao, siendo una de las obras principales la portada de San Lorenzo
cia decisiva, y la columna salomónica se emplea en otras posteriores de Potosí (lám. 356). Por la originalidad de la organización de su patio
con insistencia tal, que llega a convertirse en una de las características debe recordarse, además, la Casa de Diez de Medina.
del barroco peruano. En la Argentina, la arquitectura barroca dieciochesca se encuentra
En el amplio virreinato peruano se forman varias escuelas, y como principalmente en manos de los jesuítas italianos Primoli y Bianchi,
es lógico, la limeña es la creadora del estilo más difundido. La fachada cuyo nombre es españolizado en Blanqui. Debido a ello, aunque la cate-
de San Francisco (1624) ofrece ya los elementos que después serán más dral de Córdoba con su cúpula flanqueada por cuatro torrecillas, como
constantes: el paramento almohadillado de gran tamaño, el frontón las románicas leonesas, es de acusado acento español, los monumentos
roto de brazos enhiestos muy poco curvos y la gran claraboya ovalada. de primera mitad del siglo en que ellos intervienen son da un barroco
En el siglo XVIII, en la Merced, a esos elementos agréganse la columna muy comedido. A Blanqui sé deben, entre otros, los templos de San
salomónica y la hornacina; en San Agustín (fig. 393, lám. 354) todas Francisco y la Merced, de Buenos Aires. Obras también interesantes de
esas características se intensifican, y la columna salomónica y la clara- este período barroco son las Casas del Cabildo, de Buenos Aires y otras
boya adquieren extraordinario énfasis. Por otra parte, en los conventos poblaciones.
limeños, y en los peruanos en general, contra lo que sucede en Méjico,
concédese particular atención a los claustros. En ellos se sacan las PORTUGAL Y BRASIL.—El barroquismo portugués se hace ya sensible
consecuencias del esquema de arcos alternados de dos tamaños de San en San Benito, de Oporto, obra de Diego Marques. Pero, lo mismo que
Agustín, de Quito. En el de San Francisco, los arcos menores se maci- en España, la decoración no tarda en invadirlo todo, llegando a su ple-
zan para abrir después en ellos grandes claraboyas ovaladas, y todo el nitud en el siglo XVIII. Aunque no faltan monumentos importantes en
paramento es almohadillado. La arquitectura barroca limeña, siguiendo todo el país, la región más rica es la septentrional, y en particular la
modelos medievales peninsulares, crea un bello tipo de fachada en que ciudad de Oporto, donde en esta época se decoran con la mayor riqueza
los volados balcones cubiertos de celosías de maderas duras son el edificios medievales como San Francisco y Santa Clara. Su principal
elemento más rico y característico. La Casa de Torre Tagle (fig. 394), arquitecto es el italiano Nicolás Nasoni, autor de la iglesia de los Clé-
hoy Ministerio de Asuntos Exteriores, sin duda el ejemplar más lujoso rigos (1732), bastante cargada de decoración y, sobre todo, con esbel-
de casa limeña, tiene, además, un bello patio, donde el sistema de arcos tísima torre (1748) (fig. 395), que, al decir de los escritores portugueses,
alternados de diversos tamaños, propio de los claustros conventuales, es para la ciudad lo que la Giralda para Sevilla. Entre las numerosas
alcanza en su trazado mixtilíneo y en sus contracurvas la última etapa casas portugesas del siglo XVIII es de las más bellas, y de líneas más
de su evolución. movidas, la de San Lázaro, o del Mejicano, de Braga (fig. 399).
En el Cuzco, como consecuencia del terremoto de 1650, se forma La arquitectura portuguesa, como la española, tiene también un ca-
una escuela que labra numerosas portadas como la de la catedral y de pítulo cortesano menos nacional debido a las fabulosas riquezas que,
la Compañía y templos como el de San Sebastián, y extiende su influen- llegadas del Brasil y de Oriente, convierten a Juan V (1706-1750) en
cia a la región del lago Titicaca o del Collao: iglesias de Ayaviri y el monarca más rico y ostentoso de la Europa de su tiempo. Como
Tampa. En el siglo XVIII la prosperidad de esta última comarca da vida Felipe II hiciera en El Escorial, se hace construir en Mafra un enor-
a una escuela propia, cuyo rasgo más acusado es su riquísima decora- me edificio que es al mismo tiempo palacio y monasterio (fig. 401). El
ción de mano indígena labrada a bisel. Sirvan de ejemplo las iglesias monarca prefiere a los planos de Juvara los del bávaro Ludwig, y el
266 PORTUGAL Y BRASIL

inmenso edificio, de proporciones cuadradas, tiene, como el de El Es-

corial, la iglesia en el centro, aunque en primer plano, y las múltiples
dependencias ordenadas en torno a tres grandes patios. Discípulo de
Ludwig es el portugués Matheus Vicente, autor de la Basílica de la
Estrella {fig. 398), de Lisboa, construida por orden de la reina, en la
que es muy sensible la influencia de la iglesia de Mafra.
En Brasil no faltan los monumentos de los dos primeros siglos, al-
gunos de líneas tan clásicas como los claustros de San Francisco de
Olinda y de San Francisco, de Bahía, pero el apogeo de su arquitec-
tura barroca, lo mismo que en Portugal, corresponde al siglo xvin. CAPITULO XIV
En la región de la costa la ciudad de Bahía levanta, entre otras mu-
chas, las iglesias del Pilar y del Rosario, y decora con riqueza el con-
vento de San Francisco ya citado, conociéndose gran importancia al ESCULTURA BARROCA
azulejo. En Recife, San Pedro es obra de Manuel Ferreira, y en Belem
trabaja el italiano Landi, autor de la catedral, del palacio de los go-
bernadores y de otros varios edificios importantes. Río de Janeiro no
tiene verdadera importancia arquitectónica hasta la segunda mitad ITALIA: BERNINI. OTROS MAESTROS.—El deseo de movimiento del ba-
del siglo XVIII, lo que, unido a su capitalidad, hace que se distinga rroco, cuyas consecuencias hemos visto en la arquitectura, llega a con-
por su estilo metropolitano. Recuérdense las iglesias del Carmen y de vertirse también en una obsesión para los escultores. Miguel Ángel
San Francisco de Paula. El descubrimiento de oro y de diamantes en llega al último extremo en la expresión del movimiento contenido en
la región de Minas Geraes da lugar a la construcción de una serie de sí mismo, y ese sentido del movimiento es el que heredan sus imita-
templos en los que termina creándose un estilo característico de la dores manieristas. Ahora el movimiento se dispara hacia el exterior,
región. Distingüese por el movimiento borrominesco de sus plantas, y los miembros de las figuras y los ropajes se desplazan hacia afuera.
de curvas y contracurvas. Dase a este estilo, al parecer no con toda Los cuerpos rompen esos planos invisibles con que el manierismo los
propiedad, el nombre de Aleijadinho —en castellano lisiadito—, por tenía aprisionados, y se mueven con mayor naturalidad. En ese ím-
el apodo del escultor Antonio Francisco Lisboa (t 1814), que inter- petu hacia afuera, en esa liberación, los ropajes adquieren personalidad
viene en uno de estos templos. La ciudad más rica en monumentos de que nunca han tenido. Sus formas se hinchan, sus plegados se multi-
esta escuela es Ouro-Preto (figs. 397, 400, 402), debiendo recordarse plican y arremolinan, y como inpulsado por un vendaval cuya fuerza
también Congonhas do Campo, cuyo templo del Buen Jesús es el ver- crece a medida que avanzan los años, el escultor atiende más al mo-
dadero santuario de toda esta comarca minera. vimiento del paño mismo que a subrayar con él las formas de la fi-
gura humana.
A la concepción puramente escultórica del Renacimiento, de pla-
nos precisos y líneas vigorosas que parecen palparse con la vista, su-
cede otra de carácter más pictórico que procura representar más la
apariencia que la realidad misma de la forma, y ya veremos cómo en
el deseo de fingir calidades, contrapone superficies pulidas a otras so-
meramente desbastadas.
Debido a ese movimiento hacia afuera que inspira a la escultura
barroca, ésta no suele concebirse para ser vista aislada y delimitada
en sí. Por lo general, necesita un marco en que ese movimiento se
continúe. Con frecuencia es escultura esencialmente decorativa y forma
parte de retablos, cuyas líneas acompañan sus actitudes. •*
268 ITALIA

Otra gran aspiración que rige en las artes figurativas barrocas es

el naturalismo de que se tratará al estudiar la pintura de este período.
Conviene, sin embargo, dejar consignado aquí, que, como el barroco
es estilo amigo de extremos, y gusta en su naturalismo de interpretar
expresiones particularmente exaltadas, es dado a interpretar los trans-
portes místicos, que no en vano el éxtasis es uno de los frutos más
abundantes de la Reforma católica.
Como todo el arte barroco, la escultura, por último, es efectista y
procura con frecuencia sorprender la atención del que la contempla, Figs. 398, 399.—Basílica de la Estrella, Lisboa.—Casa del Mejicano, Braga.
sobre todo en el genero funerario. Unas veces es un esqueleto el que
inesperadamente surge de una cortina para mostrarnos el reloj de la
vida, otras es el mismo difunto el que parece salir de su nicho o medio
se incorpora en su tumba.
Entre los últimos manieristas miguelangelescos y el nuevo gran
estilo del arte italiano, debe destacarse a Esteban Maderno (t 1636), de 35jí í™k
la generación anterior al Bernini, que no duda en representar a Santa
Cecilia con el realismo típicamente barroco, tendida en tierra con un
MUÍ
1
gran corte en el cuello y el rostro vuelto lo mismo que aparece en su
sepulcro (lám. 372).

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Veamos cómo los caracteres más destacados de la escultura barro-
fíjiD||ÍMiiifcJ
ca aparecen plenamente definidos en el verdadero creador del estilo.
Si para explicar la arquitectura barroca italiana, Bernini (t 1680)
necesita el complemento de Borromini, él es, en cambio, el padre Figs. 400, 401.—El Carmen, Ouro Preto —Palacio de Mafra.
indiscutible de la escultura barroca. Establecido en Roma, aunque
napolitano de nacimiento, es artista precoz, de gran fantasía y deci-
sión, que no tarda en crear el estilo que impondrá al resto de Europa.
Formado con su padre, colabora ya con él en el Rapto de Proser-
pina (lám. 367). Si recordamos que es tema análogo al interpretado por
el manierista Juan de Bolonia (lám. 272), se observará cómo se relaja
la composición, al mismo tiempo que el movimiento gana en intensi-
dad. Pero donde su estilo se manifiesta sin trabas es en el David (1619).
El joven héroe que imaginara Miguel Ángel derecho, concentrado en sí
mismo, con la mirada fija en el blanco, se convierte en sus manos en
una figura de actitud violenta, representada en el momento mismo en
que va a lanzar la mortífera piedra. El modelado de su cuerpo delata
ya también al gran virtuoso del cincel. Ambos valores, movimiento
expansivo y finura de modelado, se acusan aún más en el famoso gru-
po de Apolo y Dafne (1621) (lám. 358), que esculpe a los veintitrés
Figs. 402-404.—San Francisco de Ouro Preto.—Bernini: Transverberación de Santa
años. Bernini ha elegido el momento mismo del final de la persecu- Teresa.— Cátedra de San Pedro, Roma.
ción, cuando, al abrazar el dios a la ninfa, los niveos brazos de ésta
se hacen follaje y su blando cuerpo se recubre de duras cortezas. In-
270 ITALIA
ESCULTURA BARROCA 271
terpretado múltiples veces el poético tema de los rayos del sol y la concibe con sorprendente originalidad. De media figura y lleno de vida,
fuente por pintores y grabadores, nunca se ha representado como aquí parece querer salir del nicho cuadrado en que se encuentra. En realidad,
lo leve del cuerpo que corre ni el contraste entre el suave cutis de la el escultor se limita a ofrecernos un retrato, género éste en que deja
ninfa y la seca y quebradiza corteza del árbol. también la profunda huella de su excepcional talento artístico. Aunque
Muchos años después, Bernini vuelve a tratar otro tema del amor y monumento de otra naturaleza, debe recordarse en este lugar la Cáte-
crea la que será su obra maestra. Pero no de amor pagano, sino de dra de San Pedro (fig. 404), conjunto apoteósico típicamente barroco.
amor divino: El éxtasis de Santa Teresa (1644) (lám. 357), concebido En el busto de Constanza Buonarelli (lám. 360) y en el del Cardenal
como un cuadro (fig. 403) a pesar de ser bulto redondo. Presenta a la Borghese (lám. 361), tan llenos de vida, puede advertirse no sólo cómo
Santa suspendida en el espacio, desfallecida sobre un trono de nubes el naturalismo propio del barroco encuentra en el retrato uno de sus
horizontales y superficie rugosa, que al contacto con la superficie pu- géneros más propios, sino también la mirada penetrante de retratista
lida de los ropajes adquieren calidad vaporosa. El hábito de la Santa que distingue al Bernini. En el tardío retrato de Luis XIV (1665) (lám.
con sus grandes plegados barrocos no acusa las formas del cuerpo. 364) es, sin embargo, la idea del movimiento lo decisivo en el aspecto
Lo único que de él vemos nos dice del modo más patético que ese cuer- general. En la estatua de Constantino, del Vaticano (1663) (lám. 369),
po no vive: el menudo pie desnudo pendiente en el espacio, la mano que puede considerarse un retrato ecuestre, rompe con el patrón clá-
entreabierta que aún apoya sobre el muslo, y, sobre todo, el rostro con sico y adopta el barroco del caballo apoyado sobre las patas traseras.
los ojos cerrados y la boca entreabierta. En contraste con la Santa La Fuente del Tritón (lám. 365) es un bello ejemplo de cómo se
desfallecida, la fina túnica del ángel flamea y el rostro rebosa de vida funden en Bernini el arquitecto y el escultor.
y alegría al lanzar el dorado dardo del amor divino en el alma cris- La escultura barroca italiana posterior al Bernini es, en realidad,
tiana anonadada en presencia del Amado. de estilo berninesco, y, como en tiempos del gran artista, sus princi-
Al final de su vida, en la Beata Albertoni vuelve a tratar el tema pales cultivadores continúan establecidos en Roma. Entre sus con-
del transporte místico en forma más sencilla, pero con no menor in- temporáneos debe recordarse al flamenco Duquesnoy (t 1643), que
tensidad (lám. 373). pasa gran parte de su vida en la Ciudad Eterna, y que, inspirado qui-
El sentido teatral y efectista del barroco inspira a Bernini otra zá más por el barroquismo rubeniano que por el berninesco, esculpe
serie de obras de primer orden. En el San Longino (1638) (lám. 363) ese el espléndido San Andrés (1640) (lám. 362), de San Pedro, cuya gran-
movimiento expansivo tan propio del estilo, le hace extender sus brazos diosa actitud es hermana de la del San Longino; Alejandro Algardi
en grandiosa actitud, que será ejemplar para sus sucesores. (t 1654), italiano de la misma generación del Bernini, es su principal
Pero donde la grandiosidad, la teatralidad y el efectismo del barro- competidor. Formado en el manierismo se deja influir por él, como
co escalan su máxima altura es en sus monumentos funerarios. En el se pone bien de manifiesto en el relieve de Atila y el Papa León (1650),
de Urbano VIII (lám. 366) crea el gran sepulcro barroco de ricos ma- en San Pedro. Su busto de Olimpia Pamphüi, aunque sin la vida des-
teriales. Preséntanos en él la estatua de bronce del Pontífice, con el bordante de los berninescos, es de un realismo netamente barroco.
brazo en alto, en elevado pedestal, mientras a sus pies, esculpidas en Entre los cultivadores de la tradición berninesca durante el siglo
mármol, las figuras alegóricas de la Caridad y la Justicia se apoyan en XVIII, los dos nombres más ilustres son Camilo Rusconi (t 1728) y
el sarcófago, del que se incorpora la Muerte para escribir en negra Felipe della Valle (t 1770), que trabajan en Roma. En Palermo,
lámina el nombre del difunto. En el de Alejandro VII (lám. 368) aban- Giacomo Serpotta (t 1732) se distingue por su gran sentido deco-
dona el recuerdo miguelangelesco del sarcófago e imagina una gran rativo.
cortina que levanta, de la manera más teatral y efectista, la Muerte,
todavía medio oculta entre sus plegados, para descubrirnos la puerta FRANCIA.—En la escultura barroca francesa el género religioso
del sepulcro y mostrarnos el reloj de arena que cuenta nuestros días. pasa a último término, mientras los temas de carácter mitológico y
Cuatro grandes figuras alegóricas femeninas de mármol blanco, per- alegórico, más de acuerdo con el tono de las lujosas construcciones
didas entre el cortinaje de color oscuro, ocupan los cuatro ángulos. reales y del parque de Versalles, ocupan el primer plano. Así como
Incluso sepulcros tan sencillos como el de Fonseca (lám. 359), los en España e incluso en Italia continúa siendo la Iglesia el princi-
272 FRANCIA ESCULTURA BARROCA 273

pal cliente de los escultores, en la Francia barroca, siguiendo el pro- que no en vano termina siendo el artista director de la Fábrica de
ceso iniciado en el siglo xvi, son el monarca y sus cortesanos quie- Sévres. El neoclasicismo gana terreno en los principales escultores del
nes solicitan principalmente sus obras. Dado este carácter profano, último tercio del siglo que mueren ya en la centuria siguiente. Figura
es natural que el retrato encuentre especial favor y constituya uno de entre ellos Pajou (t 1809), cuyas obras más atractivas son, sin embar-
los capítulos más interesantes del barroquismo francés, particularmente go, las animadas por el espíritu de la corte de Luis XV, como lo prue-
en forma de busto. ban su Psique y el retrato de busto de la Du Barry (lám. 377), del Lou-
Los escultores barrocos franceses trabajan preferentemente en már- vre. J. A. Houdon (t 1828) esculpe la Diana, del mismo museo, uno
mol y en bronce, como los italianos, y su estilo se encuentra intensa- de los desnudos más elegantes y que mejor expresan el movimiento
mente influido por el de éstos. El más importante del siglo xvn, Puget de la carrera en la escultura francesa. Pero su labor más valiosa es la
(t 1694), que vive en Marsella al margen del estilo oficial de la corte, numerosa serie de bustos (lám. 378) en que nos descubre su sano sen-
es una buena prueba de la profunda influencia berninesca en Francia. tido naturalista y sus dotes extraordinarias para sentir y expresar la
Estudia en Italia y crea en el relieve de Alejandro y Diógenes una obra vida de sus retratados, que son casi todos los hombres célebres de su
de grandiosidad típicamente barroca, en la que la huella del Bernini tiempo. Por la vida rebosante de su expresión merece recordarse es-
es bien patente. Esa misma grandiosidad es la que caracteriza al Milón pecialmente el de Voltaire, en cuyo rostro brilla en forma admirable
de Crotona (lám. 370), el tema clásico de dolor y de fuerza. la sonrisa burlona del viejo enciclopedista.
Mientras Puget esculpe estas obras inspiradas por un sano natura-
lismo barroco, los escultores de la corte, bajo la dictadura del pintor
Lebrun, director de la decoración de Versalles, trabajan en un estilo
hinchado y aparatoso. El más representativo es Francisco Girardon
(t 1715), autor de la gran estatua ecuestre de Luis XIV de la plaza
Vendóme, de París, destruida durante la Revolución. De él conserva-
mos grupos de carácter mitológico como el del Rapto de Proserpina
y el de Apolo y las ninfas, de Versalles, y el sepulcro del cardenal Ri-
chelieu (lám. 371), de la iglesia de la Sorbona. Esculpido éste por Gi-
rardon siguiendo un boceto de Lebrun, presenta al cardenal acompa-
ñado por las figuras alegóricas de la Religión y de la Ciencia, con toda
la teatralidad del estilo berninesco. Antonio Coysevox (t 1720) es el
gran retratista en el que ese estilo adquiere gracia y elegancia fran-
cesas, como demuestran, entre otros varios, los bustos de Colbert y
Conde (lám. 376). Entre los retratos de tipo mitológico merece recor-
darse el de María de Saboya, representada como Diana. Cultiva tam-
bién el género funerario en forma análoga a la de Girardon.
De los Coustou, discípulos de Coysevox, lo más importante son los
Caballos, del jardín de las Tullerías, obra de Guillermo (lám. 374).
Bajo Luis XV, bien avanzado el siglo xvm, persiste el estilo de la
gran escultura de los días del Rey Sol, y los géneros en que se pro-
ducen las creaciones más bellas y características son el desnudo de
tema mitológico y el retrato. Uno de los escultores más representati-
vos es Falconet (t 1791), cuyas estatuas del Amor y de bañistas (lámina
375) tienen toda la gracia y ligereza propia del rococó. Concebidas en
pequeño, participan del mismo espíritu que inspira a las porcelanas,
18
 ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA 275

Con esta centuria cambia otra vez el panorama escultórico pen-

insular. La escuela de Valladolid, después de su decadencia de fines
del xvi, cobra nueva vida con Gregorio Fernández, para consumirse
después rápidamente; pareja a ella llega a su máximo florecimiento,
en la primera mitad del siglo, la sevillana, de la que deriva la de Gra-
nada. En Madrid, ya muy en segundo término, se puede citar un pe-
queño grupo de menor importancia, sujeto a la influencia de la escuela
vallisoletana primero y a la de Cano más tarde.
CAPITULO XV
De Gregorio Fernández (1576-1636), que ha de imponer su perso-
nalidad a la escultura castellana de la primera mitad del siglo, sabemos
que aparece trabajando en Valladolid en 1605, pero ignoramos su vida
ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA anterior, y, sobre todo, dónde y con quién se forma. Después de per-
sonalidades artísticas como Berruguete y Juni se nos presenta Fernán-
dez como escultor de preocupaciones estéticas menos complicadas. Hi-
VALLADOLID: GREGORIO FERNÁNDEZ.—La escultura barroca española jo del naturalismo barroco, su principal interés está en interpretar la
del siglo xvn continúa empleando la madera con carácter aún más realidad en el estilo más directo posible, sin detenerse ante el horror
exclusivo que la renacentista y, como ella, también la continúa poli- trágico de la muerte. Impulsado por este mismo afán naturalista, gus-
cromando. En realidad, el casi total abandono del mármol es debido a ta de recrearse en el modelado de sus desnudos. En cambio, obedecien-
la escasa importancia que ahora tiene la escultura funeraria, pues la do a esa extraña coincidencia que se da también en la era naturalista
desaparición del sentido pagano renacentista de la gloria terrena hace del gótico flamenco, interpreta los ropajes con un convencionalismo en
renunciar a los grandes monumentos funerarios del período anterior. cierto modo análogo al de los Van Eyck. Probablemente en su deseo
Lo que principalmente se cultiva, como en el siglo xvi, es la escultura de crear violentos contrastes de luces y sombras —como veremos, el
de retablo, pero junto a ella adquiere cada vez mayor desarrollo la de estilo pictórico coetáneo es el claroscurista del «tenebrismo»— quie-
carácter procesional. En el primer tercio del siglo xvn las procesiones bra los ropajes en grandes ángulos y contraángulos como si fuesen de
cobran inusitada importancia. Recuérdese que en ese corto plazo de tela almidonada.
tiempo tienen lugar las beatificaciones y canonizaciones de San Igna- Su primera obra de fecha conocida, el Cristo yacente de la iglesia
cio, Santa Teresa, San Francisco Javier, San Isidro Labrador, San del Pardo (1605), lo presenta completamente formado y en una de sus
Francisco de Borja, etc., y que se da un paso decisivo en el culto de la más típicas creaciones. El Cristo desnudo, de un modelado exquisito,
Inmaculada después de un sin número de procesiones y rogativas pú- reclina hacia la derecha su cabeza sobre un almohadón, mostrándonos
blicas. Las procesiones son espectáculos a cielo abierto que vive toda su boca y ojos entreabiertos, interpretados con tan vivo realismo, que
población, y cuyo centro es la imagen escultórica. Para responder al llegan a producir una impresión espeluznante, casi desagradable. El
tono eminentemente escenográfico de que forma parte, el escultor, más Cristo yacente es uno de sus temas más repetidos, en el que se herma-
que delicadezas de modelado, acusa ciertos valores expresivos muy de nan la sensibilidad del artista y la de los castellano de su época (lá-
acuerdo con el estilo barroco. Aunque las imágenes de vestir no son minas 383, 384). Buenos ejemplares son también los de la Encarnación
invención de esta época, no faltan escultores de primera fila que ha- y de San Plácido, de Madrid, y el del Museo de Valladolid.
cen imágenes en que sólo se terminan cabeza, manos y pies, mientras
Ese mismo sentido trágico es el que inspira el Cristo de la Luz
el resto del cuerpo es un mero maniquí para ser recubierto con ves-
(lám. 379), del Colegio de Santa Cruz, pues mientras en su cuerpo ha-
tiduras reales.
ce gala el autor de su acostumbrada maestría en la interpretación del
El siglo xvn es, en efecto, el de los grandes imagineros vallisole- desnudo, en el rostro expresa en forma impresionante el horror de una
tanos y andaluces, y cuando cristaliza la iconografía de la In- muerte dolorosa. En la Piedad, del Museo, el tono decrece, y es más
maculada. la soledad y la quietud de la muerte lo que procura interpretar. La
276 SEVILLA

Dolorosa, de la iglesia de la Cruz, nos dice, por su parte, cómo con su

lenguaje declamatorio es capaz de mantener dignamente la competen-
cia con la de Juni (lám. 382).
Menos afortunado es, en cambio, en sus Inmaculadas —un ejem-
plar en la Encarnación de Madrid—, que tanto se difunden por toda
Castilla. Inmóvil en su ropaje dispuesto con simplicidad rayana con
la monotonía, represéntala muy niña, con el rostro y las manos unidas
dirigidos al frente.
Entre sus estatuas de santos destacan por su monumentalidad la
Santa Teresa, del Museo de Valladolid, y el San Francisco Javier (1606),
de la iglesia de San Miguel.
Gregorio Fernández es también escultor de retablos, entre los cua- 366-368— B E R N I N I : Sepulcro de Urbano VIII. Rapto de Proserpina. Sepulcro
de Alejandro VII.
les son los principales el ya citado de San Miguel, de Valladolid, el
de la Concepción, de Vitoria, y el de la catedral de Plasencia. Pero lo
más bello en este tipo de escultura es el hermoso relieve del Bautismo,
del Museo de Valladolid (lám. 380).
Gregorio Fernández es, por último, el escultor de los enormes pa-
sos de historias de la Pasión, con numerosos personajes, que recorren
la ciudad de Valladolid en los días de Semana Santa. Como es natural
en obras de estas proporciones, la parte de taller, que no se debe a su
gubia, es grande. Entre las más antiguas cuentan el Cirineo y la Veró-
nica (1614) (lám. 381), aquél todavía muy dentro del tardío estilo re-
nacentista de fin de siglo y ésta con la mímica franca y decidida, pro-
pia de Fernández. No sabemos en qué grado puede atribuírsele el ori-
gen de la nota grotesca tan ostensible en algunas estatuas de los pasos
vallisoletanos de su estilo.
369-371.—BERNINI: Constantino.—PUGUET: Milón de Crotona.—GIRARDON: Sepulcro
de Richelieu.
SEVILLA: MARTÍNEZ MONTAÑÉS. JUAN DE MESA.—En Andalucía, la es-
cuela más floreciente durante la primera mital del siglo xvn es la se-
villana. Antes de q u e imponga su estilo Martínez Montañés, trabajan
en la ciudad andaluza dos artistas que en el tránsito de una centuria
a otra mantienen el estilo manierista derivado de Bautista Vázquez.
Núñez Delgado, que colabora con escultores de la generación anterior
y con el propio Montañés, es amigo de escorzos, perspectivas, actitu-
des violetas, y telas quebradas con acritud. Su obra maestra es el re-
tablo del Bautista (1614), de San Clemente, de Sevilla. Distingüese tam-
bién como escultor en marfil. Andrés de Ocampo (t 1623) es autor del
retablo de Santa María, de Arcos de la Frontera (1608).
El gran maestro d é l a escuela es Juan Martínez Montañés (1568-1649),
que, nacido en Alcalá la Real, en la provincia de Jaén, se forma en Gra-
nada con Pablo de Rojas y se encuentra ya en Sevilla, por lo menos,
372-375.—MADERNA: Santa Cecilia.—BERNINI : Beata Albertona — COSTOD : Caballos
de Marly.—FALCONET: Joven en el baño.
 ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA 277
I

antes de contar los treinta años. Montañés es de los artistas que llegan
a gozar en vida de fama extraordinaria, y cuyo nombre perdura a tra-
vés de los siglos. Tirso dice de él que «por sólo en el mundo se se-
ñala», y otro contemporáneo suyo le califica por los mismos años de
«asombro de los siglos presentes y admiración de los por venir». El
escultor jienense no tarda en asimilar el tono espiritual de su nueva
patria y en expresarnos con la gubia algunas de las notas esenciales
que siempre han caracterizado a las más importantes manifestaciones
artísticas de la región sevillana. Formado en el manierismo de la úl-
tima etapa renacentista, sabe captar esa serenidad y ese equilibrio que
constituyen una de las facetas de lo sevillano. La comparación de su
376-378.—COYSEVOX: Conde.—PAJOU: Madame du Barry.—HOUDON : Su mujer. obra con las estridencias expresivas de su contemporáneo Gregorio Fer-
nández pone bien de manifiesto ese sentido clásico que distingue su
r ' .:•" -' personalidad en estos días de barroquismo. El orden y la ponderación
presiden su obra. En el mundo soñado por Montañés los personajes
no realizan acción alguna si no es con gracia, y con una gracia muy
parecida a la que será el principal encanto de Murillo o la que cons-
tituye el mérito de no pocas Vírgenes sevillanas del siglo xvi. Sus mis-
mos santos en actitud contemplativa, antes dejan ver en el rostro un
cierto sentimiento de tristeza, sumamente velado por el típico mimo
montañesiano, que un profundo arrebato místico.
Como su obra más antigua conservada se considera el San Cristó-
bal (1597), de la iglesia del Salvador, donde, si efectivamente es suya,
se nos muestra cultivando el estilo sevillano de fin de siglo antes co-
mentado. Pero su primera gran creación y la que ha servido de base
379-381.—GREGORIO FERNÁNDEZ: Crucifijo. Bautismo de Cristo. Verónica, Valladolid. para reconstruir su verdadera personalidad es el retablo de San Isido-
ro del Campo, de Santiponce (1609), en las proximidades de Sevilla.
Contiene en el centro el relieve de San Jerónimo penitente, y a los la-
dos los relieves de la Adoración de los Pastores y la Adoración de los
Reyes; otros relieves y estatuas decoran los cuerpos superiores. La
Adoración de los Pastores (láms. 385, 386), compuesta con verdadero
primor, deja ver como en pocas creaciones su sentido innato de la
ponderación y de la belleza. Todas las figuras están agrupadas para
dejarnos ver un bello gesto o un bello perfil. La pareja de ángeles con
las alas enhiestas, como Victorias clásicas, es de lo más hermoso que
ha producido nuestra escultura, y la correspondencia de su movimiento
con el del pastor del lado opuesto y el de la Virgen con el del otro pas-
tor en torno al eje central formado por San José y el Niño, es buen
ejemplo de lo que Montañés conserva del manierismo renacentista.
Completan el conjunto escultórico del retablo las estatuas orantes, tam-
382-385.—GREGORIO FERNÁNDEZ: Dolorosa, Valladolid. Cristos m u e r t o s , de San
Plácido, Madrid y E l Pardo.—MONTAÑÉS : Adoración de los Pastores, Santiponce. bién de madera policromada, de Guzmán el Bueno y su mujer, que,
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siguiendo el ejemplo de El Escorial, se encuentran en hornacinas en barroca. Sus pies aparecen cruzados según la mística visión de Santa
los muros laterales. Brígida, habiéndose inspirado para ello en la copia de un Cristo de
De mayor amplitud es la obra de Montañés en la iglesia de Santa Miguel Ángel existente en Sevilla. Al decir de Montañés, sería la obra
Clara, de Sevilla, para donde esculpe el gran retablo mayor (1621) y suya de empeño, que desea que no salga de España, como otras que
los cuatro pequeños laterales. En el mayor, los relieves principales ha "hecho para Indias, y, en efecto, es probablemente el cuerpo más
están dedicados a la vida de la titular —la Toma de hábitos, la Bendi- esbelto y bello, y el rostro más finamente expresivo que conocemos
ción del pan, Santa Clara con la custodia seguida por la comunidad— de su mano.
en los que se manifiesta como uno de nuestros mejores intérpretes de De Montañés es casi seguramente la imagen procesional del Jesús
historias monjiles. Los retablos laterales, mucho más sencillos, sólo de Pasión con la cruz a cuestas, de la iglesia del Salvador. Su cuerpo
contienen una estatua y un pequeño relieve. Están dedicados a la Con- es un maniquí, para ser cubierto con vestiduras reales.
cepción, a los Santos Juanes y a San Francisco. El cuerpo de éste, sin En la plenitud de su gloria va a Madrid (1636) para hacer una
duda la estatua mejor de la serie, delata su estudio de la escultura cabeza de Felipe IV que sirva de modelo a la estatua ecuestre que ha
clásica, y su rostro de emocionada expresión es excelente ejemplo del de esculpir en Florencia Pietro Tacca, y que hoy se levanta ante el
mimo montañesiano. La Concepción presenta las características de las Palacio Real de Madrid. El original de Montañés no se conserva.
que después comentaremos. El único gran escultor que asimila plenamente el estilo de Mon-
En nada inferiores a los de Santa Clara son los grandes retablos tañés, sin salirse de los rasgos esenciales de su estilo, aunque con in-
de los Santos Juanes, de la iglesia de San Leandro, de Sevilla. La fi- discutible personalidad, es el cordobés Juan de Mesa (1583 t 1627), que
gura del Bautista, casi de bulto redondo, es seguramente de las me- entra en su taller a poco de cumplir los veinte años y muere cuando
jores esculturas de Montañés, y su cabeza de lo más clásico que salió aún le quedaban al maestro otros tantos de vida. Es, sobre todo, es-
de su gubia. En el gran retablo de San Miguel, de Jerez, sólo llega a cultor de imágenes procesionales, en las que, partiendo de los mode-
esculpir el relieve central de la Batalla de los Angeles. los de Montañés, descubre un temperamento más dramático y una
Las obras que han hecho popular el nombre de Montañés no han cierta tendencia a la hinchazón de las formas. Sus principales creacio-
sido sus retablos, sino sus imágenes y, en primer lugar, sus Concep- nes son Crucificados de cofradías, todos ellos esculpidos en un breve
ciones. Ya queda citada la de Santa Clara, en buena parte de taller, período de cuatro años: el Cristo del Amor, al parecer de 1618; el de
pero la mejor es la de la catedral (1630) (lám. 387), en la que el ar- la Conversión del Buen Ladrón (1619), el de la Buena Muerte (1620)
tista pone empeño excepcional. El mismo dice, cuando la estaba es- (lám. 389), el de la Misericordia (1622), conservados en diversas igle-
culpiendo, que sería «una de las primeras cosas que haya en España», sias sevillanas, y el de la Agonía, de Vergara, en Vizcaya. En casi todos
y Rodrigo Caro, al contemplarla el año mismo de su terminación, es- el paño de pureza difiere del de la Clemencia de Montañés, haciéndose
cribe con manifiesta exageración que es «la primera cosa que se ha más voluminoso, pero dejándonos ver, para excitar mejor la piedad,
hecho en el mundo, con que Martínez Montañés está muy envanecido». la cuerda que lastima sus carnes. El Cristo que ha hecho popular el
Con un leve movimiento ascendente gracias a la inclinación de la caída nombre de Juan de Mesa es el del Gran Poder (1620), con la cruz
del manto, y desviadas sus manos finas y elegantes para que podamos a cuestas, de la Iglesia de San Lorenzo, que como el de Pasión de
admirar su bello rostro, es, indudablemente, una obra maestra de nues- Montañés, es también de vestir.
tra escultura. La Concepción de la Universidad es digna de figurar jun-
to a la de la catedral. FELIPE DE RIVAS Y JOSÉ DE ARCE.—En vida todavía de Montañés, al
En cuanto a imágenes de Cristo consta que le pertenece el de la principiar el segundo tercio del siglo, comienzan a trabajar algunos
Clemencia (1606) (lám. 388), de la catedral. Al comprometerse a la- escultores que abandonan el estilo del maestro, y abren una etapa de
brarlo ofrece el artista que tendría «la cabeza inclinada mirando a transición al pleno barroco de fines del mismo.
cualquiera persona que estuviera orando al pie de él como que le está Felipe de Rivas (t 1648). que muere un año antes que Montañés,
el mismo Cristo hablando», dejándonos así en estas líneas uno de los en el retablo del Bautista, del convento de Santa Paula, reacciona con-
textos más expresivos que ilustran la historia de nuestra escultura tra el plegar menudo y el modelado preciso de aquél, delatando tam-
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bien un gusto por el movimiento ajeno al estilo del viejo maestro. La bre columnas más pequeñas y cubierto por una cúpula. En este es-
comparación del relieve del Bautismo y la cabeza cortada de San Juan, pacio realmente rectangular, pero aparentemente cuadrado, dispone
con esos mismos temas de Montañés en San Leandro, pone bien de Pedro Roldan no menos de nueve figuras de tamaño mucho mayor que
manifiesto la diferencia. Pero el gran escultor de este momento es el el natural. El fondo es de paisaje de bajísimo relieve, cuyo efecto de
flamenco José de Arce (t 1666) —probablemente Aaerts o Aerts—, au- profundidad y de incorporación a la escena se ve favorecido por la
tor del Apostolado (1637) (lám. 390), de la Colegiata de Jerez y del perspectiva arquitectónica de la fingida cúpula.
retablo de San Miguel, de la misma población, que comenzara Martí- Obra menos lograda, pero también de grandes proporciones, es el
nez Montañés. La subida calidad de ambas obras delata a un artista retablo mayor de la iglesia del Sagrario, dedicado al Cristo muerto
muy de primera fila, y el barroquismo de su estilo debe convertirlo, sobre las piernas de la Virgen, acompañado por los santos varones y
a los ojos de los escultores sevillanos coetáneos, en un revolucionario. las santas mujeres. Pedro Roldan es, además, el autor de una de las
El rompe con ese mundo de actitudes reposadas, de cabelleras minu- principales imágenes de la Semana Santa sevillana, el Salvador en el
ciosamente interpretadas y paños quebrados en mil dobleces de Mon- momento del Descendimiento, de la iglesia de la Magdalena, que pen-
tañés, y tan es así, que, para encontrar figuras compuestas con el des- diente de unos lienzos de tela real, y recortada su quebrada silueta
enfado de las de Arce, es necesario llegar a los días de Pedro Roldan. en el espacio, patentiza los extremos a que llega el barroquismo es-
Contemporáneo del Bernini, es muy posible que haya sufrido su in- cultórico sevillano seiscentista.
fluencia, pero tal vez sea más probable que, como su paisano Duques-
noy, se formase al calor del barroquismo rubeniano. Sus últimas obras Quien pone término a la escultura procesional sevillana del siglo
son las gigantescas estatuas de piedra de la iglesia del Sagrario, de xvn es el discípulo de Roldan, Francisco Ruiz Gijón. Su Cristo de la
Sevilla. Expiración (lám. 393), sin duda una de las imágenes más populares
Alonso Martínez, a juzgar por sus obras conocidas, se incorpora de la Semana Santa, es también una de las más bellas y perfectas es-
en fecha más tardía a esta nueva etapa del barroquismo escultórico culturas de la escuela. Para prestarle movimiento y vida, Gijón apro-
sevillano. Su obra maestra es la Concepción Grande (1655), de la vecha la técnica suelta y valiente de Roldan. Como en los místicos de
catedral. Mena, muerto un año antes, todo lo que significa peso y esfuerzo des-
aparece. Es el solo espíritu, el simple anhelo divino, el que impulsa
PEDRO ROLDAN, RUIZ GIJÓN, LA ROLDANA Y DUQUE CORNEJO.—El úl- hacia arriba la imagen. El paño de pureza que, como un bello mar-
timo tercio del siglo lo llena el antequerano Pedro Roldan (t 1700), co, encuadra el esbelto cuerpo del Cristo de la Clemencia de Monta-
que pasa su juventud en Granada, en el taller de Alonso de Mena, ñés, y que con sus moñas y su abundancia oculta el de los Cristos
donde debe de ser compañero de su hijo, el después tan famoso Pedro de Juan de Mesa, se convierte en el de Ruiz Gijón en un trozo de tela
de Mena. Trasladado a Sevilla, llega a ser, con sus grandes retablos, que, al presentársenos como agitado por un vendaval que descendie-
el principal representante del pleno barroco en la capital de Andalucía, se de las alturas, produce la impresión de que el cuerpo del Salva-
no sólo por el carácter gigantesco de la concepción de sus composi- dor se eleva en sentido contrario. Si se el compara con el de Vergara,
ciones, sino por la factura sumaria y pictórica, de tipo berninesco, con de Mesa —también de la Expiración—, fácilmente se advierte cómo
que interpreta sus personajes. desaparecen el esfuerzo corporal reflejado en la contorsión de la mus-
Su obra maestra es el retablo mayor (1679) (láms. 391, 392) de la culatura al apoyar los pies para elevar el tórax, y la hinchazón del
iglesia del Hospital de la Caridad, cuya arquitectura se debe a Ber- cuello, producida por el esfuerzo y el deseo. Como los Cristos del
nardo Simón de Pineda, el gran ensamblador de la época. Represén- Greco, el de Gijón asciende porque su anhelo espiritual lo hace in-
tase en la calle central el Santo Entierro, mientras el segundo cuerpo, grávido.
q u e es en realidad simple remate, se adorna con las Virtudes. La his- A esta última fase de la escultura seiscentista corresponde la acti-
toria del Santo Entierro está interpretada con criterio esencialmente vidad de la hija de Pedro Roldan, Luisa, la Roldana (t 1704), que se
pictórico. Dentro del orden gigantesco de las columnas salomónicas, distingue, sobre todo, por sus grupos pequeños de barro cocido (lá-
el artista, valiéndose de la perspectiva, finge un espacio cuadrado SO- mina 396).
 282 GRANADA

ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA 283

En el siglo XVIII la escultura decae en Sevilla considerablemente.
La figura con verdadera personalidad es Duque Cornejo (t 1757), ami- tura. En ella crea nuevos tipos y nuevas formas, que son las que, al
go de actitudes violentas, y paños muy volados y agitados por impe- regresar a Granada y cultivar de nuevo la escultura, nos ofrece en tres
tuosos remolinos, pero lo mismo que en Sevilla, trabaja en Granada dimensiones. Sus obras principales del período granadino se conser-
y Córdoba. En Sevilla deben recordarse sus santos jesuítas, de la igle- van en la catedral, donde goza de un beneficio eclesiástico. La diminuta
sia de San Luis, en Granada, la Magdalena, de la Cartuja, y en Córdoba, imagen de la Concepción (1656) (láms. 395, 398), dedicada primitiva-
los relieves de la sillería de la catedral, su última obra. mente a coronar el facistol, con el continuo fluir y refluir de la su-
perficie de su manto nos dice que hemos franqueado la mitad del
GRANADA: ALONSO CANO.— La otra gran escuela barroca andaluza es siglo. El verticalísmo de la Virgen de Lebrija no ha desaparecido en
la granadina, y el artista que le impone su estilo personal, Alonso Ca- ella, pero el enérgico mirar de matrona romana renacentista se ha tor-
no, que, formado en Sevilla, no retorna a su patria hasta mediados nado meditación pesimista. La Virgen de Belén (1658) (lárn. 399), tam-
de siglo. Con anterioridad a esa fecha sólo merecen recordarse en Gra- bién de tamaño pequeño, se nos muestra envuelta en amplios ropajes
nada los nombres ya citados de Pablo de Rojas, maestro de Montañés de aire muy berninesco. En la catedral se guardan además las cabezas
y autor de un hermoso Crucifijo de la catedral (1612), y de Alonso de de tamaño mayor que el natural de Adán y Eva (láms. 402, 403) y de
Mena (f 1646). San Pablo (lám. 401). La de Adán, con el magnífico encuadramiento de
Alonso Cano (160111667) estudia con Martínez Montañés, y per- la gran masa de su cabellera, esculpida valientemente en amplios me-
manece en Sevilla hasta 1638, en que marcha a Madrid. Si, efectiva- chones, demuestra que el escultor de figuritas menudas vuelve a sen-
mente, son suyas las dos Concepciones, de San Andrés y de San Ju- tir la seducción de lo grandioso que le inspira la Virgen de Lebrija.
lián —ésta destruida hace años al ser incendiado el templo—, Alon- Ese mismo tono heroico, cargado de grandiosidad miguelangelesca, per-
so Cano tiene un primer período en que sigue con bastante fidelidad siste en el San Pablo, que vuelve el rostro sobre el hombro como el
los modelos del maestro. En la de San Julián, se advierte una incli- David del escultor florentino. Eva tiene cierto aire de diosa pagana vis-
nación en el rostro que permite pensar en otras obras más tardías, ta por un seiscentista bolones. El grupo de mármol del Ángel Custodio,
indudablemente suyas. En una y otra, como en las de Montañés, el del Museo de Granada, está muy bellamente compuesto.
manto cae ampliamente sobre ancha peana.
De todas las obras que se consideran fruto de sus años sevillanos,
PEDRO DE MENA Y JOSÉ DE MORA.—El más importante de los discí-
la única en que está documentada su intervención es el retablo de
Lebrija (1628-1638). En su hermosa escultura de la Virgen con el Niño pulos de Alonso Cano es Pedro de Mena (162811688), q u e refleja me-
(láms. 394, 397), se manifiesta ya una personalidad artística comple- jor que su maestro algunas de las facetas de la sensibilidad española.
tamente distinta de la de Montañés, con rasgos que perduran en su Ultimo de los grandes escultores andaluces, es un temperamento artís-
obra posterior. Como en sus futuras Concepciones, la esbelta figura tico muy diferente del de Cano. Como escultor de la segunda mitad del
de la Virgen, colocada con admirable aplomo, se mantiene en un per- siglo, se le imaginaría colaborando en grandes retablos barrocos, como
fecto verticalísmo. En la mitad inferior del cuerpo, Cano abandona las el de la Caridad de Pedro Roldan; pero lejos de ser así, lo que cono-
anchas proporciones y el menudo plegado de Montañés, y adopta la cemos de él son imágenes, no complicados relieves, n i grandes com-
fórmula no menos convencional, que seguirá empleando en lo sucesi- posiciones.
vo, de recoger sus vestiduras, apuntando así la imagen hacia los pies. Pedro de Mena expresa en sus esculturas los estados del alma, con
La superficie del manto se ondulará más y se hará más barroca, pero una decisión y un estilo tan directo como en vano buscaríamos en
las líneas generales continuarán siendo las mismas. Montañés o Alonso Cano. Las dota de un realismo que aquél no siente
Alonso Cano marcha después a Madrid, y aunque conocemos algu- y que éste, tal vez, no gusta de dejarnos ver. Gracias a su maravilloso
na escultura ejecutada en la Corte, como el Crucifijo, hoy en Lecároz dominio de la gubia, la galería de estudios realistas de niños, bellas
(Navarra), y el Nazareno niño, de San Fermín de los Navarros, en jóvenes, ancianos de rostros surcados de arrugas, cuerpos coasumidos
realidad abandona la gubia y se dedica casi exclusivamente a la pin- por la enfermedad y rostros transidos de dolor que nos ha dejado, no
tiene igual en nuestra escultura.
284 GRANADA

En realidad, Pedro de Mena se forma con su padre Alonso de Mena,

y no con Alonso Cano, puesto que, cuando éste llega a Granada, cuen-
ta él ya los veinticinco. La influencia de Cano es, sin embargo, tan in-
tensa que, durante no poco tiempo, se mueve dentro de sus normas
artísticas, y en algunos tipos, como el de la Concepción, no llega nun-
ca a abandonar sus modelos, A este período corresponde la Concepción
del pueblecito de Alhendín y los cuatro santos del convento del Ángel
Custodio, de Granada, en los que casi se limita a seguir a Cano.
La gran obra de su época juvenil es la sillería de la catedral de Má-
laga (1656-1662), en la que esculpe no menos de cuarenta tableros. En
ella se advierte la liberación de Mena de su maestro, quien, por otra 386-388.—MONTAÑÉS: Adoración de los pastores, Santiponce. Concepción, Cristo
parte, tampoco puede ofrecerle prototipos para las numerosas imáge- de la Clemencia. Sevilla.
nes que precisa representar. Aunque ya esboza aquí el tipo de los san-
tos en actitud contemplativa, a que más adelante dará forma definitiva,
su verdadero mérito está en los sorprendentes estudios que nos ofrece
del natural en figuras como el San Antonio, en cabezas como la de
San Isidoro (lám. 404) o en grupos conmovedores como el de San Juan
de Dios con el pobre a cuestas. Equiparable en calidad a los mejores
trozos de la sillería era el bellísimo «tondo» de la Virgen de Belén
(lám. 408), de Santo Domingo, de Málaga, bárbaramente destruido en
1931. Quizá su obra concebida y ejecutada con más amor, en ella ini-
cia sus espléndidos estudios de bellas mujeres.
La década siguiente a la terminación de la sillería del coro debe de
ser fecunda en la labor creadora de Mena. Entonces parece que cris-
talizan sus principales representaciones de místicos, santos penitentes,
de la Dolorosa y del Ecce Homo. Se ha supuesto que el Greco y Gre- 389-391—MESA: Cristo de la Buena Muerte, Sevilla.—ARCE: San Andrés, Jerez.-
gorio Fernández han influido en sus tipos de místicos, pero, en reali- ROLDAN: Retablo del Hospital de la Caridad, Sevilla. (L. Arte.)
dad, son los de Zurbarán los que ofrecen mayor parentesco espiritual
con los suyos. Son obras cumbres en este género el San Pedro de Al-
cántara (lám. 405), cuya más perfecta versión es la de San Antón, de
Granada —el de la catedral de Córdoba está fechado en 1673— y el
San Francisco de Asís (lám. 406), de la catedral de Toledo, inspirado
éste en un original perdido de Alonso Cano, y en el aspecto del santo
cuando se abre su sepulcro. Mucho más humanas, aunque dotadas del
más arrebatado fervor místico, son sus estatuas de la Magdalena (lá-
mina 407), del Museo de Valladolid, firmada en 1664, y del convento
de la Visitación, de Madrid. Sus Dolorosas (lám. 409) son esculturas
de bellas mujeres que expresan su dolor o su tristeza con gestos cada
vez más teatrales. Simplemente de busto algunas de ellas, sus ejem-
plares más característicos son de medio cuerpo, tipo que, si no in-
venta Mena, interpreta de forma definitiva en nuestra escultura, ins-
392, 393.—ROLDAN: Retablo del Hospital de la Caridad, Sevilla—Rui/.
GIJÓN: Cristo. (L. Arte.)
 ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA 285

pirándose probablemente en creaciones pictóricas. Cubre su cabeza con

el manto azul terminado en punta, acompañando el dolor del rostro
con las manos, siempre expresivas y con frecuencia de gran belleza.
Buenos ejemplares son las Dolorosas de Alba de Tormes y de las Des-
calzas Reales, de Madrid. En los Ecce Homo, que suelen formar pare-
ja con las Dolorosas, es menos afortunado.
Muerto Pedro de Mena, los dos escultores que mantienen más dig-
namente en Granada la tradición de la escuela, en el tránsito del siglo
XVII al XVIII, son José de Mora (1642 t 1724) y José Risueño (t 1721). Me-
^tímmmiámv m imir-- jor conocido el primero, su Concepción, de los Santos Justo y Pastor,
se mantiene fiel al prototipo de Alonso Cano, mientras sus Dolorosas
394-397.—CANO: Virgen de Lebrija. Concepción, Granada.—ROLDANA: Nacimicnto.-
CANO: Detalle de la Virgen de Lebrija. (L. Arte.) y Ecce Homo se relacionan con los de Mena, aunque su exaltado sen-
tido trágico, un tanto lacrimoso, delata una sensibilidad totalmente dis-
tinta. Sirvan de ejemplo el Ecce Homo y la Dolorosa de la Capilla
Real. Sus obras más inspiradas son la Soledad (lám. 410), de la iglesia
de Santa Ana, que, si bien se inspira en la pintura del tema de Alonso
Cano, debe a Mora los verdaderos valores que hacen de ella una de las
mejores esculturas de la escuela, y el Crucificado, de San José, de bello
desnudo, en cuyo hermoso rostro el autor expresa con la mayor inten-
sidad y fortuna su hondo sentido trágico.
En la segunda mitad del siglo XVIII la figura más destacada es Tor-
cuata Ruiz del Peral (t 1773).

MADRID.—Comparada con las escuelas vallisoletana y andaluzas, la

escultura cortesana ofrece aspecto muy pobre. Para Madrid trabajan
Gregorio Fernández y Pedro de Mena, y ya hemos visto que para ha-
398-403.—CANO: Concepción. Virgen de Belén. San J u a n de Dios. San Pablo.
Adán. Eva, Granada. cer una buena cabeza de Felipe IV se llama a Martínez Montañés. El
iónico gran escultor que vive algunos años en la corte es Alonso Cano,
y,\como hemos visto, durante ese período de su vida prefiere los pin-
celes a la gubia. Quien afinca en ella de forma definitiva es el portu-
gués Manuel Pereira, que se establece a mediados de siglo. Su obra
más conocida es el San Bruno, de la Academia de San Fernando, y a
él se atribuye el Crucifijo de los Marqueses de Lozoya en la catedral
de Segóvia. Consérvanse también imágenes de su mano en la iglesia
de San Plácido. Escultor de primer orden, pero prácticamente desco-
nocido, es Alonso Villabrille y Ron, que firma en Madrid en 1707 la
excelente cabeza de San Pablo, del Museo de Valladolid, sorprendente
p o r su expresión y por su primor técnico.
A Madrid llegan en esta época los dos grandes monumentos ecues-
tres de Felipe III (1613) (fig. 405) y Felipe IV (1640) de la Plaza Ma-
404407.—MENA: San Isidoro. San Pedro Alcántara. San Francisco. Magdalena,
Málaga. Toledo v Valladolid.
286 MURCIA ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA 287

yor y de la Plaza de Oriente, obra el primero de Juan de Bolonia, es- y más conocidas, el paso del Prendimiento (1736) (lám. 415), si bien
cultor, como hemos visto, todavía renacentista, que presenta el caballo la creación en que culmina todo este período de lucha es el grupo de
al paso, y el segundo de Pedro Tacca (fig. 406), según dibujo de Ve- las Angustias (1741), de la iglesia de San Bartolomé, que le ganó gran
lázquez, que lo imagina levantado sobre las patas traseras haciendo popularidad.
corvetas. De Bernini se conservan en El Escorial un Crucifijo, y en El San Antón (1746), de la Puerta de Castilla, inicia su época más
el Palacio Real dos estatuitas de bronce de Hércules y de Verseo. El brillante, durante la que esculpe varios pasos, para la ya citada igle-
Museo del Prado posee una estatua ecuestre de Carlos II, de su sia de Jesús. En el paso de la Caída (1752) el bello rostro del Salvador,
escuela. dirigido al cielo, atrae todo el interés de la escena, y la colocación de
los sayones, que encuadran su figura para que luzca con todo su poder
E L SIGLO XVIII. MURCIA: FRANCISCO SALZILLO.—A medida que avanza emotivo, prueba cómo Salzillo sabe componer sus grupos. El de la
el siglo XVIII se van agotando las grandes escuelas de la centuria an- Oración del Huerto (lám. 414) es seguramente su obra cumbre. La
terior. La de Valladolid, muerta al desaparecer Gregorio Fernández,
apenas vuelve a dar señales de vida. La sevillana, de un florecimiento
más largo, no rebasa con vigor los comienzos del siglo, y la granadina,
la más joven de todas en su etapa barroca, aunque produce todavía
obras interesantes en los primeros años del XVIII, tampoco da vida a
ningún escultor de primera fila. Evidentemente, el clasicismo de las in-
fluencias francesa e italiana imperantes en la corte, no favorece el cul-
tivo de nuestra escultura tradicional, pero el hecho es que la arquitec-
tura, que lucha con iguales inconvenientes, continúa durante bastante
tiempo creando obras importantes en varias comarcas españolas. La
realidad es que en el siglo XVIII la escultura policroma sólo vive, con
rango digno de la centuria anterior, en la escuela murciana, y en el
escultor castellano Luis Salvador Carmona.
Murcia, no lejos de Granada, que, como hemos visto, conserva su Figs. 405-407.—J. de Bolonia: Felipe III.—Tacca: Felipe IV—Sabatini: Sepulcro de
Fernando VI. (Delojo.)
vitalidad escultórica hasta bien entrado el siglo XVIII, es ahora la sede
de una nueva escuela, que, en realidad, es la de Francisco Salzillo
expresión del desfallecimiento del Salvador, cuya espalda descansa sobre
(1707-1783). Hijo de un escultor napolitano establecido muy joven en
la pierna del ángel; la hermosura de la cabeza de éste (lám. 411), que
la ciudad, en ella parece que se forma con su padre y en ella trabaja
con el brazo señala la palmera, y la perfecta armonía con que enlazan
durante medio siglo. Es, sobre todo, un escultor de pasos procesiona-
las líneas generales del grupo, convierten este paso en una de las crea-
les formados por numerosos personajes, a diferencia de los sevillanos
ciones más bellas de nuestra escultura. A estos dos grandes pasos si-
del siglo XVII. Las estatuas de Salzillo, en general bien modeladas, de
guen las tres bellas imágenes de San Juan (lám. 412), la Dolorosa (1756)
hermosas cabezas y actitudes con frecuencia muy elegantes, suelen pro-
y la yerónica. El San Juan, que es una de sus estatuas más elegantes y
ducir la impresión de estar concebidas en pequeño. Ante muchas de mejor\plantadas, está representado en actitud de marchar, recogiendo
ellas se piensa en los Belenes y en las porcelanas, las típicas creacio- su amplia túnica y señalando con el brazo extendido el Camino del Cal-
nes dieciochescas. Incluso en las escenas más trágicas y más honda- vario, hacia donde vuelve también la cabeza. Con posterioridad hace
mente sentidas p o r el escultor, suele percibirse siempre esa sensación el paso de la Cena, y, por último, pocos años antes de su muerte, el de
de lo bonito, tan dieciochesca. los Azotes (1777), con que se cierra la serie de los de la iglesia de Jesús.
Después de su labor en el convento de Santo Domingo (1727-1730). El San Jerónimo penitente (lám. 413) debe compararse con el rena-
que data de cuando apenas cuenta los veinte años, esculpe ya para la centista de Torrigiano (lám. 46) para valorar mejor la dispersión barro-
iglesia de Jesús, que más adelante le encarga sus obras principales ca de la forma.
288 MADRID

Discípulo y continuador de Salzillo es Roque López (t 1811).

En Cataluña se distingue, por sus Belenes o Nacimientos, Ramón
Amadeu (1745-1821), si bien sus figuras son valor artístico sólo mediano.
MADRID: LOS ESCULTORES DE LA ACADEMIA DE SAN FERNANDO.—PORTU-
GAL.—Bajo la influencia de la nueva dinastía, la escultura se desarrolla
en la Corte de espaldas al estilo tradicional. En primer término, pre-
cisa recordar la actividad del pequeño grupo de escultores franceses
que trabajan, durante el reinado de Felipe V, en el palacio de La Gran-
ja, cuyos jardines pueblan de figuras mitológicas, al gusto de la Regen-
cia. Llámanse Frémin, Thiérry y Pitué.
Con la fundación de la Academia de San Fernando (1752) y los via-
jes de nuestros escultores a Roma, organizados de un modo sistemá- 408-410.—MENA : Virgen de Belén (destruida), Málaga. Dolorosa, Málaga,
tico, comienza a difundirse el barroco tardío extranjero, que termina MORA: Soledad, Granada.

desembocando en el neoclasicismo. Las tres personalidades de esta pri-

mera fase son el gallego Castro y los castellanos Mena y Carmona. Felipe
de Castro (1711-1775), que marcha a Roma por consejo de Frémin, a
pesar de ser más joven que Mena y Carmona, es el primer director de
la Academia, y no deja de ser significativo que sea él quien esculpa el
relieve conmemorativo del acto inaugural de la institución. En su fondo
aparatoso, como el de un cuadro de Van Loo, y en sus figuras dispues-
tas en diversos términos, se refleja todo el barroquismo del arte italia-
no y francés de la primera mitad del siglo. En la Academia se conser-
van también sus bustos más importantes, entre los que destacan los
de los fundadores: Fernando VI y Doña Bárbara.
El toledano Juan Pascual de Mena (1707-1784), fundador de la Aca-
demia y su director desde 1770, sufre en sus comienzos la influencia de
los escultores franceses de La Granja, que, aunque bastante aminorada, 411-413.—SALZILLO: Ángel. San J u a n . San Jerónimo, Murcia
no deja de ser sensible en su monumental fuente [Link] (lám. 417),
del paseo del Prado, de Madrid. Pese a su formación en los modelos
extranjeros, Mena cultiva también la escultura policromada.
El tercero de los escultores citados, Luis Salvador Carmona (t 1767),
es la personalidad más destacada de la escultura castellana del si-
glo xvin. Aunque muere mucho más joven, es de la misma generación
que Pascual de Mena, y como él, cultiva la escultura en piedra de carác-
ter monumental; pero lo que constituye su verdadero mérito es la de
madera policromada. Sus creaciones más conocidas son las Piedades
de la catedral de Salamanca y del Oratorio del Olivar, de Madrid; pero
su obra, todavía casi inédita, no deja de ser numerosa.
Los principales representantes de la generación siguiente son Ma-
nuel Alvarez (t 1797) y Francisco Gutiérrez (t 1782). Alvarez, discípulo
de Castro, es el autor de la fuente de Apolo, del paseo del Prado (lá-
414-416—SALZILLO: Oración del Huerto. Prendimiento.—CARMONA: Piedd.
 ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA 289

mina 419), cuya arquitectura contribuye en no pequeño grado a la gracia

del conjunto, todavía esencialmente barroco. Gutiérrez, que pasa doce
años en Roma, se nos presenta, en cambio, más dominado por el neo-
clasicismo en el monumento de Cibeles (lám. 418), del paseo del Prado,
donde la diosa aparece entronizada en su carro. Los leones son obra
del francés Roberto Michel. En el Sepulcro de Fernando VI (fig. 407),
en mármol negro y blanco, en la iglesia de las Salesas Reales, trazado
por Sabatini, el eco barroco berninesco es, en cambio, bastante fuerte.
A esta misma etapa de nuestra escultura dieciochesca pertenece el
417-420— MENA: Neptuno.—GUTIÉRREZ: Cibeles.—ÁLVAREZ : Apolo—TOLSÁ: Carlos IV. valenciano Manuel Tolsá, brillante discípulo de la Academia de San
Fernando, que marcha a Méjico para hacerse cargo, en la recién creada
de San Carlos, de la enseñanza de la escultura. Tanto el relieve de su
mano, conservado en la Academia madrileña, como la Concepción, de la
Profesa de Méjico, hablan de su formación más barroca que neoclásica.
La estatua ecuestre de bronce de Carlos IV, en la que aparece el monar-
ca español vestido a la romana, de seguro el mejor monumento de este
género producido por nuestra escultura, obliga a concederle puesto
muy destacado en la historia del arte español (lám. 420).
En Portugal, el escultor más insigne del siglo x v m es Joaquín Ma-
chado de Castro (1731-1822), que se forma en Mafra con el italiano Gius-
ti. Es el decorador de la basílica de la Estrella y del palacio de Ajuda,
de Lisboa, pero se distingue principalmente por sus estatuas de barro,
el material empleado con frecuencia en Portugal. Sirva de ejemplo la
421, 422.—Luis CARRACCI: Virgen, M. Bolonia.—ANÍBAL CARRACCI: Baco y Ariadna, de la Caridad, del Museo de aquella población. Por el especial cariño
Roma. (Alinari.) con que modela sus figuras y escenas populares de pequeño tamaño,
se hace famoso Antonio Ferreira.

]l
M
423425.—DOMENICHINO : Comunión de San Jerónimo, M. Vaticano.—GUERCINO : 19
 PINTURA BARROCA ITALIANA 291

yen también el descubrimiento, a fin de siglo, del cementerio de Pris-

cila, y la publicación del martirologio de Baronio.
La necesidad de representar las glorias celestes contempladas por
los místicos o los mártires en el momento de su tránsito, crea un tipo
de composición efectista y espectacular, en la que el cielo, cargado de
luz y músicas angélicas, y orlado de aparatosas nubes, ocupa la parte
superior del cuadro, mientras abajo campea la sombra o la miseria te-
rrena. Esta ansiedad celestial y este deseo de liberarse de la limitación
terrena da lugar al nuevo tipo de pintura decorativa, ya aludida al
CAPITULO XVI tratar de los caracteres del templo barroco. En un principio, las super-
ficies de las bóvedas se decoraban con pinturas donde las escenas apa-
recen de perfil, como en un lienzo o pintura mural, pero después se
PINTURA BARROCA ITALIANA contemplan en escorzo, como vistas desde abajo, y encuadradas por un
celaje de hermosas nubes. En realidad, la pintura barroca se limita en
este aspecto a seguir los pasos dados por Correggio.
El movimiento de la composición se intensifica, y al tranquilo es-
E L ESTILO.—Como arte figurativo, la pintura barroca participa de la
quema del triángulo equilátero, todo equilibrio, de las Vírgenes ra-
mayoría de los caracteres comentados al tratar de la escultura; es de-
faelescas sucede el deseo de crear esas grandes líneas diagonales o
cir, del naturalismo, del afán de movimiento y del gusto por lo efec-
simplemente oblicuas que cruzan violentamente las composiciones ru-
tista y teatral. La pintura, cansada de la perfección clásica renacentista
benianas.
e impulsada por el naturalismo, no duda en representar con la mayor
En cuanto a los elementos más puramente pictóricos, es ahora de
crudeza tipos deformes, como El niño cojo, de Ribera, e incluso cadá-
veres en putrefacción, como los de Las postrimerías, de Valdés Leal. capital importancia la luz. Si la luz leonardesca hace desaparecer el
Ese mismo deseo barroco de realidad hace al pintor considerar como fuerte dibujo del contorno florentino, creando su típico esfumado, aho-
tema suficiente de un cuadro unos trozos de pescado o la carne san- ra se reemprende el problema creando una pintura simplista de planos
grande de una vaca abierta en canal, e interpretar en el tono de la vida de luz y de planos de sombra, donde las formas se dibujan con preci-
diaria muchos asuntos religiosos. Su interés por los más diversos as- sión escultórica, pero se termina matizando perfectamente el efecto del
pectos de la naturaleza y de la vida le lleva, como veremos, a ampliar aire iluminado en la forma y en el color. Si la pintura debe al Rena-
considerablemente el número de los géneros pictóricos. cimiento la conquista de la perspectiva lineal, tiene que agradecer al
El estudio de la expresión preocupa sobremanera al pintor barroco. barroco el dominio de la perspectiva aérea. Al desvalorizarse la línea y,
Si Leonardo escribe sobre la sonrisa del ebrio, ahora se pinta un cua- como consecuencia de ello, el plano, viéndose cada uno en función del
dro en que la sonrisa concentra toda la atención del artista, y otros anterior y del posterior, a la visión renacentista por planos reemplaza
en que se representan la risa plena, el grito, el terror y el dolor. Este la visión en profundidad del barroco.
interés por la expresión deja honda huella en la pintura religiosa. El El pintor barroco aprende de la escuela veneciana no sólo el valor
ansia mística se pinta con más frecuencia aún que se esculpe, y, en primordial del color como tinta, sino el valor del modo de ser apli-
general, con mayor intensidad. Mientras el Renacimiento procura evitar cado como creador de forma y de su intensidad cromática. El proceso
la expresión del dolor, el barroco se complace en representarlo en las de la factura colorista barroca va, en general, de la lisa y uniforme,
escenas de martirio como medio más eficaz para fomentar la devoción. creadora de superficies exaltadoras de los valores plásticos, a la cada
Las persecuciones de los católicos ingleses y la muerte de los evangeli- vez más suelta y desenfadada con que se persigue la apariencia de la
zadores de América y Asia ponen de actualidad la era heroica de los forma. Este proceso de desintegración de la factura llega a mediados
mártires de los primeros tiempos del Cristianismo, a lo que contribu- del siglo xvii en alguna escuela a extremos que sólo se superarán dos
 292 LA ESCUELA BOLONESA
PINTURA BARROCA ITALIANA 293

siglos después. En la obra de un mismo artista es también frecuente

advertir una evolución análoga. Rafael y Correggio, la única fuente del verdadero arte radica en Bolonia,
Aunque la pintura barroca, sobre todo en Italia, continúa emplean- precisamente la ciudad dominada por Peregrino Tibaldi (t 1595), el
do el fresco, éste se reduce principalmente a la decoración de las bóve- artista que pasa su vida repitiendo más o menos fielmente el estilo
das. En cambio, se abandona el temple y se generalizan el óleo y el de la Capilla Sixtina. Este movimiento bolones que propugna un estilo
lienzo. Este último permite la pintura de cuadros de proporciones mu- ecléctico de base más amplia y produce sus primeras obras importan-
cho más grandes que la tabla, y gracias a él los cuadros de los retablos tes hacia 1580, sólo es estilo de vanguardia durante unos treinta años,
mayores son todo lo gigantescos que exige el sentido de la grandiosi- si bien la escuela perdura e incluso crea algunas de sus personalidades
dad de los arquitectos barrocos. más destacadas en el segundo cuarto del siglo xvn.
Ya queda indicado cómo los temas pictóricos se multiplican en el El eclecticismo bolones es obra de un pintor de más fuerza de vo-
período barroco. La misma iconografía cristiana se enriquece. Los cató- luntad que dotes artísticas excepcionales. Luis Carracci (t 1619) no se
licos, combatidos por los protestantes, insisten en la representación de descorazona cuando, en Bolonia, su primer maestro quiere quitarle las
los asuntos condenados por éstos. Así vemos tomar forma definitiva ilusiones de dominar la pintura, ni cuando, en Venecia, el Tintoretto
a la Inmaculada, y pintarse series de escenas alegóricas del Santísimo no le concede atención alguna. Marcha entonces a Florencia y a Par-
Sacramento. De acuerdo con el espíritu de los Ejercicios espirituales ma, y, a la vista de las obras allí existentes, forma su propio estilo,
de San Ignacio, se desmenuzan al máximo los pasajes evangélicos, y en el que trata de fundir todo' lo que considera más excelente en cada
Tiépolo llega a ofrecernos un crecido número de escenas de la historia maestro. Al regresar a Bolonia, después de imponerse a sus paisa-
de la Huida a Egipto. Las historias de santos se hacen también más nos, hace que sus dos primos más jóvenes, Agustín (t 1602) y Aníbal
numerosas, y son frecuentes las series de lienzos a ellos dedicados para (+ 1609), viajen también por Italia y adquieran un estilo igualmente
decorar iglesias y claustros de conventos. La conquista de Holanda, ecléctico, formado, sobre todo, en los frescos de Correggio y en los
tierra de fecunda actividad pictórica, por el protestantismo da lugar lienzos del Veronés. Generalmente unidos los tres, comienzan a traba-
a un mayor interés por los temas del Antiguo Testamento. jar en su patria hacia 1580, constituyendo un verdadero triunvirato pic-
La fábula pagana continúa cultivándose, sobre todo, en Flandes y tórico que termina por extender su estilo a casi toda Italia y a buena
Francia, donde conserva el tono idealista de tradición italiana, mien- parte de España y Francia. En 1585 fundan la famosa Accademia dei
tras en España y Holanda se interpreta en el plano de la vida diaria. Desirosi o degli Incaminnati, el centro de enseñanza que sirve de mo-
Pero los que ganan más terreno son los otros géneros profanos. delo a las modernas escuelas de Bellas Artes. Con ella los Carracci re-
El retrato se difunde considerablemente, generalizándose el de cuer- emplazan el viejo sistema del maestro que enseña en su taller al apren-
po entero y creándose de forma definitiva el de grupo. En alguna es- diz por una institución donde, además de las enseñanzas puramente
cuela, como la francesa, pónese de moda el retratarse de dios pagano; técnicas, se dan clases de anatomía, en las que un médico explica so-
mientras en otras—la española sobre todo—no falta algún retrato de bre el modelo vivo, de diversas enseñanzas teóricas y de historia de
dama con atributos de santa. El paisaje, convertido en género indepen- la pintura. Periódicamente, por último, se distribuyen premios entre
diente, adquiere importancia extraordinaria, y dentro de él se crean los alumnos más aventajados.
los más específicos de marinas, de batallas navales, etc. Aparece el cua- Hasta fecha reciente se ha creído en la autenticidad de un soneto
dro de arquitectura, el de interior con escenas caseras, galantes, etcé-
de Agustín Carracci elogiando a Nicolo dell' Abate que se consideraba
tera; el de bodegón con figuras, por lo general de medio cuerpo, co-
el programa del eclecticismo bolones. Según ese soneto quien quisiese
miendo, bebiendo o jugando; el de naturaleza muerta, de carnes, pesca-
hacerse buen pintor habría de aprender el dibujo en la escuela roma-
dos o frutas; el de flores, el de animales, etc. Todo ello trae como con-
na, el terrible camino de Miguel Ángel, la verdad del Tiziano, el estilo
secuencia la especialización en cada uno de esos géneros pictóricos de
numerosos artistas. puro de Correggio y la verdadera simetría, es decir las proporciones
de Rafael. Hoy sabemos que ese soneto es pura invención del siglo
LA ESCUELA BOLOÑESA: LOS CARRACCI.—La reacción contra el manie- XVIII, con lo que el eclecticismo carracciesco resulta más intuitivo que
rismo florentino y romano que ve en ciertos aspectos de Miguel Ángel, programático.
 294 LA ESCUELA BOLONESA P I N T U R A BARROCA ITALIANA 295

Luis Carracci, en su Virgen con santos (Iám. 421), tenida por su obra Guido Reni (t 1642) es un discípulo de los Carracci que duda en
maestra, descubre, por encima de los escorzos, del movimiento de al- un principio entre el estilo de éstos y el naturalismo de intensos con-
gunas figuras y de la iluminación de estirpe correggiesca, un cierto sen- trastes de luces y sombras del Caravaggio, hasta el punto de que llega
tido barroco de la grandiosidad. Encontrándose muy lejos de ser un en sus comienzos a pintar alguna obra tan plenamente caravaggiesca
temperamento apasionado, es indudable que a la premiosidad y al pre- como la Crucifixión de San Pedro, del Vaticano. Decidido, al fin, por
ciosismo manierista ha sucedido un moderado ímpetu barroco. el gran estilo decorativo de colores claros y de hermosas figuras con
La Comunión de San Jerónimo, de la misma Pinacoteca de Bolo- bellos rostros de aquéllos, llega a ser uno de los principales cultivado-
nia, de Agustín Carracci, dotada también de indudable grandiosidad, res del eclecticismo bolones. De gran capacidad técnica, aunque un
muestra, en cambio, las preferencias de su autor por el arte jugoso poco frío de inspiración, prueba su talento el que Aníbal Carracci, celoso
de los venecianos. Aníbal se hace famoso por sus numerosos asuntos de su valer, no le deje colaborar en el Palacio Farnesio.
de composición sencilla y estilo tan falto de nervio y tan dulzón, que Al terminar su pintura de la Aurora (1609) (lám. 425), el mismo año
llega a empalagar. El Sueño del Niño Jesús, el llamado «Silencio de de la muerte de Aníbal Carracci, todos le consideran en Roma el su-
Carracci», es una de sus creaciones más típicas de este género. cesor de éste. Nadie duda que aquella gran composición al fresco con
Después de haber pintado al fresco los tres Carracci varios pala- que decora la bóveda del Casino Rospigliosi es obra de la categoría de
cios de Bolonia, Agustín y Aníbal marchan en 1595 a Roma para de- la del Palacio Farnesio y digna heredera de las grandes pinturas mu-
corar el del cardenal Farnesio. Se comprende su triunfo sobre el ma- rales de Rafael. Concebido a semejanza de Baco y Ariadna, como un
nierismo agonizante representado por Federizo Zúccaro. El único que gran lienzo sin muchas preocupaciones por escorzos y efectos de pers-
puede hacerles sombra es Caravaggio, y no cultiva ese género de pectiva, presenta al dios Apolo en un carro tirado por briosos corceles
pintura. El eclecticismo bolones entronizado así en la capital del mun- avanzando al galope sobre las nubes, rodeado por el bello cortejo de
do artístico, se difunde rápidamente. Los Carracci, inspirándose en las Horas y precedido por la Aurora sembrando flores sobre la tierra.
Miguel Ángel, Rafael y el Correggio, y estudiando las antigüedades ro- Guido Reni es también uno de los grandes pintores barrocos de
manas, son quienes realmente sacan, en esta decoración de carácter temas religiosos (lám. 426). Algunas de sus creaciones, como la Mag-
mitológico de la galería del Palacio Farnesio, las últimas consecuen- dalena en actitud extática y teatral, tan fofa de carnes como de ex-
cias del arte pagano de Rafael, que la Reforma Católica impide des- presión, alcanzan gran popularidad a juzgar por el gran número de
arrollar en sus cuadros religiosos. El genio director debe de ser Agustín, copias conservadas. La Judit del Palacio Spada, de Roma, muestra la
cuyo temperamento se encuentra tan lejano de los ideales reformistas honda huella dejada en él por Caravaggio, y el retrato del Cardenal
católicos, que llega a abrir algún grabado de carácter lascivo. En el Spada, en la misma colección, habla de sus dotes para cultivar este
arranque de la bóveda del Palacio alternan los atlantes simulados de género.
mármol, con desnudos y medallones bronceados, mientras en el gran Si Guido Reni se mantiene, en lo esencial, fiel a las normas de los
cuadro central se desarrolla la historia de Baco y Ariadna (lám. 422), Carracci, Francisco Barbieri, el Guercino (t 1666), algo más joven que
que avanzan en alegre tropel exhalando en sus desnudos la sensuali- él, trae nueva vida al eclecticismo bolones vivificando el estilo deco-
dad de un paganismo plenamente asimilado. Animado por el mismo rativo de aquéllos con el claroscurismo y el amor a la naturaleza de
espíritu, el Triunfo de Galatea es otra de las escenas más decorativas Caravaggio y el colorido veneciano. Su gran pintura de la Aurora
y mejor compuestas de los Carracci. Ambas están vistas lateralmente, (1621) (lám. 424), del Casino Ludovisi, de Roma, es la última gran crea-
como en una pintura de caballete. La trascendencia de estas grandes ción de este tipo de la escuela boloñesa, donde, debido probablemente
composiciones es considerable. Son el jalón inmediatamente anterior al a la influencia veneciana, se abandona ya el punto de vista lateral adop-
barroquismo de Rubens y principal fuente de inspiración del arte fran- tado por los Carracci y Guido Reni y se presenta la escena contem-
cés de Luis XIV. plada desde abajo, en violento escorzo sobre un celaje en el que la
mirada se pierde. El claroscuro es también más intenso que en sus
GUIDO RENI, EL GUERCINO, DOMENICHINO Y ALBANI.—Las dos grandes predecesores. Ese claroscurismo de influencia caravaggiesca es todavía
figuras de la segunda generación de la escuela boloñesa y las que le mucho más sensible en su gran lienzo del Entierro de Santa Petronila
inyectan nueva vida, son Reni y el Guercino.
 296 EL TENEBRISMO PINTURA BARROCA ITALIANA 297

(lám. 427), que se considera su obra maestra. Comparado con el Santo un punto de vista más original. Al situar en el primer plano de su
Entierro, de Caravaggio, al mismo tiempo que descubre el origen de interés el problema de la luz, inicia una de las grandes conquistas del
lo bajo del punto de vista, delata, con el mayor aparato de sus com- arte barroco. Comenzada su formación en tierra lombarda, fecundada
posición, todo lo que ha prosperado el barroquismo. Su estilo colorista por el estilo leonardesco, es natural que se sienta atraído por el claros-
revela cómo Guercino ha sabido asimilar la blandura veneciana. curismo. Pero mientras en el maestro florentino el claroscuro está li-
Discípulos de menos categoría de los Carracci son el Domenichino gado al esfumado de los perfiles y a la suavidad en el tránsito de la
y Albani. Domenico Zampieri, el Domenichino (t 1641), aunque la falta luz a la sombra, en el Caravaggio la luz se proyecta sobre la forma
de nervio corriente en la escuela se hace en él bastante sensible, crea con violencia y su contraste con la sombra es brusco e intenso. Si la
en la Comunión de San Jerónimo (1614) una de las principales obras de Leonardo es una luz suave como la sonrisa de sus rostros, la del
de la pintura barroca (lám. 423). Copia bastante fiel de la de Agustín Caravaggio es intensa como la luz artificial en la noche o el rayo de
Carracci, lo monumental del fondo presta mayor grandiosidad al con- sol en la oscuridad. Para crear estos intensos efectos de luces y som-
junto y la luz destaca las diversas partes del grupo haciendo su com- bras refiere uno de sus biógrafos que pintaba con luz de sótano, es
posición más clara; pero es el agotamiento físico del rostro del santo, decir, con iluminación muy alta y única, a fin de que las paredes per-
expresado con intensidad típicamente barroca, lo que centra rápida- maneciesen en la sombra. A ello se debe el nombre de tenebrismo con
mente el interés del que contempla el cuadro. Cultiva también el gé- que se conocen su estilo y el de sus imitadores.
nero mitológico —Triunfo de Diana, de la Galería Borghese, de Roma—, Su actitud no es menos decidida frente al idealismo renacentista,
género en que se distingue especialmente Francisco Albani (t 1660). hasta el punto de convertirle en un temprano campeón del naturalismo
Pintor éste que concibe todo en pequeño, sus personajes son unos
barroco. Poco amigo de la noble arrogancia con que el Renacimiento
graciosos muñecos de rostros angelicales e infantiles en los que el es-
gusta de imaginar sus personajes, los interpreta él en tono tan natu-
píritu pagano que inspira al Correggio muere esterilizado por el sen-
ralista que, sobre todo en alguna historia religiosa, llega a provocar
timiento de castidad de la Reforma Católica. Sin el grano de sensuali-
airadas protestas. Salvo en casos muy aislados, más que el deseo de
dad renacentista, sus insípidas creaciones mitológicas le conquistan, sin
ahondar en la representación realista, adviértese en Caravaggio el de
embargo, fama muy superior a sus propios méritos. La Danza de Amo-
humanizar los personajes divinos, aunque manteniéndose dentro de
res, de la Pinacoteca Brera, de Milán, es muy representativa de su per-
los límites propios del idealismo italiano. Ello no obstante, no pocas
sonalidad artística.
de sus obras descubren en él un prurito de rebuscamiento en la com-
posición para crear violentos escorzos, de estirpe poco naturalista.
E L TENEBRISMO: CARAVAGGIO.—Un año después que Aníbal Carracci,
muere en la playa de Porto Ercole, rodeado por unos pescadores, víc- Su primer grupo de obras importantes es la serie de San Mateo.
tima de la fiebre y de las heridas recibidas en su último altercado, En la historia de San Mateo y el ángel, si el tipo poco distinguido de
Miguel Ángel Caravaggio (t 1610). Nacido en el norte de Italia, después aquél explica las protestas antes aludidas, la rebuscada actitud del
de estudiar en Milán se establece en Roma, pero su carácter violento ángel habla de su preocupación por el escorzo. De gran tamaño, las
y pendenciero convierte su vida, sobre todo en su última parte, en figuras ocupan la casi totalidad del lienzo. En la Vocación del Santo
una serie ininterrumpida de duelos, muertes, fugas huyendo de la jus- ofrece la escena, corriente en el tenebrismo, de varios personajes en
ticia y peticiones de indulto. Así, cuando el porvenir se le presenta ya una oscura sala en torno a una mesa violentamente iluminada desde
diáfano en la Ciudad Eterna, tiene que abandonarla y huir a Ñapóles. la parte alta de uno de los lados.
Desde allí marcha a Malta, y después peregrina por Sicilia. Al permi- En los dos cuadros compañeros de la Crucifixión de San Pedro y
tírsele regresar a Roma, ya hemos visto cómo muere antes de cumplir de la Conversión de San Pablo (1600) se muestra aún más lejano de
los cuarenta. las normas renacentistas. Las figuras, proporcionalmente mayores, lle-
Lo mismo que su vida, la actitud artística del Caravaggio es de nan la superficie, y si en el primero, las actitudes, dentro de sus inten-
franca rebeldía frente al arte ecléctico bolones. Caravaggio ve la obra sos escorzos, procuran ser vulgares, en el segundo, el caballo, en vio-
pictórica desde un ángulo mucho más estrecho, pero también desde lento escorzo, con la grupa vuelta al espectador y el santo con los
 298 EL TENEBRISMO
PINTURA BARROCA ITALIANA 299
brazos clamantes hacia el cielo, delatan una preocupación efectista ne-
tamente barroca. decorativa de bóvedas y techos, e n ' l a que el barroquismo triunfante
El rebuscamiento en la composición y en el punto de vista es ma- alcanza una de sus últimas metas. En ella se continúa el estilo decora-
nifiesto en el Santo Entierro (1602) (lám. 426), donde el autor ima- tivo bolones. El que abre francamente esta nueva etapa barroca es
gina el sepulcro en primer lugar y al espectador muy en bajo, casi Pietro de Cortona (t 1669), casi riguroso coetáneo del Guercino. Ins-
en la fosa misma, para que contemple la escena en escorzo muy acu- pirándose aún más en las bóvedas del Correggio que en las decoracio-
sado. Los gestos y los tipos son poco distinguidos. Si se vuelve la mi- ' nes boloñesas, concede al escorzo de la figura humana y a las nubes
rada al Santo Entierro, de Rafael, imaginado como un desfile de bellas toda ^ importancia que resta a la trama arquitectónica. En su gran
actitudes, se comprenderá el largo camino recorrido por Caravaggio techo del Palacio Barberini (1633), de Roma, que pinta por los mis-
para llegar a llamarnos la atención, incluso sobre las deformidades de mos años en que Bernini traza el Baldaquino, echa las bases del nuevo
los pies de uno de los santos varones. Donde su arte de componer se estilo decorativo del pleno barroco (lám. 431).
muestra menos rebuscado, su iluminación más típicamente tenebrista Pero quien le hace recorrer el último estadio de su evolución es el
y más efectista y su realismo más insolente es en el Entierro de la jesuíta Andrea Pozzo (t 1709), cuya actividad corresponde ya al último
Virgen (1605) (lám. 429). El tomar por modelo para la figura de María tercio del siglo xvn. El pone al servicio de ese deseo de espacio infi-
a una pobre mujer ahogada en el Tíber, con el vientre hinchado, es nito, tan característico del barroco triunfante, un dominio excepcional
superior a lo que puede soportar el ambiente clásico romano, y la de la perspectiva arquitectónica. Gracias al gran escenógrafo que en
protesta termina por hacer retirar el lienzo del templo para donde se él existe, sus bóvedas producen la ilusión de que los muros del templo
pinta. Ni la grandiosidad de la composición, dentro de su aparente sen- se prolongan en pisos y más pisos, con galerías, columnas y entabla-
cillez, ni la forma admirable como el intenso claroscuro valoriza el mentos, hasta perderse en las nubes. El Triunfo de San Ignacio, de
contenido trágico del tema, creando uno de los cuadros más impresio- la bóveda de su iglesia de Roma, es su obra cumbre y la que, por
nantes de la pintura barroca, logran compensar a sus contemporáneos tanto, representa la meta de este tipo de pintura decorativa (lám. 432).
del desacato que significa el realismo de Caravaggio para el sentido clá- Ilustre cultivador del mismo estilo es su coetáneo el genovés Baciccia
sico y para la piedad. (t 1709), autor del gran fresco del Triunfo de Jesús, de la iglesia de
Dadas sus preocupaciones naturalistas, es lógico que Caravaggio Jesús, también de Roma.
cultive el cuadro de costumbres, que tanto éxito tiene entre sus suce- Con ese tipo de pintura decorativa del pleno barroco, aunque co-
sores. Ya en los primeros tiempos pinta la Mujer tocando el laúd y rresponda ya al siglo xvm, se encuentra relacionada la de escenogra-
unos Jugadores de cartas, a los que siguen otros como la Mujer di- fía, cuya ilusión suprema en este período es la ficción de espacio. Su
ciendo la buenaventura, todos ellos de figuras de medio cuerpo. Su gran maestro es el bolones Fernando Bibbiena (t 1743), quien a su
Cesta de frutas, de la Pinacoteca Ambrosiana de Milán, es testimonio dominio de la perspectiva une una imaginación extraordinaria y fe-
de la amplitud de su interés naturalista. Con este mismo criterio inter- cundísima para inventar enormes interiores de grandiosas proporcio-
preta el tema mitológico de Baco (lám. 430). nes, de los que se conservan dibujos y estampas.
La influencia del tenebrismo y del naturalismo caravaggiesco du-
rante la primera mital del siglo xvn es extraordinaria, no sólo en Ita- ÑAPÓLES Y GENOVA.—Al tenebrismo, que tan hondas raíces echa en
lia, sino en el resto de Europa. Etapa no bien conocida de la pintura Ñapóles gracias a la presencia de Ribera, sucede el estilo de Luca
italiana, cuenta con nombres como Manfredi, O. Gentileschi, Carac- Giordano, a quien ya en vida se le llama, en España, Lucas Jordán
ciolo, etc. Pero el único tenebrista que trabaja en Italia capaz de com- (t 1705). Artista que pasa de la concepción a la ejecución con rapidez
petir en personalidad con Caravaggio es el español Ribera, que pasa vertiginosa, y que a su fantasía extraordinaria une una facilidad de
casi toda su vida en Ñapóles, y de quien se trata más adelante. pincel igualmente excepcional, es quizá el pintor más fecundo que ha
existido. Su desconcertante rapidez en el trabajo hace que sus con-
Los DECORADORES BE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO.—La principal crea- temporáneos le denominen «Luca fa presto». Aunque, a veces, su estilo
ción de la escuela romana de la segunda mitad del siglo es la pintura pueda resultar algo monótono por falta de empeño, sus dotes de co-
lorista son de primera categoría, siendo también sorprendente su ha-
 300 SIGLO XVIII
PINTURA BARROCA ITALIANA 301

bilidad para imitar los estilos ajenos, de los que hace verdaderas fal-
hijos (lám. 438) se trata más adelante, en el capítulo dedicado a la
sificaciones. Entre sus pinturas de caballete son particularmente bellas
escuela española.
las de influencia veneciana. Pero donde despliega todas sus excepcio-
Si en Tiépolo perdominan la fastuosidad y el lujo veronesiano, en
nales facultades es en sus enormes frescos de bóvedas y techos. Su
Canaletto y en Guardi lo esencial es el gusto por la ciudad de Venecia
punto de partida es el estilo de Pietro de Cortona, cuyos modelos y
y por la vida veneciana que inspirara a los Bellini y a Carpaccio. El
actitudes ejercen en él profunda y perdurable influencia. Lucas Jordán
iniciador de este nuevo tipo de pintura setecentista es Antonio Canal,
renuncia a escorzos arquitectónicos, y arma sus amplísimas composi-
Canaletto (t 1768), quien, después de visitar Roma y cultivar la esce-
ciones sobre bambalinas de nubes que se suceden hasta perderse en el
nografía, se dedica a pintar desde amplios puntos de vista los canales
infinito. Trasladado en los últimos años de su vida a Madrid, pinta en
venecianos con sus góndolas, puentes y plazas, poblados de diminutas
España bóvedas tan importantes como la de la sacristía de la catedral figurillas. El Palacio de los Dux (lám. 436), la plaza de San Marcos,
de Toledo, las de la iglesia y escalera de El Escorial, la del Casón del la iglesia poligonal de Sta. Maria della Salute con sus típicos mensu-
Buen Retiro de Madrid, donde representa la historia del Toisón de lones, la paladiana fachada de San Giorgio Maggiore, son el fondo co-
Oro, etc. (lám. 433). rriente de sus alegres y luminosas composiciones. De sus continuado-
Algo más joven que Jordán, merece también recordarse en la es- res, mientras Bellotto (t 1780) se limita a repetir su estilo, Francesco
cuela napolitana el nombre de Salvator Rosa (t 1673), que lleva al pai- Guardi (t 1793), aun manteniéndose dentro de las características ge-
saje el estilo riberesco y que se distingue como pintor de batallas. nerales del mismo, emplea técnica más suelta y nerviosa (lám. 441),
En Genova, el naturalismo barroco, unido a un gran desenfado téc- que presta nueva vida al género creado por Canaletto. Pietro Longhi
nico, produce la interesante personalidad de Bernardo Strozzi (+ 1644), (t 1785) es el cronista de la vida veneciana que se interesa más por
que cultiva temas como el de la Cocinera, del Palazzo Rosso, que se la escena que por el bello escenario de canales y plazas (lám. 439).
pensaría más propio de la escuela holandesa (lám. 434). Frente a estas bellas vistas venecianas sin preocupación arqueoló-
gica de ninguna especie, las de G. P. Panini (t 1764) se distinguen por
SIGLO XVIII. VENECIA: TIÉPOLO, CANALETTO Y GUARDI.—En el siglo incluir ruinas de templos clásicos, relieves y vasos de mármol en los
XVIII, aunque continúa trabajando en Roma algún pintor de fama en que sobrevive el espíritu del paisaje romano seiscentista.
su tiempo, es Venecia la que marcha a la cabeza de la pintura italiana. Ñapóles, la hermosa ciudad del sur, conserva cierta vitalidad du-
En la primera mitad de la centuria aparecen ya varios artistas en quie- rante el siglo XVIII gracias a sus decoradores Francisco Solimena
nes revive el rico colorido de la escuela, al servicio de un barroquismo <+ 1747) y Corrado Giaquinto (t 1765), quienes con estilo diferente con-
gracioso y elegante, típicamente dieciochesco. Llámanse Sebastián Ricci servan la gran tradición de Lucas Jordán. El último, lo mismo que
(t 1734), que trabaja en las cortes de Viena y Londres, y J. B. Piazzetta T\iépolo, es llamado por Carlos III a decorar el Palacio Real de Madrid.
(f 1754). La gran pintura veneciana de esta época es de carácter pro-
fano, y su verdadero creador, Giambattista Tiépolo (t 1770), en quien
la opulencia decorativa y el sentido del lujo venecianos y el espíritu
narrativo cuatrocentista y veronesiano se ponen al servicio de una ima-
ginación ampulosamente barroca. Aunque cultiva también el género re-
ligioso, la mayor parte de sus obras y la más representativa es la de
tema profano (lám. 440). Así, en la villa Marmarana, de Vicenza, deja
una importante serie de escenas de la Eneida y de la Odisea. Decora-
dor el más distinguido en su tiempo, pinta las bóvedas del Palacio de
Wurzburgo, en Alemania, una de sus obras maestras. En 1762 se tras-
lada a Madrid, donde pasa el resto de su vida manteniendo gloriosa-
mente el pabellón d e la gran pintura colorista barroca frente al neo-
clásico Mengs. De s u labor madrileña (láms. 435, 437) y de la de sus
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