Analyse der Intermezzi Op.117 von J.

Brahms
Johannes Brahms (1833-1897) war ein deutscher Komponist und Pianist der Romantik.
Er gilt als einer der wichtigsten und einflussreichsten Komponisten der klassischen
Musik.
Brahms wurde am 7. Mai 1833 in Hamburg, Deutschland, geboren. Schon in jungen
Jahren zeigte er eine außergewöhnliche Begabung für Musik und erhielt eine intensive
musikalische Ausbildung. Obwohl er seine Karriere als Pianist begann und als Begleiter
berühmter Geiger diente, wurde er bald als Komponist bekannt.
Sein musikalischer Stil zeichnet sich durch emotionale Tiefe, kontrapunktischen
Reichtum und Beherrschung der musikalischen Struktur aus. Brahms ließ sich von den
klassischen Formen und der Musik von Meistern wie Beethoven, Bach und vor allem
Schumann inspirieren, entwickelte aber einen unverwechselbaren und persönlichen
Stil.
Zu Brahms' bedeutendsten Werken gehören vier Sinfonien, Klavier- und Violinkonzerte,
Kammermusik, Lieder, Chormusik und Klavierwerke. Vor allem seine Sinfonien gelten als
Denkmäler des sinfonischen Repertoires, und seine Kammermusik wird für ihre
Komplexität und Schönheit verehrt.
Brahms wurde von seinen Zeitgenossen anerkannt und bewundert, und sein
musikalisches Erbe ist bis heute einflussreich. Nicht alle waren jedoch seine
Bewunderer, denn die Weimarer Progressiven, vertreten durch Franz Liszt, hielten ihn
für traditionalistisch und zu akademisch, obwohl sein Beitrag und sein handwerkliches
Können von so unterschiedlichen späteren Persönlichkeiten wie Arnold Schönberg und
Edward Elgar bewundert wurden. Seine Konzentration auf sorgfältige Komposition und
seine Liebe zur klassischen Tradition machten ihn zu einer wichtigen Figur im Übergang
von der Romantik zur musikalischen Moderne. Johannes Brahms starb am 3. April 1897
in Wien, Österreich, und hinterließ ein bleibendes musikalisches Erbe und einen
nachhaltigen Einfluss auf die klassische Musik.
 Kurze Einführung in die Klavierstücke "Intermezzi"

Johannes Brahms komponierte eine Reihe von Intermezzi für Klavier, eine der letzten
Gruppen von Klavierstücken, die er komponierte, in diesem Fall inspiriert von seiner
großen Freundin Clara Schumann, mit der er sein ganzes Leben lang
zusammenarbeitete.
Es handelt sich um eine Gruppe von Stücken, die drei Jahre vor dem Tod des
Komponisten, als er Anfang sechzig war, komponiert wurden, und die den Hörer durch
ihre reiche und vielfältige Klangfülle beeindrucken, die mit großer Geschlossenheit,
Sparsamkeit des Materials und scheinbarer Einfachheit aufgebaut ist.
Sie haben etwas Einzigartiges an sich: Die Klaviersprache in diesen späten Werken von
Brahms spiegelt eine eigene Ästhetik und ein eigenes Anliegen wider, das den
Komponisten zeitlebens prägte und begleitete und ihn von Zeitgenossen wie Franz Liszt
und Frédéric Chopin abgrenzte.
Als Intermezzo bezeichnete Brahms jedes Stück, das als "launisch oder feurig"
bezeichnet werden kann. In diesem Fall erfordern Intermezzos kein hohes technisches
Niveau, wie es in vielen seiner früheren Werke der Fall war, aber die Komplexität ihrer
Musikalität macht sie sehr schwer verständlich. Es erfordert ein hohes Maß an
Sensibilität und Feingefühl, viele Arten des Anschlags und eine große Präzision, um alle
Nuancen herauszuarbeiten und alle Stimmen zu differenzieren. In diesem Sinne nutzt
Johannes Brahms viele der Möglichkeiten, die das Klavier bietet. Ziel der Analyse wird
es sein, diese Elemente zu finden, die dem Werk Zusammenhalt verleihen und dazu
beitragen, die Merkmale zu definieren, die den Stil des Komponisten kennzeichnen.
Das Kuriose an diesen kurzen Stücken ist, dass sie im selben Jahr, nämlich 1892,
komponiert und auch veröffentlicht wurden.
Eine weitere Besonderheit dieser Reihe ist, dass sie alle ein gemeinsames Tempo haben,
in diesem Fall das "Andante".
Es handelt sich um kurze, lyrische Musikstücke, die als eigenständige Werke oder als Teil
eines größeren Ensembles aufgeführt werden können. Brahms' Intermezzi für Klavier
sind bekannt für ihren emotionalen Reichtum, ihre Zartheit und Tiefe.
Johannes Brahms selbst bezeichnet diese drei Intermezzi als "Wiegenlieder für meine
Sorgen".
 1. 1. Intermezzo in Es-Dur, op. 117, Nr. 1: Dieses Intermezzo ist eines der
bekanntesten von Brahms. Es ist ein heiteres und melancholisches Stück mit
einer schönen und ausdrucksstarken Melodie. Es vermittelt ein Gefühl von
Nostalgie und Kontemplation.
Man könnte sagen, dass dieses Intermezzo wie ein Volkslied ist, das an seine
jugendlichen Klaviersonaten erinnert.
Es hat eine ternäre Form (ABA) und einen ternären Rhythmus (6/8).

2. Intermezzo in b-Moll, Op. 117, Nr. 2: Dieses Intermezzo steht im Gegensatz zum
vorherigen, da es leidenschaftlicher und dunkler ist. Es enthält eine lyrische
Melodie in der mittleren Lage des Klaviers und bietet Momente der Intensität
und Zärtlichkeit.
Es hat ebenfalls eine ternäre Form und einen ternären Rhythmus, aber diesmal
im 3/8 Takt.

3. Intermezzo in cis-Moll, Op. 117, Nr. 3: Dieses Intermezzo ist sanft und
stimmungsvoll. Es beginnt mit einer zarten Melodie in der rechten und linken
Hand, die sich zu einer ausdrucksvollen und warmen Harmonie entwickelt und
verflechtet. Brahms bezeichnete dieses Intermezzo einmal als "das Lied meines
Kummers".
In diesem Fall besteht es aus einer volleren ternären Form (A A ́BA), und seine
Taktart ist, im Gegensatz zu den beiden vorhergehenden, binär (2/4).

Dies sind nur die bekanntesten Beispiele, aber Brahms komponierte im Laufe seiner
Karriere noch mehr Intermezzi für Klavier. Andere bemerkenswerte Sätze sind die
Intermezzi aus Op. 76 und Op. 118, die eine Vielzahl von Stimmungen und Stilen
innerhalb der einzelnen Stücke präsentieren.
Brahms' Intermezzi für Klavier werden für ihre lyrische Schönheit, ihre tiefe emotionale
Introspektion und ihre Fähigkeit, eine breite Palette von Gefühlen durch Musik zu
vermitteln, geschätzt. Sie sind herausragende Werke des Klavierrepertoires und zeugen
von Brahms' kompositorischer Meisterschaft und künstlerischer Sensibilität.
In Brahms' Werken scheint es keine willkürlichen oder zufälligen Ereignisse zu geben,
jeder Ton scheint eine enge Beziehung zum Ganzen zu haben und dessen Wesen
widerzuspiegeln.

Intermezzi in E-Dur op. 117, Nr. 1

Wenn wir über die Form der Intermezzi in E b-Dur sprechen, finden wir die einfachste
der drei, eine ziemlich symmetrische ABA ́-Struktur, der B-Teil moduliert nach Es-Moll
und der letzte Teil steht in A b-Moll.
Die allgemeine Struktur sieht folgendermaßen aus:

Teil A BRÜCKE TEIL B TEIL A´

Satz 1: t 1-4 t 17-20 Satz 5: t 21-28 Satz 7: t 38-41

Satz 2: t 5-8 Satz 6: t 29-37 Satz 8: t 42-45

Satz 9: t 47-49
Satz 3: t 9-12
Satz 10: t 50-57
c 13-16

Teil A, Satz 1:

In der ersten Phrase des Werks, die nur aus 4 Takten besteht, können wir die
musikalische Einfachheit erkennen, die Brahms verwendet, ohne viele Motive zu
verwenden oder die Musik zu sehr zu überladen. Hervorzuheben ist in diesem Fall eine
stabile Stimme während aller vier Takte in der rechten Hand mit der Note Es, die immer
den gleichen Rhythmus hat und die meiste Zeit von ihrer unteren Oktave begleitet wird,
wodurch ein Gefühl und ein Effekt der Stabilität entsteht, indem in diesem Fall nur die
Tonika und die V-Stufe der Tonalität im ersten Teil des Werks verwendet werden, und
dieses kleine Fragment mit einer Kadenz in Takt 4 von G-F-Es endet.

Teil A, satz 2:
Anschließend verwendet er dasselbe Motiv mit der Note As, der vierten Stufe der
Tonart, und beginnt nach und nach, der Melodie in Satz 2 Verzierungen hinzuzufügen,
die ihr mehr Ausdruckskraft und Bewegung verleihen als der vorherige Satz.
Bemerkenswert ist ein Detail in Takt 7, wo die Oberstimme (die rechte Hand) einen
offensichtlichen 3/4-Rhythmus erzeugt, während die linke Hand ihren ternären 6/8-
Rhythmus beibehält, ein rhythmischer Effekt, der zum ersten Mal in diesem Werk
auftritt und den J. Brahms im gesamten Stück verwenden wird.

Teil A, satz 3:
Schließlich verwendet er die Phrase 3, um das Maximum an Ausdruckskraft dieses ersten
Abschnitts zu erreichen und die Phrase bei Takt 16 zu schließen, um eine modulierende
Brücke zum B-Abschnitt zu schlagen, in diesem Fall in e-Moll. Wir können in diesem
dritten Abschnitt sehen, wie Brahms das rhythmische Motiv, über das wir zuvor
gesprochen haben, immer wieder verwendet, in diesem Fall mit einem binären Gefühl
in der linken Hand (die Viertelnoten spielt), während die Stimme der rechten Hand die
Melodie und das Motiv aus dem ersten Takt übernimmt, das in einem klaren 6/8-Takt
folgt.
In der Bridge werden häufig die Tonarten As -Moll und B-Moll verwendet, und sie endet
mit einer Kadenz in Takt 20 von B-G-As.

Ende der Brücke:

Teil B, satz 5:
Wenn wir die beiden anderen Intermezzi kurz analysieren, stellen wir fest, dass sich
dieses aus einem einzigen Grund von den anderen unterscheidet: Der B-Teil des
Intermezzos in B-Dur ist der einzige, der nicht mit einer Anacruse beginnt. Dadurch
entsteht der Effekt einer Pause, eines Anhaltens der Zeit, eines Endes, einer Stille und
des Beginns einer völlig anderen Sache, was in den anderen Stücken so nicht vorkommt.
In diesem Abschnitt ist deutlich zu erkennen, dass die Hauptzelle in jedem Takt liegt,
unabhängig voneinander, im Gegensatz zu Abschnitt A, der gemeinsame Phrasen von 4
Takten mit einer Idee der Vereinigung konstruiert.
Der Rhythmus erzeugt einen Effekt und ein Gefühl der Unruhe und Instabilität, die
Hände sind nicht in Phase, da die linke Hand immer am Anfang des Taktes beginnt und
die rechte Hand, die Melodie, immer auf der zweiten Achtelnote beginnt, wodurch
dieser Effekt entsteht. Darüber hinaus verwendet J. Brahms erneut das rhythmische
Mittel, das wir bereits in diesem Abschnitt besprochen haben, indem er den Eindruck
eines 3/4-Takts in der rechten Hand und eines 6/8-Takts in der linken Hand erweckt.
Am Ende der Phrase 5 gibt es im zweiten Takt eine Semikadenz mit dem B 7-Akkord, um
den Weg für die nächste Phrase freizumachen.

Ende des Satzes 5.

Teil B, satz 6:
Phrase 6 hat eine sehr ähnliche Struktur wie Phrase 5, mit Ausnahme des Endes, aber
sie ändert ihre harmonische Bewegung, da sie zwischen der Tonart Es-Moll und As-
Moll moduliert. In diesem Fall konzentriert sich Brahms mehr auf den harmonischen
Teil und lässt den rhythmischen Teil statisch, indem er die Figuren beibehält, die
bereits vor Satz 5 erschienen sind, und den rhythmischen Effekt der Mischung von 3/4
und 6/8 beibehält.
Es ist interessant zu sehen, wie er zum Abschluss dieser Phrase in den Takten 36-37
dieselbe harmonische Form verwendet wie zuvor in der Kadenz von Takt 28, aber in
diesem Fall in der Tonart As-Moll. Hier kommt einer der magischsten Momente des
Werks, da die Musik die harmonische Richtung hat, sich nach einem V7-Akkord (Es-
Moll) wieder zu ihrer Erste Stufe (As-Moll) aufzulösen, aber dann erzeugt J. Brahms
einen Effekt des Innehaltens und der "Nicht-Auflösung", da er zu seiner relativen Dur-
Tonart, Es-Dur, zurückkehrt, der Tonart, in der das Werk begann.
Betrachtet man das Werk im Allgemeinen, so kann man eine Ähnlichkeit zwischen dem
Ende des B-Teils und dem Ende des A-Teils feststellen.
Am Ende des Abschnitts A wird der letzte Akkord (Tonart Es-Dur) durch ein As-Moll
aufgelöst, so dass das Es nun die neue fünfte Stufe der neuen Tonart ist, und im Fall
des Abschnitts B ist es umgekehrt, das Es ist in diesem Abschnitt B die Fünfte Stufe und
für Abschnitt A ́ wird es zur Erste Stufe.

Ende von Teil B.

Teil A´
Es beginnt mit der Phrase 7 von Takt 38 bis 41. In diesen 4 Takten verwendet J. Brahms
dasselbe Material wie zu Beginn des Werks, aber in diesem Fall fügt er eine harmonische
Textur hinzu, insbesondere im Bass. Die Melodie in Oktaven ist nach wie vor das
Hauptmotiv der Phrase, bietet in diesem Fall aber auch ein breiteres Register, das alle
Möglichkeiten des Klaviers ausschöpft und einen Effekt von Fülle und grandioser
Klangfülle erzeugt.
Phrase 8 ist eine Variation von Phrase 2 mit einer Verzierung in der Melodie aus
Sechzehntelnoten, die ein Gefühl von Flüssigkeit vermittelt, als ob die Musik vorwärts
schreiten würde.

Am Ende des Werks verwendet J. Brahms nicht seine am häufigsten wiederkehrende

rhythmische Ressource, die er uns während des gesamten Werks beigebracht hat (3/4
und 6/8), sondern er tauscht sie in diesem Fall gegen eine Synkope im oberen Teil aus,
die auch den Rhythmus und die Metrik, in der wir uns befinden, durcheinanderbringt.
In den letzten Takten finden wir ein scheinbar unbedeutendes Detail: J. Brahms
präsentiert uns in Takt 53 die ersten vier Noten des Werkes (Es-D-C-B), und am Ende
desselben Taktes zeigt er eine Variante, die von der Note C ausgeht (C-B-A-As).
 Schluss

Nach einer kurzen Analyse der Teile und Merkmale der Intermezzi op. 117 in E-Dur
können wir etwas mehr über den Aufbau dieses Werks erfahren. Wir sehen, wie im
gesamten Werk alles zusammenhängt, jedes kleinste Detail hat seine Beziehung vom
Anfang bis zum Ende. Die Basis geht von einfachen Elementen aus, die zusammen eine
sehr komplexe Struktur bilden.
Man spürt, wie die scheinbare oberflächliche Einfachheit in Wirklichkeit eine große
Musikalität hat und dem ganzen Werk einen Sinn und Zusammenhalt verleiht.
Die Interpretation dieses Werkes erfordert vom Pianisten viel Arbeit, um all die kleinen
Details, die auftauchen, zum Ausdruck zu bringen und hervorzuheben.
Meiner Meinung nach ist diese Forschungsarbeit für einen Interpreten unabdingbar,
wenn er das Werk spielen will, da er es dadurch besser verstehen und, wenn nicht, mit
mehr Charakter und Persönlichkeit spielen kann.

Bibliografie

Howard-Jones, E. 1910, “Brahms in His Pianoforte Music”, Proceedings of the Musical

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2020]

Chiantore, Luca, 2019, Historia de la técnica pianística: Un estudio sobre los grandes
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brahms/6462/intermezzo-en-mi-bemol-mayor
https://anchaesmicasa.wordpress.com/2023/05/07/tres-intermezzi-op-117-en-tres-
interpretaciones-sokolov-vs-lupu-y-tres-teloneros-de-lujo/