Cinemabilia

Am Morgen ein Joint und der Tag ist dein Freund. Am 19. Dezember 1969 Easy Rider in die deutschen Kinos, in Cannes war der Film schon im Mai zu sehen gewesen. Ein Mann suchte Amerika, doch er konnte es nirgends mehr finden, stand auf dem Filmplakat. Ging es darum? Easy Rider ist ein Road Movie, eins der vielen dieses neuen Filmgenres des New Hollywood Kinos. Massenhaft Landschaft, we’ve lulled our audiences with beautiful scenery, hat Peter Fonda gesagt. Und massenhaft ✺Musik. Von Steppenwolfs Born to be Wild bis zu Bob Dylans It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding). Manchmal denke ich, dass der Soundtrack das Beste am Film war. Wäre der Film nicht von Columbia aggressiv vermarktet worden, sondern wie geplant als Roger Corman Produktion erschienen, er hätte nie diesen Erfolg gehabt. Wenn Sie ein wirklich gutes road movie sehen wollen, dann schauen Sie sich Monte Hellmans ✺Two-Lane Blacktop an.

Quentin Tarantino hat über diesen Film gesagt: Wenn es jemals ein Filmregisseur verdient hätte, wiederentdeckt zu werden, dann wäre das Monte Hellman. Sein Film Two-Lane Blacktop, vom eigenen Studio boykottiert, ist an den Kinokassen ein Flop gewesen. Begeisterte aber die →Filmkritiker. Und entwickelte sich so ganz still vom Geheimtip zum Kultfilm. Der New Yorker Buchhändler, der mir vor Jahrzehnten das Drehbuch verkaufte, hatte extra fett scarce auf einen gelben Aufkleber geschrieben. Und natürlich den Preis hochgesetzt. Wahrscheinlich ist es heute wirklich etwas wert (das →Filmscript habe ich hier). Easy Rider ist ja, wie gesagt, eigentlich nur wegen des Soundtrack gut – und weil es der Karrierestart für Fonda, Nicholsonund Hopper war. Aber es ist kein wirklich guter Film. 

Two-Lane Blacktop (der hier schon einen Post hat) ist ein wirklich guter Film. Das Label existentialistisch hatte er bei der französischen Filmkritik von Anfang an bekommen, und das auch wohl zu Recht. Ein Road Movie, das das gerade erfundene Genre transzendiert. Ein Autorennen quer durch Amerika auf den alten Landstraßen, die einmal die echte Route 66 waren. Bis auf Warren Oates (und in einer Nebenrolle Harry Dean Stanton) keine professionellen Schauspieler. Und das war vielleicht auch gut so. Der Film kommt daher wie das wirkliche Leben, und er ist in den letzten vierzig Jahren erstaunlich jung geblieben. Und vielleicht hat sich das Amerika abseits der großen Highways inzwischen auch kaum verändert. 

Vier Jahre nach der Uraufführung von Easy Rider konstatierte ein Filmkritiker: Incidentally, no picture in recent memory has dated so badly as ‚Easy Rider‘, mainly because the characters have no allure beyond 1969, when the movie was released. Dull-witted, drug-pushing hippie motor-cyclists have become as exciting as a midi-skirt. Heroes should have a longer life expectancy. Aber 1969 machte ein jugendliches Publikum (und die Werbeabteilung von Columbia) den Film zu einem Kultfilm. Obgleich Peter Fonda in Interviews ganz klar gemacht hat, dass die beiden Harley Fahrer nicht die Opfer der Gesellschaft werden, sondern Opfer ihres eigenen falschen Freiheitsbegriffes:

 My movie is about the lack of freedom, not about freedom. My heroes are not right, they’re wrong. The only thing I can end up doing is killing my character. I end up committing suicide; that’s what I’m saying that America is doing, hat Peter Fonda in einem Interview mit Rolling Stone gesagt. Pauline Kael konnte sich nur zu dem sibyllinischen Satz the movie’s sentimental paranoia obviously rang true to a large, young audience’s vision. In the late ’60s, it was cool to feel that you couldn’t win, that everything was rigged and hopeless. The film was infused with an elegiac sense of American failure durchringen. Lobte aber die Landschaftsaufnahmen und die Musik.

Man muss schon sehr genau hingucken, dann ist sie schon wieder weg. Aber es ist wahr, Peter Fonda hat die ganze Zeit bei den Dreharbeiten von →Easy Rider seine goldene Rolex getragen. Was der Captain America am Anfang des Filmes wegwirft, ist nur eine billige Timex. Hätte er wirklichen Stil gehabt, hätte er die Rolex weggeschmissen. Die goldene Rolex ist vor Jahren auf einer Auktion verkauft worden. Sie brachte längst nicht so viel wie die amerikanische Flagge, die auf Fondas Lederjacke genäht war. Das wird die Firma Rolex schmerzen. Die Firma Harley-Davison wurde durch diesen Film vor dem Ruin gerettet, und für Jack Nicholson gab es die erste Oscar Nominierung. Mit Hells Angels on Wheels war ihm das zwei Jahre zuvor nicht gelungen. Fünf Jahre nach Easy Rider gab es für den Mythos des Motorradfahrens mit →Zen and the Art of Motorcycle Maintenance: An Inquiry into Valuesnoch ein philosophisches Überbauwerk. Das Buch wurde allerdings von Lederjackenträgern kaum gelesen.

Heute kaufen sich leicht angejahrte übergewichtige Deutsche in der midlife crisis auf dem Hamburger Kiez bei Easy Rider eine Lederjacke, schon auf antik gemacht. Neu darf nicht sein. Tim Mälzer hat da mal in dem Laden gearbeitet. Und dann brettern sie mit ihrer Harley durch Amerika und kommen sich ganz toll dabei vor: Du, ich sag‘ Dir, das war richtig Easy Rider mäßig. So ‚Born to be Wild‘, und Du weißt schon. Ich kann das nicht mehr hören. Meine Standardantwort ist dann, dass ein easy rider im Jazz Slang der Roaring Twenties jemand ist, der seine Nutte nicht bezahlt. Ich habe vor Jahrzehnten, als das Genre der Road Movies noch neu war, einmal etwas über die amerikanischen Road Movies geschrieben, die gleichzeitig mit den Spätwestern in die Kinos kamen. Zehn Jahre später habe ich festgestellt, dass jemand an der Uni Hamburg einen Doktortitel dafür bekommen hat, dass er das Road Movie Kapitel meines Buches beinahe eins zu eins in seine Arbeit transferiert hat. Natürlich mit einigen Umformulierungen. Ich habe mir überlegt, ob ich der Uni Hamburg schreiben sollte, habe es aber dann gelassen. Diese kleinen Guttenbergs werden nie aussterben.

Zum ersten Mal habe ich ihn im Herbst 1960 gesehen. Ein Freund hatte mir gesagt, ich müsse unbedingt den Film ✺Nur die Sonne war Zeuge sehen. Das Beste daran sei der Schluss. Der Schluss war das Beste. Den Hauptdarsteller Alain Delon kannte ich nicht, aber er sah gut aus. Hier ist er 1957 zum ersten Mal in Cannes, er hatte seine Freundin, die Schauspielerin Brigitte Auber, zu den Filmfestspielen begleitet. Das sei ein Initiationserlebnis gewesen, hat er später gesagt. Als ich Delon im Kino später wiedersah, war er schon berühmt. Mit Nur die Sonne war Zeugewar er zum Star geworden. Eigentlich hatte Maurice Ronet, der ein viel besserer Schauspieler als Delon war, die Rolle des Tom Ripley bekommen sollen, doch dann kriegte Delon sie. Nicht wegen der Schauspielkunst, sondern wegen seiner jugendlichen Schönheit. Sein Gesicht wird fortan sein Kapital sein.

1970 spielte er in Vier im roten Kreis (✺Le cercle rouge) einen Gangster. Den Film habe ich damals zweimal im Kino gesehen. Weil mich die Szene in der Nacht am Place Vendôme (wo Yves Montand mit einem Schuss das Türschloss eines Juweliers durchschießt) an meine Nacht in Paris auf dem Place Vendôme im Sommer 1959 erinnerte. Mit dem Sommersternhimmel über dem großen leeren Platz. Und gegenüber die Leuchtreklame mit den Namen der Juweliere: Boucheron, Cartier, Van Cleef & Arpels, Chaumet. Einen Gangster hatte Delon auch in seinem ersten Film Die Killer lassen bitten (Quand la femme s’en mêle) gespielt, auf diese Rollen war er von nun an abonniert. Aber da war er ein kleiner Nebendarsteller gewesen, bei Jean-Pierre Melville (der hier einen langen Post hat) hatte er als eiskalter Engel mit dem Borsalino eine Hauptrolle. Melville wird Robert Warshows einflussreichen Essay →The gangster as tragic hero gelesen haben, denn seine ersten Filme Bob le flambeur (1955) und Le doulos (1961) waren eine Hommage an den amerikanischen Gangsterfilm, über den Warshow geschrieben hatte.

Bei Melville hatte Delon gute Rollen, er hätte nicht anfangen sollen, selbst Regie führen zu wollen. Sein Debütfilm Rette deine Haut, Killer (Pour la peau d’un flic) ist ein Kriminalfilm, eine →Gattung, die das französische Kino nach den amerikanischen Filmen der zwanziger und dreißiger Jahren perfektioniert hat. Eine Gattung, die Delon inzwischen kannte, er hatte in genügend Filmen dieser Sorte mitgespielt. Wie in den Filmen von Jean-Pierre Melville. Diese Filme (Der eiskalte Engel (✺Le Samourai), Vier im roten Kreis (✺Le cercle rouge) und Der Chef (✺Un Flic), die ich alle hier zum Anklicken bereit habe, gehören auch zu den besten Filmen Delons. Beinahe jeder Nachruf auf Delon in den letzten Tagen zitiert diese Filme.

Er hätte von Melville etwas lernen können, aber er hatte nichts gelernt. Gar nichts. Delon spielt bei seinem Regiedebüt einen Privatdetektiv, der früher einmal bei der Polizei war. Das Motiv ist alt, schon als Raymond Chandler es in The Big Sleep verwandte (ja, Philip Marlowe war einmal im Staatsdienst), war es nicht mehr neu. Privatdetektive brauchen eine Sekretärin, das ist eine Gattungskonvention. 

Wir erinnern uns gerne an Effie Perrine, die die Sekretärin bei Hammetts Detektiv Sam Spade ist. Oder an Hélène Chatelain, die die Sekretärin von ✺Nestor Burma in den wunderbaren kleinen Filmen ist. Léo Malet hat zugegeben, dass er in Bezug auf Detektiv und Sekretärin seine Kollegen Chandler und Hammett ganz schön beklaut habe. Der Privatdetektiv Alain Delon hat eine Sekretärin namens Charlotte, die von Anne Parillaud gespielt wird. Sie war damals einundzwanzig und hatte gleich mit Delon eine Affaire. Das sind die Dinge, die die gute alte Besetzungscouch so mit sich bringt.

Das bleibt bei Delon nicht aus, er hatte Affairen mit vielen Frauen, sein Leben lang: Den Frauen verdanke ich, daß ich überhaupt Schauspieler wurde. All diesen Frauen, die mich wollen, die mich machen, die mir alles geben, die sich unsterblich in mich verlieben. Gewöhnlich sind sie mindestens sechs oder sieben Jahre älter als ich. In ihren Augen möchte ich der Schönste, der Größte, der Stärkste sein – deswegen wurde ich ein Filmstar. Er hatte beinahe fünfzehn Jahre lang eine Beziehung mit Mireille Darc, die hier schon einen Post hat und auch in dem Post Le grand blond zu sehen ist. Das werden Sie anklicken, weil Sie das Kleid von Mireille noch einmal sehen wollen. Elle était la femme de ma vie. Nous avons été si heureux ensemble, et heureux de tout. Aujourd’hui, je préfère avoir l’âge que j’ai plutôt que 40 ans. Je n’aurai pas beaucoup d’années à vivre sans elle, pas trop d’années à souffrir, sagte er Paris Match 2017 nach dem Tod von Mireille. Dass das alles stimmt, können wir hier auf einem kleinen ✺Video aus dem Jahre 2010 sehen. Mireille hat in Rette deine Haut, Killer einen klitzekleinen Cameo Auftritt. Kürzer als die Sache mit Mireille Darcwar Delons Beziehung mit Romy Schneider, die er auch mal die Liebe seines Lebens genannt hat. 

Und dann ist da noch die Beziehung zu Nico, die einen Sohn von ihm hatte. Sie werden diese Christa Päffgen, die sich Nico nannte, vielleicht nicht mehr kennen. Sie war einmal wirklich berühmt, hat hier mit Nico auch einen riesigen Post. Und war letztens in dem Post Anouk Aimée wiederzusehen. Delon hat den Sohn nie anerkannt, obgleich der genau so aussah wie er. Diese beiden jungen Menschen auf dem Photo hatten wohl nie etwas miteinander, aber im Alter sind sie sich näher gekommen: Delon schwärmt wie Brigitte Bardot für die Front National.

Anne Parillaud zeigt viel nackte Haut in Rette deine Haut, Killer. In dieser Szene sagt sie mit dem nettesten Lächeln ihren beiden Rettern gerade, dass das Sexuelle schon stattgefunden hat. Ach, ist das cool. Und lustig. Dies ist ein Film voller Humor. Alain Delons Humor. Ist wahrscheinlich so ähnlich wie Til Schweigers Humor.

Der größte Erfolg von Anne Parillaud war Luc Bessons Actionfilm Nikita, in dem sie eine Killerin spielt. Da brauchte sie auch nicht so viel anzuziehen. Alain Delon hat der Film wahrscheinlich gefallen, mit Rollen als Killer ist er berühmt geworden. Wenn Anne Parillaud als staatliche Auftragsmörderin ein Erfolg war, als Vampir war sie das nicht. Obgleich sie ein Vampir zum Anbeissen war. Ich habe den Film von John Landis ✺Bloody Marie: Eine Frau mit Biß schon in dem Post Fantasy erwähnt. Falls Sie den Post noch nicht gelesen haben, sollten Sie das tun. Der ultimative Artikel zu Vampiren, Zombies, Zeitreisen, Rittern und diesem ganzen Quatsch.

Eine verworrene Handlung, viel Gewalt und Brutalität, Bösewichte aus der Retorte (auch noch ein klein wenig Gestapo Assoziationen), dumme Polizisten, verbrecherische Polizisten und eine Autojagd (die mit Steve McQueen in Bullitt ist besser) zeichnen den Film Rette deine Haut, Killer aus. Und der infantile Humor. Und schlechte, dröhnende Musik. Oscar Bentons ✺Bensonhurst Blues ist ja ganz nett, brauchte aber nicht so laut zu sein. Ich habe hier sechseinhalb Minuten von ✺Rette deine Haut, Killer, ist alles drin, mehr braucht man nicht. Der Film ist offensichtlich jahrelang in Deutschland in einer gekürzten Fassung gezeigt worden, aber das machte überhaupt nichts. Diesen Film kann man beliebig kürzen. Beliebig verlängern kann man dagegen die Aufzählung der erreurs dans le film auf der französischen Wikipedia Seite.

Wenn ich jetzt bösartig wäre, dann würde ich sagen, dass das Beste in dem Film der kurze Auftritt von →Brigitte Lahaie ist, der Königin des französischen Pornofilms. Die Actrice war ja immer mal in Spielfilmen des mainstreamKinos zu sehen, wie in I as in Icarus oder mit einem klitzkleinen ✺Auftritt in dem Kultfilm Diva, zu dem es hier einen langen Post gibt. Oder sie verschönte Naziploitation Filme wie ✺Bordel SS und Horrorfilme wie La Nuit des traquées (The Night of the Hunted).

Das ist ein Film, von dem ich sogar eine DVD besitze, lag im Grabbelkasten, hat mich zwei Mark gekostet. Ich war damals dabei, über die schlechtesten und komischsten Filme des Fantasy Genres zu schreiben. Also Filme wie ✺The Lair of the White Worm(hat hier schon einen Post) oder The Hunger mit Catherine Deneuve. Und ähnliche Filme. Man muss dabei aber ganz vorsichtig sein, ich glaube Jean Rollins ✺La Nuit des traquées hat mittlerweile schon Kultstatus. Natürlich habei ich auch diesen Film hier für Sie. Filmisch gesehen ist er auf jeden Fall besser als Delons Rette deine Haut, Killer. Der kleine ✺Nestor Burma Film sowieso.

Arte hatte 2016 einen Delon Schwerpunkt, ich weiß nicht warum. Hätten sie ja im November 2015 machen können, als er achtzig wurde. Was dabei sehr gut und interessant war, war die Dokumentation ✺Alain Delon, persönlich, die jetzt nach dem Tod von Alain Delon wieder in der Mediathek ist. Und die Arte gestern Nacht noch einmal sendete. Damals habe ich auch das Regiedebüt von Delon zum ersten Mal gesehen: arte zeigt den unnahbaren Einzelkämpfer mit stechend kühlem Blick in vier Spielfilmen: ‚Monsieur Klein‘ von Joseph Losey, ‚Rette deine Haut, Killer‘ – Delons Regie-Debüt, in dem er selbst die Hauptrolle spielt. Arte hatte in seinem Delon Schwerpunkt im Jahre 2016 auch gute Delon Filme gezeigt, die gibt es natürlich auch. Aber da hat Delon keine Regie geführt. Für Rette deine Haut, Killer gilt der schöne Satz: Ne sutor supra crepidam!, was auf Deutsch Schuster bleib bei deinen Leisten heißt. Und seien Sie unbesorgt, ich rede jetzt nicht wieder über Schuhe. Aber dass Delon Kunde bei Berluti war, dass darf man ja wohl erwähnen.

Regie zu führen ist eine Kunst, bei der man etwas von dem Handwerk verstehen muss. Davon versteht Delon überhaupt nichts, deshalb die continuity Fehler und die Löcher in der Handlung. Der Drehbuchautor heißt übrigens auch Alain Delon. Der Schriftsteller Christopher Frank hat ihm dabei geholfen. Der hatte zehn Jahre zuvor einen Roman geschrieben, der La Nuit américaine hieß. Ein Titel, den wir kennen, Truffaut hat einen Film mit der schönen Jacqueline Bisset daraus gemacht. Allerdings muss man sagen, dass die Dialoge von Christopher Frank in Rette deine Haut, Killer nicht auf dem Niveau von Truffaut sind. Der übrigens in seinen Filmen für Delon niemals eine Verwendung fand. Von den Vertretern der Nouvelle Vague drehte lediglich Godard 1990 einen Film mit Delon, der aber grottenolmschlechte Rezensionen brachte.

Als der Regisseur Delon den Film Rette deine Haut, Killer dreht, ist er sechsundvierzig Jahre alt. Da hatte er schon mit Joseph LoseysMonsieur Klein seinen letzten großen Film gedreht. Er möchte gerne jünger sein, er möchte auch gerne so tough sein wie sein Konkurrent Belmondo (zu dem es einen kleinen Witz im Film gibt). Ist er aber bei dem ganzen violence is fun Getue nicht. Wenn er einen karierten Anzug tragen würde, wäre dies die perfekte Nick Knatterton Verfilmung. Mit der Kunstform des französischen Kriminalfilms hat dies nichts zu tun.

Delons Filmdebüt erregte nicht das Aufsehen renommierter Kritiker. Zwar finden sich im Internet viele Lobhudeleien, aber die berühmten Cinéasten blieben stumm. Stumm blieb auch Hans Gerhold, ein Kenner des französischen Films. In seinem souveränen Überblick Kino der Blicke: Der französische Kriminalfilm sucht man den Titel Rette deine Haut, Killer vergebens. Bei den in →Polar: Französischer Kriminalfilm aufgelisteten fünfzig wichtigen Kriminalfilmen ist er auch nicht dabei. Am besten hat mir aber gefallen, was Jean-Patrick Manchette, dessen Roman Que d’os Delon verfilmte, im Gespräch mit Martin Compart über Alain Delons Film gesagt hat: Egal was die Kritik sagt:Ich halte die Verfilmungen von Chabrol oder Bral nicht für besser als die durch Delon und Deray. Von mir wird man kein schlechtes Wort über Delon hören; er hat mir mein Appartement bezahlt. Und die Seite von →Adieu, Monsieur Delon von Martin Compart sollten Sie jetzt unbedingt einmal anklicken.

Delon war ein wirklich großer Schauspieler, wenn er gute Regisseure wie Visconti (hier ist er in Il Gattopardo an der Seite von Claudia Cardinale zu sehen) und Jean-Pierre Melville hatte, dann passte er perfekt in die Rollen. In der Rolle des Baron de Charlus in Volker Schlöndorffs Verfilmung von ✺Eine Liebe von Swann ist er zu outriert, aber gerade noch akzeptabel. Bei seinen achtzig Kinofilmen gibt es viele, viele Filme, die nicht erwähnenswert sind. In die Liga von Schauspielern wie Jean-Paul Belmondo, Yves Montand, Philippe Noiret, Jean-Louis Trintignant und Michel Piccoli gehört er nicht hinein. 

Das hat er auch gewusst. In einem →Interview hat er gesagt: Meine Karriere hat nichts mit dem Metier eines Schauspielers zu tun. Man ist Schauspieler, weil man sich dazu berufen fühlt. Man möchte Schauspieler werden, wie man Taxifahrer oder Bäcker werden möchte. Man nimmt an Kursen teil, besucht Schulen, geht auf Konservatorien. Und genau das ist der Unterschied zwischen Belmondo und Delon – ich meine das keineswegs abwertend. Ich bin Akteur, Jean-Paul ist Schauspieler; ein Schauspieler spielt, er verbringt Jahre damit, sein Metier zu erlernen, während der Akteur sein Leben lebt. Ich habe immer meine Rollen gelebt. Und nie gespielt. Der Akteur ist ein Zufall. Ich bin ein Zufall. Mein Leben ist ein Zufall. Meine Karriere ist ein Zufall.

Zeitungen und das Internet sind jetzt voll von Nachrufen auf das monstre sacré des französischen Films. Den wohl besten Nachruf auf ein Leben voller Widersprüche schrieb Jürgen Kaube mit Ein Homme fatal in der Frankfurter Allgemeinen. Selten wird in den Nachrufen erwähnt, dass Delonauch einmal in einem wirklich guten Film zu sehen war, wo er keinen Gangster oder Polzisten spielte. Ich meine damit Antonionis Film ✺L’eclisse, der in Deutschland Liebe 1962 hieß. Da spielt er an der Seite der schönen Monica Vitti einen kleinen Börsenmakler, sehr zurückgenommen. Er hat noch keine Starallüren. Der Film war der Abschluss einer Trilogie, die mit L’Avventura und La Notte begonnen hatte. Habe ich damals alle in einem Bremer Filmkunsttheater gesehen. Delon machte auf mich keinen großen Eindruck, ich bewunderte nur seine Anzüge. Das steht schon in dem Post Brioni.Monica Vitti hat hier natürlich auch schon einen Post, und für Michelangelo Antonioni gibt es hier die Posts Antonioni und Steve Cochran.

Alain Delon ist im Alter von achtundachtzig Jahren gestorben. Ein Leben voller Widersprüche, voller Liebesaffären und Schlagzeilen. Der Leutnant Jean-Marie Le Pen, den er als Soldat im Indochinakrieg kennengelernt hatte, blieb für ihn immer ein Freund. Über seine Zeit in Indochina hat Delon gesagt: Das war die glücklichste Zeit meines Lebens. In einer einzigen Nacht habe ich dort die Gesetze des Dschungels und des Tötens gelernt und mich, mit der Waffe in der Hand, als richtiger Mann gefühlt. Sein Vorgesetzter Henri Guy de Vignac hat allerdings über ihn gesagt: Ein Sadist, ein Junge, der Spaß hatte am Töten, ein sexuell Abartiger. Vor wenigen Monaten hat die Staatsanwaltschaft bei dem Waffennarren Delon zweiundsiebzig Waffen und dreitausend Schuss Munition gefunden, so viel Munition hatten nicht mal die Anhänger von Prinz Reuß.

Delons letzte Freunde waren seine Schäferhunde. Neben den Gräbern der Hunde will er begraben werden, das hat er verfügt. Delon war 1991 Chevalier de la Légion d’honneur geworden, kurz vor seinem Tod hatte er noch den Verdienstorden der Ukraine erhalten. Stolz war er darauf, 1985 den César erhalten zu haben: Pour les acteurs, le César du meilleur acteur, c’est très très important parce que c’est vraiment l’expression les gens de la profession qui disent ‚cette année, le meilleur acteur, c’est celui-là‘. Den César hat er nicht nur einmal bekommen, er war auch einmal Julius Caesar, nämlich in einer Asterix Verflmung. Das war einer seiner letzten Filme. Der Film erhielt beim Gérard du cinéma den ersten Preis als schlechtester Film des Jahres. Man muss wissen, wann man aufhören soll.

Jeder hat jetzt etwas über Alain Delon zu sagen, auch seine Kolleginnen Claudia Cardinale und Sophia Loren haben ihr Beileid bekundet. Der französische Staatspräsident Emmanuel Macron hat getwittert: Monsieur Klein ou Rocco, le Guépard ou le Samouraï, Alain Delon a incarné des rôles légendaires, et fait rêver le monde. Prêtant son visage inoubliable pour bouleverser nos vies. Mélancolique, populaire, secret, il était plus qu’un star: un monument français. Das geht jetzt schnell mit den Wörtern wie légendaire und monument français. Wenn man sich Rette deine Haut, Killer und all die schlechten Delon Filme einmal anschaut und an die Waffen und die Marković Affäre denkt, ist das ein Gegengift zur Heroisierung.

Also, ich hätte es nicht gewusst, aber wozu hat man Freunde, die alles über Autos wissen. Oder alle Autos selbst haben, wie Keith hier mit seinem ✺Jaguar E Type. Ich fand dieses Bild auf einer Seite des Guardian, die Hombre mir geschickt hatte. Lauter Photos von Françoise Hardy. Oben drüber war dieses Photo, wie sie 1960 in London am Piccadilly Circus aus einem Auto steigt. Im Miniskirt, das ist damals große Mode (der Link führt Sie natürlich zu Mary Quant). Schöne Frau, schönes Auto. Aber was war das für ein Auto? Kaum hatte ich die Mails losgeschickt, hatte ich schon die Antwort. Es ist ein Lancia Flaminia Coupé (benannt nach der Via Flaminia) von der Carrozzeria Touring.

Marcello Mastroianni hatte auch einen Lancia Flaminia. Nicht nur das, er machte auch noch für das Auto Reklame.Flaminia, l’altro amore di Marcello, war das betitelt. Wenn das Auto seine zweite Liebe war, wer war dann die erste? War es Catherine Deneuve, mit der er vier Jahre zusammenlebte und mit der er eine Tochter hatte? Wenn Sie Catherine Deneuve im Auto sehen wollen, dazu gibt es hier schon einen Post.

Françoise Hardy hatte mal einen Ferrari 275 GTS. Und auch mal einen Rolls Royce Silver Cloud, zweifarbig, hellblau mit dunkelblauer Motorhaube und dunkelblauem Dach. Irgendwie scheußlich. Viel zu groß für sie. Da fragt man sich, was macht die lütte Deern mit dem großen Auto? Sie ist mal in London mit einem Mini photographiert worden, das sah besser aus. Aber im Showgeschäft muss es irgendwann ein Rolls sein. Michael Caine kaufte sich einen, als er noch nicht mal einen Führerschein hatte. Lesen Sie mehr dazu in dem Post Luxuskutschen. 

Das einzige Bild, das mich mit einem Bentley (British Racing Green) zeigt, ist leider auf dem Übertragungswege vom I-Phone zum Computer verloren gegangen. Sonst würde ich das hier einstellen. Wem der einzige Bentley in Bremen vor sechzig Jahren gehörte, das weiß ich, weil ich die Familie kannte. Aber wem der weiße Facel Vega vor einer Osterdeich Villa gegenüber vom Weserstadion gehörte, das habe ich nie herausbekommen. Françoise sah in ihrem großen Rolls natürlich viel besser aus als ich mit dem Bentley.

Bei den Dreharbeiten von John Frankenheimers Film ✺Grand Prix hat sie mal in einem Formel 1 Rennwagen gesessen. Hatte eine kleine Nebenrolle als Boxenluder. Hat den Helm von James Garner getragen. Yves Montand gibt hier der jungen Kollegin noch Ratschläge. Aber wirklich ein Rennen ist sie mit dem Boliden nicht gefahren. Yves Montand hatte einen Ferrari, aber im Film sieht er am besten mit einem Facel Vega aus, diesem Auto, in dem Albert Camus gestorben ist. Françoise Hardy soll auch mal einen Facel Vega gehabt haben, aber dafür finde ich keine Beweise. Françoise Sagan verunglückt in dem Film ✺Bonjour Sagan mit einem Facel Vega, im wirklichen Leben fuhr sie andere Autos zu Schrott.

Besser als der Rolls Royce gefällt mir für Françoise der Citroen CX, für den sie mit ihrem Verlobten Jacques Dutronc (der hier zu sehen ist) Werbung machte. Den Text und die Gestaltung hatte Dutronc entworfen. Der übrigens im letzten Jahr wieder eine Werbeaktion für den neuesten Citroen präsentierte. Der niedliche Bobtail ist wohl nur zu Dekoration da, ich habe noch nie ein Photo von ihr und einem Bobtail gesehen. 

Für die Firma Citroen hat Louis Malle mal einen ✺Dokumentarfilm gedreht. Und er hat einmal gesagt: Wenn man in einem Bentley fahren gelernt hat, tritt der Wunsch nach einem Rolls-Royce etwas in den Hintergrund. Er kam aus einer sehr reichen Familie, er kannte die Bourgeoisie, die er in seinen Filmen beschrieb. Alte französische Filme sind ja eine Fundgrube für Nebensächlichkeiten. Also für Cinéasten, die den Film schon x-mal gesehen haben und nicht mehr auf die Handlung achten. Dann achtet man nur noch auf Klamotten und Autos. Und schöne Frauen wie Françoise Hardy. Auch auf ihrer Honda CB750 mit dem Pariser Kennzeichen sah sie sehr gut aus. Zum Thema Frauen und Autos gibt es noch mehr in den Posts: automobilia, Mercédès, die Zukunft: nackt und blind, Somewhere West of Laramie und Reste

Heute vor neunundachtzig Jahren erhielt der Film It Happened One Night den Oscar in allen fünf Hauptkategorien, der Film war ein Riesenerfolg. Weil da jemand ein bisschen nackt war. Das war nicht Claudette Colbert, das war Clark Gable. Als der im Film sein Oberhemd auszieht, konnte das Publikum sehen, dass er kein Unterhemd trug. Die Verkaufszahlen von Unterhemden sanken in den USA dramatisch. Die romantic comedykam in die Kinos, als der Motion Picture Code noch nicht griff. Sätze wie: Scenes of passion should not be introduced when not essential to the plot. In general, excessive passion should so be treated that these scenes do not stimulate the lower and baser element, und Excessive and lustful kissing, lustful embraces, suggestive postures and gestures, are not to be shown, hatten noch keine Gültigkeit.

Das Oberhemd ohne Unterhemd wird sich in der feinen Welt nicht durchsetzen. Clark Gable trägt im normalen Leben normale Kleidung, Also das, was →Eddie Smith für ihn schneiderte. Was manchmal ziemlich exzentrisch war, wie man an diesem extrem taillierten Jackett sieht. Die maskuline Variante der →Wespentaille war damals große Mode. Eddie Smith hat auch all das geschneidert, was Clark Gable in Gone With the Wind trägt. Seine Uniform lässt der Captain Clark sich nicht von Eddie Smith schneidern, er kaufte sie sich bei Saks in der Fifth Avenue.

Der erste Absatz hier oben stand schon einmal in dem Post Nudität, aber man kann das immer wieder zitieren. Dass ein Film die big five erhält, kommt ja nicht so häufig vor. Clark Gable hat schon einen Post, er wird häufig in diesem Blog erwähnt. Unter anderem in dem Post Siegfried Schürenberg. Den kennen wir als den etwas vertrottelten Chef von Scotland Yard aus den Edgar Wallace Filmen, aber Schürenberg war auch ein begehrter Synchronsprecher. Er war die deutsche Stimme von Rhett Butler in Gone with the Wind, und er hat Clark Gable auch noch in The Misfits synchronisiert. Frank Capra hat erstaunlicherweise noch keinen Post in diesem Blog; er wird zwar immer wieder erwähnt, aber es gibt leider keinen Post. Sein Film Lost Horizon hat allerdings einen Post. Ist nicht sein bester Film, ist aber sehr interessant.

Das hier rechts auf dem Bild ist der Regisseur Frank Capra. Auf dem linken Bild ist auch Frank Capra, diesmal als Colonel der US Army. Gleich nach Pearl Harbour hatte er sich freiwillig gemeldet und war als Major eingestellt worden. Die Propaganda Serie ✺Why We Fight war Capras →Antwort auf Leni Riefenstahls Film Triumph des Willens. Capras Kollege John Ford hat während des Krieges auch für die Regierung gearbeitet, er hat die Schlacht von ✺Midway mit einer Vielzahl von Kamerateams gefilmt, sozusagen im Livestream. Man hat ihn dafür zum Admiral gemacht.

John Ford und Frank Capra haben viel gemeinsam. Nicht nur, dass sie beide hier in Uniform nebeneinander stehen. Für beide ist Amerika ein neues Land. Capra kam aus Sizilien, Ford wurde zwar in den USA geboren, war in seinem Herzen und seinem Kopf immer noch in Irland. Beide werden in ihren Filmen dem Amerika der Great Depression ihre Vision vermitteln, wie die Welt sein soll. Sein könnte. Filmhistoriker haben dafür den Terminus Cinema of Populism gefunden. Wobei wir bedenken sollten, dass →Populismus nicht gleich Populismus ist. Frank Capras Populismus ist nicht der Populismus von Donald Trump.

Als ich den Begriff Cinema of Populism bei Google eingab, stieß ich auf eine 2023 erschienene Dissertation von einem Johannes Pause, die Populismus und Kino: Politische Repräsentation im Hollywood der 1930er Jahrehieß (hier im Volltext). Auf der Seite des Transcript Verlages konnte man lesen: Die 1930er-Jahre gelten als das populistische Jahrzehnt Hollywoods. Regisseure wie Frank Capra, Leo McCarey und John Ford entwerfen in ihren Werken Szenarien geglückter oder gescheiterter politischer Repräsentation, in denen sich demokratische Ideale mit politischer Theologie und amerikanischem Exzeptionalismus verbinden. Die Szenographie dieser Filme hat sich tief in das kulturelle Gedächtnis der USA eingeschrieben und prägt die politische Inszenierung von Repräsentation bis heute. Johannes Pause liest die damals entstandene Bildsprache als eine Typologie populistischer Repräsentation neu und nutzt sie als Folie, um aktuelle politische Tendenzen zu analysieren. Das wusste ich allerdings alles schon. Weil es in dem Buch Vísions of Yesterday von Jeffrey Richards steht, das ein halbes Jahrhundert vor Pauses Werk erschienen war. Und Richards hat natürlich auch ein Kapitel Frank Capra and the Cinema of Populism.

Jeffrey Richards hatte etwas aufgenommen, was Siegfried Kracauer in seinem Buch →From Caligari to Hitler (hier im Volltext) angedeutet hatte. Dass man Filme als eine Psychoanalyse einer kranken Gesellschaft lesen könne. Der Gedanke findet sich auch in dem Buch von Martha Wolfenstein und Nathan Leites →Movies: A Psychological Study (Volltext) und bei Michael Wood in seinem Buch America in the Movies. Jeffrey Richards, der zu Englands bedeutendstem Filmhistoriker wurde, bekam gute Kritiken für sein erstes Buch. Clive James schrieb im Observer: A work of considerable force and considerable wit und in Focus on Film stand: a work that is original, mentally stimulating and most pleasurable to read. Ich glaube nicht, dass man das über die Doktorarbeit von Johannes Pause sagen kann. Der Richards nicht mal im Original gelesen hat, sondern ihn aus zweiter und dritter Quelle zitiert. Der Transcript Verlag ist kein wirklich seriöser Verlag, der druckt alles, was der Autor bezahlt. Das ist so etwas Ähnliches, wie ich es in Print on Demand beschrieben habe.

Nicht alles im Werk Capras hat etwas mit Ideologie, Politik und Populismus zu tun, es wäre unsinnig, Arsen und Spitzenhäubchen so betrachten zu wollen. Und das Unterhemd von Clark Gable in der Screwball ComedyIt Happened One Night ist auch ziemlich ideologiefrei. Aber in Mr Deeds Goes to Town und Mr Smith Goes to Washington (hier ein Bild mit James Stewart), da hat Capra seinem Publikum etwas zu sagen. Sein filmisches Amerika ist ein Land von Geld, Betrug, Opportunismus und Niedertracht, ein Land ohne Moral. Aber nun kommen die etwas naiven Helden vom Lande, gespielt von Stars wie Gary Cooper und James Stewart, die sich am Ende gegen Korruption und Intrigen durchsetzen. Auf so etwas hoffen wir ja immer, nicht nur im Kino.

James Stewart und Gary Cooper (und John Wayne und Henry Fonda bei John Ford) werden in den dreißiger Jahren zur perfekten Verkörperung amerikanischer Werte: If ever a country got the film heroes it needed, it was the USA in the decade up to the Second World War, sagt Alexander Walker in Stardom. Die amerikanische Kleinstadt, Small Town, USA, ist jetzt wichtig: das sind Bedford Falls (It’s a Wonderful Life), Mandrake Falls (Mr. Deeds Goes to Town) oder Grover’s Corners bei Thornton Wilder, eine sentimentale arkadische Vision eines Amerikas jenseits der Großstädte. So hatte sich Thomas Jefferson einst Amerika vorgestellt.

Capras Filme kommen als Komödien daher, aber sie sind oft viel mehr. Meet John Doe war eine Warnung vor dem auch in Amerika grassierenden →Faschismus; und auch Mr Smith goes to Washington hatte eine Botschaft: I doubt if any government in the world today would allow itself to be so freely criticized in the press, in pictures, and on the air, as does the American. And Capra, Italian-born immigrant who once sold newspapers, is exercising every American’s privilege in lambasting certain phases of life in the country of his adoption. That doesn’t mean, however, that Capra isn’t a thoroughly patriotic American. On the contrary. I’d call ‚Mr. Smith Goes to Washington‘ just about the best American patriotic film ever made. There’s only one that might equal it, if Frank could ever be persuaded to make it, and that is Mr. Capra Goes to America. Der Verfasser dieser Zeilen war kein Gerigerer als James Hilton, dessen Roman Lost Horizon Capra 1937 verfilmt hatte. Als die Nazis 1942 im besetzten Frankreich die Aufführung englischer und amerikanischer Filme verboten, wurde als letzter Film in Paris unter dem Beifall des Publikums Mr Smith goes to Washington gezeigt.

Ein stellungsloser →Journalist und eine durchgebrannte Millionenerbin treffen sich, so beginnt der Film ✺It Happened One Night, den sie hier sehen können. Bis dahin hatte Clark Gable, der einen Oscar für seine Rolle erhielt, Gangster und harte Kerle gespielt. Aber Frank Capra hat uns versichert, das Clark Gable in der Wirklichkeit ein ganz anderer war: ‚It Happened One Night‘ is the real Gable. He was never able to play that kind of character except in that one film. They had him playing these big, huff-and-puff he-man lovers, but he was not that kind of guy. He was a down-to-earth guy, he loved everything, he got down with the common people. He didn’t want to play those big lover parts; he just wanted to play Clark Gable, the way he was in ‚It Happened One Night‘, and it’s too bad they didn’t let him keep up with that.

Frank Capra war der wahrgewordene American Dream. Er kam von ganz unten, und er gelangte nach ganz oben. Er war fest davon überzeugt, dass das jederman in Amerika schaffen könnte: My whole philosophy is in my films. People are basically good or can be made good. Sentimental? Of course, but so what ? Let’s not be hard-boiled about this. Happy endings – life is full of them. Auch das würden wir gerne glauben, aber wir wissen, dass das Leben anders ist. 

Viele von Capras Filmen sind zu Klassikern geworden, It’s a Wonderful Life war jahrzehntelang der Weihnachtsfilm für die ganze Famile in den USA. Auch wenn die Kritiker 1946 die Sentimentalität des Films beklagten. Aber ohne die geht es nicht, sagt Jeffrey Richards: Throughout Capra’s work, the tone is unashamedly sentimental, a fact which many critics decry and which calls for some comment. The only comment that one can make is that it is simply not possible to eliminate the sentimentality for it is at the root of his vision. It is this which links him to John Ford. The work of both is permeated by nostalgia for a vanished America, an idealized pre-urban America where a purer, better, freer life was lived. Sentimentality is an integral part of nostalgia and so there is simply no point in decrying it.

Einige Leser haben mich gefragt, warum hier am 22. Oktober nichts zum achtzigsten Geburtstag von ✺Catherine Deneuve stand. Kein Joyeux anniversaire! oder so etwas. Wenn ich ehrlich sein soll: ich hatte das vergessen. Habe dann aber durch die Filme ✺Madame empfiiehlt sich (Originaltitel: Elle s’en va) und ✺Leben im Schloss (La Vie de Chateau) gemerkt, dass da viel Deneuve bei arte war. Ich fand das sehr schön, dass arte La Vie de Chateau zeigte, weil ich den Film liebe. Und auswendig kenne. Und das französische Drehbuch besitze. Ich war genau zwei Jahre im Netz, da gab es hier schon den Post La Vie de Chateau.

Ich fand es auch sehr schön, dass arte mit dem Road Movie Madame empfiiehlt sich eine ganz andere Catherine Deneuve zeigte. In dem Film war sie siebzig, konnte aber noch für sechzig durchgehen. Sie ist ein wenig pulpeuse geworden, aber das steht ihr. In La Vie de Chateau war sie dreiundzwanzig. War ich damals auch. Damals hatte sie beschlossen, für den Rest des Lebens blond sein zu wollen. In Wirklichkeit war sie brünett. Ich habe Jean-Paul Rappeneaus La Vie de Chateau zweimal im Kino gesehen (und habe ihn heute auf DVD), nicht wegen der jungen blonden Frau, sondern wegen der aberwitzigen Inszenierung und Choreographie der Bewegung. Damals gab es noch Filme, die zu recht in Filmkunsttheatern gezeigt wurden. Weil die Filmkunst waren. Heute ist alles Netflix.

Ich habe das mit dem achtzigsten Geburtstag vergessen, weil Catherine Deneuve nicht meine Lieblingsschauspielerin ist.Vor zehn Jahren gab es hier in dem Post Catherine Deneuve Glückwünsche zum Geburtstag. Der Post endete mit den Sätzen: Das Geburtstagskind wird in diesem Blog bisher nicht genügend gewürdigt. Irgendwann mache ich das mal wieder gut. Bis dahin könnten Sie hier natürlich Waltz into Darkness lesen. Und natürlich Joyeux anniversaire! Die forderten einen Leser berechtigterweise zu einem Kommentar auf: Wir hatten das doch schon: IRGENDWANN & DEMNÄCHST… 😉 Was ich mit: Irgendwann kommentierte. Ich mache zu viele Versprechungen. Es ist immer dasselbe.

Sie ist so schön, dass ein Film, in dem sie spielt, auch ohne Geschichte auskommt, hat François Truffaut gesagt. Und deshalb reißt die Deneuve in dem Truffaut Film ✺Waltz into Darkness, den Jeanne Moreau finanziert hatte, alles ‚raus, die Schwächen und Unglaubwürdigkeiten der Handlung. Der Film hatte vor zwölf Jahren hier schon den ganz langen Post Waltz into Darkness. In dem viel über Catherine Deneuve steht. Und auch viel über französische Mode. Mit der war sie ja immer verbunden; sie war Werbeträgerin für Chanel,produzierte ein ✺Werbevideo für Chanel 5 nach dem anderen. Sie trug die Mode von Yves Saint Laurent (mit dem sie befreundet war) und warb für ✺L’Oréal. 1986 brachte sie ihr eigenes Parfüm auf den Markt. In den letzten Jahren war sie auf allen Modeschauen der Pariser Firma zu sehen.

Am Ende des Posts über die Verfilmung des Romans von Cornell Woolrich steht: Als Truffaut an seinen Cornell Woolrich Verfilmungen arbeitet, hat er seine Hitchcock Phase. Denn gleichzeitig mit den Filmen entsteht sein großartiges Interview-Buch ‚Le cinéma selon Hitchcock‘ (Mr. Hitchcock, wie haben Sie das gemacht?). Dort sagt er einmal: it might be said that the texture of your films is made up of three elements: fear, sex and death, und das beschreibt eigentlich auch sehr schön die Textur seiner eigenen Filme in dieser Zeit.Truffauts Hitchcock Verehrung geht so weit, dass er für diesen Film unbedingt diese kühle Blonde braucht, ohne die ein Hitchcock Film nicht funktioniert. 

Diese ‚icy sexuality‘, dieses ‚paradox between the inner fire and the cool surface‘. Und wer könnte das besser spielen als Catherine Deneuve, die so kalt ist wie der Schnee in der letzten Szene des Filmes? Mit oder ohne weiße Unterwäsche. Der Tod beschäftigte Truffaut immer, zwei Jahre nach den Dreharbeiten schreibt er in einem Brief: Il y a beaucoup, beaucoup trop de morts autour de moi, que j’ai aimés, et j’ai pris la décision, après la disparition de Françoise Dorléac, de ne plus assister à aucun enterrement, ce qui, vous le pensez bien, n‘ empêche pas la tristesse d’être là, de tout obscurcir pendant un temps et de ne jamais estomper complètement, même avec les années, car on ne vit pas seulement avec les vivants, mais aussi avec tous ceux qui ont compté dans notre vie. Die Françoise Dorleac, die er hier erwähnt, ist Deneuves Schwester gewesen, die so schrecklich ums Leben kam. 

Die hatte es noch erlebt, dass Catherine mit dem Film ✺Belle de Jour weltberühmt wurde. Das ist der Film, in dem die kühle Arztgattin, die eine Kopie von Hitchcocks Tippi Hedren ist, in einem Bordell arbeitet. Nackt in einem Sarg liegt und von Michel Piccoli mit schmutzigem schwarzen Schlamm beworfen wird. Ich fand das immer die beste Szene des Films. Ich mochte den Film nie. Truffaut drehte bessere Filme, die Deneuve in Waltz into Darknessist lebendiger als die Denueve in ✺Belle de Jour. Truffaut, der mit der Deneuve (wie mit beinahe all seinen Hauptdarstellerinnen) bei den Dreharbeiten eine Affäre hatte, hat einmal angedeutet, dass die Deneuve nur durch ihre Schönheit wirkt, nicht durch ihre schauspielerischen Qualitäten. Aber mit dem ✺Schlamm im Gesicht war sie sehr überzeugend. 

Zehn Jahre nach ihrer Affäre sind sie bei den Dreharbeiten von Die letzte Metro (✺Le Dernier Métro) wieder zusammen, es wird Deneuves berühmtester Film werden. Ein Kassenschlager in Frankreich, zehn von dreizehn möglichen Césars, eine Oscar Nominierung. Für Truffaut war der Film der zweite Teil einer Trilogie über Film, Theater und Musik. Der erste Teil war Die amerikanische Nacht (La Nuit américaine) mit Jacqueline Bisset gewesen. Zu dem dritten Teil L’Agence Magic über eine Pariser Musikertruppe, die es nach Afrika verschlagen hatte, ist Truffaut nicht mehr gekommen. Seinen Drehbuchautoren hatte er geschrieben Je compte sur vous deux pour m’aider à faire un beau film: petits personnages, grands sentiments et surtout des caractères qui vont jusqu’au bout d’eux-mêmes.

Catherine Deneuve hatte sich in jungen Jahren für den Playboy ausgezogen, Thomas Gottschalk hält hier in einer Wetten dass Sendung das Heft in der Hand. Sie hat mit der Sexualität gespielt, in dem Film ✺Begierde ist sie eine lesbische Vampirin. Susan Sarandon hat 1995 in einem Interview zu dem Film gesagt: Man muss nicht betrunken sein, um mit Catherine Deneuve schlafen zu wollen – egal, welche sexuelle Orientierung man vorher hatte.

Von allen Posts, in denen die Deneuve in diesem Blog erwähnt wird (und das sind viele) hat The Vampyre die meisten Leser gefunden. Lesbische Vampire, wahnsinnige Mörderinnen (in Polanskis Ekel) und Freizeitnutten, so etwas kommt immer an. Sie ist im Alter viel besser, wenn sie Odette Swann in der Verfilmung von Prousts ✺Le Temps retrouvé spielt. Oder wenn sie Freuds Prinzessin ist.

Sie hat in mehr als hundert Filmen gespielt, es waren nicht alles gute Filme. An viele wird man sich nicht erinnern. Manchmal genügte es, dass sie da war. Wie in Un Flicvon Jean-Pierre Melville, der über seinen Film sagte: Dans ‚Un flic‘, il y a une femme qui dit en tout et pour tout: ‚Ca va?‘. Et une heure et demie plus tard décroche un téléphone et dit: ‚Oui‘. Et c’est Catherine Deneuve qui a accepté de la faire. Elle a compris qu’étant la seule femme du film tout à coup sa présence devient importante.

Ein Leben auf der Leinwand, so heißt auch die ✺Dokumentation von arte. Ich habe nicht all ihre Filme gesehen, weil ich die blonde kühle Frau nicht so recht mochte. Ich fand ihre Schwester Françoise Dorleac (die hier in dem Post Jean Desailly vorkommt) witziger. Die sprühte vor Leben, hatte nicht vor, reserviert und cool zu sein. Wie alle Menschen, die zurückhaltend sind, fällt es mir schwer, mich zu öffnen. Auch wenn das im Gegensatz zu meinem Beruf steht. Ich gehe nur selten aus mir raus. Viele glauben deshalb, ich sei kühl. Das kann sein. Ich bin eben zurückhaltend, vor allem bei Menschen, die ich nicht kenne, hat Deneuve gesagt. Es ist auch ein Teil von ihrem Image, von ihrem Mythos, an dem sie hart gearbeitet hat. 

Jean-Paul Rappeneau, der die Drehbücher für Zazie dans le métro, Privatleben (mit Brigitte Bardot) und Abenteuer in Rio (mit Françoise Dorleac) schrieb, war durch den Erfolg von La Vie de Chateau verführt, die Deneuve noch einmal in einer Komödie einzusetzten. Die hieß 1975 Die schönen Wilden (✺Le sauvage), man hatte der Deneuve Yves Montand an die Seite gestellt. Sie durfte in dem Film ein klein wenig nackt sein, aber ein wirklich guter Film war das nicht. Ging bei der Verleihung von Preisen auch leer aus. Truffaut hatte schon recht mit der Vermutung, dass die Deneuve mehr durch ihre Schönheit wirkt, als durch ihre schauspielerischen Qualitäten.

Die Dokumentation Deneuve, la reine Catherine vom letzten Jahr sagte in ihrem Ankündigungstext: On la dit froide, secrète et mystérieuse. Elle a la réputation de ne rien laisser percer de ses pensées intimes, de sa vie privée, de ses joies comme de ses tourments. Elle est parvenue à protéger sa famille, ses amours, ses choix de la curiosité des magazines et de son public. Da ist es wieder froide, secrète et mystérieuse. Irgendwie ist das zu häufig strapaziert worden. Meine herzlichen Glückwünsche kommen etwas spät, aber das Joyeux anniversaire! ist nichtsdestoweniger herzlich. Und wenn ich vor zehn Jahren schrieb: Das Geburtstagskind wird in diesem Blog bisher nicht genügend gewürdigt. Irgendwann mache ich das mal wieder gut, dann habe ich das jetzt hingekriegt.